วงดุริยางค์

Orchester National du Capitole de Toulouseในการแสดงต่อสาธารณชนที่ Grain Hall of Toulouse

วงออร์เคสตรา ( / ˈ ɔːr k ɪ s t r ə / ; อิตาลี:  [orˈkɛstra] ) เป็นวงดนตรี ขนาดใหญ่ ตามแบบฉบับของดนตรีคลาสสิกซึ่งผสมผสานเครื่องดนตรีจากตระกูลต่างๆ โดยทั่วไปจะมีสี่ส่วนหลักของตราสาร:

• เครื่องสายโค้งคำนับเช่นไวโอลินวิโอลา เชลโลและดับเบิ้ลเบส
• เครื่องลมไม้เช่นขลุ่ยโอโบคลาริเน็ต แซกโซโฟนบาสซูน
• เครื่องทองเหลืองเช่นฮอร์นทรัมเป็ตทรอมโบนคอร์เนตและทูบา
• เครื่องตีเช่นทิมปานีกลองสแนร์กลองเบสฉิ่ง ฉาบสามเหลี่ยมแทมบูรีนและเครื่องเคาะจังหวะ

เครื่องดนตรีอื่นๆ เช่นเปียโนฮาร์ปซิคอร์ดและเซเลสตาบางครั้งอาจปรากฏในส่วนแป้นพิมพ์ ที่ห้า หรืออาจแยกเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว เช่นฮาร์ปคอนเสิร์ตและสำหรับการแสดงองค์ประกอบสมัยใหม่เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์และกีตาร์ ^{[หมายเหตุ 1]}

วงออเคสตร้าขนาดเต็มวงแบบตะวันตกบางครั้งอาจเรียกว่ากซิมโฟนีออร์เคสตร้าหรือฟิลฮาร์โมนิกออร์เคสตรา(จากภาษากรีก phil-, "loving" และ "harmony") จำนวนนักดนตรีที่ใช้จริงในการแสดงหนึ่งๆ อาจแตกต่างกันไปตั้งแต่เจ็ดสิบถึงมากกว่าหนึ่งร้อยคน ขึ้นอยู่กับงานที่กำลังเล่นและขนาดของสถานที่ กวงแชมเบอร์ออร์เคสตรา (บางครั้งวงออร์เคสตราคอนเสิร์ต) เป็นวงดนตรีขนาดเล็กที่มีนักดนตรีไม่เกินห้าสิบคน ^[1]วงออร์เคสตราที่เชี่ยวชาญในดนตรีสไตล์บาโรกของJohann Sebastian BachและGeorge Frideric Handelหรือคลาสสิกเช่น ของHaydnและMozartมักจะมีขนาดเล็กกว่าวงออเคสตราที่แสดงเพลงแนวโรแมนติก เช่นซิมโฟนีของ Ludwig van BeethovenและJohannes Brahms. วงออร์เคสตราทั่วไปขยายขนาดขึ้นตลอดศตวรรษที่ 18 และ 19 ขึ้นถึงจุดสูงสุดด้วยวงออร์เคสตราขนาดใหญ่ (ที่มีผู้เล่นมากถึง 120 คน ) เรียกหาผลงานของริชาร์ด วากเนอร์ และต่อมาคือกุสตาฟมาห์เลอร์

วงออเคสตร้ามักจะนำโดยวาทยกร ที่กำกับการแสดงด้วยการเคลื่อนไหวของมือและแขน ซึ่งมักจะทำให้นักดนตรีมองเห็นได้ง่าย ขึ้นโดยใช้กระบองของคอนดักเตอร์ ผู้ควบคุมวงดนตรีรวมวงออเคสตรา กำหนดจังหวะและกำหนดเสียงของวงดนตรี ^[2]ผู้ควบคุมวงยังเตรียมวงออเคสตราด้วยการซ้อมนำก่อนคอนเสิร์ตสาธารณะ ซึ่งผู้ควบคุมวงจะให้คำแนะนำแก่นักดนตรีในการตีความเพลงที่กำลังแสดงอยู่

หัวหน้าแผนกไวโอลินกลุ่มแรก หรือที่เรียกกันโดยทั่วไปว่าหัวหน้าคอนเสิร์ตก็มีบทบาทสำคัญในการเป็นผู้นำของนักดนตรีเช่นกัน ใน ยุค ดนตรีบาโรก (ค.ศ. 1600–1750) วงออเคสตร้ามักนำโดยหัวหน้าคอนเสิร์ตหรือนักดนตรีเล่นคอร์ดที่แสดงท่อนเบสโซต่อเนื่องบนฮาร์ปซิคอร์ดหรือไปป์ออร์แกน ซึ่งเป็นประเพณีที่ วงดนตรียุคแรกในศตวรรษที่ 20 และ 21 บางวง จะรวมตัวกัน ดำเนินการต่อ. วงออเคสตร้าเล่นละครเพลงได้หลากหลาย รวมถึงซิมโฟนีโอเปร่าและบัล เลต์ คอน แชร์โต สำหรับเครื่องดนตรี เดี่ยวและเป็นวง ดนตรี สำหรับโอเปร่าบัลเลต์ และ ละครเพลงบางประเภท(เช่นกิลเบิร์ตและซัลลิแวนโอ เปเรตตา )

วงออเคสตร้าสมัครเล่นรวมถึงวงที่ประกอบด้วยนักเรียนจากโรงเรียนประถมหรือมัธยมปลายวงออร์เคสตราเยาวชนและวงออร์เคสตราชุมชน สองคนหลังมักประกอบด้วยนักดนตรีสมัครเล่นจากเมืองหรือภูมิภาคใดภูมิภาคหนึ่ง

คำว่าออร์เคสตรามาจากภาษากรีก ὀρχήστρα ( ออร์เคสตรา ) ซึ่งเป็นชื่อเรียกบริเวณหน้าเวทีในโรงละครกรีกโบราณที่สงวนไว้สำหรับนักร้องประสานเสียงชาวกรีก ^[3]

ประวัติ

ยุคบาโรกและคลาสสิก

ในยุคบาโรก ขนาดและองค์ประกอบของวงออร์เคสตราไม่ได้มาตรฐาน มีความแตกต่างกันอย่างมากในด้านขนาด การบรรเลง และสไตล์การเล่น—และด้วยเหตุนี้ในซาวด์สเคปและจานเสียงของออเคสตร้า—ระหว่างภูมิภาคต่างๆ ของยุโรป วงออเคสตราสไตล์บาโรกมีตั้งแต่วงออร์เคสตราขนาดเล็ก (หรือวงดนตรี) ที่มีผู้เล่นหนึ่งคนต่อหนึ่งส่วน ไปจนถึงวงออเคสตราขนาดใหญ่ที่มีผู้เล่นหลายคนต่อหนึ่งส่วน ตัวอย่างของความหลากหลายที่น้อยกว่าคือวงออร์เคสตราของ Bach เช่นใน Koethen ซึ่งเขาสามารถเข้าถึงวงดนตรีที่มีผู้เล่นได้ถึง 18 คน ตัวอย่างของวงออเคสตราสไตล์บาโรกขนาดใหญ่ ได้แก่ วงออเคสตราของ Corelli ในกรุงโรม ซึ่งมีผู้เล่นระหว่าง 35 ถึง 80 คนสำหรับการแสดงประจำวัน และขยายเป็น 150 คนสำหรับโอกาสพิเศษ ^[4]

ในยุคคลาสสิก วงออร์เคสตรากลายเป็นมาตรฐานมากขึ้นด้วยส่วนเครื่องสายขนาดเล็กถึงขนาดกลางและส่วนเครื่องเป่าแกนกลางที่ประกอบด้วยโอโบ ฟลุต บาสซูน และแตรคู่ บางครั้งเสริมด้วยเครื่องเคาะ คลาริเน็ต และทรัมเป็ต

อิทธิพลของเบโธเฟน

สิ่งที่เรียกว่า "การเติมเต็มมาตรฐาน" ของเสียงลมและเครื่องทองเหลืองที่เพิ่มขึ้นเป็นสองเท่าในวงออร์เคสตราที่บุกเบิกในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และรวมเข้าด้วยกันในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 โดยทั่วไปมีสาเหตุมาจากพลังที่เบโธเฟนเรียกร้องหลังจากไฮเดินน์และโมสาร์ท ^{[ ต้องการอ้างอิง ]}การบรรเลงของเบโธเฟนมักจะรวมเอาขลุ่ย คู่ โอโบคลาริเน็ตบาสซูนฮอร์นและทรัมเป็ตไว้ด้วย ข้อยกเว้นนี้คือซิมโฟนีหมายเลข 4 ของเขา ไวโอลินคอนแชร์โตและเปียโนคอนแชร์โตหมายเลข 4ซึ่งแต่ละอันระบุขลุ่ย เดียว. เบโธเฟนคำนวณการขยายตัวของ "จาน สี " ของทิมบราลนี้อย่างรอบคอบในซิมโฟนี 3, 5, 6 และ 9 เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ ฮอร์นตัวที่สามใน ซิมโฟนี "Eroica"ไม่เพียงแต่ให้ความยืดหยุ่นของฮาร์มอนิกเท่านั้น แต่ยังให้เอฟเฟกต์ของเสียงทองเหลือง "คอรัส" ในการเคลื่อนไหวแบบทรีโอด้วย Piccolo , contrabassoonและtrombonesช่วยเพิ่มชัยชนะให้กับซิมโฟนีหมายเลข 5 ของเขา พิคโกโลและทรอมโบนคู่หนึ่งช่วยส่งเอฟเฟกต์ของพายุและแสงแดดในเพลงSixth หรือที่เรียกว่าPastoral Symphony ที่เก้าขอแตรคู่ที่สอง ด้วยเหตุผลคล้ายกับ "Eroica" (แตรทั้งสี่กลายเป็นมาตรฐานไปแล้ว); การใช้พิคโคโล คอนทร้าบาสซูน ทรอมโบน และเครื่องเพอร์คัช ชันที่ไม่ได้ปรับแต่ง รวมถึง นักร้อง ประสานเสียงและนักร้องเดี่ยวของเบโธเฟนในตอนจบ เป็นคำแนะนำแรกสุดของเขาที่ว่าขอบเขตเสียงทิมบราลของซิมโฟนีอาจขยายออกไป เป็นเวลาหลายสิบปีหลังจากการตายของเขาการบรรเลง ดนตรีซิมโฟนิก ยังคงยึดมั่นในต้นแบบที่เป็นที่ยอมรับของเบโธเฟน โดยมีข้อยกเว้นบางประการ ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

เทคโนโลยีเครื่องดนตรี

Stokowskiและ Philadelphia Orchestra เมื่อวันที่ 2 มีนาคม พ.ศ. 2459 การแสดงรอบปฐมทัศน์ของอเมริกาของMahler 's 8th Symphony

การประดิษฐ์ลูกสูบและวาล์วหมุนโดยHeinrich StölzelและFriedrich Blühmelซึ่งเป็นชาว Silesianในปี 1815 ถือเป็นนวัตกรรมชุดแรกที่ส่งผลกระทบต่อวงออเคสตรา รวมถึงการพัฒนาคีย์เวิร์ดสมัยใหม่สำหรับฟลุตโดยTheobald BoehmและนวัตกรรมของAdolphe Saxในเครื่องลมไม้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งการประดิษฐ์แซกโซโฟน ความก้าวหน้าเหล่านี้จะทำให้Hector Berliozเขียนหนังสือสำคัญเกี่ยวกับเครื่องดนตรีซึ่งเป็นบทความเรื่องแรกอย่างเป็นระบบเกี่ยวกับการใช้เสียงเครื่องดนตรีเป็นองค์ประกอบที่สื่ออารมณ์ของดนตรี ^[5]

อิทธิพลของวากเนอร์

การขยายตัวที่สำคัญครั้งต่อไปของการฝึกซิมโฟนิกมาจาก วง Bayreuth Orchestra ของRichard Wagnerซึ่งก่อตั้งขึ้นเพื่อประกอบละครเพลงของเขา ผลงานบนเวทีของวากเนอร์ได้คะแนนด้วยขอบเขตและความซับซ้อนอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน แท้จริงแล้ว การร้องให้ดาส ไรน์โกลด์ ของเขา ต้องใช้พิณ หก ตัว ด้วยเหตุนี้ วากเนอร์จึงจินตนาการถึงบทบาทที่เรียกร้องมากขึ้นสำหรับวาทยกรของวงออร์เคสตราการละคร ขณะที่เขาอธิบายรายละเอียดเกี่ยวกับผลงานอันทรงอิทธิพลของเขาเรื่องOn Conducting ^[6]สิ่งนี้นำมาซึ่งการปฏิวัติการประพันธ์ดนตรีประกอบวงออเคสตราและกำหนดรูปแบบการแสดงดนตรีวงออเคสตราในอีกแปดสิบปีข้างหน้า ทฤษฎีของวากเนอร์ตรวจสอบความสำคัญของจังหวะไดนามิก อีก ครั้งการคำนับเครื่องสายและบทบาทของครูใหญ่ในวงออร์เคสตรา

วงออร์เคสตราในศตวรรษที่ 20

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 วงดุริยางค์ซิมโฟนีมีขนาดใหญ่ขึ้น มีทุนสนับสนุนมากขึ้น และได้รับการฝึกฝนที่ดีกว่าเมื่อก่อน ดังนั้น นักแต่งเพลงจึงสามารถเขียนผลงานที่ใหญ่ขึ้นและมีความทะเยอทะยานมากขึ้นได้ ผลงานของกุสตาฟ มาห์เลอร์เป็นนวัตกรรมใหม่โดยเฉพาะ ในซิมโฟนีรุ่นหลังของเขา เช่นซิมโฟนีหมายเลข 8 ตัวเบ้อเริ่ม, มาห์เลอร์ก้าวข้ามขอบเขตที่ไกลที่สุดของขนาดวงออเคสตรา โดยใช้กำลังมหาศาล ในช่วงปลายยุคโรแมนซ์ วงออเคสตร้าสามารถรองรับการแสดงซิมโฟนิกรูปแบบต่างๆ ได้มากที่สุด โดยมีเครื่องสายขนาดใหญ่ เครื่องเป่าทองเหลืองขนาดใหญ่ และเครื่องเพอร์คัชชันที่หลากหลาย เมื่อเริ่มยุคการบันทึกเสียง มาตรฐานการแสดงถูกผลักดันไปสู่ระดับใหม่ เนื่องจากสามารถฟังซิมโฟนีที่บันทึกไว้ได้อย่างใกล้ชิด และแม้แต่ข้อผิดพลาดเล็กน้อยในโทนเสียงหรือทั้งมวล ซึ่งอาจมองไม่เห็นในการแสดงสด ก็สามารถรับฟังได้โดยนักวิจารณ์ . เมื่อเทคโนโลยีการบันทึกเสียงดีขึ้นในศตวรรษที่ 20 และ 21 ข้อผิดพลาดเล็กๆ น้อยๆ ในการบันทึกอาจ "แก้ไข" ได้ในที่สุดด้วยการตัดต่อเสียงหรือการอัดเสียงเกิน. วาทยกรและนักแต่งเพลงรุ่นเก่าบางคนสามารถจดจำช่วงเวลาที่เพียงแค่ "ผ่าน" ดนตรีให้ดีที่สุดเท่าที่จะทำได้เป็นมาตรฐาน เมื่อรวมกับจำนวนผู้ชมที่กว้างขึ้นทำให้สามารถบันทึกได้ สิ่งนี้นำไปสู่การโฟกัสใหม่ไปที่ตัวนำดาราโดยเฉพาะและมาตรฐานระดับสูงของการแสดงดนตรีออเคสตร้า ^[7]

การบรรเลง

วงดุริยางค์ซิมโฟนีทั่วไปประกอบด้วยเครื่องดนตรี สี่กลุ่มที่ เกี่ยวข้อง กัน ซึ่งเรียกว่าเครื่องลมไม้ เครื่องเป่า ทองเหลืองเครื่องเคาะและเครื่องสาย บางครั้ง เครื่องดนตรีอื่นๆ เช่นเปียโนและเซเลสตาอาจถูกจัดกลุ่มเป็นส่วนที่ห้า เช่นส่วนคีย์บอร์ดหรืออาจแยกเดี่ยวๆ เช่นพิณคอนเสิร์ตและเครื่องดนตรีไฟฟ้าและอิเล็กทรอนิกส์ วงออร์เคสตราประกอบด้วยเครื่องดนตรีมาตรฐานเกือบทั้งหมดในแต่ละกลุ่มขึ้นอยู่กับขนาด

ในประวัติศาสตร์ของวงออร์เคสตรา เครื่องดนตรีของวงได้รับการขยายออกไปตามกาลเวลา โดยมักจะตกลงให้เป็นมาตรฐานในยุคคลาสสิก [8] ^และอิทธิพล ของ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนต่อแบบจำลองคลาสสิก ^[9]ในศตวรรษที่ 20 และ 21 ความต้องการในการบรรเลงแบบใหม่ได้ขยายการบรรเลงของวงออร์เคสตรา ส่งผลให้มีการใช้เครื่องดนตรีแบบคลาสสิกและเครื่องดนตรีไฟฟ้าและ อิเล็กทรอนิกส์ที่พัฒนาขึ้นใหม่ ในรูปแบบต่างๆ อย่างยืดหยุ่น

คำว่าซิมโฟนีออร์เคสตร้าและฟิลฮาร์โมนิกออร์เคสตร้าอาจใช้เพื่อแยกวงดนตรีต่างๆ ออกจากท้องถิ่นเดียวกัน เช่นลอนดอนซิมโฟนีออร์เคสตราและลอนดอนฟิลฮาร์โมนิกออร์เคสตรา ^{[หมายเหตุ 2]}โดยปกติวงซิมโฟนีหรือฟิลฮาร์โมนิกออร์เคสตร้าจะมีนักดนตรีมากกว่าแปดสิบคนในบัญชีรายชื่อ ในบางกรณีอาจมีมากกว่าร้อยคน แต่จำนวนนักดนตรีจริงที่ใช้ในการแสดงหนึ่งๆ อาจแตกต่างกันไปตามงานที่กำลังเล่นและขนาดของวง สถานที่จัดงาน. ^[1]

วงแชมเบอร์ออร์เคสตร้ามักจะเป็นวงที่เล็กกว่า วงแชมเบอร์ออเคสตร้าอาจจ้างนักดนตรีมากถึงห้าสิบคน แต่บางคนมีจำนวนน้อยกว่ามาก วงออเคสตราคอนเสิร์ตเป็นคำทางเลือก เช่นเดียวกับในBBC Concert OrchestraและRTÉ Concert Orchestra

เครื่องมือขยาย

นอกเหนือจากส่วนประกอบของวงออร์เคสตราหลักแล้ว ยังมีการเรียกเครื่องดนตรีอื่นๆ อีกเป็นครั้งคราว ^[10]ได้แก่ ฟ ลูเกิลฮอร์นและคอร์เน็ต ตัวอย่างเช่นแซกโซโฟนและกีตาร์คลาสสิก ปรากฏในโน้ตดนตรีในช่วงศตวรรษที่ 19 ถึงศตวรรษที่ 21 แม้จะปรากฏเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่โดดเด่นในงานบางชิ้นเท่านั้น ตัวอย่างเช่นการเรียบเรียงโดยMaurice Ravel ของ เพลง Pictures at an ExhibitionของModest MussorgskyและSymphonic DancesของSergei Rachmaninoffแซกโซโฟนยังรวมอยู่ในผลงานอื่นๆ เช่นBoléro ของ Ravel , Sergei Prokofiev 'sห้องชุดโรมิโอและจูเลียตห้องที่ 1 และ 2 , ซิมโฟนีหมายเลข 6และหมายเลข 9ของ วอห์น วิลเลียมส์ และงานฉลองเบลชัสซาร์ของวิลเลียม วอลตันและผลงานอื่นๆ อีกมากมายในฐานะสมาชิกของวงดนตรีออร์เคสตร้า ยูโฟเนียมมีอยู่ในผลงานแนวโรแมนติกและ ช่วงปลายศตวรรษที่ 20 หลายชิ้น ซึ่งมักจะเล่นในส่วนที่มีคำ ว่า"เทเนอร์ทูบา" รวมถึงThe Planetsของกุสตาฟ โฮลสต์และEin Heldenlebenของริชาร์ด สเตราส์ แว็กเนอร์ทูบาเป็นสมาชิกที่ได้รับการดัดแปลงของตระกูลฮอร์น ปรากฏในวัฏจักรของริชาร์ด วากเนอร์Der Ring des Nibelungenและผลงานอื่นๆ อีกหลายชิ้นของ Strauss, Igor Stravinsky (ใน The Rite of Spring ), Béla Bartókและอื่นๆ; มันยังมีบทบาทที่โดดเด่นในของ Anton Bruckner ใน E Major ^คอร์เน็ตปรากฏใน บัลเลต์ Swan Lakeของ Pyotr Ilyich Tchaikovsky , La Merของ Claude Debussyและผลงานออเคสตร้าหลายชิ้นของ Hector Berlioz เว้นแต่สมาชิกจะเล่นเครื่องดนตรีเหล่านี้โดย "เพิ่ม" เครื่องดนตรีอื่นเป็นสองเท่า (เช่น ผู้เล่นทรอมโบนเปลี่ยนเป็นยูโฟเนียม หรือผู้เล่นบาสซูนเปลี่ยนไปใช้contrabassoonสำหรับบางตอน) โดยทั่วไปแล้ววงออร์เคสตราจะจ้าง นักดนตรี อิสระเพื่อเพิ่มวงดนตรีปกติของพวกเขา

วงออเคสตร้าในศตวรรษที่ 20 มีความยืดหยุ่นมากกว่ารุ่นก่อนมาก ในยุคของเบโธเฟนและเฟลิกซ์ เมนเดลโซห์นวงออร์เคสตราประกอบด้วยเครื่องดนตรีหลักที่ค่อนข้างเป็นมาตรฐาน ซึ่งนักแต่งเพลงแทบไม่ได้รับการ^{ดัดแปลง} เมื่อเวลาผ่านไปและเมื่อถึงยุคโรแมนติกก็มีการเปลี่ยนแปลงในการดัดแปลงที่เป็นที่ยอมรับโดยนักแต่งเพลงเช่น Berlioz และ Mahler; นักแต่งเพลงบางคนใช้พิณหลายตัวและ เอฟเฟ กต์เสียงเช่นเครื่องเป่า ในช่วงศตวรรษที่ 20 วงออเคสตร้าสมัยใหม่ได้รับมาตรฐานโดยทั่วไปด้วยเครื่องดนตรีสมัยใหม่ตามรายการด้านล่าง อย่างไรก็ตาม ในช่วงกลางถึงปลายศตวรรษที่ 20 ด้วยการพัฒนาของดนตรีคลาสสิกร่วมสมัยนักแต่งเพลงสามารถเลือกเครื่องดนตรีด้วยมือได้ (เช่น เพิ่มเครื่องดนตรีไฟฟ้าเช่น กีตาร์ไฟฟ้า เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เช่นซินธิไซเซอร์เครื่องดนตรีที่ไม่ใช่ของตะวันตก หรือเครื่องดนตรีอื่นๆ ที่ไม่ได้ใช้แบบดั้งเดิมในวงออร์เคสตรา)

เมื่อคำนึงถึงประวัติศาสตร์นี้ วงออร์เคสตราสามารถวิเคราะห์ได้ใน 5 ยุค: ยุคบาโรก ยุคคลาสสิก ยุคดนตรีโรแมนติกตอนต้น/กลางยุคโรแมนติกตอนปลาย และยุคสมัยใหม่/หลังสมัยใหม่ รวม กัน วงแรกคือ วงออร์เคส ตราสไตล์บาโรก (เช่นJS Bach , Handel , Vivaldi ) ซึ่งโดยทั่วไปมีจำนวนนักแสดงน้อยกว่า และมีเครื่องดนตรีที่ใช้เล่นคอร์ดตั้งแต่หนึ่งเครื่องขึ้นไปคือกลุ่มBasso Continuo (เช่น ฮาร์ปซิคอร์ดหรือไปป์ออร์แกนและคละแบบ เครื่องดนตรีเบสเพื่อเล่นเบสไลน์) มีบทบาทสำคัญ; วงที่สองคือวงออเคสตรายุคคลาสสิกทั่วไป (เช่นบีโธเฟน ยุคแรก ร่วมกับโมสาร์ทและไฮเดิน ) ซึ่งใช้นักแสดงกลุ่มเล็กกว่าวง ออร์เคส ตราเพลงโรแมนติกและเครื่องดนตรีที่ได้มาตรฐานพอสมควร ยุคที่สามเป็นเรื่องปกติของยุคโรแมนติกช่วงต้น/กลาง (เช่นชูเบิร์ต , แบร์ลิออซ , ชูมันน์ , บรามส์ ); วงที่สี่คือวงออร์เคสตราแนวโรแมนติกช่วงปลาย/ต้นศตวรรษที่ 20 (เช่นWagner , Mahler , Stravinsky ) ไปจนถึงวงออร์เคสตราสมัยใหม่ในยุค 2010 (เช่นAdams , Barber, แอรอน คอปแลนด์ , กลาส , เพนเดอเรคกี้ ).

วงดุริยางค์ยุคบาโรกยุคปลาย

วงดุริยางค์คลาสสิก

วงโรแมนติกออร์เคสตร้ายุคแรก

วงโรแมนติกออร์เคสตร้ายุคปลาย

วงออร์เคสตราสมัยใหม่/หลังสมัยใหม่

องค์กร

ดำเนินการวงออเคสตรา

ในกลุ่มตราสารและภายในตราสารแต่ละกลุ่ม มีลำดับชั้นที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป กลุ่มเครื่องดนตรีทุกกลุ่ม (หรือส่วน) มีครูใหญ่ซึ่งมีหน้าที่รับผิดชอบในการเป็นผู้นำกลุ่มและเล่นเดี่ยวของวงออร์เคสตรา ไวโอลินถูกแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม ไวโอลินตัวแรกและไวโอลินตัวที่สอง โดยไวโอลินตัวที่สองเล่นในรีจิสเตอร์ที่ต่ำกว่าไวโอลินตัวแรก เล่นดนตรีประกอบหรือประสานทำนองที่เล่นโดยไวโอลินตัวแรก ไวโอลินหลักตัวแรกเรียกว่าconcertmaster (หรือ "ผู้นำ" ของวงออเคสตราในสหราชอาณาจักร) และไม่เพียงแต่เป็นผู้นำของส่วนเครื่องสายเท่านั้น. ผู้ดูแลคอนเสิร์ตจะเป็นผู้นำใน การปรับแต่งก่อนคอนเสิร์ตและจัดการด้านดนตรีของการจัดการวงออร์เคสตรา เช่น การกำหนดคันชักสำหรับไวโอลินหรือส่วนเครื่องสายทั้งหมด คอนเสิร์ทมาสเตอร์มักจะนั่งทางซ้ายของวาทยกร ซึ่งใกล้กับผู้ชมมากที่สุด นอกจากนี้ยังมีไวโอลินหลักตัวที่ 2 วิโอลาหลัก เชลโลหลัก และเบสหลัก

ทรอมโบนหลักถือเป็นตัวนำของส่วนเสียงทองเหลืองต่ำ ในขณะที่ทรัมเป็ตหลักถือเป็นตัวนำของส่วนเสียงทองเหลืองทั้งหมด ในขณะที่โอโบมักจะให้โน้ตเสียงสำหรับวงออเคสตรา (เนื่องจากการประชุมอายุ 300 ปี) โดยทั่วไปจะไม่มีการกำหนดหลักการของส่วนเครื่องลมไม้ (แม้ว่าในวงเครื่องลมไม้ ฟลุตมักจะเป็นผู้นำโดยสันนิษฐาน) [12 ^]ในทางกลับกัน ครูใหญ่แต่ละคนหารือกับคนอื่นๆ อย่างเท่าเทียมกันในกรณีของความคิดเห็นที่แตกต่างกันทางดนตรี ส่วนใหญ่ยังมีผู้ช่วยอาจารย์ใหญ่ (หรืออาจารย์ใหญ่ร่วมหรืออาจารย์ใหญ่ร่วม) หรือในกรณีของไวโอลินตัวแรก ผู้ช่วยหัวหน้าคอนเสิร์ท ซึ่งมักจะเล่นเป็นตุตตินอกเหนือจากการแทนที่อาจารย์ใหญ่ในยามที่เขาหรือเธอไม่อยู่

ผู้เล่นสตริงส่วนเล่นพร้อมเพรียงกับส่วนที่เหลือของส่วน ยกเว้นในกรณีของการแบ่ง ( divisi) ส่วนที่ส่วนบนและล่างของเพลงมักกำหนดให้เป็น "ด้านนอก" (ใกล้ผู้ชม) และ "ด้านใน" ผู้เล่นที่นั่ง เมื่อมีการร้องท่อนโซโลในท่อนเครื่องสาย หัวหน้าท่อนจะเล่นท่อนนั้นอย่างสม่ำเสมอ หัวหน้าส่วน (หรือครูใหญ่) ของส่วนเครื่องสายยังเป็นผู้รับผิดชอบในการพิจารณาการโค้งคำนับ ซึ่งมักจะขึ้นอยู่กับการคำนับที่กำหนดโดยผู้ดูแลคอนเสิร์ต ในบางกรณี ผู้ควบคุมเครื่องสายอาจใช้การโค้งคำนับที่ต่างไปจากผู้ควบคุมคอนเสิร์ตเล็กน้อย เพื่อให้เป็นไปตามข้อกำหนดในการเล่นเครื่องดนตรีของพวกเขา (เช่น ส่วนดับเบิ้ลเบส) ครูใหญ่ของส่วนเครื่องสายจะนำทางเข้าสำหรับส่วนของตน โดยทั่วไปโดยการยกคันชักขึ้นก่อนทางเข้า เพื่อให้แน่ใจว่าส่วนนั้นเล่นด้วยกัน โดยทั่วไปแล้วผู้เล่นเครื่องเป่าลมและเครื่องเป่าทองเหลืองของ Tutti จะเล่นส่วนที่มีเอกลักษณ์แต่ไม่ใช่เดี่ยว

ในยุคปัจจุบัน นักดนตรีมักจะกำกับโดยวาทยกร แม้ว่าวงออเคสตร้าใน ยุคแรก ๆ จะยังไม่มีก็ตาม แต่ให้บทบาทนี้แทนผู้ดูแลคอนเสิร์ตหรือนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่เล่นต่อเนื่อง วงออเคสตร้าสมัยใหม่บางวงก็ทำโดยไม่มีวาทยกรเช่นกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งวงออเคสตร้าขนาดเล็กและวงที่เชี่ยวชาญในการแสดง ดนตรี ยุคบาโรกและยุคก่อน อย่างถูกต้องตามประวัติศาสตร์ (เรียกว่า "ยุค")

การแสดงดนตรี ซิมโฟนี ออร์เคส ตร้าที่ใช้บ่อยที่สุดคือดนตรี ตะวันตก หรือโอเปร่า อย่างไรก็ตาม วงออเคสตร้าถูกใช้ในดนตรียอดนิยม เป็นบางครั้ง (เช่น บรรเลงร่วมกับวงดนตรีร็อกหรือป๊อปในคอนเสิร์ต) อย่างกว้างขวางในดนตรีประกอบภาพยนตร์และบ่อยครั้งมากขึ้นในดนตรีวิดีโอเกม ออเคสตร้ายังใช้ในประเภทซิมโฟนิกเมทัล คำว่า "ออร์เคสตรา" ยังสามารถใช้กับวงดนตรีแจ๊สเช่น ในการแสดงดนตรี วงใหญ่

การคัดเลือกและแต่งตั้งสมาชิก

ในช่วงทศวรรษที่ 2000 สมาชิกวงออร์เคสตรามืออาชีพที่ดำรงตำแหน่งทั้งหมดมักจะคัดเลือกเพื่อชิงตำแหน่งในวงดนตรี โดยทั่วไปแล้วนักแสดงจะเล่นเพลงเดี่ยวหนึ่งเพลงหรือมากกว่าตามที่ผู้เข้าสอบเลือก เช่น การเคลื่อนไหวของคอนแชร์โต ท่อนร้อง เดี่ยว ของ Bachและข้อความที่ตัดตอนมาจากวรรณกรรมออเคสตร้าต่างๆ ที่โฆษณาในโปสเตอร์ออดิชั่น (เพื่อให้ผู้เข้าฟังสามารถเตรียมตัวได้) ข้อความที่ตัดตอนมามักเป็นท่อนและโซโลที่ท้าทายทางเทคนิคที่สุดจากวรรณกรรมออเครสตร้า โดยทั่วไปแล้วการออเคสตร้าออเคสตร้าจะจัดขึ้นต่อหน้าคณะกรรมการ ที่มี วาทยกรผู้ดูแลคอนเสิร์ต ผู้บรรเลงหลักของส่วนที่ผู้เข้ารับการออดิชั่นสมัคร และอาจมีผู้เล่นหลักคนอื่นๆ

ผู้สมัครที่มีแนวโน้มมากที่สุดจากรอบแรกของการออดิชั่นจะได้รับเชิญให้กลับมาเพื่อออดิชั่นรอบที่สองหรือสาม ซึ่งจะช่วยให้ผู้ควบคุมวงและคณะกรรมการสามารถเปรียบเทียบผู้สมัครที่ดีที่สุดได้ อาจขอให้นักแสดงอ่านดนตรีออเคสตร้า ขั้นตอนสุดท้ายของกระบวนการออดิชั่นในวงออร์เคสตราบางวงคือสัปดาห์ทดสอบซึ่งนักแสดงจะเล่นกับวงออเคสตราเป็นเวลาหนึ่งหรือสองสัปดาห์ ซึ่งช่วยให้ผู้ควบคุมวงและผู้เล่นหลักเห็นว่าแต่ละคนสามารถทำงานได้ดีในการซ้อมและการแสดงจริงหรือไม่ การตั้งค่า

มีรูปแบบการจ้างงานที่หลากหลาย ตำแหน่งที่เป็นที่ต้องการมากที่สุดคือ ตำแหน่ง ถาวรในวงออร์เคสตรา วงออเคสตร้ายังจ้างนักดนตรีตามสัญญา ซึ่งมีตั้งแต่คอนเสิร์ตเดียวไปจนถึงทั้งฤดูกาลหรือมากกว่านั้น อาจจ้างนักแสดงตามสัญญาสำหรับคอนเสิร์ตเดี่ยวเมื่อวงออเคสตรากำลังทำงานวงออเคสตรายุคโรแมนติกตอนปลายที่ใหญ่โตเป็นพิเศษ หรือเพื่อทดแทนสมาชิกถาวรที่ป่วย นักดนตรีมืออาชีพที่ได้รับการว่าจ้างให้แสดงในคอนเสิร์ตเดียวบางครั้งเรียกว่า "รอง" นักดนตรีตามสัญญาบางคนอาจได้รับการว่าจ้างเพื่อแทนที่สมาชิกถาวรในช่วงที่สมาชิกถาวรลาเพื่อเลี้ยงดูบุตรหรือลา ทุพพลภาพ

ประวัติเพศในชุด

ในอดีต วงออเคสตร้ามืออาชีพส่วนใหญ่มักประกอบด้วยผู้ชายเป็นส่วนใหญ่หรือทั้งหมด สมาชิกสตรี กลุ่มแรกที่ได้รับการว่าจ้างในวงออเคสตร้ามืออาชีพคือนักเล่นฮาร์ป ตัวอย่างเช่น Vienna Philharmonicไม่ยอมรับผู้หญิงให้เป็นสมาชิกถาวรจนถึงปี 1997 ซึ่งช้ากว่าวงออเคสตร้าที่เทียบเคียงได้ (วงออเคสตราอื่นๆ ติดอันดับท็อปไฟว์ของโลกโดยGramophoneในปี 2008) ^[13]วงออเคสตราใหญ่วงสุดท้ายที่แต่งตั้งผู้หญิงให้ดำรงตำแหน่งถาวรคือBerlin Philharmonic ^[14] ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2539 Dieter Fluryซึ่งเป็นฟลุตหลักของวง Vienna Philharmonic ได้บอกกับWestdeutscher Rundfunkว่าการยอมรับผู้หญิงจะเป็น "การพนันกับความสามัคคีทางอารมณ์ ( emotionelle Geschlossenheit ) ที่สิ่งมีชีวิตนี้มีในปัจจุบัน" ^[15]ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2539 เลขานุการสื่อมวลชนของวงออเคสตราเขียนว่า ^[16]

ในปี พ.ศ. 2540 วงเวียนนาฟิลฮาร์โมนิก "เผชิญการประท้วงระหว่างการทัวร์ [สหรัฐฯ]" โดยองค์กรแห่งชาติเพื่อสตรีและพันธมิตรระหว่างประเทศเพื่อสตรีในดนตรี ในที่สุด "หลังจากถูกเหยียดหยามมากขึ้นแม้ในออสเตรียที่อนุรักษ์นิยมทางสังคม สมาชิกของวงออเคสตรามารวมตัวกัน [เมื่อวันที่ 28 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2540] ในการประชุมพิเศษก่อนการจากไปของพวกเขา และตกลงยอมรับผู้หญิงคนหนึ่ง แอนนา เลคส์ เป็นนักเล่นพิณ " ^[17]ในปี 2013 วงออร์เคสตรามีสมาชิกหญิงหกคน หนึ่งในนั้นคือนักไวโอลิน Albena Danailova ได้กลายเป็นหนึ่งในปรมาจารย์คอนเสิร์ต ของวงออเคสตรา ในปี 2008 ซึ่งเป็นผู้หญิงคนแรกที่ดำรงตำแหน่งดังกล่าวในวงออเคสตรานั้น ^[18]ในปี 2012 ผู้หญิงคิดเป็น 6% ของสมาชิกวงออเคสตรา ประธาน วปอClemens Hellsbergกล่าวว่าตอนนี้ VPO ใช้การออดิชั่นแบบตาบอดโดย สมบูรณ์ ^[19]

ในปี 2013 บทความในMother Jonesระบุว่าในขณะที่ "[m] วงออร์เคสตราอันทรงเกียรติทุกวงมีสมาชิกที่เป็นผู้หญิงอย่างมีนัยสำคัญ — ผู้หญิงมีจำนวนมากกว่าผู้ชายในแผนกไวโอลินของNew York Philharmonic — และวงดนตรีที่มีชื่อเสียงหลายวง รวมถึง National Symphony Orchestra , Detroit Symphony , และมินนิโซตาซิมโฟนีนำโดยนักไวโอลินหญิง ส่วนดับเบิ้ลเบส , เครื่องเป่าทองเหลืองและเครื่องเพอร์คัชชันของวงเมเจอร์ออร์เคสตร้า "... ยังคงเป็นผู้ชายเป็นหลัก" ^[20]บทความของ BBC ในปี 2014 ระบุว่า "... การแนะนำการออดิชั่นแบบ 'คนตาบอด' ซึ่งนักเล่นดนตรีที่คาดหวังจะแสดงอยู่หลังหน้าจอเพื่อให้คณะกรรมการตัดสินไม่มีอคติทางเพศหรือเชื้อชาติ ได้เห็นความสมดุลทางเพศของซิมโฟนีแบบดั้งเดิมที่มีผู้ชายเป็นใหญ่ วงออร์เคสตราค่อยๆ เปลี่ยนไป” ^[21]

วงสมัครเล่น

นอกจากนี้ยังมีวงออเคสตร้าสมัครเล่นอีกหลากหลายวง:

วงดุริยางค์ของโรงเรียน

วงออร์เคสตร้าเหล่านี้ประกอบด้วยนักเรียนระดับประถมศึกษาหรือมัธยมศึกษา พวกเขาอาจเป็นนักเรียนจากชั้นเรียนดนตรีหรือโปรแกรม หรืออาจดึงมาจากทั้งโรงเรียน วงออ เคสตร้าของโรงเรียนมักจะนำโดยครูสอนดนตรี ในบางกรณี วงออเคสตราของโรงเรียนคือวงออเคสตราเครื่องสายซึ่งประกอบด้วยเฉพาะนักเรียนที่เล่นเครื่องสายโดยนักเรียนจะเล่นเครื่องเป่าลมไม้เครื่องเป่าทองเหลืองและเครื่องเพอร์คัชชันที่รวมกลุ่มกันเป็นวงคอนเสิร์ต

วงออร์เคสตร้าของมหาวิทยาลัยหรือในเรือนกระจก

วงออร์เคสตร้าเหล่านี้ประกอบด้วยนักเรียนจากมหาวิทยาลัยหรือโรงเรียนสอนดนตรี ในบางกรณี วงออร์เคสตร้าของมหาวิทยาลัยจะเปิดให้นักเรียนทุกคนจากมหาวิทยาลัยจากทุกโปรแกรม มหาวิทยาลัยขนาดใหญ่อาจมีวงออเคสตร้าของมหาวิทยาลัยตั้งแต่สองวงขึ้นไป: วงออเคสตราหนึ่งวงหรือมากกว่านั้นประกอบด้วยสาขาวิชาดนตรี (หรือสำหรับโปรแกรมวิชาดนตรีหลัก วงออร์เคสตราสาขาวิชาดนตรีหลายระดับ จัดอันดับตามระดับความสามารถ) และวงออร์เคสตราวงที่สองเปิดรับนักศึกษามหาวิทยาลัยจากภาควิชาการทั้งหมด โปรแกรม (เช่น วิทยาศาสตร์ ธุรกิจ ฯลฯ) ที่เคยมีประสบการณ์ดนตรีคลาสสิกในเครื่องดนตรีออร์เคสตร้ามาก่อน วงออร์เคสตร้าของมหาวิทยาลัยและโรงเรียนสอนดนตรีนำโดยวาทยกรซึ่งโดยปกติจะเป็นศาสตราจารย์หรือผู้สอนในมหาวิทยาลัยหรือโรงเรียนสอนดนตรี

วงดุริยางค์เยาวชน

วงออร์เคสตราเหล่านี้ประกอบด้วยวัยรุ่นและคนหนุ่มสาวที่มาจากทั้งเมืองหรือภูมิภาค ช่วงอายุของวงออร์เคสตราเยาวชนจะแตกต่างกันไปตามวงต่างๆ ในบางกรณี วงดนตรีเยาวชนอาจประกอบด้วยวัยรุ่นหรือเยาวชนจากทั้งประเทศ (เช่น วงออเคสตราเยาวชนแห่งชาติของแคนาดา)

วงดุริยางค์ชุมชน

วงออร์เคสตราเหล่านี้ประกอบด้วยนักแสดงสมัครเล่นที่มาจากทั้งเมืองหรือภูมิภาค วงออเคสตร้าของชุมชนมักประกอบด้วยนักดนตรีสมัครเล่นที่เป็นผู้ใหญ่เป็นส่วนใหญ่ วงออร์เคสตราชุมชนมีตั้งแต่วงออร์เคสตราระดับเริ่มต้นซึ่งซ้อมดนตรีโดยไม่มีการแสดงอย่างเป็นทางการต่อหน้าผู้ชม วงดนตรีระดับกลางไปจนถึงวงมือสมัครเล่นขั้นสูงที่เล่นวงออร์เคสตรามืออาชีพมาตรฐาน ในบางกรณี นักศึกษาดนตรีของมหาวิทยาลัยหรือโรงเรียนสอนดนตรีอาจเป็นสมาชิกวงออร์เคสตราของชุมชนด้วย แม้ว่าสมาชิกวงออร์เคสตราชุมชนส่วนใหญ่จะเป็นมือสมัครเล่นที่ไม่ได้รับค่าตอบแทน แต่ในบางวงออร์เคสตรา อาจมีการว่าจ้างมืออาชีพจำนวนเล็กน้อยให้ทำหน้าที่เป็นผู้เล่นหลักและหัวหน้าหมวด

ละครและการแสดง

วงออเคสตร้าเล่นละครเพลงหลากหลายประเภทตั้งแต่ชุดเต้นรำ ในศตวรรษที่ 17 การแสดงดนตรีในศตวรรษที่ 18 ไปจนถึงเพลง ประกอบภาพยนตร์ในศตวรรษที่ 20 และซิมโฟนีในศตวรรษที่ 21 วงออเคสตร้ามีความหมายเหมือนกันกับซิมโฟนี ซึ่ง เป็นการประพันธ์ดนตรีแบบขยายในดนตรีคลาสสิก ตะวันตก ที่โดยทั่วไปประกอบด้วยการเคลื่อนไหวหลายอย่างซึ่งให้คีย์และจังหวะที่ตัดกัน ซิมโฟนีมีการบันทึกในโน้ตเพลงซึ่งมีส่วนประกอบของเครื่องดนตรีทั้งหมด ตัวนำ_ใช้คะแนนเพื่อศึกษาซิมโฟนีก่อนการซ้อมและตัดสินใจเกี่ยวกับการตีความ (เช่น จังหวะ การเปล่งเสียง การใช้ถ้อยคำ ฯลฯ) และติดตามเพลงระหว่างการซ้อมและการแสดงคอนเสิร์ต ในขณะที่เป็นผู้นำวง นักดนตรีออเคสตร้าเล่นจากส่วนที่มีเพียงดนตรีที่มีสัญลักษณ์สำหรับเครื่องดนตรีของพวกเขา ซิมโฟนีจำนวนน้อยมีส่วนของเสียงร้องด้วย (เช่นซิมโฟนีหมายเลขเก้าของเบโธ เฟน )

วงออเคสตร้ายังแสดงการทาบทามซึ่งเป็นคำที่แต่เดิมใช้กับการแนะนำเครื่องดนตรีของโอเปร่า ^[22]ในช่วงต้นของยุคโรแมนติก นักแต่งเพลง เช่นเบโธเฟนและMendelssohnเริ่มใช้คำนี้เพื่ออ้างถึงเครื่องดนตรีที่เป็นอิสระและดำรงอยู่ในตัวเอง งานเขียนโปรแกรมที่นำเสนอประเภทต่างๆ เช่น บทกวีไพเราะซึ่งเป็นรูปแบบที่Franz Liszt ประดิษฐ์ขึ้น ในงานหลายชิ้น ที่เริ่มเป็นละครทาบทาม สิ่งเหล่านี้เป็น "ในตอนแรกตั้งใจจะเล่นที่หัวของโปรแกรมอย่างไม่ต้องสงสัย" ^{ในช่วง ทศวรรษ}ที่ 1850 การทาบทามคอนเสิร์ตเริ่มถูกแทนที่ด้วยบทกวีไพเราะ

วงออร์เคสตรายังเล่นร่วมกับศิลปินเดี่ยวใน คอน แชร์โต ในระหว่างการเล่นคอนแชร์โต วงออเคสตราจะเล่นดนตรีประกอบให้กับศิลปินเดี่ยว (เช่น นักไวโอลินเดี่ยวหรือนักเปียโน) และในบางครั้ง จะแนะนำธีมดนตรีหรือบทละครสลับฉากในขณะที่ศิลปินเดี่ยวไม่ได้เล่น วงออร์เคสตรายังเล่นในโอเปร่าบัลเลต์งานละครเพลงและงานร้องเพลง (ทั้งงานศักดิ์สิทธิ์ เช่น งานมิสซาและงานฆราวาส) ในโอเปร่าและบัลเลต์ วงออร์เคสตราจะร่วมบรรเลงไปกับนักร้องและนักเต้นตามลำดับ และเล่นเพลงประกอบและสลับฉากโดยที่ท่วงทำนองที่บรรเลงโดยวงออร์เคสตราอยู่บนเวทีกลาง

ผลงาน

ในยุคบาโรก วงออร์เคสตราแสดงในสถานที่ต่างๆ รวมถึงที่บ้านของขุนนางชั้นสูง ในโรงอุปรากรและในโบสถ์ ขุนนางผู้มั่งคั่งบางคนมีวงออเครสตร้าอยู่ในบ้านของพวกเขา เพื่อสร้างความบันเทิงให้กับพวกเขาและแขกของพวกเขาด้วยการแสดง ในยุคคลาสสิก นักแต่งเพลงต้องการความช่วยเหลือทางการเงินจากประชาชนทั่วไปมากขึ้น คอนเสิร์ตออเคสตร้าจึงถูกจัดขึ้นในโถงแสดงคอนเสิร์ต สาธารณะมากขึ้นเรื่อยๆซึ่งคนรักดนตรีสามารถซื้อตั๋วเพื่อฟังวงออร์เคสตราได้ การอุปถัมภ์ของวงออร์เคสตร้าของชนชั้นสูงยังคงดำเนินต่อไปในยุคคลาสสิก แต่สิ่งนี้ดำเนินไปพร้อมกับคอนเสิร์ตสาธารณะ ในศตวรรษที่ 20 และ 21 วงออเคสตร้าพบผู้อุปถัมภ์รายใหม่: รัฐบาล วงออร์เคสตร้าจำนวนมากในอเมริกาเหนือและยุโรปได้รับเงินทุนบางส่วนจากรัฐบาลระดับชาติ ระดับภูมิภาค (เช่น รัฐบาลของรัฐในสหรัฐอเมริกา) หรือรัฐบาลเมือง เงินอุดหนุนจากรัฐบาลเหล่านี้เป็นส่วนหนึ่งของรายได้ของวงออร์เคสตรา ร่วมกับการขายตั๋ว การบริจาคเพื่อการกุศล (หากวงออเคสตราจดทะเบียนเป็นองค์กรการกุศล) และกิจกรรมระดมทุนอื่นๆ ด้วยการคิดค้นเทคโนโลยีที่สืบต่อกันมา ได้แก่การบันทึกเสียงวิทยุกระจายเสียงโทรทัศน์และอินเทอร์เน็ตการสตรีมและการดาวน์โหลดวิดีโอคอนเสิร์ตทำให้วงออเคสตร้าสามารถหาแหล่งรายได้ใหม่ได้

ปัญหาในการปฏิบัติงาน

การปลอมแปลง

หนึ่งใน "หัวข้อ [หัวข้อ] ที่ยอดเยี่ยมของการเล่นวงออเคสตรา" ที่ไม่อาจกล่าวถึงได้คือ " การแกล้งทำ " ซึ่งเป็นกระบวนการที่นักดนตรีวงออเคสตร้าแสดงความรู้สึกผิดๆ ว่า "... ความประทับใจในการเล่นโน้ตทุกตัวตามที่เขียน" ซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะเป็นเนื้อเรื่องที่ท้าทายอย่างมาก สูงหรือเร็วมากในขณะที่ไม่ได้เล่นโน้ตที่อยู่ในส่วนเพลงที่พิมพ์ ^[23]บทความในThe Stradระบุว่านักดนตรีวงออเคสตราทุกคน แม้แต่ผู้ที่อยู่ในวงออร์เคสตราชั้นนำ บางครั้งก็ปลอมแปลงข้อความบางตอน ^[23]เหตุผลหนึ่งที่นักดนตรีเสแสร้งเป็นเพราะมีการซ้อมไม่เพียงพอ ^[23]อีกปัจจัยหนึ่งคือความท้าทายที่รุนแรงในผลงานร่วมสมัยในศตวรรษที่ 20 และศตวรรษที่ 21; มืออาชีพบางคนกล่าวว่า "การปลอมแปลง" นั้น "จำเป็นในงานสมัยใหม่ตั้งแต่สิบถึงเกือบเก้าสิบเปอร์เซ็นต์" ผู้เล่นมืออาชีพที่ถูกสัมภาษณ์มีความเห็นตรงกันว่าการปลอมแปลงอาจยอมรับได้เมื่อส่วนหนึ่งเขียนได้ไม่ดีสำหรับเครื่องดนตรี แต่การแกล้งทำเพลง "เพียงเพราะคุณไม่ได้ฝึกฝน" นั้นไม่เป็นที่^{ยอมรับ [23]}

การต่อต้านการปฏิวัติ

ด้วยการกำเนิดของการเคลื่อนไหวทางดนตรีในยุคแรกเริ่ม วงออร์เคสตราขนาดเล็กที่ผู้เล่นทำงานในรูปแบบที่ได้รับจากการศึกษาตำราเก่าเกี่ยวกับการเล่นกลายเป็นเรื่องธรรมดา สิ่งเหล่านี้รวมถึงOrchestra of the Age of Enlightenment , London Classical Playersภายใต้การดูแลของ Sir Roger NorringtonและAcademy of Ancient Musicภายใต้การดูแลของ Christopher Hogwoodเป็นต้น ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

แนวโน้มล่าสุดในสหรัฐอเมริกา

ในสหรัฐอเมริกา ปลายศตวรรษที่ 20 เกิดวิกฤติด้านเงินทุนและการสนับสนุนวงออร์เคสตรา ขนาดและค่าใช้จ่ายของวงดุริยางค์ซิมโฟนี เมื่อเทียบกับขนาดของฐานผู้สนับสนุน กลายเป็นประเด็นที่กระทบถึงแก่นแท้ของสถาบัน มีวงออร์เคสตร้าไม่กี่วงที่สามารถเติมเต็มหอประชุมได้ และระบบการบอกรับสมาชิกตามเทศกาลที่มีมาแต่โบราณเริ่มผิดสมัยขึ้นเรื่อยๆ เนื่องจากผู้ฟังจะซื้อตั๋วเฉพาะกิจมากขึ้นเรื่อยๆพื้นฐานสำหรับแต่ละเหตุการณ์ เงินบริจาคของวงออเคสตร้าและ - ศูนย์กลางการดำเนินงานประจำวันของวงออเคสตราอเมริกัน - ผู้บริจาควงออเคสตราเห็นว่าพอร์ตการลงทุนหดตัวหรือให้ผลตอบแทนต่ำลงซึ่งลดความสามารถของผู้บริจาคในการสนับสนุน ยิ่งไปกว่านั้น มีแนวโน้มที่ผู้บริจาคจะค้นหาสาเหตุทางสังคมอื่นๆ ที่น่าสนใจกว่า แม้ว่าเงินทุนของรัฐบาลจะเป็นศูนย์กลางของวงอเมริกันน้อยกว่าวงออร์เคสตร้าของยุโรป แต่การลดทุนดังกล่าวยังคงมีความสำคัญต่อวงดนตรีอเมริกัน ในที่สุด รายได้ที่ลดลงอย่างมากจากการบันทึกซึ่งเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงในอุตสาหกรรมการบันทึกเสียงเอง ได้เริ่มช่วงเวลาของการเปลี่ยนแปลงที่ยังไม่ถึงจุดสิ้นสุด ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

วงออเคสตร้าของสหรัฐที่เข้าสู่ภาวะล้มละลายในบทที่ 11ได้แก่Philadelphia Orchestra (เมษายน 2554) และLouisville Orchestra (ธันวาคม 2553); วงออเคสตร้าที่เข้าสู่การล้มละลายในบทที่ 7และหยุดดำเนินการ ได้แก่ Northwest Chamber Orchestra ในปี 2549 Honolulu Orchestra ในเดือนมีนาคม 2554 New Mexico Symphony Orchestraในเดือนเมษายน 2554 และSyracuse Symphonyในเดือนมิถุนายน 2554 เทศกาลออเคสตราในออร์แลนโด รัฐฟลอริดา หยุดดำเนินการ ณ สิ้นเดือนมีนาคม 2554

แหล่งที่มาของปัญหาทางการเงินอย่างหนึ่งที่ได้รับแจ้งและวิจารณ์คือเงินเดือนสูงสำหรับผู้อำนวยการเพลงของวงออร์เคสตราของสหรัฐฯ^[24]ซึ่งทำให้วาทยกรที่มีชื่อเสียงหลายคนต้องลดค่าจ้างในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ^{[25] [26] [27]}ผู้ดูแลดนตรีเช่นMichael Tilson ThomasและEsa-Pekka Salonenแย้งว่าดนตรีใหม่ วิธีใหม่ในการนำเสนอ และความสัมพันธ์ใหม่กับชุมชนสามารถฟื้นฟูวงดุริยางค์ซิมโฟนีได้ Greg Sandowนักวิจารณ์ชาวอเมริกันได้โต้แย้งในรายละเอียดว่าวงออเคสตร้าต้องแก้ไขแนวทางดนตรี การแสดง ประสบการณ์คอนเสิร์ต การตลาด การประชาสัมพันธ์ การมีส่วนร่วมของชุมชน และการนำเสนอเพื่อให้สอดคล้องกับความคาดหวังของผู้ชมในศตวรรษที่ 21 ที่หมกมุ่นอยู่กับวัฒนธรรมสมัยนิยม

ไม่ใช่เรื่องแปลกที่นักแต่งเพลงร่วมสมัยจะใช้เครื่องดนตรีที่แปลกใหม่ รวมถึงซินธิไซเซอร์ต่างๆ เพื่อให้ได้เอฟเฟ็กต์ที่ต้องการ อย่างไรก็ตาม หลาย ๆ คนพบว่าการกำหนดค่าวงออเคสตร้าแบบดั้งเดิมมากขึ้นเพื่อให้มีความเป็นไปได้ที่ดีขึ้นสำหรับสีและความลึก นักแต่งเพลงอย่างจอห์น อดัมส์มักจะใช้วงออร์เคสตราขนาดโรแมนติก เช่นเดียวกับในโอเปร่าเรื่อง Nixon ของอดัมส์ในจีน Philip Glassและอื่น ๆ อาจมีอิสระมากขึ้น แต่ยังคงระบุขอบเขตขนาด โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Glass ได้หันไปใช้วงออร์เคสตราแบบดั้งเดิมในงานต่างๆ เช่นConcerto for Cello and OrchestraและViolin Concerto No. 2

นอกจากเงินทุนที่ลดลงแล้ว วงออร์เคสตร้าของสหรัฐฯ บางวงยังลดบุคลากรโดยรวมลง รวมถึงจำนวนผู้เล่นที่เข้าร่วมการแสดงด้วย ตัวเลขประสิทธิภาพที่ลดลงมักจะจำกัดอยู่ที่ส่วนสตริงเนื่องจากตัวเลขในส่วนนี้มักจะมีความยืดหยุ่น (เนื่องจากผู้เล่นหลายคนมักจะเล่นจากส่วนเดียวกัน) ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

บทบาทของวาทยกร

Apo Hsuใช้กระบองบรรเลงเพลงNTNU Symphony Orchestraในไทเป สาธารณรัฐจีน

การแสดงเป็นศิลปะในการกำกับการ แสดง ดนตรีเช่น คอนเสิร์ตออเคสตร้าหรือการร้องเพลงประสานเสียง หน้าที่หลักของวาทยกรคือกำหนดจังหวะ ตรวจสอบให้แน่ใจว่าสมาชิกต่างๆ ของวงดนตรีเข้าร่วมอย่างถูกต้อง และ "จัดรูปแบบ" การใช้ถ้อยคำตามความเหมาะสม ^[2]ในการถ่ายทอดความคิดและการตีความ วาทยกรสื่อสารกับนักดนตรีเป็นหลักโดยใช้ท่าทางมือ โดยทั่วไป (แม้ว่าจะไม่สม่ำเสมอ) โดยใช้ไม้กระบองช่วยและอาจใช้ท่าทางหรือสัญญาณอื่นๆ เช่น การสบตากับนักแสดงที่เกี่ยวข้อง ^[28]คำแนะนำของผู้ควบคุมมักจะเสริมหรือเสริมด้วยคำสั่งทางวาจาหรือคำแนะนำแก่นักดนตรีในการซ้อมก่อนการแสดง ^[28]

โดยทั่วไปแล้ววาทยกรจะยืนอยู่บนแท่นยกที่มีแท่นดนตรีขนาดใหญ่สำหรับโน้ตเพลงเต็มซึ่งมีโน้ตดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีและเสียงทั้งหมด ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 วาทยกรส่วนใหญ่ไม่ได้เล่นเครื่องดนตรีเมื่อแสดงดนตรี^{แม้ว่าใน}ยุคก่อนๆ ของ^{ประวัติศาสตร์}ดนตรีคลาสสิกการนำวงดนตรีในขณะที่เล่นเครื่องดนตรีถือเป็นเรื่องปกติ ในดนตรียุคบาโรกตั้งแต่คริสต์ทศวรรษ 1600 ถึง 1750 วงดนตรีมักจะนำโดยนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดหรือนักไวโอลินคนแรก) วิธีการที่ในยุคปัจจุบันได้รับการฟื้นฟูโดยผู้กำกับเพลงหลายคนสำหรับเพลงจากช่วงเวลานี้ การแสดงดนตรีขณะเล่นเปียโนหรือซินธิไซเซอร์อาจทำร่วมกับวงดุริยางค์โรง ละคร โดยทั่วไปแล้วการสื่อสารจะไม่ใช้คำพูดในระหว่างการแสดง (นี่คือกรณีอย่างเคร่งครัดในดนตรีศิลปะแต่ในวงดนตรีแจ๊สขนาดใหญ่หรือวงดนตรีป๊อปขนาดใหญ่ อาจมีคำสั่งเสียงเป็นครั้งคราว เช่น "นับเข้า") อย่างไรก็ตาม ในการซ้อมการหยุดชะงักบ่อยครั้งทำให้วาทยกรสามารถบอกทิศทางด้วยวาจาว่าควรเล่นหรือร้องดนตรีอย่างไร

วาทยกรทำหน้าที่เป็นผู้นำทางให้กับวงออเคสตร้าหรือนักร้องประสานเสียงที่พวกเขาแสดง พวกเขาเลือกผลงานที่จะแสดงและศึกษาคะแนนของพวกเขา ซึ่งพวกเขาอาจทำการปรับเปลี่ยนบางอย่าง (เช่น เกี่ยวกับจังหวะ การประกบ การใช้ถ้อยคำ การซ้ำของท่อน และอื่นๆ) ตีความและถ่ายทอดวิสัยทัศน์ให้กับนักแสดง . พวกเขายังอาจเข้าร่วมกับเรื่องขององค์กร เช่น การจัดตารางซ้อม^[29]การวางแผนเทศกาลคอนเสิร์ต การฟังการออดิชั่นและการเลือกสมาชิก และการโปรโมตวงดนตรีของพวกเขาในสื่อ ออเคสตร้านักร้องประสานเสียงวงดนตรีคอนเสิร์ตและวงดนตรี ขนาดใหญ่อื่นๆ เช่นวงดนตรีขนาดใหญ่มักมีวาทยกรเป็นผู้นำ

วงออร์เคสตร้าไร้ผู้ควบคุม

ใน ยุค ดนตรีบาโรก (ค.ศ. 1600–1750) วงออเคส ตร้าส่วนใหญ่นำโดยนักดนตรีคนใดคนหนึ่ง ซึ่งโดยทั่วไปแล้วคือหัวหน้าไวโอลินคนแรก เรียกว่าคอนเสิร์ทมาสเตอร์ ผู้ควบคุมดนตรีจะนำจังหวะของท่อนโดยยกคันธนูเป็นจังหวะ ความเป็นผู้นำอาจมาจากหนึ่งในนักเล่นคอร์ดที่เล่นท่อนเบสโซต่อเนื่องซึ่งเป็นแกนหลักของวงดนตรีบรรเลงสไตล์บาโรกส่วนใหญ่ โดยทั่วไปแล้ว จะเป็นผู้เล่นฮาร์ปซิคอร์ด นักเล่น ไปป์ออร์แกนหรือนักเล่นลูติสต์หรือ นักเล่น ทฤษฎีโบผู้เล่น ผู้เล่นคีย์บอร์ดสามารถเป็นผู้นำวงดนตรีด้วยศีรษะของเขาหรือเธอ หรือโดยการเอามือข้างหนึ่งออกจากคีย์บอร์ดเพื่อนำไปสู่การเปลี่ยนจังหวะที่ยากขึ้น นักเล่นลูเตนหรือนักเล่นทฤษฎีโบอาจนำโดยการยกคอเครื่องดนตรีขึ้นและลงเพื่อระบุจังหวะของชิ้นส่วน หรือนำริทาร์ดในระหว่างจังหวะหรือสิ้นสุด ในงานบางชิ้นซึ่งรวมการขับร้องประสานเสียงและการบรรเลงทั้งมวล บางครั้งใช้ผู้นำสองคน: ผู้ดูแลคอนเสิร์ตนำผู้บรรเลงและผู้แสดงที่เล่นคอร์ดนำนักร้อง ในช่วงดนตรีคลาสสิก ( ค.ศ.  1720–1800) การฝึกใช้เครื่องดนตรีคอร์ดเล่นเบสโซต่อเนื่องค่อยๆ ยุติลง และหายไปอย่างสมบูรณ์ในปี 1800 วงดนตรีเริ่มใช้คอนดักเตอร์นำจังหวะและสไตล์การเล่นของวงออร์เคสตรา ในขณะที่ผู้ดูแลคอนเสิร์ตมีบทบาทเป็นผู้นำเพิ่มเติมสำหรับวง นักดนตรี โดยเฉพาะนักเล่นเครื่องสายที่เลียนแบบการดีดคันธนูและลีลาการเล่นของหัวหน้าวงในระดับที่พอจะเป็นไปได้สำหรับเครื่องสายต่างๆ

ในปี พ.ศ. 2465 แนวคิดของวงออร์เคสตราที่ไม่มีวาทยกรได้รับการฟื้นฟูในยุคหลังการปฏิวัติ ของสหภาพโซเวียต วงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา Persimfansก่อตั้งขึ้นโดยไม่มีผู้ควบคุมวง เนื่องจากผู้ก่อตั้งเชื่อว่าวงนี้ควรได้รับต้นแบบมาจาก รัฐ มาร์กซิสต์ในอุดมคติ ซึ่งทุกคนเท่าเทียมกัน ด้วยเหตุนี้สมาชิกจึงรู้สึกว่าไม่จำเป็นต้องถูกควบคุมโดยกระบองเผด็จการของผู้ควบคุมวง แทนที่จะนำโดยคณะกรรมการซึ่งกำหนดจังหวะและรูปแบบการเล่น แม้ว่ามันจะเป็นความสำเร็จบางส่วนในสหภาพโซเวียต แต่ปัญหาหลักของแนวคิดนี้อยู่ที่จังหวะการ เปลี่ยนแปลงระหว่างการแสดง เพราะแม้ว่าคณะกรรมการจะออกกฤษฎีกาว่าควรเปลี่ยนจังหวะที่ใด ก็ไม่มีผู้นำในวงดนตรีคอยแนะนำการเปลี่ยนแปลงจังหวะนี้ วงออร์เคสตราอยู่รอดมาได้สิบปีก่อนที่ การเมืองเชิงวัฒนธรรม ของสตาลินจะยกเลิกวงด้วยการถอนเงินทุน ^[30]

ในประเทศตะวันตก วงดนตรีบางวง เช่นOrpheus Chamber Orchestraซึ่งตั้งอยู่ในนิวยอร์กซิตี้ ประสบความสำเร็จมากกว่ากับวงออเคสตร้าไร้วาทยกร แม้ว่าการตัดสินใจจะเลื่อนออกไปตามความรู้สึกของความเป็นผู้นำภายในวง (เช่น กระแสลมหลัก และผู้เล่นเครื่องสาย โดยเฉพาะ คอนเสิร์ทมาสเตอร์) คนอื่น ๆ กลับไปสู่ประเพณีของผู้เล่นหลักซึ่งมักจะเป็นนักไวโอลิน เป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์และจัดการซ้อมและแสดงคอนเสิร์ตชั้นนำ ตัวอย่าง ได้แก่Australian Chamber Orchestra , Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson และNew Century Chamber Orchestra รวมทั้งเป็นส่วนหนึ่งของดนตรีในยุคแรกการเคลื่อนไหว วงออเคสตร้าในศตวรรษที่ 20 และ 21 บางวงได้รื้อฟื้นแนวปฏิบัติแบบบาโรกที่ไม่มีวาทยกรบนแท่นสำหรับการแสดงดนตรีแบบบาโรก โดยใช้คอนเสิร์ทมาสเตอร์หรือนักแสดงที่เล่นคอร์ดเบสโซคอนตินูโอ (เช่น ฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกน) เป็นผู้นำวง

ตัวนำหลายตัว

เครื่องดนตรีนอกเวที

งานวงออเคสตราบางงานระบุว่าควรใช้ทรัมเป็ตนอกเวที หรือเครื่องดนตรีอื่นๆ จากวงออเคสตราควรวางไว้นอกเวทีหรือหลังเวที เพื่อสร้างเอฟเฟกต์ลึกลับชวนหลอน เพื่อให้แน่ใจว่าผู้บรรเลงนอกเวทีเล่นทันเวลา บางครั้งผู้ควบคุมวงจะอยู่นอกเวทีโดยมองเห็นผู้ควบคุมหลักได้ชัดเจน ตัวอย่างรวมถึงตอนจบของ " Neptune " จากGustav Holst 's The Planets. ผู้ควบคุมวงหลักนำวงออเคสตร้าขนาดใหญ่และผู้ควบคุมวงถ่ายทอดจังหวะและท่าทางของผู้ควบคุมวงหลักไปยังนักดนตรีที่อยู่นอกเวที (หรือนักดนตรี) ความท้าทายประการหนึ่งในการใช้วาทยกรสองคนคือ วาทยกรคนที่สองอาจหลุดจากการซิงโครไนซ์กับวาทยกรหลัก หรืออาจสื่อความหมายผิด (หรือเข้าใจผิด) ท่าทางของวาทยกรหลัก ซึ่งอาจส่งผลให้เครื่องดนตรีที่อยู่นอกเวทีหมดเวลา ในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21 วงออเคสตร้าบางวงใช้กล้องวิดีโอที่ชี้ไปที่ตัวนำหลักและทีวีวงจรปิดที่ตั้งไว้หน้านักแสดงนอกเวที แทนที่จะใช้ตัวนำสองตัว

ดนตรีร่วมสมัย

เทคนิคของโพลีสไตลิสม์และโพลีเทมโป^[31]ดนตรีทำให้นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 20 และ 21 สองสามคนเขียนเพลงโดยมีวงออร์เคสตราหรือวงดนตรีหลายวงแสดงพร้อมกัน แนวโน้มเหล่านี้ทำให้เกิดปรากฏการณ์ของดนตรีโพลีคอนดักเตอร์ โดยที่ตัวนำย่อยแยกกันทำหน้าที่ควบคุมนักดนตรีแต่ละกลุ่ม โดยปกติแล้ว ตัวนำหลักหนึ่งตัวจะทำหน้าที่นำตัวนำย่อย ซึ่งจะเป็นการกำหนดประสิทธิภาพโดยรวม ใน ภาพยนตร์เรื่อง The Warriorsของเพอร์ซีย์ เกรนเจอร์ซึ่งมีวาทยกรสามคน: วาทยกรหลักของวงออเคสตรา วาทยกรรองกำกับวงเครื่องเป่าทองเหลือง นอกเวที และผู้ควบคุมวงระดับตติยภูมิกำกับเครื่องเพอร์คัสชั่นและฮาร์ป ตัวอย่างหนึ่งในดนตรีออเคสตร้าในช่วงปลายศตวรรษคือKarlheinz Stockhausen 's Gruppenสำหรับวงออเคสตร้าสามวงซึ่งอยู่รอบ ๆ ผู้ชม ด้วยวิธีนี้ "มวลเสียง" สามารถถูกจัดวางให้เป็นสัดส่วนได้ เช่นเดียวกับงานอิเล็กโทรอะคูสติก Gruppenฉายรอบปฐมทัศน์ในโคโลญจน์ในปี 1958 ดำเนินการโดย Stockhausen, Bruno MadernaและPierre Boulez แสดงในปี 1996 โดยSimon Rattle , John CareweและDaniel Harding ^[32]

ดูเพิ่มเติม

• วงดุริยางค์จีน
• มโหรีมโหรี
• รายชื่อวงดุริยางค์ซิมโฟนี
  • รายชื่อวงดุริยางค์ซิมโฟนีในยุโรป
  • รายชื่อวงดุริยางค์ซิมโฟนีในสหรัฐอเมริกา
• รายชื่อวงดนตรีเยาวชนในสหรัฐอเมริกา
• การเพิ่มประสิทธิภาพของวงออเคสตร้า
• การประสานเสียง
• วิทยุดุริยางค์
• ส่วนจังหวะ
• ชวเลขสำหรับวงดุริยางค์
• วงเครื่องสาย

หมายเหตุ

อ้างอิง

อ่านเพิ่มเติม

• เรย์เนอร์, เฮนรี่ (2521). วงออร์เคสตรา: ประวัติศาสตร์ . นักเขียน ไอเอสบีเอ็น 978-0-684-15535-7.
• สปิตเซอร์, จอห์น; ซาสลอว์, โอนีล (2547). กำเนิดวงออร์เคสตรา: ประวัติสถาบัน, ค.ศ. 1650–1815 สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ด ไอเอสบีเอ็น 978-0-19-816434-0.

ลิงค์ภายนอก

วิกิมีเดียคอมมอนส์มีสื่อเกี่ยวกับวงออร์เคสตรา

วิกิคำคมมีการอ้างอิงเกี่ยวกับวงออร์เคสตรา

• ชิสโฮล์ม, ฮิวจ์, เอ็ด. (พ.ศ. 2454). "ดุริยางค์"  . สารานุกรมบริแทนนิกา (พิมพ์ครั้งที่ 11) สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์.