เพลงร็อค

หิน
ต้นกำเนิดของสไตล์	ร็อคแอนด์โรล ร็อคกาบิลลี่ บลูส์ บลูส์ไฟฟ้า พื้นบ้าน ประเทศ จังหวะและบลูส์ แจ๊ส
ต้นกำเนิดทางวัฒนธรรม	ค.ศ. 1940–1950 สหรัฐอเมริกา
เครื่องดนตรีประเภททั่วไป	กีตาร์ เบส กลอง แป้นพิมพ์ เปียโน เสียงร้อง
รูปแบบอนุพันธ์	คลื่นลูกใหม่ หลังความก้าวหน้า ป๊อปโปรเกรสซีฟ
ประเภทย่อย
หินกรด ร็อคทางเลือก อารีน่าร็อค ศิลปะร็อค จังหวะดนตรี คริสเตียนร็อค เดธร็อค ร็อคทดลอง หินโรงรถ แกลมร็อค กรันจ์ร็อค ฮาร์ดร็อค ฮาร์ทแลนด์ร็อค เฮฟวี่เมทัล ( ประเภทย่อย ) อินดี้ร็อค หินลึกลับ โพสต์พังก์ โพสต์ร็อค พาวเวอร์ป๊อป[1] โปรเกรสซีฟร็อค ไซเคเดลิกร็อค พังก์ร็อก ( ประเภทย่อย ) รากหิน ซอฟต์ร็อค สโตเนอร์ร็อค ดนตรีเซิร์ฟ ( รายการทั้งหมด )
แนวผสมผสาน
ป๊อปบาร็อค บลูส์ร็อค คันทรี่ร็อค เต้นรำร็อค อิเล็กทรอนิกส์ร็อค โฟล์คร็อค ฟังก์ร็อค หินอุตสาหกรรม แจ๊สร็อค ละตินร็อค เสียงร็อค ป็อปร็อค หินราคะ แร็พร็อค เร็กเก้ร็อค แซมบ้าร็อค สุฟีร็อค
ฉากภูมิภาค
อาร์เจนตินา อาร์เมเนีย ออสเตรเลีย บังคลาเทศ เบลารุส เบลเยียม บอสเนียและเฮอร์เซโกวีนา บราซิล แคนาดา ชิลี จีน โคลัมเบีย คิวบา โครเอเชีย เดนมาร์ก สาธารณรัฐโดมินิกัน เอกวาดอร์ เอสโตเนีย ฟินแลนด์ ฝรั่งเศส กรีซ ประเทศเยอรมนี กัวเตมาลา เฮติ ฮังการี ไอซ์แลนด์ อินเดีย ประเทศอินโดนีเซีย อิหร่าน ไอร์แลนด์ อิสราเอล อิตาลี ประเทศญี่ปุ่น ลัตเวีย ลิทัวเนีย มาเลเซีย เม็กซิโก เนปาล นิวซีแลนด์ นอร์เวย์ ปากีสถาน เปรู ฟิลิปปินส์ โปแลนด์ โปรตุเกส เปอร์โตริโก โรมาเนีย รัสเซีย เขตทะเลทรายซาฮารา เซอร์เบีย สโลวีเนีย เกาหลีใต้ สเปน ศรีลังกา โลกที่ใช้ภาษาสเปน สวีเดน สวิตเซอร์แลนด์ ไต้หวัน ตาตาร์ ประเทศไทย ไก่งวง ยูเครน สหราชอาณาจักร ประเทศสหรัฐอเมริกา ภาคใต้ อุรุกวัย เวเนซุเอลา ยูโกสลาเวีย แซมเบีย
ฉากท้องถิ่น
กรันจ์[2] แมดเชสเตอร์ ฉากทะเลทรายปาล์ม เสียงซานฟรานซิสโก ทรอนเดลาก
หัวข้ออื่นๆ
แอฟโฟรฟิวชั่น ยุคอัลบั้ม แบ็คบีท การบิดเบือน หอเกียรติยศ โผล่ ดนตรีโปรเกรสซีฟ ความสัมพันธ์กับอุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์ วงดนตรีร็อค คำศัพท์ดนตรีร็อค ร็อคโอเปร่า ร็อคกิซึม ผลกระทบทางสังคม
2024 ในเพลงร็อค

ร็อคเป็นแนวเพลงยอดนิยม ที่กว้าง ซึ่งมีต้นกำเนิดในชื่อ " ร็อคแอนด์โรล " ในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษปี 1940 และต้นทศวรรษปี 1950 และพัฒนาเป็นรูปแบบต่างๆ ตั้งแต่กลางทศวรรษปี 1960 โดยเฉพาะในสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักร ร็อคมีรากฐานมาจากร็อคแอนด์โรล ซึ่งเป็นสไตล์ที่ดึงมาจากแนวเพลงบลูส์ริธึมแอนด์บลูส์และคันทรี โดยตรง ร็อคยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแนวเพลงเช่นบลูส์ไฟฟ้าและโฟล์คและผสมผสานอิทธิพลจากแจ๊สและรูปแบบดนตรีอื่นๆ สำหรับเครื่องดนตรี ร็อคจะเน้นที่กีตาร์ไฟฟ้าโดยปกติจะเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มร็อคที่มีกีตาร์เบสไฟฟ้ากลองและนักร้องหนึ่งคนขึ้นไป โดยปกติแล้วร็อคเป็นเพลงที่มีพื้นฐานมาจากเพลง⁴
₄จังหวะดนตรีที่ใช้รูปแบบบทร้องประสานเสียงแต่แนวเพลงก็มีความหลากหลายอย่างมาก เช่นเดียวกับเพลงป๊อปเนื้อเพลงมักเน้นเรื่องความรักโรแมนติกแต่ก็พูดถึงธีมอื่นๆ มากมายซึ่งมักเป็นเรื่องสังคมหรือการเมือง ร็อคเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในสหรัฐอเมริกาและในโลกตะวันตกส่วนใหญ่ตั้งแต่ช่วงปี 1950 ถึงปี 2010

นักดนตรีร็อคในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เริ่มที่จะผลักดันอัลบั้มให้ก้าวไปข้างหน้ามากกว่าซิงเกิลในฐานะรูปแบบที่โดดเด่นของการแสดงออกและการบริโภคดนตรีที่บันทึกไว้โดยThe Beatlesอยู่แถวหน้าของการพัฒนานี้ การมีส่วนสนับสนุนของพวกเขาทำให้แนวเพลงนี้มีความชอบธรรมทางวัฒนธรรมในกระแสหลักและเริ่มต้นยุคอัลบั้ม ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากร็อค ในอุตสาหกรรมเพลงในอีกหลายทศวรรษต่อมา ในช่วงปลายยุค " ร็อคคลาสสิก " ^[3] ของทศวรรษ 1960 มีแนวเพลงร็อคย่อยที่แตกต่างกันไม่กี่แนวเกิดขึ้น รวมถึงแนวลูกผสมเช่นบลูส์ร็อคโฟล์คร็อค คันทรีร็อค เซาเทิร์นร็อคราการ็อคและแจ๊สร็อคซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาไซเคเดลิกร็อค ซึ่งได้รับอิทธิพลจากแนว ไซเคเดลิกและฮิปปี้ที่ต่อต้านวัฒนธรรมแนวเพลงใหม่ที่เกิดขึ้นรวมถึงโปรเกรสซีฟร็อ ค ซึ่งขยายองค์ประกอบทางศิลปะเฮฟวีเมทัลซึ่งเน้นเสียงที่หนาและก้าวร้าว และกลามร็อคซึ่งเน้นการแสดงและสไตล์ภาพ ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษปี 1970 พังก์ร็อก ได้ตอบโต้ด้วยการเขียนวิจารณ์สังคมและการเมืองอย่างตรงไปตรงมาและมีพลัง พังก์มีอิทธิพลต่อดนตรี แนวนิวเวฟโพสต์พังก์และอัลเทอร์เนทีฟร็อกใน ทศวรรษ ปี 1980

ตั้งแต่ทศวรรษ 1990 อัลเทอร์เนทีฟร็อคเริ่มเข้ามาครอบงำดนตรีร็อคและก้าวเข้าสู่กระแสหลักในรูปแบบของกรันจ์ บริตป็อปและอินดี้ร็อคจากนั้นก็มีดนตรีประเภทฟิวชันย่อยๆ เกิดขึ้น ได้แก่ป็อปพังก์อิเล็กทรอนิกส์ร็อค แร็ปร็อคและแร็ปเมทัลการเคลื่อนไหวบางอย่างเป็นความพยายามอย่างมีสติในการย้อนอดีตของร็อค รวมถึง การฟื้นคืนชีพของดนตรีการาจ ร็อค / โพสต์พังก์ในยุค 2000 ตั้งแต่ทศวรรษ 2010 ร็อคสูญเสียตำแหน่งแนวเพลงยอดนิยมที่โดดเด่นในวัฒนธรรมโลก แต่ยังคงประสบความสำเร็จทางการค้า อิทธิพลที่เพิ่มมากขึ้นของ ดนตรี ฮิปฮอปและดนตรีแดนซ์อิเล็กทรอนิกส์สามารถเห็นได้ในดนตรีร็อค โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน แวดวง เทคโนป๊อปในช่วงต้นทศวรรษ 2010 และการฟื้นคืนชีพของป๊อปพังก์-ฮิปฮอปในยุค 2020

ดนตรีร็อกยังเป็นตัวแทนของวัฒนธรรมและการเคลื่อนไหวทางสังคม ส่งผลให้เกิดวัฒนธรรมย่อยที่สำคัญ เช่นม็อดและร็อกเกอร์ในสหราชอาณาจักร ขบวนการ ฮิปปี้และขบวนการต่อต้านวัฒนธรรมตะวันตก ที่กว้างขึ้น ซึ่งแพร่กระจายจากซานฟรานซิสโกในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษ 1960 ซึ่งหลังนี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้ ในทำนองเดียวกันวัฒนธรรมพังก์ ในช่วงทศวรรษ 1970 ก็ได้ กำเนิด วัฒนธรรมย่อย ประเภทโกธิก พังก์ และอีโม ดนตรีร็อกซึ่ง สืบทอด ประเพณี พื้นบ้านของเพลงประท้วงมีส่วนเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวทางการเมืองเช่นเดียวกับการเปลี่ยนแปลงทัศนคติทางสังคมต่อเชื้อชาติ เพศ และการใช้ยาเสพติด และมักถูกมองว่าเป็นการแสดงออกถึงการกบฏของเยาวชนต่อการบริโภค นิยม และการปฏิบัติตามแบบแผน ของผู้ใหญ่ ในเวลาเดียวกัน ดนตรีร็อกยังประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์อย่างสูง จนถูกกล่าวหาว่าขายชาติ

เสียงของร็อคโดยทั่วไปจะเน้นที่ กีตาร์ไฟฟ้า ขยายเสียงซึ่งปรากฏขึ้นในรูปแบบที่ทันสมัยในช่วงทศวรรษ 1950 พร้อมกับความนิยมของร็อคแอนด์โรล^[5]นอกจากนี้ยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเสียงของนักกีต้าร์บลูส์ไฟฟ้า^[6]เสียงของกีตาร์ไฟฟ้าในดนตรีร็อคมักจะได้รับการสนับสนุนจากกีตาร์เบสไฟฟ้า ซึ่งเป็นผู้บุกเบิกดนตรีแจ๊สในยุคเดียวกัน^[7]และโดยเครื่องเพอร์คัชชันที่เกิดจากชุดกลองที่รวมกลองและฉาบ^[8]เครื่องดนตรีสามชิ้นนี้มักได้รับการเสริมด้วยการรวมเครื่องดนตรีอื่น ๆ โดยเฉพาะคีย์บอร์ดเช่น เปียโน แฮมมอนด์ออร์แกนและเครื่องสังเคราะห์เสียง^[9]เครื่องดนตรีร็อคพื้นฐานได้มาจากเครื่องดนตรีพื้นฐาน ของวง บลูส์ (กีตาร์นำที่โดดเด่น เครื่องดนตรีคอร์ดที่สอง เบส และกลอง) ^[6]กลุ่มนักดนตรีที่แสดงดนตรีร็อคเรียกว่าวงดนตรีร็อคหรือกลุ่มร็อค นอกจากนี้โดยทั่วไปจะประกอบด้วยสมาชิก ระหว่างสามคน ( พาวเวอร์ทรีโอ ) ถึงห้าคน วงดนตรีร็อคมีรูปแบบเป็นวงดนตรีสี่ชิ้นซึ่งสมาชิกจะทำหน้าที่หนึ่งอย่างหรือมากกว่านั้น เช่น นักร้อง มือกีตาร์นำ มือกีตาร์ริธึม มือกีตาร์เบส มือกลอง และมักเป็นนักเล่นคีย์บอร์ดหรือนักดนตรีคนอื่นๆ^[10]

ดนตรีร็อคถูกสร้างขึ้นมาบนพื้นฐานของจังหวะซินโคเปตแบบเรียบง่าย⁴
₄ มิเตอร์ โดยมี กลองสแนร์ซ้ำๆในจังหวะที่สองและสี่^[11]ทำนองมักมีต้นกำเนิดมาจากโหมดดนตรี เก่าๆ เช่นโดเรียนและมิกโซลิเดียนรวมถึง โหมด เมเจอร์และ ไมเนอร์ ฮา ร์ โมนิกมีตั้งแต่ ไตรโทนทั่วไปไปจนถึง เสียงประสาน ที่สมบูรณ์แบบแบบคู่ ขนาน และควินต์และความก้าวหน้าของฮาร์โมนิกที่ไม่ประสานกัน^[11]ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1950 ^[12]และโดยเฉพาะอย่างยิ่งตั้งแต่กลางทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา ดนตรีร็อกมักใช้โครงสร้างแบบท่อนร้อง-ประสานเสียงที่ได้มาจากดนตรีบลูส์และโฟล์ก แต่รูปแบบนี้ก็มีความแตกต่างกันอย่างมาก^[13]นักวิจารณ์เน้นย้ำถึงความหลากหลายและรูปแบบทางสไตล์ของดนตรีร็อก^[14]เนื่องจากประวัติศาสตร์ที่ซับซ้อนและแนวโน้มที่จะยืมรูปแบบดนตรีและวัฒนธรรมอื่นๆ จึงมีการโต้แย้งว่า "เป็นไปไม่ได้ที่จะผูกดนตรีร็อกเข้ากับคำจำกัดความทางดนตรีที่กำหนดไว้อย่างเข้มงวด" ^[15]ในความเห็นของโรเบิร์ต คริสเกา นักข่าวสายดนตรี "ดนตรีร็อกที่ดีที่สุดจะกระตุ้น คุณธรรม ของศิลปะพื้นบ้านเช่น ความตรงไปตรงมา ประโยชน์ใช้สอย ผู้ชมที่เป็นธรรมชาติ ให้เข้ากับปัจจุบันด้วยภาพของเทคโนโลยีสมัยใหม่และความแตกแยกของความทันสมัย " ^[16]

เนื้อเพลงร็อคแตกต่างจากเพลงป๊อปแนวอื่นๆ ในอดีตตรงที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับธีมต่างๆ มากมาย เช่น ความรักโรแมนติก เซ็กส์ การกบฏต่อ " สถาบัน " ความกังวลทางสังคม และวิถีชีวิต^[11]ธีมเหล่านี้สืบทอดมาจากแหล่งต่างๆ เช่นดนตรีป๊อปTin Pan Alley เพลงพื้นบ้านและ เพลง จังหวะและบลูส์ [ ^18] Christgau กล่าวถึงเนื้อเพลงร็อคว่าเป็น "สื่อที่เจ๋ง" โดยใช้สำนวนง่ายๆ และท่อนซ้ำๆ และยืนยันว่า "หน้าที่" หลักของร็อค "เกี่ยวข้องกับดนตรี หรือพูดให้เข้าใจง่ายๆ คือเสียง รบกวน " ^[19]นักดนตรีผิวขาว ผู้ชาย และมักเป็นชนชั้นกลางมักมีอิทธิพลในดนตรีร็อค^[20]และร็อคถูกมองว่าเป็นการหยิบยืมรูปแบบดนตรีของคนผิวดำมาสำหรับผู้ฟังที่เป็นคนหนุ่มสาว ผิวขาว และเป็นผู้ชายเป็นส่วนใหญ่^[21]ด้วยเหตุนี้ จึงเห็นได้ว่าร็อคสามารถแสดงถึงความกังวลของกลุ่มนี้ได้ทั้งในสไตล์และเนื้อเพลง^[22] Christgau เขียนไว้เมื่อปีพ.ศ. 2515 ว่าแม้จะมีข้อยกเว้นบางประการ แต่ "ดนตรีร็อกแอนด์โรลมักสื่อถึงการแสดงออกทางเพศและความก้าวร้าวของผู้ชาย" ^[23]

ตั้งแต่เริ่มมีการใช้คำว่า "ร็อก" แทน "ร็อกแอนด์โรล" ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1960 มักมีการนำไปเปรียบเทียบกับดนตรีป็อป ซึ่งดนตรีป็อปมีลักษณะร่วมกันหลายอย่าง แต่บ่อยครั้งที่มันแตกต่างออกไปด้วยการเน้นที่ความเป็นนักดนตรี การแสดงสด และเน้นไปที่ธีมที่จริงจังและก้าวหน้า ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของอุดมการณ์ของความแท้จริงที่มักจะรวมเข้ากับการตระหนักถึงประวัติศาสตร์และการพัฒนาของแนวเพลงนั้นๆ^[24]ตามที่Simon Frith กล่าว ร็อกคือ "อะไรบางอย่างที่มากกว่าป๊อป อะไรบางอย่างที่มากกว่าร็อกแอนด์โรล" และ "[นักดนตรีร็อกผสมผสานการเน้นที่ทักษะและเทคนิคกับแนวคิดโรแมนติกของศิลปะในฐานะการแสดงออกทางศิลปะ ดั้งเดิม และจริงใจ" ^[24]

ในสหัสวรรษใหม่ คำว่าร็อคถูกนำมาใช้เป็นคำรวมเป็นครั้งคราวซึ่งรวมถึงรูปแบบต่างๆ เช่น เพลงป็อปเพลงเร็กเก้เพลงโซลและแม้แต่ฮิปฮอปซึ่งได้รับอิทธิพลมาแต่ก็มักจะถูกนำมาเปรียบเทียบกันตลอดประวัติศาสตร์^[25]คริสต์เกาได้ใช้คำนี้ในความหมายกว้างๆ เพื่ออ้างถึงเพลงยอดนิยมและเพลงกึ่งยอดนิยมที่ตอบสนองความรู้สึกของเขาในฐานะ "นักดนตรีร็อคแอนด์โรล" รวมถึงความชื่นชอบในจังหวะที่ดี เนื้อเพลงที่มีความหมายพร้อมอารมณ์ขัน และธีมของเยาวชน ซึ่งมี "แรงดึงดูดชั่วนิรันดร์" ที่เป็นกลางมาก "จนดนตรีสำหรับเยาวชนทั้งหมดมีส่วนร่วมในสังคมวิทยาและรายงานภาคสนาม " ในบทเขียนของChristgau's Record Guide: The '80s (1990) เขาบอกว่าความรู้สึกนี้ปรากฏให้เห็นชัดเจนในเพลงของนักร้องนักแต่งเพลงแนวโฟล์คMichelle Shockedแร็ปเปอร์LL Cool Jและวงซินธ์ป็อปดู โอ Pet Shop Boysซึ่ง "เด็กๆ ทุกคนกำลังแสดงตัวตนของตัวเอง" เช่นเดียวกับในเพลงของChuck Berry , RamonesและReplacements ^[26 ]

รากฐานของดนตรีร็อคอยู่ที่ดนตรีร็อคแอนด์โรล ซึ่งมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกาช่วงปลายทศวรรษปี 1940 และต้นทศวรรษปี 1950 และแพร่กระจายไปทั่วโลกอย่างรวดเร็ว ต้นกำเนิดโดยตรงของดนตรีร็อคแอนด์โรลมาจากการผสมผสาน แนว เพลงของคนผิวสี ต่างๆ ในยุคนั้น เช่นดนตรีจังหวะและบลูส์ ดนตรีกอสเปลดนตรีคันทรีและเวสเทิร์น [ ^27]

การดีเบตนั้นเกิดขึ้นจากการบันทึกเสียงจำนวนมากที่ได้รับการเสนอชื่อให้เป็น " แผ่นเสียงร็อกแอนด์โรลชุดแรก " ซึ่งผู้เข้าแข่งขันได้แก่ " Strange Things Happening Every Day " โดยSister Rosetta Tharpe (1944); ^[28] " That's All Right " โดยArthur Crudup (1946), ^[29]ซึ่งต่อมาElvis Presleyก็ได้นำมาร้องใหม่ในปี 1954; " The House of Blue Lights " โดยElla Mae MorseและFreddie Slack (1946); ^[30] " Good Rocking Tonight " ของ Wynonie Harris (1948); ^{[31] "Rock Awhile" ของ} Goree Carter (1949); ^{[32] "} Rock the Joint " ของJimmy Preston (1949) ซึ่ง Bill Haley & His Cometsนำมาร้อง ใหม่ ในปี 1952 เช่นกัน; ^[33]และ " Rocket 88 " โดยJackie Brenstonและ Delta Cats ของเขา (อันที่จริงคือIke Turnerและวงดนตรีของเขา The Kings of Rhythm ) บันทึกโดยSam PhillipsสำหรับChess Recordsในปี 1951 ^[34]

ในปี 1951 ดีเจแห่งเมืองคลีฟแลนด์ รัฐโอไฮโออลัน ฟรีดเริ่มเล่นเพลงจังหวะและบลูส์ (ในตอนนั้นเรียกว่า " เพลงเชื้อชาติ ") ให้กับผู้ฟังหลายเชื้อชาติ และได้รับเครดิตว่าเป็นคนแรกที่ใช้คำว่า "ร็อกแอนด์โรล" เพื่ออธิบายดนตรีประเภทนี้^[35]สี่ปีต่อมา " Rock Around the Clock " (1954) ของBill Haleyกลายเป็นเพลงร็อกแอนด์โรลเพลงแรกที่ขึ้นอันดับ 1 ใน ยอดขายและชาร์ตเพลงทางวิทยุของนิตยสาร Billboardและเปิดประตูสู่กระแสวัฒนธรรมสมัยนิยมใหม่นี้ไปทั่วโลก^{[36] [37]}ศิลปินคนอื่นๆ ที่มีเพลงร็อกแอนด์โรลฮิตในยุคแรกๆ ได้แก่Chuck Berry , Bo Diddley , Fats Domino , Little Richard , Jerry Lee LewisและGene Vincent [ ^34]ในไม่ช้า ร็อกแอนด์โรลก็กลายเป็นกำลังสำคัญในยอดขายแผ่นเสียงของอเมริกา และนักร้องอย่างEddie Fisher , Perry ComoและPatti Pageซึ่งครองตลาดเพลงยอดนิยมในช่วงทศวรรษก่อน พบว่าการเข้าถึงชาร์ตเพลงป๊อปของพวกเขาถูกจำกัดลงอย่างมาก^[38]

ดนตรีร็อกแอนด์โรลถูกมองว่าเป็นแนวเพลงที่แยกย่อยออกมาอย่างชัดเจนหลายแนว รวมทั้งร็อกกาบิลลี่ ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีร็อกแอนด์โรลกับดนตรีคันทรี "บ้านนอก" ซึ่งมักจะเล่นและบันทึกเสียงในช่วงกลางทศวรรษ 1950 โดยนักร้องผิวขาว เช่นคาร์ล เพอร์กินส์เจอร์รี ลี ลูอิสบัดดี้ ฮอลลี และ เอลวิส เพรสลีย์ ซึ่ง ประสบความสำเร็จทางการค้าสูงสุด^{[39] การเคลื่อนไหวของ} ชาวฮิสแปนิกและละตินอเมริกาในดนตรีร็อกแอนด์โรล ซึ่งในที่สุดจะนำไปสู่ความสำเร็จของ ดนตรี ร็อกลาตินและชิคาโนร็อกในสหรัฐอเมริกา เริ่มเพิ่มขึ้นในตะวันตกเฉียงใต้ โดยมี ริตชี วาเลนส์นักดนตรีร็อคแอนด์โรลมาตรฐานและแม้แต่นักดนตรีในแนวเพลงดั้งเดิมอื่นๆ เช่นอัล เฮอริเคนพร้อมด้วยพี่น้องของเขา ไทนี่ มอร์รี และเบบี้ แกบี้ เมื่อพวกเขาเริ่มผสมผสานดนตรีร็อกแอนด์โรลกับคันทรี- เวสเทิร์นในดนตรีนิวเม็กซิโกดั้งเดิม^[40]นอกจากนี้ ในทศวรรษ 1950 ความนิยมของกีตาร์ไฟฟ้าก็เพิ่มขึ้น และการเล่นดนตรีแนวร็อกแอนด์โรลโดยเฉพาะก็ได้รับการพัฒนาโดยนักดนตรีอย่าง ชัค เบอร์รีลิงก์ เรย์และสก็อตตี้ มัวร์^[41]การใช้เสียงบิดเบือนซึ่งริเริ่มโดย นักกีตาร์ สวิงตะวันตกเช่นจูเนียร์ บาร์นาร์ด^[42]และเอลดอน แชมบลินได้รับความนิยมโดยชัค เบอร์รีในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ^[43]การใช้คอร์ดพาวเวอร์ซึ่งริเริ่มโดยฟรานซิสโก ทาร์เรกาและเฮตอร์ วิลลา-โลบอสในศตวรรษที่ 19 และต่อมาโดยวิลลี จอห์นสันและแพต แฮร์ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ได้รับความนิยมโดยลิงก์ เรย์ ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ^[44]

นักวิจารณ์มองว่าดนตรีร็อกแอนด์โรลเสื่อมถอยลงในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 เมื่อถึงปี 1959 การเสียชีวิตของบัดดี้ ฮอลลีเดอะบิ๊กบอปเปอร์และริตชี วาเลนส์ในอุบัติเหตุเครื่องบินตก การเสียชีวิตของเอลวิสไปเป็นทหาร การเสียชีวิตของลิตเติล ริชาร์ดเพื่อไปเป็นนักเทศน์ การดำเนินคดีกับเจอร์รี ลี ลิวอิสและชัค เบอร์รี และการเปิดเผย เรื่องอื้อฉาว เรื่องการรับสินบน (ซึ่งพัวพันกับบุคคลสำคัญๆ รวมถึงอลัน ฟรีด ในการติดสินบนและการทุจริตในการโปรโมตการแสดงหรือเพลงของแต่ละคน) ทำให้รู้สึกว่ายุคของดนตรีร็อกแอนด์โรลที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานั้นได้สิ้นสุดลงแล้ว^[45]

ดนตรีร็อกแผ่ขยายอย่างรวดเร็วจากต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา ซึ่งเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนผ่านสู่ความเป็นอเมริกัน อย่างรวดเร็ว ที่เกิดขึ้นทั่วโลกภายหลังสงครามโลกครั้งที่สอง [ ^46] Cliff Richardได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในเพลงร็อกแอนด์โรลฮิตแรกๆ นอกอเมริกาเหนือด้วยเพลง " Move It " (1959) ซึ่งถือเป็นการบุกเบิกแนวเพลงร็อกอังกฤษอย่าง แท้จริง ^[47]ศิลปินหลายคน โดยเฉพาะอย่างยิ่งTommy Steeleจากสหราชอาณาจักร ประสบความสำเร็จจากการคัฟเวอร์เพลงร็อกแอนด์โรลฮิตหลักของอเมริกา ก่อนที่การบันทึกเสียงจะแพร่กระจายไปทั่วโลก โดยมักจะแปลเป็นภาษาต่างๆ ในท้องถิ่นเมื่อเหมาะสม^{[48] [49]}โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Steele ได้ออกทัวร์ในอังกฤษ สแกนดิเนเวีย ออสเตรเลีย สหภาพโซเวียต และแอฟริกาใต้ ตั้งแต่ปี 1955 ถึงปี 1957 ซึ่งมีอิทธิพลต่อการโลกาภิวัตน์ของดนตรีร็อก^{[48] อัลบั้ม "} Wild One " ของJohnny O'Keefe ในปี 1958 เป็นหนึ่งในเพลงร็อกแอนด์โรลฮิตของออสเตรเลียยุคแรกๆ^[50]ในช่วงปลายทศวรรษปี 1950 เช่นเดียวกับในโลกตะวันตกที่ได้รับอิทธิพลจากอเมริกา ร็อกได้รับความนิยมในประเทศคอมมิวนิสต์ เช่น ยูโกสลาเวีย^[51]และสหภาพโซเวียต^[52]รวมถึงในภูมิภาคต่างๆ เช่น อเมริกาใต้^[49]

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ศิลปิน เพลงบลูส์และบลูส์ร็อก ของอเมริกา ซึ่งถูกแซงหน้าโดยกระแสร็อกแอนด์โรลในสหรัฐอเมริกา กลับได้รับความนิยมในสหราชอาณาจักรอีกครั้ง โดยไปทัวร์คอนเสิร์ตที่ประสบความสำเร็จ^{[53] เพลงฮิต "} Rock Island Line " ของLonnie Donegan ในปี 1955 มีอิทธิพลอย่างมากและช่วยพัฒนาแนวทางของ กลุ่ม ดนตรีสกิฟเฟิลทั่วประเทศ ซึ่งหลายกลุ่ม รวมถึงQuarrymenของJohn Lennon (ต่อมา คือ The Beatles ) ได้เปลี่ยนมาเล่นร็อกแอนด์โรล^[54]ในขณะที่ตลาดร็อกแอนด์โรลในอดีตในสหรัฐอเมริกาเริ่มถูกครอบงำด้วยเพลงป็อปและบัลลาดเบาๆ กลุ่มร็อกอังกฤษในคลับและงานเต้นรำในท้องถิ่นได้พัฒนารูปแบบที่ได้รับอิทธิพลจากผู้บุกเบิกดนตรีบลูส์ร็อกมากขึ้น และเริ่มเล่นดนตรีด้วยความเข้มข้นและแรงขับเคลื่อนที่ไม่ค่อยพบในวงดนตรีอเมริกันผิวขาว^[55]อิทธิพลนี้จะส่งผลต่ออนาคตของดนตรีร็อกผ่านการรุกรานของอังกฤษ [ ^53]

สี่ปีแรกของทศวรรษ 1960 ถือเป็นยุคที่ร็อกแอนด์โรลต้องหยุดพัก^[56]เมื่อไม่นานมานี้ นักเขียนบางคน^{[ พูดคลุมเครือ ]}ได้เน้นย้ำถึงนวัตกรรมและแนวโน้มที่สำคัญในช่วงเวลานี้ ซึ่งหากไม่มีสิ่งเหล่านี้ การพัฒนาในอนาคตก็จะเกิดขึ้นไม่ได้^{[57] [58]}ในขณะที่ร็อกแอนด์โรลยุคแรก โดยเฉพาะอย่างยิ่งการถือกำเนิดของร็อกกาบิลลี ประสบความสำเร็จทางการค้าสูงสุดสำหรับนักแสดงชายและผิวขาว ในยุคนี้ แนวเพลงนี้ถูกครอบงำโดยศิลปินผิวสีและผู้หญิง ร็อกแอนด์โรลไม่ได้หายไปจากวงการดนตรีโดยสิ้นเชิงในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และพลังบางส่วนของดนตรีนี้สามารถเห็นได้จากกระแสความนิยมในการเต้นรำ ต่างๆ ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ซึ่งเริ่มต้นจาก อัลบั้ม " The Twist " (1960) ของChubby Checker ^{[58] [nb 1]}นักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนได้ชี้ให้เห็นถึงการพัฒนาทางเทคนิคที่สำคัญและสร้างสรรค์ที่เกิดขึ้นจากดนตรีร็อกแอนด์โรลในช่วงเวลานี้ ซึ่งรวมถึงการประมวลผลเสียงด้วยระบบอิเล็กทรอนิกส์โดยผู้ริเริ่มอย่างโจ มีคและวิธีการผลิตที่ซับซ้อนของWall of Soundที่ดำเนินการโดยฟิล สเปกเตอร์ [ ^58]

ดนตรีร็อคแอนด์โรลของศิลปินอย่างDuane Eddy , Link Wray และThe Venturesได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมโดยDick Daleซึ่งเพิ่มเสียงสะท้อน แบบ "เปียก" ที่เป็นเอกลักษณ์ การดีดแบบสลับที่รวดเร็ว และ อิทธิพล ของตะวันออกกลางและเม็กซิโกเขาผลิตเพลงฮิตระดับภูมิภาค " Let's Go Trippin ' " ในปี 1961 และเริ่มกระแสเพลงเซิร์ฟ ตามด้วยเพลงอย่าง " Misirlou " (1962) ^[62]เช่นเดียวกับ Dale และDel-Tones ของเขา วงดนตรีเซิร์ฟยุคแรกๆ ส่วนใหญ่ก่อตั้งขึ้นในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ รวมถึงBel-Airs , ChallengersและEddie & the Showmen ^[62] The Chantaysติดอันดับท็อปเท็นของประเทศด้วยเพลง " Pipeline " ในปีพ.ศ. 2506 และเพลงเซิร์ฟที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดน่าจะเป็นเพลง " Wipe Out " ในปีพ.ศ. 2506 โดยวง The Surfarisซึ่งขึ้นถึงอันดับ 2 และอันดับ 10 บน ชาร์ต Billboardในปีพ.ศ. 2508 ^[63]เซิร์ฟร็อกก็เป็นที่นิยมในยุโรปเช่นกันในช่วงเวลานี้ โดยวงThe Shadows จากอังกฤษ มีเพลงฮิตในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ด้วยเพลงบรรเลงอย่าง " Apache " และ " Kon-Tiki " ขณะที่วงเซิร์ฟจากสวีเดนอย่างSpotnicksประสบความสำเร็จทั้งในสวีเดนและอังกฤษ

เพลงเซิร์ฟประสบความสำเร็จทางการค้าสูงสุดในฐานะเพลงป๊อปร้อง โดยเฉพาะอย่างยิ่งผลงานของBeach Boysซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1961 ในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ อัลบั้มแรกของพวกเขามีทั้งเพลงเซิร์ฟร็อคบรรเลง (รวมถึงเพลงคัฟเวอร์ของ Dick Dale) และเพลงร้อง โดยได้รับแรงบันดาลใจจากเพลงร็อคแอนด์โรลดู วอป และเสียงประสานที่ใกล้ชิดของศิลปินป๊อปร้อง เช่น The Four Freshmen [ ^64] เพลง ฮิตติดชาร์ตเพลงแรกของ Beach Boys คือ " Surfin ' " ในปี 1961 ขึ้นถึง อันดับ 100 ของ Billboardและช่วยทำให้กระแสเพลงเซิร์ฟกลายเป็นปรากฏการณ์ระดับประเทศ^[65]มักมีการโต้แย้งว่ากระแสเพลงเซิร์ฟและอาชีพของศิลปินเซิร์ฟเกือบทั้งหมดสิ้นสุดลงอย่างมีประสิทธิผลด้วยการมาถึงของ British Invasion ในปี 1964 เนื่องจากเพลงฮิตเพลงเซิร์ฟส่วนใหญ่ได้รับการบันทึกและเผยแพร่ระหว่างปี 1960 ถึง 1965 ^{[66] [nb 2]}

ภายในสิ้นปี 1962 วงการร็อกของอังกฤษได้เริ่มต้นขึ้นด้วยกลุ่มบีตเช่นThe Beatles , Gerry & the PacemakersและSearchersจากลิเวอร์พูล และFreddie and the Dreamers , Herman's HermitsและThe Holliesจากแมนเชสเตอร์ พวกเขาได้รับอิทธิพลจากอเมริกาหลากหลายรูปแบบ รวมถึงร็อกแอนด์โรล โซล ริธึมแอนด์บลูส์ และดนตรีเซิร์ฟในยุค 1950 ^[67]โดยเริ่มแรกพวกเขาได้ตีความเพลงมาตรฐานอเมริกันใหม่และเล่นให้กับนักเต้น วงดนตรีเช่นThe AnimalsจากนิวคาสเซิลและThemจากเบลฟาสต์ [ ^68]และโดยเฉพาะอย่างยิ่งวงดนตรีจากลอนดอน เช่นThe Rolling StonesและYardbirdsได้รับอิทธิพลโดยตรงจากริธึมแอนด์บลูส์ และดนตรีบลูส์ในเวลาต่อมา^[69]ในไม่ช้า กลุ่มเหล่านี้ก็เริ่มแต่งเพลงของตนเอง โดยผสมผสานดนตรีอเมริกันและผสมผสานกับจังหวะที่มีพลังสูง วงดนตรีบีตมักจะเน้นไปที่ "ท่วงทำนองที่สนุกสนานและน่าดึงดูด" ในขณะที่ วงดนตรี บลูส์ของอังกฤษในยุคแรกๆ มักจะเน้นไปที่เพลงที่ไม่ค่อยมีเนื้อหาทางเพศมากนัก แต่เน้นความรุนแรงมากกว่า โดยมักจะต่อต้านขนบธรรมเนียมประเพณี อย่างไรก็ตาม ในช่วงแรกๆ มีแนวโน้มทางดนตรีที่ข้ามไปมาระหว่างทั้งสองแนวนี้อย่างมาก^[70]ในปี 1963 วงดนตรีบีตที่นำโดยเดอะบีเทิลส์เริ่มประสบความสำเร็จทั่วประเทศอังกฤษ และไม่นานก็มีวงดนตรีที่เน้นดนตรีแนวริธึมแอนด์บลูส์ตามมาในชาร์ตเพลง^[71]

" I Want to Hold Your Hand " เป็นเพลงฮิตอันดับ 1 เพลงแรกของ The Beatles บนBillboard Hot 100 [ 72 ^]อยู่บนชาร์ตอันดับหนึ่งเป็นเวลา 7 สัปดาห์ และอยู่บนชาร์ตรวมทั้งสิ้น 15 สัปดาห์^{[73] [74]}การปรากฏตัวครั้งแรกในรายการ The Ed Sullivan Showเมื่อวันที่ 9 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2507 ซึ่งมีผู้ชมประมาณ 73 ล้านคน (ซึ่งถือเป็นสถิติใหม่สำหรับรายการโทรทัศน์ของอเมริกาในขณะนั้น) ถือเป็นเหตุการณ์สำคัญในวัฒนธรรมป็อปอเมริกัน ในสัปดาห์ของวันที่ 4 เมษายน พ.ศ. 2507 The Beatles ครองตำแหน่งใน ชาร์ตซิงเกิลของ Billboard Hot 100 ถึง 12 อันดับ รวมถึงอันดับ 5 อันดับแรกทั้งหมด The Beatles กลายเป็นวงดนตรีร็อกที่มียอดขายสูงสุดตลอดกาล และมีวงดนตรีอังกฤษจำนวนมากตามมาในชาร์ตของสหรัฐอเมริกา^[70]ในช่วงสองปีถัดมา ศิลปินอังกฤษได้ครองชาร์ตของตนเองและชาร์ตของสหรัฐอเมริกา โดยมีPeter and Gordon , the Animals, ^[75] Manfred Mann , Petula Clark , ^[75] Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman's Hermits, the Rolling Stones, ^[76] the TroggsและDonovan ^[77]ซึ่งทั้งหมดมีซิงเกิลอันดับหนึ่งอย่างน้อยหนึ่งเพลง^[73]ศิลปินสำคัญอื่นๆ ที่ร่วมการรุกรานครั้งนี้ ได้แก่the Kinksและthe Dave Clark Five [ ^{78] [79]}

การรุกรานของอังกฤษช่วยทำให้การผลิตเพลงร็อกแอนด์โรลเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ซึ่งเปิดประตูให้ศิลปินชาวอังกฤษ (และไอร์แลนด์) รายต่อมาประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติได้^[80]ในอเมริกา การรุกรานดังกล่าวถือเป็นการสิ้นสุดของดนตรีเซิร์ฟบรรเลง กลุ่มนักร้องหญิง และ (ชั่วขณะหนึ่ง) ไอดอลวัยรุ่นซึ่งครองชาร์ตเพลงของอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษปี 1950 และ 1960 ^[81]มันทำให้เส้นทางอาชีพของวงดนตรีอาร์แอนด์บีที่มีชื่อเสียง เช่นFats DominoและChubby Checkerต้องสะดุดลง และแม้แต่ทำให้ความสำเร็จในชาร์ตเพลงของวงดนตรีร็อกแอนด์โรลที่ยังอยู่รอด รวมถึงเอลวิส ต้องสะดุดลงชั่วคราว^[82]การรุกรานของอังกฤษยังมีส่วนสำคัญในการเติบโตของแนวเพลงร็อกที่โดดเด่น และทำให้วงร็อกมีบทบาทสำคัญ โดยมีพื้นฐานมาจากกีตาร์และกลอง และผลิตผลงานของตนเองในฐานะนักร้องนักแต่งเพลง^[83]โดยทำตามตัวอย่างที่ตั้งไว้โดยอัลบั้มRubber Soul ปี 1965 ของ The Beatlesโดยเฉพาะ วงดนตรีร็อกอังกฤษวงอื่น ๆ ก็ได้ออกอัลบั้มร็อกที่ตั้งใจให้เป็นการแสดงออกทางศิลปะในปี 1966 รวมถึงAftermathของThe Rolling Stones , Revolverของ The Beatles เองและThe Who 's A Quick Oneเช่นเดียวกับวงดนตรีอเมริกันอย่างBeach Boys ( Pet Sounds ) และBob Dylan ( Blonde on Blonde ) ^[84]

การาจร็อกเป็นรูปแบบดนตรีร็อกดิบๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในอเมริกาเหนือในช่วงกลางทศวรรษ 1960 และเรียกเช่นนี้เนื่องจากมีการรับรู้ว่ามีการซ้อมในโรงรถของครอบครัวในเขตชานเมือง^{[85] [86]}เพลงการาจร็อกมักจะวนเวียนอยู่กับเรื่องราวสะเทือนขวัญในชีวิตมัธยมปลาย โดยเพลงเกี่ยวกับ "เด็กผู้หญิงโกหก" และสถานการณ์ทางสังคมที่ไม่เป็นธรรมเป็นเรื่องธรรมดา^[87]เนื้อเพลงและการถ่ายทอดมักจะก้าวร้าวมากกว่าเรื่องธรรมดาในสมัยนั้น โดยมักจะมีเสียงร้องคำรามหรือตะโกนที่ค่อยๆ กลายเป็นเสียงกรีดร้องที่ไม่ต่อเนื่อง^[85]เพลงเหล่านี้มีตั้งแต่ดนตรีคอร์ดเดียวแบบหยาบๆ (เช่นThe Seeds ) ไปจนถึงดนตรีคุณภาพระดับใกล้เคียงกับนักดนตรีในสตูดิโอ (รวมถึงThe Knickerbockers , The RemainsและThe Fifth Estate ) นอกจากนี้ยังมีรูปแบบที่แตกต่างกันไปใน ^หลายพื้นที่ของประเทศ โดยมีฉากดนตรีที่เฟื่องฟูโดยเฉพาะในแคลิฟอร์เนียและเท็กซัส^{[ 87] รัฐวอชิงตันและโอเรกอนทางตะวันตกเฉียง เหนือ}ของแปซิฟิกอาจมีเสียงดนตรีประจำภูมิภาคที่ชัดเจนที่สุด^[88]

สไตล์นี้ได้รับการพัฒนาจากฉากภูมิภาคตั้งแต่ปีพ.ศ. 2501 "Tall Cool One" (พ.ศ. 2502) โดยวงThe Wailersและ " Louie Louie " โดยวงThe Kingsmen (พ.ศ. 2506) เป็นตัวอย่างกระแสหลักของแนวเพลงนี้ในช่วงก่อร่างสร้างตัว^[89]ในปีพ.ศ. 2506 ซิงเกิลของวงดนตรีการาจเริ่มไต่ชาร์ตระดับประเทศมากขึ้น รวมถึงเพลงของPaul Revere and the Raiders (เมืองบอยซี) ^[90] เพลงของวง The Trashmen (เมืองมินนีอาโปลิส) ^[91]และ เพลง ของวง The Rivieras (เมืองเซาท์เบนด์ รัฐอินเดียนา) ^[92]วงดนตรีการาจที่มีอิทธิพลอื่นๆ เช่นThe Sonics (เมืองแทโคมา รัฐวอชิงตัน) ไม่เคยขึ้นถึงBillboard Hot 100 [ ^93]

การรุกรานของอังกฤษส่งอิทธิพลอย่างมากต่อวงดนตรีแนวการาจ ทำให้มีผู้ฟังทั่วประเทศ ส่งผลให้หลายวง (มักเป็น กลุ่ม เซิร์ฟหรือฮอตร็อด ) รับอิทธิพลจากอังกฤษ และกระตุ้นให้มีการก่อตั้งกลุ่มดนตรีอื่นๆ มากขึ้น^[87]วงดนตรีแนวการาจมีอยู่หลายพันวงในสหรัฐอเมริกาและแคนาดาในยุคนั้น และหลายร้อยวงก็สร้างผลงานฮิตระดับภูมิภาค^[87]แม้จะมีวงดนตรีจำนวนมากที่เซ็นสัญญากับค่ายเพลงระดับใหญ่หรือระดับภูมิภาค แต่ส่วนใหญ่ก็ล้มเหลวทางการค้า โดยทั่วไปแล้ว เป็นที่ยอมรับกันว่าแนวการาจร็อกถึงจุดสูงสุดทั้งในด้านการค้าและศิลปะในราวปี 1966 ^[87]ในปี 1968 แนวเพลงนี้หายไปจากชาร์ตระดับประเทศและระดับท้องถิ่นเป็นส่วนใหญ่ เนื่องจากนักดนตรีสมัครเล่นต้องเผชิญกับการเรียนในมหาวิทยาลัย ทำงาน หรือเกณฑ์ทหาร [ 87 ^]แนวเพลงใหม่ๆ ได้รับการพัฒนาขึ้นเพื่อแทนที่แนวการาจร็อก^{[87] [หมายเหตุ 3]}

แม้ว่าผลกระทบแรกของการรุกรานของอังกฤษต่อเพลงยอดนิยมของอเมริกาจะเกิดขึ้นผ่านการแสดงที่มีจังหวะและ R&B แต่ในไม่ช้าแรงกระตุ้นก็ถูกนำไปใช้โดยวงดนตรีคลื่นลูกที่สองซึ่งได้รับแรงบันดาลใจโดยตรงจากเพลงบลูส์ของอเมริการวมถึงวงRolling StonesและYardbirds ^[95]นักดนตรีบลูส์ชาวอังกฤษในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ได้รับแรงบันดาลใจจากการเล่นอะคูสติกของบุคคลสำคัญ เช่นLead Bellyซึ่งเป็นผู้มีอิทธิพลอย่างมากต่อกระแส Skiffle และRobert Johnson [ ^96]พวกเขานำเสียงที่ดังและขยายมากขึ้น โดยมักจะเน้นที่กีตาร์ไฟฟ้า โดยอิงจากเพลงชิคาโกบลูส์โดยเฉพาะหลังจากการทัวร์อังกฤษของวง Muddy Watersในปี 1958 ซึ่งกระตุ้นให้Cyril DaviesและAlexis Korner มือกีตาร์ ก่อตั้งวงBlues Incorporated ^[97]วงดนตรีนี้ได้มีส่วนร่วมและเป็นแรงบันดาลใจให้กับบุคคลสำคัญมากมายใน ยุค บลูส์ของอังกฤษ ในเวลาต่อมา รวมถึงสมาชิกของวง Rolling Stones และวง Creamโดยผสมผสานมาตรฐานและรูปแบบของเพลงบลูส์เข้ากับเครื่องดนตรีและเน้นไปที่ดนตรี ร็อก ^[55]

อีกหนึ่งจุดสนใจหลักสำหรับบลูส์อังกฤษคือจอห์น เมย์ออลล์วงของเขาที่ชื่อว่าBluesbreakersมีเอริก แคลปตัน (หลังจากที่แคลปตันออกจากวง Yardbirds) และต่อมาคือปีเตอร์ กรีนสิ่งสำคัญโดยเฉพาะคือการเปิดตัว อัลบั้ม Blues Breakers with Eric Clapton (Beano) (1966) ซึ่งถือเป็นอัลบั้มบลูส์อังกฤษที่มีอิทธิพลและได้รับความนิยมอย่างมากทั้งในอังกฤษและสหรัฐอเมริกา^[98]เอริก แคลปตันได้ก่อตั้งซูเปอร์กรุ๊ปอย่าง Cream, Blind FaithและDerek and the Dominosตามมาด้วยอาชีพเดี่ยวที่ยาวนานซึ่งช่วยนำบลูส์ร็อกเข้าสู่กระแสหลัก^[97]กรีนได้ร่วมกับมิก ฟลีตวูดและจอห์น แม็กวี นักดนตรีแนวริธึมของวง Bluesbreakers ก่อตั้ง วง Fleetwood Macของปีเตอร์ กรีนซึ่งประสบความสำเร็จทางการค้าสูงสุดในแนวเพลงนี้^[97]ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 เจฟฟ์ เบ็คซึ่งเป็นศิษย์เก่าของวง Yardbirds ได้นำแนวเพลงบลูส์ร็อกไปสู่แนวเพลงร็อกหนักร่วมกับวงของเขาที่มีชื่อว่าJeff Beck Group [ ^97]มือกีตาร์คนสุดท้ายของวง Yardbirds คือจิมมี่ เพจซึ่งต่อมาได้ก่อตั้ง วง The New Yardbirdsและต่อมาก็กลายเป็นLed Zeppelinเพลงหลายเพลงในอัลบั้มสามชุดแรกของพวกเขา และบางครั้งในช่วงหลังของอาชีพการงานของพวกเขา ล้วนเป็นการขยายความจากเพลงบลูส์ดั้งเดิม^[97]

ในอเมริกา บลูส์ร็อคได้รับการริเริ่มในช่วงต้นทศวรรษ 1960 โดยLonnie Mackนัก กีตาร์ ^[99]แต่แนวเพลงนี้เริ่มได้รับความนิยมในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เมื่อศิลปินพัฒนาเสียงที่คล้ายกับนักดนตรีบลูส์ชาวอังกฤษ ศิลปินสำคัญ ได้แก่Paul Butterfield (ซึ่งวงดนตรีของเขาเล่นเหมือนกับ Mayall's Bluesbreakers ในอังกฤษซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของนักดนตรีที่ประสบความสำเร็จหลายคน) Canned Heat , Jefferson Airplaneในยุคแรก, Janis Joplin , Johnny Winter , J. Geils BandและJimi Hendrixกับพาวเวอร์ทรีโอ ของเขา , Jimi Hendrix Experience (ซึ่งมีสมาชิกชาวอังกฤษสองคนและก่อตั้งขึ้นในอังกฤษ) และBand of Gypsysซึ่งฝีมือการเล่นกีตาร์และการแสดงของพวกเขาได้รับการเลียนแบบมากที่สุดในช่วงทศวรรษนั้น^[97]วงดนตรีบลูส์ร็อคจากรัฐทางใต้ เช่นAllman Brothers Band , Lynyrd SkynyrdและZZ Topได้ผสมผสาน องค์ประกอบ ของคันทรีเข้ากับสไตล์ของพวกเขาเพื่อสร้างแนวเพลงร็อกทางใต้ที่ โดดเด่น ^[100]

วงดนตรีบลูส์ร็อกในยุคแรกมักจะเลียนแบบดนตรีแจ๊ส เล่นดนตรีแบบยาวๆ ที่มีการด้นสด ซึ่งต่อมาจะกลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของดนตรีโปรเกรสซีฟร็อก ตั้งแต่ปี 1967 เป็นต้นมา วงดนตรีอย่าง Cream และ Jimi Hendrix Experience ได้ละทิ้งดนตรีที่เน้นเฉพาะแนวบลูส์ไปเป็นแนวไซเคเดเลีย [ ^101]ในช่วงทศวรรษปี 1970 ดนตรีบลูส์ร็อกเริ่มมีความหนักหน่วงมากขึ้นและมีริฟฟ์มากขึ้น ซึ่งเห็นได้จากผลงานของ Led Zeppelin และDeep Purpleและเส้นแบ่งระหว่างดนตรีบลูส์ร็อกและฮาร์ดร็อก "แทบจะมองไม่เห็น" ^[101]เมื่อวงดนตรีเริ่มบันทึกอัลบั้มแนวร็อก^[101]แนวเพลงนี้ยังคงดำเนินต่อไปในช่วงทศวรรษปี 1970 โดยบุคคลสำคัญอย่างจอร์จ โธโรกูดและแพ ต ทราเวอร์ส^[97]แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในฉากของอังกฤษ (ยกเว้นบางทีการถือกำเนิดของกลุ่มต่างๆ เช่นStatus QuoและFoghatที่มุ่งสู่รูปแบบบูจี้ร็อก ที่มีพลังสูงและซ้ำซาก ) วงดนตรีเริ่มมุ่งเน้นไปที่ นวัตกรรม เฮฟวีเมทัลและบลูส์ร็อกก็เริ่มหลุดออกจากกระแสหลัก^[102]

ในช่วงทศวรรษ 1960 วงการดนตรีพื้นบ้านของอเมริกาได้พัฒนาจนกลายเป็นกระแสหลัก โดยใช้ดนตรีพื้นบ้านและผลงานเพลงใหม่ในรูปแบบดั้งเดิม มักจะใช้เครื่องดนตรีอะคูสติก^[103]ในอเมริกา แนวเพลงนี้ได้รับการริเริ่มโดยบุคคลสำคัญ เช่นวูดดี กูธรีและพีท ซีเกอร์และมักถูกมองว่าเป็น แนวการเมือง แบบก้าวหน้าหรือแนวแรงงาน^[103]ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 บุคคลสำคัญ เช่นโจน บาเอซและบ็อบ ดีแลนได้กลายมาเป็นแนวเพลงแนวนี้ในฐานะนักร้องนักแต่งเพลง[ ^104]ดีแลนเริ่มเข้าถึงกลุ่มผู้ฟังทั่วไปด้วยเพลงฮิตอย่าง " Blowin' in the Wind " (1963) และ " Masters of War " (1963) ซึ่งนำ " เพลงประท้วง " ไปสู่สาธารณชนที่กว้างขึ้น^[105]แต่ถึงแม้ว่าจะเริ่มมีอิทธิพลต่อกันและกัน แต่ดนตรีร็อกและดนตรีพื้นบ้านก็ยังคงเป็นแนวเพลงที่แยกจากกันเป็นส่วนใหญ่ โดยมักจะมีผู้ฟังที่แยกจากกัน^[106]

ความพยายามในช่วงแรกที่จะผสมผสานองค์ประกอบของดนตรีโฟล์คและร็อกเข้าด้วยกันรวมถึงเพลง " House of the Rising Sun " (1964) ของวง Animals ซึ่งเป็นเพลงโฟล์คที่ประสบความสำเร็จทางการค้าเพลงแรกที่บันทึกโดยใช้เครื่องดนตรีร็อกแอนด์โรล^[107]และเพลง " I'm a Loser " (1964) ของวง Beatles ซึ่งถือได้ว่าเป็นเพลงแรกของ Beatles ที่ได้รับอิทธิพลโดยตรงจาก Dylan ^[108]การเคลื่อนไหวโฟล์คร็อกมักถูกมองว่าเริ่มต้นขึ้นจาก การที่ วง Byrdsบันทึกเพลง " Mr. Tambourine Man " ของ Dylan ซึ่งขึ้นสู่อันดับหนึ่งของชาร์ตในปี 1965 ^[106]ด้วยสมาชิกที่เคยเป็นส่วนหนึ่งของฉากโฟล์คตามร้านกาแฟในลอสแองเจลิส วง Byrds นำเครื่องดนตรีร็อกมาใช้ รวมถึงกลองและ กีตาร์ Rickenbacker 12 สาย ซึ่งกลายมาเป็นองค์ประกอบสำคัญในเสียงของแนวเพลงนี้^[106]ในช่วงปลายปีนั้น Dylan ได้นำเครื่องดนตรีไฟฟ้ามาใช้ ซึ่งทำให้ ผู้ชื่นชอบ ดนตรีโฟล์คแบบดั้งเดิม จำนวนมาก ไม่พอใจ โดยเพลง " Like a Rolling Stone " ของเขากลายเป็นซิงเกิลฮิตในสหรัฐอเมริกา^[106]ตามที่Ritchie Unterberger กล่าว Dylan (แม้กระทั่งก่อนที่เขาจะรับเครื่องดนตรีไฟฟ้ามาใช้) ได้มีอิทธิพลต่อนักดนตรีร็อค เช่น The Beatles โดยแสดงให้เห็น "แก่คนรุ่นร็อคโดยทั่วไปว่าอัลบั้มสามารถเป็นผลงานที่โดดเด่นได้โดยไม่ต้องมีซิงเกิลฮิต" เช่นในThe Freewheelin' Bob Dylan (1963) ^[109]

โฟล์กร็อกได้รับความนิยมอย่างมากในแคลิฟอร์เนีย ซึ่งทำให้วงดนตรีอย่างMamas & the PapasและCrosby, Stills และ Nashเริ่มหันมาใช้เครื่องดนตรีไฟฟ้า และในนิวยอร์ก ซึ่งทำให้มีศิลปินอย่างLovin' SpoonfulและSimon and Garfunkel เข้ามามีส่วนร่วม โดยนำเพลงอะคูสติก " The Sounds of Silence " (1965) ของ Simon and Garfunkel มามิกซ์ใหม่ด้วยเครื่องดนตรีร็อคจนกลายเป็นเพลงฮิตเพลงแรกในบรรดาเพลงฮิตอีกมากมาย^[106]วงดนตรีเหล่านี้มีอิทธิพลโดยตรงต่อศิลปินชาวอังกฤษ เช่น Donovan และFairport Convention [ ^106]ในปี 1969 Fairport Convention ได้เลิกนำเพลงคัฟเวอร์สัญชาติอเมริกันและเพลงที่ได้รับอิทธิพลจาก Dylan มาเล่นดนตรีโฟล์กร็อกดั้งเดิมของอังกฤษด้วยเครื่องดนตรีไฟฟ้าแทน^[110]ดนตรีโฟล์ค-ร็อกของอังกฤษนี้ได้รับการนำมาใช้โดยวงดนตรีต่างๆ เช่นPentangle , Steeleye SpanและAlbion Bandซึ่งต่อมาก็ได้กระตุ้นให้วงดนตรีไอริชเช่นHorslipsและวงดนตรีสก็อตแลนด์เช่นJSD Band , Spencer's Feat และต่อมามีFive Hand Reelที่ใช้ดนตรีดั้งเดิมของพวกเขาเพื่อสร้างแบรนด์เซลติกร็อกในช่วงต้นทศวรรษปี 1970 ^[111]

โฟล์ก-ร็อกได้รับความนิยมสูงสุดในช่วงปี 1967–68 ก่อนที่วงดนตรีหลายวงจะย้ายออกไปในทิศทางต่างๆ รวมถึง ดีแลนและเดอะเบิร์ดส์ ซึ่งเริ่มพัฒนา แนวเพลง คันทรีร็อก [ ^112]อย่างไรก็ตาม การผสมผสานระหว่างโฟล์กและร็อกถูกมองว่ามีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีร็อก โดยนำเอาองค์ประกอบของไซเคเดเลียเข้ามา และช่วยพัฒนาแนวคิดของนักร้องนักแต่งเพลง เพลงประท้วง และแนวคิดเรื่อง "ความแท้จริง" ^{[106] [113]}

ดนตรีไซคีเดลิก ได้รับแรงบันดาลใจจาก LSDซึ่งเริ่มต้นจากแนวโฟล์ค^[114]วงดนตรีแรกที่โฆษณาตัวเองว่าเป็นไซคีเดลิกร็อกคือ13th Floor Elevatorsจากเท็กซัส^[114] The Beatles ได้แนะนำองค์ประกอบหลักๆ หลายอย่างของเสียงไซคีเดลิกให้ผู้ฟังได้รู้จักในช่วงเวลานี้ เช่นเสียงฟีดแบ็กจากกีตาร์เสียงซิตาร์อินเดียและเอฟเฟกต์เสียงแบ็คมาสก์ [ ^115]ไซคีเดลิกร็อกได้รับความนิยมเป็นพิเศษในแนวเพลงใหม่ของแคลิฟอร์เนีย โดยกลุ่มต่างๆ ทำตามการเปลี่ยนจากโฟล์คไปเป็นโฟล์คร็อก ของ The Byrdsตั้งแต่ปี 1965 ^[115]ไลฟ์สไตล์ไซคีเดลิก ซึ่งเกี่ยวข้องกับยาเสพติดหลอนประสาท ได้พัฒนาขึ้นแล้วในซานฟรานซิสโก และผลผลิตที่โดดเด่นเป็นพิเศษของแนวเพลงนี้ ได้แก่Big Brother and the Holding Company , Grateful DeadและJefferson Airplane ^{[115] [116]} Jimi Hendrixมือกีตาร์นำของThe Jimi Hendrix Experienceได้เล่นดนตรีแนว jam ที่บิดเบือนและเต็มไปด้วยเสียงสะท้อน ซึ่งกลายมาเป็นคุณลักษณะสำคัญของดนตรีแนวไซเคเดลิก^[115]ดนตรีแนวไซเคเดลิกร็อกถึงจุดสูงสุดในช่วงปีสุดท้ายของทศวรรษ ในปี 1967 The Beatles ได้ออกผลงานแนวไซเคเดลิกที่ชัดเจนในวง Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Bandซึ่งรวมถึงเพลงที่มีเนื้อหาขัดแย้งอย่าง " Lucy in the Sky with Diamonds " วง Rolling Stones ตอบสนองในปลายปีนั้นด้วยเพลงTheir Satanic Majesties Request ^[115]และวงPink Floydได้เปิดตัวครั้งแรกกับวง The Piper ที่ Gates of Dawn ผลงานบันทึกเสียงหลัก ได้แก่ Surrealistic Pillowของ Jefferson Airplane และอัลบั้มเปิดตัวชื่อเดียวกันของวง The Doorsแนวโน้มเหล่านี้ถึงจุดสูงสุดในเทศกาล Woodstock ในปี 1969 ซึ่งมีการแสดงของวงดนตรีไซเคเดลิกหลักๆ ส่วนใหญ่^[115]

ต่อมา Sgt. Pepperได้รับการยกย่องว่าเป็นอัลบั้มที่ดีที่สุดตลอดกาลและเป็นจุดเริ่มต้นของยุคอัลบั้มซึ่งในช่วงเวลานั้นเพลงร็อคเปลี่ยนผ่านจากรูปแบบซิงเกิลไปเป็นอัลบั้มและได้รับความยอมรับทางวัฒนธรรมในกระแสหลัก^[117]ภายใต้การนำของวง Beatles ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 ^[118]นักดนตรีร็อคได้ผลักดัน LP ให้เป็นรูปแบบที่โดดเด่นของการแสดงออกและการบริโภคเพลงที่บันทึกไว้ ซึ่งเป็นการเริ่มต้นยุคอัลบั้มที่ได้รับแรงบันดาลใจจากเพลงร็อคในอุตสาหกรรมเพลงในอีกหลายทศวรรษต่อมา^[119]

โปรเกรสซีฟร็อค เป็นคำที่ใช้แทนคำว่าอาร์ตร็อคได้ก้าวข้ามรูปแบบดนตรีแบบเดิมไปแล้ว โดยการทดลองกับเครื่องดนตรี ประเภทเพลง และรูปแบบต่างๆ^[120]ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1960 เป็นต้นมาLeft Banke , Beatles, Rolling Stones และ Beach Boys ได้บุกเบิกการรวมฮาร์ปซิคอร์ดเครื่องเป่าและเครื่องสายเข้า ไว้ ในบันทึกเสียงของพวกเขาเพื่อผลิตดนตรีร็อกแบบบาโรกและสามารถได้ยินในซิงเกิล เช่น " A Whiter Shade of Pale " ของProcol Harum (1967) ซึ่งมีบทนำที่ได้รับแรงบันดาลใจจากบาค^[121] The Moody Bluesใช้วงออร์เคสตราเต็มวงในอัลบั้มDays of Future Passed (1967) และต่อมาได้สร้างเสียงออร์เคสตราด้วยเครื่องสังเคราะห์เสียง^[120]การเรียบเรียงดนตรีแบบคลาสสิก คีย์บอร์ด และเครื่องสังเคราะห์เสียงเป็นส่วนเพิ่มเติมที่บ่อยครั้งในรูปแบบร็อกแบบเดิมของกีตาร์ เบส และกลองในดนตรีร็อกแบบโปรเกรสซีฟในเวลาต่อมา^[122]

ดนตรีเป็นเรื่องธรรมดาในขณะที่เพลงที่มีเนื้อร้องบางครั้งก็เป็นแนวความคิดนามธรรมหรืออิงจากแฟนตาซีและนิยายวิทยาศาสตร์^[123] SF Sorrow (1968) ของ Pretty Things, Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) ของ The Kinks และTommy ( 1969 )ของThe Whoนำเสนอรูปแบบของโอเปร่าร็อคและเปิดประตูสู่อัลบั้มแนวความคิดโดยมักจะเล่าเรื่องราวอันยิ่งใหญ่หรือจัดการกับธีมใหญ่ที่ครอบคลุม^[124]อัลบั้มเปิดตัวของKing Crimson ในปี 1969 ชื่อ In the Court of the Crimson King ซึ่งผสมผสานริฟฟ์กีตาร์อันทรงพลังและเมลโลทรอนกับ ดนตรี แจ๊สและซิมโฟนิก มักถูกมองว่าเป็นการบันทึกที่สำคัญในดนตรีโปรเกรสซีฟร็อค ช่วยให้การนำแนวเพลงนี้ไปใช้อย่างแพร่หลายในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ในหมู่วงดนตรีบลูส์ร็อคและไซเคเดลิกที่มีอยู่รวมถึงวงดนตรีที่เพิ่งก่อตั้งใหม่^[120] ฉากแคนเทอร์เบอรีที่เต็มไปด้วยชีวิตชีวาได้เห็นการแสดงดนตรีตามแนวทางของ Soft Machine ตั้งแต่แนวไซเคเดเลีย ผ่านอิทธิพลของแจ๊ส ไปจนถึงแนวฮาร์ดร็อคที่กว้างขวางขึ้น รวมถึงCaravan , Hatfield and the North , GongและNational Health [ ^125]วงMagma จากฝรั่งเศส พร้อมด้วยมือกลองChristian Vander ได้สร้างแนวเพลงใหม่ที่เรียก ว่า zeuhlขึ้นมาเพียงลำพังด้วยอัลบั้มแรกของพวกเขาในช่วงต้นทศวรรษปี 1970 ^[126]

วง Pink Floyd ประสบความสำเร็จทางการค้ามากขึ้น โดยพวกเขาออกห่างจากแนวไซเคเดเลียหลังจากที่ Syd Barrett ออกไปในปี 1968 ด้วยผลงานThe Dark Side of the Moon (1973) ซึ่งถือเป็นผลงานชิ้นเอกของแนวเพลงนี้ และกลายเป็นหนึ่งในอัลบั้มที่ขายดีที่สุดตลอดกาล^[127]วงนี้เน้นที่ทักษะการเล่นเครื่องดนตรี โดย อัลบั้ม Yesได้แสดงทักษะของทั้งมือกีตาร์Steve Howeและมือคีย์บอร์ดRick Wakemanขณะที่Emerson, Lake & Palmerเป็นซูเปอร์กรุ๊ปที่ผลิตผลงานที่ต้องใช้เทคนิคสูงที่สุดในแนวเพลงนี้^[120] Jethro TullและGenesisต่างก็แสวงหาดนตรีแนวที่แตกต่างกันมาก แต่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในสไตล์อังกฤษ^[128] วง Renaissance ก่อตั้งขึ้นในปี 1969 โดย Jim McCarty และ Keith Relf อดีตสมาชิกวง Yardbirds ได้พัฒนาเป็นวงดนตรีที่มีแนวคิดสูงโดยมี Annie Haslamเสียงสามอ็อกเทฟ^[129]วงดนตรีอังกฤษส่วนใหญ่มีแฟนคลับจำนวนไม่มากนัก แต่มีบางวง เช่น Pink Floyd, Genesis และ Jethro Tull ที่สามารถสร้างซิงเกิล 10 อันดับแรกในประเทศและทำลายตลาดในอเมริกาได้^[130]วงดนตรีแนวโปรเกรสซีฟร็อกของอเมริกามีตั้งแต่Frank Zappa , Captain BeefheartและBlood, Sweat & Tearsที่ มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและสร้างสรรค์ ^[131]ไปจนถึงวงดนตรีแนวป็อปร็อกอย่างBoston , Foreigner , Kansas , JourneyและStyx [ ^{120] นอกเหนือจากวงดนตรีอังกฤษอย่าง} SupertrampและELOแล้ว วงดนตรีเหล่านี้ยังมีอิทธิพลของโปรเกรสซีฟร็อก และแม้ว่าจะติดอันดับหนึ่งในวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดในช่วงทศวรรษ 1970 แต่ก็ถือเป็นการเริ่มต้นยุคของ ดนตรีร็อกแบบ อลังการหรืออารีน่าร็อกซึ่งจะคงอยู่จนกระทั่งค่าใช้จ่ายในการแสดงที่ซับซ้อน (มักมีการแสดงบนเวทีและเอฟเฟกต์พิเศษ) ถูกแทนที่ด้วยเทศกาลดนตรีร็อก ที่ประหยัดกว่า ในฐานะสถานที่แสดงสดหลักในช่วงทศวรรษ 1990 ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ดนตรีบรรเลงเป็นผลงานของMike Oldfield ที่ออกอัลบั้ม Tubular Bells (1973) ซึ่งเป็นอัลบั้มแรกและประสบความสำเร็จทั่วโลกของ ค่าย Virgin Recordsซึ่งกลายมาเป็นแนวเพลงหลัก^[120]ดนตรีร็อกบรรเลงมีความสำคัญอย่างยิ่งในยุโรปแผ่นดินใหญ่ ทำให้วงดนตรีอย่างKraftwerk , Tangerine Dream , Can , Focus (วงดนตรี)และFaustสามารถเอาชนะอุปสรรคด้านภาษาได้^[132] " Krautrock " ที่เน้นซินธิไซเซอร์ รวมถึงผลงานของBrian Eno (นักเล่นคีย์บอร์ดของ Roxy Musicในช่วงเวลาหนึ่ง) ถือเป็นอิทธิพลสำคัญต่อดนตรีร็อกอิเล็กทรอนิกส์ในยุคต่อมา[ 120 ^]ด้วยการถือกำเนิดของพังก์ร็อกและการเปลี่ยนแปลงทางเทคโนโลยีในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ดนตรีร็อกแบบโปรเกรสซีฟจึงถูกมองว่าโอ้อวดและเกินจริงมากขึ้นเรื่อยๆ^{[133] [134]}วงดนตรีหลายวงแตกกันไป แต่บางวง เช่น Genesis, ELP, Yes และ Pink Floyd ต่างก็ทำผลงานติดท็อปเท็นอัลบั้มได้อย่างสม่ำเสมอ และประสบความสำเร็จในการทัวร์คอนเสิร์ตทั่วโลก^[94]วงดนตรีบางวงที่เกิดขึ้นภายหลังยุคพังก์ เช่นSiouxsie and the Banshees , UltravoxและSimple Mindsต่างก็ได้รับอิทธิพลจากดนตรีโปรเกรสซีฟร็อก รวมถึงอิทธิพลของดนตรีพังก์ที่คนทั่วไปรู้จัก^[135]

ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ดนตรีแจ๊ส-ร็อกได้กลายมาเป็นแนวเพลงย่อยที่แยกออกมาจากแนวบลูส์-ร็อก ไซเคเดลิก และโปรเกรสซีฟร็อก โดยผสมผสานพลังของร็อกเข้ากับความซับซ้อนของดนตรีและองค์ประกอบการแสดงสดของดนตรีแจ๊สAllMusicระบุว่าคำว่าแจ๊ส-ร็อก "อาจหมายถึงวงดนตรีฟิวชั่นที่ดังที่สุด ดุเดือดที่สุด และมีพลังไฟฟ้ามากที่สุดจากค่ายแจ๊ส แต่ส่วนใหญ่แล้วมักจะหมายถึงศิลปินที่เล่นดนตรีแนวร็อก" แจ๊ส-ร็อก "...โดยทั่วไปแล้วเติบโตมาจากแนวเพลงย่อยร็อกที่มีความทะเยอทะยานทางศิลปะมากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970" รวมถึงขบวนการนักร้องและนักแต่งเพลง^[136]นักดนตรีร็อกแอนด์โรลยุคแรกๆ หลายคนของสหรัฐฯ เริ่มต้นจากดนตรีแจ๊สและนำองค์ประกอบบางส่วนเหล่านี้ไปสู่ดนตรีแนวใหม่ ในอังกฤษ แนวเพลงย่อยของบลูส์ร็อกและบุคคลสำคัญหลายคน เช่นจิงเจอร์ เบเกอร์และแจ็ค บรูซจาก วง Cream ที่มี เอริก แคลปตันเป็นนักร้องนำ ได้ถือกำเนิดขึ้นจากแนวเพลงแจ๊สของอังกฤษมักถูกเน้นย้ำว่าเป็นการบันทึกเสียงแจ๊ส-ร็อกที่แท้จริงครั้งแรก ซึ่งเป็นอัลบั้มเดียวของFree Spirits ที่มีฐานอยู่ในนิวยอร์กซึ่งไม่ค่อยมีใครรู้จักมากนัก กับOut of Sight and Sound (1966) กลุ่มวงดนตรีกลุ่มแรกที่ใช้ฉลากนี้โดยไม่ได้ตั้งใจคือวงดนตรีแนว R&B แนวไวท์ร็อกที่ใช้เครื่องดนตรีประเภทแตรแจ๊ส เช่นElectric Flag , Blood, Sweat & Tears และChicagoจนกลายมาเป็นวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 ^[137]

วงดนตรีอังกฤษในยุคเดียวกันได้ถือกำเนิดขึ้นจากแนวบลูส์เพื่อใช้ประโยชน์จากโทนเสียงและการแสดงสดของดนตรีแจ๊ส ได้แก่Nucleus ^[138]และColosseum ซึ่ง เป็นผลงานแยก ของ Graham Bondและ John Mayall จากแนวไซเคเดลิกร็อกและแนวแคนเทอร์เบอรี Soft Machine ถือเป็นหนึ่งในผลงานที่ผสมผสานแนวเพลงทั้งสองแนวเข้าด้วยกันได้อย่างประสบความสำเร็จ อาจเป็นผลงานฟิวชั่นที่ได้รับคำวิจารณ์มากที่สุดที่มาจากแนวแจ๊ส โดยMiles Davisซึ่งได้รับอิทธิพลจากผลงานของ Hendrix เป็นพิเศษ ได้นำเครื่องดนตรีร็อกมาใช้ในเสียงดนตรีของเขาสำหรับอัลบั้มBitches Brew (1970) ซึ่งถือเป็นอิทธิพลสำคัญต่อศิลปินแจ๊สที่ได้รับอิทธิพลจากร็อกในเวลาต่อมา เช่นHerbie Hancock , Chick CoreaและWeather Report ^[137]แนวเพลงนี้เริ่มจางหายไปในช่วงปลายทศวรรษปี 1970 เมื่อดนตรีแบบผสมผสานที่นุ่มนวลขึ้นเริ่มเข้ามาครองใจผู้ฟัง^[136]แต่ศิลปินอย่างSteely Dan [ ^136] Frank Zappa และJoni Mitchellได้บันทึกอัลบั้มที่ได้รับอิทธิพลจากแจ๊สอย่างมากในช่วงเวลานี้ และยังคงเป็นอิทธิพลสำคัญต่อดนตรีร็อกต่อไป^[137]

Robert Christgauเขียนไว้ในRecord Guide: Rock Albums of the Seventies (1981) ของ Christgau โดยสะท้อนถึงการพัฒนาที่เกิดขึ้นในวงการเพลงร็อคในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ว่า ^[17]

แน่นอนว่าทศวรรษเป็นโครงร่างที่ไร้เหตุผลในตัวมันเอง เวลาไม่ได้แค่เปลี่ยนแปลงไปสู่อนาคตอย่างเรียบร้อยทุกๆ สิบปี แต่เช่นเดียวกับแนวคิดเทียมๆ มากมาย เช่น เงิน ประเภทนี้จะกลายเป็นความจริงในตัวของมันเองเมื่อผู้คนคิดออกว่าจะนำไปใช้ให้เกิดประโยชน์ได้อย่างไร "ยุค 60 จบสิ้นแล้ว" คำขวัญที่เพิ่งเริ่มได้ยินในปี 1972 หรือประมาณนั้น ปลุกระดมผู้ที่กระตือรือร้นที่จะเชื่อว่าอุดมคติได้กลายมาเป็นเรื่องล้าสมัย และเมื่อพวกเขาปลุกระดม มันก็กลายเป็นเรื่องล้าสมัยไปแล้ว ในเพลงยอดนิยม การยอมรับยุค 70 หมายถึง การถอนตัว ของชนชั้นสูงจากคอนเสิร์ตที่ยุ่งเหยิงและ กระแส วัฒนธรรมต่อต้านรวมถึงการแสวงหากำไรจากกลุ่มคนที่ต่ำต้อยที่สุดในวงการวิทยุ FMและ อัลบั้ม เพลงร็อก

ในช่วงทศวรรษนี้ ดนตรีร็อกถูกแปลงเป็นสินค้าโภคภัณฑ์มากขึ้น ส่งผลให้อุตสาหกรรมนี้มีมูลค่าหลายพันล้านดอลลาร์และตลาด เพิ่มขึ้นเป็นสองเท่า ในขณะที่ Christgau ระบุว่า ดนตรีร็อกต้องสูญเสียชื่อเสียงทางวัฒนธรรมไปอย่างมาก "บางทีBee Gees อาจ ได้รับความนิยมมากกว่า Beatles แต่พวกเขาไม่เคยได้รับความนิยมมากกว่าพระเยซู " เขากล่าว "ตราบใดที่ดนตรียังคงมีพลังในตำนาน ตำนานนั้นก็เป็นเพียงการอ้างอิงถึงตัวเองมีเพลงมากมายเกี่ยวกับชีวิตร็อกแอนด์โรล แต่มีเพียงไม่กี่เพลงที่พูดถึงวิธีที่ดนตรีร็อกสามารถเปลี่ยนโลกได้ ยกเว้นในฐานะยาแก้ปวดชนิดใหม่ ... ในยุค 70 ผู้มีอำนาจเข้ามามีอำนาจเหนือผู้อื่น โดยผู้ประกอบการด้านดนตรีร็อกใช้ประโยชน์จากอารมณ์ของคนทั้งชาติเพื่อลดดนตรีที่ทรงพลังให้กลายเป็นความบันเทิงประเภทที่มักจะโต้ตอบกลับ และเปลี่ยนฐานความนิยมของดนตรีร็อกจากผู้ฟังให้กลายเป็นตลาด" ^[17]

รูทส์ร็อกเป็นคำที่ใช้ในปัจจุบันเพื่ออธิบายถึงการเคลื่อนไหวออกจากสิ่งที่บางคนมองว่าเป็นความเกินพอดีของฉากไซเคเดลิก ไปสู่รูปแบบพื้นฐานของร็อกแอนด์โรลที่ผสมผสานอิทธิพลดั้งเดิม โดยเฉพาะอย่างยิ่งบลูส์ คันทรี และโฟล์ค ซึ่งนำไปสู่การสร้างสรรค์คันทรีร็อกและเซาเทิร์นร็อก^[139]ในปี 1966 บ็อบ ดีแลนได้เดินทางไปแนชวิลล์เพื่อบันทึกอัลบั้มBlonde on Blonde [ ^140]อัลบั้มนี้และอัลบั้มต่อมาที่ได้รับอิทธิพลจากคันทรีอย่างชัดเจน เช่นNashville Skylineถือเป็นผู้สร้างแนวเพลงคันทรีโฟล์คซึ่งเป็นแนวทางที่นักดนตรีโฟล์คอะคูสติกจำนวนมากเดินตาม^[140]วงดนตรีอื่นๆ ที่เดินตามแนวทางพื้นฐาน ได้แก่ วงดนตรีจากแคนาดาชื่อThe Band และ Creedence Clearwater Revivalจากแคลิฟอร์เนียซึ่งทั้งสองวงผสมผสานร็อกแอนด์โรลพื้นฐานกับโฟล์ค คันทรี และบลูส์ จนกลายเป็นหนึ่งในวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จและมีอิทธิพลมากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ^[141]การเคลื่อนไหวแบบเดียวกันนี้ถือเป็นจุดเริ่มต้นของอาชีพการบันทึกเสียงของศิลปินเดี่ยวชาวแคลิฟอร์เนีย เช่นRy Cooder , Bonnie RaittและLowell George [ ^142]และมีอิทธิพลต่อผลงานของศิลปินที่มีชื่อเสียง เช่นBeggar's Banquet (1968) ของวง Rolling Stones และ Let It Be (1970) ของวง Beatles ^[115]เมื่อไตร่ตรองถึงการเปลี่ยนแปลงของเทรนด์ในดนตรีร็อกในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Christgau ได้เขียนในคอลัมน์ "Consumer Guide" ของเขาในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2513 ว่า "ความเชื่อแบบเดิมใหม่" และ "ความล่าช้าทางวัฒนธรรม" นี้ได้ละทิ้งการผลิตแบบด้นสดที่ประดับประดาด้วยสตูดิโอเพื่อเน้นที่ "เครื่องดนตรีที่กระชับและเรียบง่าย" และการแต่งเพลงแทน "ผู้อ้างอิงคือร็อกยุค 50 เพลงคันทรี่ และเพลงจังหวะและบลูส์ และแรงบันดาลใจสำคัญคือวงดนตรี" ^[143]

ในปี 1968 Gram Parsonsได้บันทึกSafe at HomeกับInternational Submarine Bandซึ่งถือได้ว่าเป็นอัลบั้มคันทรีร็อก ที่แท้จริงชุดแรก ^[144]ในช่วงปลายปีนั้น เขาได้เข้าร่วมกับ The Byrds สำหรับSweetheart of the Rodeo (1968) ซึ่งถือเป็นหนึ่งในผลงานบันทึกเสียงที่มีอิทธิพลมากที่สุดในแนวเพลงนี้^[144] The Byrds ยังคงดำเนินต่อไปในแนวทางเดียวกัน แต่ Parsons ได้ออกไปและมีChris Hillman อดีตสมาชิก The Byrds อีกคนเข้าร่วม ในการก่อตั้งThe Flying Burrito Brothersซึ่งช่วยสร้างความน่าเชื่อถือและขอบเขตของแนวเพลงนี้ ก่อนที่ Parsons จะจากไปเพื่อไล่ตามอาชีพนักดนตรีเดี่ยว^[144]วงดนตรีในแคลิฟอร์เนียที่นำเอาแนวคันทรีร็อกมาใช้ ได้แก่ Hearts and Flowers, Poco , New Riders of the Purple Sage , ^[144] the Beau Brummels , ^[144]และNitty Gritty Dirt Band [ ^145]ศิลปินบางคนยังได้ฟื้นตัวด้วยการนำเอาเสียงแนวคันทรีมาใช้ รวมถึง: The Everly Brothers; อดีตไอดอลวัยรุ่น Rick Nelson ที่กลายมาเป็นนักร้องนำของวง Stone Canyon Band; อดีตนักดนตรี Monkee Mike Nesmithที่ก่อตั้งวงFirst National Band ; และNeil Young [ ^144] The Dillardsเป็นวงดนตรีแนวคันทรีที่ไม่ธรรมดาที่หันมาเล่นดนตรีร็อก^[144]ความสำเร็จทางการค้าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของแนวคันทรีร็อกเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1970 โดยมีศิลปินอย่างDoobie Brothers , Emmylou Harris , Linda RonstadtและEagles (ประกอบด้วยสมาชิกของวง Burritos, Poco และ Stone Canyon Band) ซึ่งก้าวขึ้นมาเป็นหนึ่งในวงดนตรีร็อกที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดตลอดกาล โดยมีผลงานอัลบั้มที่รวมถึงHotel California (1976) ^[146]

ผู้ก่อตั้งดนตรีร็อกแนวใต้โดยทั่วไปมักคิดว่าเป็นวง Allman Brothers Band ซึ่งพัฒนาเสียงที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะ ซึ่งได้มาจากดนตรีบลูส์ร็อก เป็นส่วนใหญ่ แต่ผสมผสานองค์ประกอบของบูจี้โซล และคันทรีในช่วงต้นทศวรรษที่ 1970 ^[100]วงดนตรีที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดที่มาตามมาคือ Lynyrd Skynyrd ซึ่งช่วยสร้างภาพลักษณ์ "Good ol' boy" ของแนวเพลงย่อยนี้และรูปร่างทั่วไปของดนตรีร็อกแนวกีตาร์ในช่วงทศวรรษที่ 1970 ^{[100] ผู้สืบทอดตำแหน่งของพวกเขา ได้แก่} Dixie Dregsนักดนตรีบรรเลงแนวฟิวชั่น/ โปรเกรสซีฟ, Outlawsที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีคันทรีมากขึ้น , Wet Willieแนวฟังก์/R&B และ (ผสมผสานองค์ประกอบของดนตรี R&B และกอสเปล) วงOzark Mountain Daredevils ^[100]หลังจากการสูญเสียสมาชิกดั้งเดิมของ Allmans และ Lynyrd Skynyrd แนวเพลงนี้ก็เริ่มได้รับความนิยมน้อยลงในช่วงปลายทศวรรษปี 1970 แต่ยังคงได้รับความนิยมต่อเนื่องจนถึงทศวรรษปี 1980 โดยมีวงดนตรีอย่าง. 38 Special , Molly HatchetและMarshall Tucker Band ^[100]

แกลมร็อคถือกำเนิดขึ้นจากวงการไซเคเดลิกและอาร์ตร็อคของอังกฤษในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และสามารถมองได้ว่าเป็นทั้งการขยายและปฏิกิริยาต่อกระแสเหล่านี้^[147]มีความหลากหลายทางดนตรี แตกต่างกันไปตั้งแต่การฟื้นฟูดนตรีร็อกแอนด์โรลแบบเรียบง่ายของศิลปินอย่างAlvin Stardustไปจนถึงอาร์ตร็อคที่ซับซ้อนของ Roxy Music และสามารถมองได้ว่าเป็นทั้งแฟชั่นและประเภทดนตรีย่อย^[147]เมื่อมองจากภายนอกแล้ว ถือเป็นการผสมผสานของสไตล์ต่างๆ ตั้งแต่ ความหรูหรา แบบฮอลลีวูด ในช่วงทศวรรษ 1930 ไปจนถึงเสน่ห์ทางเพศแบบพินอัพในช่วงทศวรรษ 1950 การแสดงละครคาบา เร่ต์ ก่อนสงคราม สไตล์ วรรณกรรมและสัญลักษณ์ แบบวิกตอเรียน นิยาย วิทยาศาสตร์ ไปจนถึง ลัทธิลึกลับและตำนานโบราณโดยแสดงออกมาผ่านเสื้อผ้า การแต่งหน้า ทรงผม และรองเท้าส้นตึกที่ดู เกินจริง ^[148]แกลมร็อคเป็นที่จดจำมากที่สุดสำหรับความคลุมเครือทางเพศและเพศ และการแสดงถึงความไม่ชัดเจนทางเพศนอกเหนือจากการใช้การแสดงละครอย่างกว้างขวาง^[149]มันถูกแสดงให้เห็นล่วงหน้าโดยการแสดงและการจัดการอัตลักษณ์ทางเพศของการแสดงของชาวอเมริกัน เช่นCockettesและAlice Cooper [ ^150]

ต้นกำเนิดของกลามร็อคนั้นเกี่ยวข้องกับมาร์ก โบแลนซึ่งได้เปลี่ยนชื่อวงโฟล์คดูโอของเขาเป็นที. เร็กซ์และเริ่มเล่นเครื่องดนตรีไฟฟ้าในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ช่วงเวลาแห่งการกำเนิดมักถูกกล่าวถึงบ่อยครั้ง โดยเขาปรากฏตัวในรายการเพลงของ BBC เรื่องTop of the Popsในเดือนมีนาคม 1971 โดยสวมชุดกลิตเตอร์และผ้าซาติน เพื่อแสดงเพลงที่จะกลายเป็นเพลงฮิตอันดับ 1 ของสหราชอาณาจักรเพลงที่สองของเขา (และเป็นเพลงฮิตอันดับ 1 ของสหราชอาณาจักรเพลงแรก) อย่าง " Hot Love " ^[151]ตั้งแต่ปี 1971 ซึ่งเป็นดาราดังระดับรองลงมาเดวิด โบวี่ได้พัฒนาตัวตนใน Ziggy Stardust ของเขาโดยผสมผสานองค์ประกอบของการแต่งหน้าแบบมืออาชีพ การแสดงท่าทาง และการแสดงเข้าไปในการแสดงของเขา^[152]ไม่นานศิลปินเหล่านี้ก็ได้รับการติดตามในสไตล์นี้โดยศิลปินต่างๆ เช่น Roxy Music, Sweet , Slade , Mott the Hoople , MudและAlvin Stardust [ ^152]แม้ว่าจะประสบความสำเร็จอย่างสูงในชาร์ตซิงเกิลในสหราชอาณาจักร แต่มีนักดนตรีเพียงไม่กี่คนที่สามารถสร้างผลกระทบอย่างจริงจังในสหรัฐอเมริกา โบวี่เป็นข้อยกเว้นที่สำคัญที่กลายเป็นซูเปอร์สตาร์ระดับนานาชาติและกระตุ้นให้มีการนำสไตล์กลามมาใช้ในหมู่ศิลปินอย่างLou Reed , Iggy Pop , New York DollsและJobriathซึ่งมักเรียกกันว่า "กลิตเตอร์ร็อก" และมีเนื้อหาเนื้อเพลงที่มืดมนกว่าวงดนตรีสัญชาติอังกฤษ^[153]ในสหราชอาณาจักร คำว่ากลิตเตอร์ร็อกมักใช้เพื่ออ้างถึงกลามเวอร์ชันสุดขั้วที่Gary Glitterและนักดนตรีสนับสนุนของเขาอย่างGlitter Band ไล่ ตาม ซึ่งทั้งคู่ประสบความสำเร็จกับซิงเกิลที่ติดท็อปเท็นถึง 18 เพลงในสหราชอาณาจักรระหว่างปี 1972 ถึง 1976 ^[154]คลื่นลูกที่สองของวงดนตรีกลามร็อก รวมทั้งSuzi Quatro , WizzardและSparksของRoy Woodครองชาร์ตซิงเกิลของอังกฤษตั้งแต่ประมาณปี 1974 ถึง 1976 ^[152]วงดนตรีที่มีอยู่ ซึ่งบางวงมักไม่ถือว่าเป็นแกนหลักของแนวเพลงนี้ ก็นำสไตล์กลามมาใช้เช่นกัน รวมถึงRod Stewart , Elton John , Queenและแม้แต่ Rolling Stones ในช่วงเวลาหนึ่ง^[152]นอกจากนี้ยังส่งอิทธิพลโดยตรงต่อการแสดงที่โด่งดังในเวลาต่อมา เช่นKissและAdam Antและส่งผลโดยตรงต่อการก่อตัวของแนวโกธิกร็อกและกลามเมทัลรวมถึงพังก์ร็อกด้วย ซึ่งช่วยยุติแฟชั่นกลามตั้งแต่ประมาณปี 1976 ^[153]ตั้งแต่นั้นมา แนวกลามก็ได้รับการฟื้นคืนชีพเป็นระยะๆ ผ่านวงดนตรีอย่างChainsaw Kittensความมืด^[155]และการแสดงครอสโอเวอร์ R&B ของPrince ^[156]

หลังจากความสำเร็จในช่วงต้นของดนตรีร็อกละตินในช่วงทศวรรษ 1960 นักดนตรี ชิคาโนเช่นCarlos SantanaและAl Hurricaneยังคงมีอาชีพที่ประสบความสำเร็จตลอดช่วงทศวรรษ 1970 Santana เปิดตัวทศวรรษด้วยความสำเร็จในซิงเกิลปี 1970 " Black Magic Woman " ในอัลบั้มAbraxas ^[157]อัลบั้มที่สามของเขาSantana IIIมีซิงเกิล "No One to Depend On" และอัลบั้มที่สี่Caravanseraiทดลองเสียงของเขาจนได้รับการตอบรับแบบผสมผสาน^{[158] [159]}ต่อมาเขาได้ออกอัลบั้มสี่ชุดที่ได้รับสถานะทองคำทั้งหมดได้แก่Welcome , Borboletta , AmigosและFestivál Al Hurricane ยังคงผสมผสานดนตรีร็อกของเขากับดนตรีนิวเม็กซิโก แม้ว่าเขาจะทดลองกับ ดนตรีแจ๊สอย่างหนักมากขึ้น ซึ่งนำไปสู่ซิงเกิ้ลที่ประสบความสำเร็จหลายเพลง โดยเฉพาะในอัลบั้ม Celebrities ของเขา ซึ่งรวมถึงเพลงที่มีชื่อเดียวกับอัลบั้มว่า "Celebrities" รวมถึงเพลง "Por Una Mujer Casada" และ "Puño de Tierra" พี่น้องของเขาประสบความสำเร็จในการออกซิงเกิ้ลเพลงนิวเม็กซิโก ได้แก่ "La Del Moño Colorado" โดย Tiny Morrie และ "La Cumbia De San Antone" โดย Baby Gaby ^[160] Al Hurricane Jr.เริ่มต้นอาชีพการบันทึกเสียงดนตรีนิวเม็กซิโกที่ผสมผสานดนตรีร็อกที่ประสบความสำเร็จในช่วงทศวรรษ 1970 ด้วยการแสดงเพลง "Flor De Las Flores" ในปี 1976 ^{[161] [162]} Los Lobosได้รับความนิยมในช่วงเวลานี้ โดยมีอัลบั้มแรกของพวกเขาLos Lobos del Este de Los Angelesในปี 1977

ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา การแบ่งดนตรีร็อคกระแสหลักออกเป็นซอฟต์ร็อคและฮาร์ดร็อคนั้นเป็นเรื่องปกติ ซอฟต์ร็อคมักได้มาจากโฟล์คร็อค โดยใช้เครื่องดนตรีอะคูสติกและเน้นที่ทำนองและเสียงประสานมากกว่า^[164]ศิลปินหลัก ได้แก่แคโรล คิงแคท สตีเวนส์และเจมส์ เทย์เลอร์ [ ^164]ดนตรีนี้ถึงจุดสูงสุดในเชิงพาณิชย์ในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1970 โดยมีศิลปินอย่างบิลลี โจเอล อเมริกาและฟลีตวูด แม็ค ที่กลับมารวมตัวกันอีกครั้ง ซึ่งอัลบั้ม Rumours (1977) ของ ฟลีตวูด แม็ค เป็นอัลบั้มที่ขายดีที่สุดแห่งทศวรรษนั้น^[165]ในทางตรงกันข้าม ฮาร์ดร็อคมักได้มาจากบลูส์ร็อคและเล่นเสียงดังและเข้มข้นกว่า^[166]มักเน้นที่กีตาร์ไฟฟ้า ทั้งในฐานะเครื่องดนตรีจังหวะที่ใช้ริฟฟ์ซ้ำๆ ง่ายๆ และเป็นเครื่องดนตรีโซโลนำ และมักจะใช้ร่วมกับเอฟเฟกต์เสียงแตกและเอฟเฟกต์อื่นๆ^[166]ศิลปินหลักๆ ได้แก่ วงดนตรี British Invasion เช่น The Kinks รวมถึงศิลปินยุคไซเคเดลิก เช่น Cream, Jimi Hendrix และJeff Beck Group [ ^166]วงดนตรีที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีฮาร์ดร็อกซึ่งประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติในช่วงปลายทศวรรษปี 1970 ได้แก่ Queen, ^[167] Thin Lizzy , ^[168] Aerosmith , AC/DC , ^[166]และVan Halen

ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1960 คำว่า "เฮฟวีเมทัล" เริ่มถูกนำมาใช้เพื่ออธิบายฮาร์ดร็อคบางประเภทที่เล่นด้วยความดังและความเข้มข้นที่มากขึ้น โดยเริ่มแรกเป็นคำคุณศัพท์ และในช่วงต้นทศวรรษ 1970 เป็นคำนาม^[169]คำนี้ถูกใช้ครั้งแรกในดนตรีในอัลบั้ม " Born to Be Wild " ของSteppenwolf (1967) และเริ่มมีความเกี่ยวข้องกับวงดนตรีบุกเบิก เช่นBlue Cheer จากซานฟรานซิสโก James Gang จาก คลีฟแลนด์ และ Grand Funk Railroadจากมิชิแกน^[170]ในปี 1970 วงดนตรีสำคัญจากอังกฤษ 3 วงได้พัฒนาเสียงและสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งจะช่วยกำหนดรูปแบบแนวเพลงย่อยนี้Led Zeppelinได้เพิ่มองค์ประกอบของแฟนตาซีให้กับบลูส์ร็อคที่เต็มไปด้วยริฟฟ์Deep Purpleนำความสนใจแบบซิมโฟนิกและยุคกลางมาจากยุคโปรเกรสซีฟร็อค และBlack Sabbathได้แนะนำแง่มุมของความกลมกลืนแบบโกธิกและ โมดอล ช่วยสร้างเสียงที่ "มืดมน" ขึ้น^[171]องค์ประกอบเหล่านี้ถูกนำมาใช้โดยวงดนตรีเฮฟวีเมทัล "รุ่นที่สอง" ในช่วงปลายทศวรรษ 1970 รวมถึงJudas Priest , UFO , MotörheadและRainbowจากอังกฤษ; Kiss , Ted NugentและBlue Öyster Cultจากสหรัฐอเมริกา; RushจากแคนาดาและScorpionsจากเยอรมนี ซึ่งล้วนเป็นเครื่องหมายของการขยายตัวของความนิยมของแนวเพลงย่อยนี้^[171]แม้ว่าจะไม่ค่อยได้ออกอากาศและไม่ค่อยมีชื่อบนชาร์ตซิงเกิล แต่เฮฟวีเมทัลในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ก็ยังคงสร้างฐานแฟนเพลงได้อย่างมาก โดยเฉพาะในกลุ่มผู้ชายชนชั้นแรงงานวัยรุ่นในอเมริกาเหนือและยุโรป^[172]ในช่วงทศวรรษ 1980 วงดนตรีอย่างBon Jovi , Guns N' Roses , Skid RowและDef Leppardประสบความสำเร็จในกระแสหลักด้วยฮาร์ดร็อคและการผสมผสานฮาร์ดร็อคกับป๊อป ในช่วงทศวรรษ 1990 ฮาร์ดร็อคมีความนิยมลดลงเล็กน้อย ยกเว้นเพลงดังๆ บางเพลงเช่นNovember Rain ของ Guns N' Roses แต่ในช่วงต้นทศวรรษปี 2000 เพลง " It's My Life " ของ Bon Jovi กลับได้รับความนิยมอย่างมากในแนวเพลงร็อกและป็อปร็อก และยังช่วยแนะนำแนวเพลงเหล่านี้ให้แฟนเพลงกลุ่มใหม่ๆ รู้จักอีกด้วย

ร็อก โดยเฉพาะแนวเพลงเฮฟวีเมทัล ได้รับการวิพากษ์วิจารณ์จากผู้นำคริสเตียนบางคน ซึ่งประณามว่าผิดศีลธรรม ต่อต้านคริสต์ศาสนา และถึงขั้นเป็นซาตานด้วยซ้ำ^[173]อย่างไรก็ตาม ร็อกคริสเตียนเริ่มพัฒนาขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1960 โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากการเคลื่อนไหวของพระเยซูที่เริ่มต้นในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ และกลายเป็นประเภทดนตรีย่อยในช่วงทศวรรษ 1970 โดยมีศิลปินอย่างแลร์รี นอร์แมนซึ่งมักถูกมองว่าเป็น "ดารา" คนแรกที่สำคัญของร็อกคริสเตียน^[174]แนวเพลงนี้เป็นปรากฏการณ์ส่วนใหญ่ในสหรัฐอเมริกา^[175]ศิลปินร็อกคริสเตียนหลายคนมีความผูกพันกับ วงการ ดนตรีคริสเตียนร่วมสมัยเริ่มตั้งแต่ทศวรรษ 1980 ศิลปินป๊อปคริสเตียนประสบความสำเร็จในกระแสหลักในระดับหนึ่ง แม้ว่าศิลปินเหล่านี้จะเป็นที่ยอมรับในชุมชนคริสเตียนเป็นส่วนใหญ่ แต่การนำสไตล์เฮฟวีร็อกและกลามเมทัลมาใช้โดยวงดนตรีอย่างสไตรเปอร์ซึ่งประสบความสำเร็จในกระแสหลักอย่างมากในช่วงทศวรรษ 1980 กลับเป็นที่ถกเถียงกันมากกว่า^{[176] [177]}ตั้งแต่ทศวรรษ 1990 เป็นต้นมา มีวงดนตรีจำนวนเพิ่มมากขึ้นที่พยายามหลีกเลี่ยงสังกัดวงดนตรีคริสเตียน โดยเลือกที่จะให้คนมองว่าพวกเขาเป็นวงดนตรีคริสเตียนเช่นกัน รวมถึงวง POD ด้วย ^[178 ]

ฮาร์ตแลนด์ร็อคที่เน้นชนชั้นแรงงานในอเมริกา มีลักษณะเด่นคือรูปแบบดนตรีตรงไปตรงมา และให้ความสำคัญกับชีวิตของคนอเมริกันทั่วไปพัฒนาขึ้นในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษปี 1970 คำว่าฮาร์ตแลนด์ร็อคถูกใช้ครั้งแรกเพื่ออธิบายกลุ่มดนตรีแนวอารีน่าร็อคในแถบมิดเวสต์ เช่น Kansas , REO Speedwagonและ Styx แต่ต่อมาก็ถูกเชื่อมโยงกับรูทร็อคที่เน้นสังคมมากขึ้น ซึ่งได้รับอิทธิพลโดยตรงจากโฟล์ค คันทรี และร็อกแอนด์โรล^[179]ถือเป็นดนตรีแนวมิดเวสต์และรัสต์เบลท์ ของอเมริกา ที่เทียบเคียงกับคันทรีร็อคในแถบเวสต์โคสต์และร็อกทางใต้ของอเมริกาใต้^[180]นำโดยบุคคลที่มีชื่อเสียงในแนวพังก์และนิวเวฟ โดยได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศิลปินอย่าง Bob Dylan, The Byrds, Creedence Clearwater Revival และVan Morrisonและร็อกพื้นฐานของการาจในทศวรรษปี 1960 และ The Rolling Stones ^[181]

ตัวอย่างความสำเร็จทางการค้าของนักร้องนักแต่งเพลงอย่างBruce Springsteen , Bob SegerและTom Pettyรวมถึงศิลปินที่ไม่ค่อยเป็นที่รู้จัก เช่นSouthside Johnny and the Asbury JukesและJoe Grushecky and the Houserockersซึ่งส่วนหนึ่งเป็นปฏิกิริยาต่อการเสื่อมถอยของเมืองยุคหลังอุตสาหกรรมในภาคตะวันออกและมิดเวสต์ โดยมักจะพูดถึงปัญหาของการแตกแยกและความโดดเดี่ยวทางสังคม นอกเหนือจากการฟื้นคืนชีพของดนตรีร็อกแอนด์โรลสนุกๆ^[181]แนวเพลงนี้ถึงจุดสูงสุดทางการค้า ศิลปะ และมีอิทธิพลในช่วงกลางทศวรรษ 1980 โดยอัลบั้มBorn in the USA ของ Springsteen (1984) ขึ้นสู่อันดับหนึ่งของชาร์ตทั่วโลกและมีซิงเกิลติดอันดับท็อป 10 หลายเพลง พร้อมด้วยการมาถึงของศิลปินอย่างJohn Mellencamp , Steve Earleและนักร้องนักแต่งเพลงที่มีบุคลิกอ่อนโยนกว่า เช่นBruce Hornsby ^[181]นอกจากนี้ยังสามารถได้ยินว่าเป็นอิทธิพลต่อศิลปินที่หลากหลายเช่นBilly Joel , ^[182] Kid Rock ^[183] ​​และKillers ^[184 ]

แนวเพลง Heartland rock เริ่มไม่ได้รับการยอมรับในช่วงต้นทศวรรษ 1990 เนื่องจากดนตรีร็อคโดยทั่วไป รวมถึงแนวเพลงของคนงานและชนชั้นแรงงานผิวขาวโดยเฉพาะ สูญเสียอิทธิพลจากผู้ฟังที่อายุน้อยกว่า และเนื่องจากศิลปินในแนว Heartland หันไปทำผลงานส่วนตัวมากขึ้น^[181]ศิลปินแนว Heartland rock หลายคนยังคงบันทึกเสียงโดยประสบความสำเร็จทั้งในด้านคำวิจารณ์และรายได้ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Bruce Springsteen, Tom Petty และ John Mellencamp แม้ว่าผลงานของพวกเขาจะเน้นความเป็นส่วนตัวและทดลองมากขึ้น ไม่เหมาะกับแนวเพลงใดแนวหนึ่งอีกต่อไป^[185]

พังก์ร็อกได้รับการพัฒนาขึ้นระหว่างปี 1974 ถึง 1976 ในสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักร โดยมีรากฐานมาจากการาจร็อกและรูปแบบอื่นๆ ของสิ่งที่ปัจจุบันเรียกว่าดนตรีโปรโตพังก์ วงดนตรีพังก์ร็อกหลีกเลี่ยงความเกินขอบเขตที่รับรู้ได้ของดนตรีร็อกกระแสหลักในยุค 1970 ^[186]พวกเขาสร้างสรรค์ดนตรีที่รวดเร็วและหนักแน่น โดยปกติจะมีเพลงสั้นๆ เครื่องดนตรีที่เรียบง่าย และเนื้อเพลงที่มักจะเป็นแนวการเมืองและต่อต้านการจัดตั้ง พังก์ยึดมั่นในหลักจริยธรรม DIY (ทำด้วยตัวเอง)โดยวงดนตรีหลายวงผลิตงานบันทึกเสียงของตนเองและจัดจำหน่ายผ่านช่องทางที่ไม่เป็นทางการ^[187]

ในช่วงปลายปี 1976 วงดนตรีอย่างRamonesและPatti Smithในนิวยอร์กซิตี้ และSex PistolsและClashในลอนดอน ได้รับการยอมรับว่าเป็นแนวหน้าของกระแสดนตรีใหม่^[186]ปีถัดมา พังก์ร็อกแพร่กระจายไปทั่วโลก พังก์กลายเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมที่สำคัญในสหราชอาณาจักรอย่างรวดเร็ว การปะทะกันทางทีวีสดระหว่าง Sex Pistols กับBill Grundyในวันที่ 1 ธันวาคม 1976 ถือเป็นจุดเปลี่ยนสำคัญในการเปลี่ยนแปลงพังก์อังกฤษให้กลายเป็นปรากฏการณ์สื่อหลัก แม้ว่าร้านค้าบางแห่งจะปฏิเสธที่จะสต็อกแผ่นเสียงและการเล่นทางวิทยุก็หาได้ยาก^[188]ในเดือนพฤษภาคม 1977 Sex Pistols ประสบความสำเร็จในระดับใหม่ของการโต้เถียง (และอันดับสองในชาร์ตซิงเกิล) ด้วยเพลงที่อ้างอิงถึงสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 2 " God Save the Queen " ในช่วงรัชกาลที่ 24ของ พระองค์ ^[189]ส่วนใหญ่แล้ว พังก์หยั่งรากลึกในฉากท้องถิ่นที่มีแนวโน้มที่จะปฏิเสธการเชื่อมโยงกับกระแสหลักวัฒนธรรมย่อยของพังก์ที่เกี่ยวข้องเกิดขึ้น แสดงถึงการกบฏของเยาวชน และมีลักษณะเฉพาะคือรูปแบบการแต่งกาย ที่เป็นเอกลักษณ์ และ อุดมการณ์ต่อต้านอำนาจนิยมที่หลากหลาย^[190]

ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 สไตล์ที่เร็วขึ้นและก้าวร้าวมากขึ้น เช่นฮาร์ดคอร์และOi!กลายเป็นโหมดหลักของพังก์ร็อก^[191]ส่งผลให้เกิดฮาร์ดคอร์พังก์หลายสายพันธุ์ที่พัฒนาขึ้น เช่นดีบีต (แนวเพลงย่อยที่เน้น การบิดเบือนซึ่งได้รับอิทธิพลจากวงดนตรีจากสหราชอาณาจักรที่ ชื่อ Discharge ), อนาธิปไตยพังก์ (เช่นCrass ), กรินด์คอร์ (เช่นNapalm Death ) และครัสต์พังก์^[192]นักดนตรีที่ระบุตัวตนหรือได้รับแรงบันดาลใจจากพังก์ยังแสวงหารูปแบบอื่นๆ อีกมากมาย ซึ่งก่อให้เกิดกระแสนิวเวฟโพสต์พังก์และขบวนการอัลเทอร์เนทีฟ ร็อก [ ^186]

แม้ว่าพังก์ร็อกจะเป็นปรากฏการณ์ทางสังคมและดนตรีที่สำคัญ แต่ก็ประสบความสำเร็จน้อยกว่าในแง่ของยอดขายแผ่นเสียง (โดยจัดจำหน่ายโดยค่ายเพลงเฉพาะทางเล็กๆ เช่นStiff Records ) ^[193]หรือการออกอากาศทางวิทยุในอเมริกา (เนื่องจากวงการวิทยุยังคงถูกครอบงำโดยรูปแบบกระแสหลัก เช่นดิสโก้และร็อกแนวอัลบั้ม ) ^[194]พังก์ร็อกได้ดึงดูดผู้ศรัทธาจากโลกศิลปะและมหาวิทยาลัย และในไม่ช้าวงดนตรีที่ใช้แนวทางที่มีความรู้และเป็นศิลปะมากขึ้น เช่นTalking HeadsและDevoก็เริ่มแทรกซึมเข้าสู่วงการพังก์ ในบางพื้นที่ เริ่มมีการใช้คำว่า "นิวเวฟ" เพื่อแยกความแตกต่างระหว่างวงดนตรีพังก์ที่ไม่เปิดเผยเหล่านี้^[195]ผู้บริหารค่ายเพลง ซึ่งส่วนใหญ่รู้สึกสับสนกับกระแสพังก์ ได้ตระหนักถึงศักยภาพของวงดนตรีนิวเวฟที่เข้าถึงได้ง่ายกว่า และเริ่มเซ็นสัญญาและทำการตลาดอย่างก้าวร้าวกับวงดนตรีใดๆ ก็ตามที่สามารถอ้างความเชื่อมโยงที่ห่างไกลกับพังก์หรือนิวเวฟ^[196]วงดนตรีเหล่านี้หลายวง เช่นCarsและGo-Go'sถือเป็นวงดนตรีป๊อปที่ทำการตลาดในรูปแบบ New Wave ^[197]วงดนตรีอื่นๆ ที่มีอยู่แล้ว เช่นPolice , PretendersและElvis Costelloใช้กระแส New Wave เป็นจุดเริ่มต้นอาชีพที่ค่อนข้างยาวนานและประสบความสำเร็จอย่างสูง^[198]ในขณะที่วงดนตรีแนว "skinny tie" เช่นThe Knack [ ^199]หรือBlondie ที่ถ่ายรูปขึ้นกล้อง เริ่มต้นจากวงดนตรีแนวพังก์และขยายไปสู่แนวเพลงเชิงพาณิชย์มากขึ้น^[200]

ระหว่างปีพ.ศ. 2522 ถึง 2528 ดนตรีแนว new wave ของอังกฤษได้รับอิทธิพลจาก Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra , David Bowie และGary Numanและได้ขยายอิทธิพลไปในทิศทางของวงดนตรี New Romantics เช่นSpandau Ballet , Ultravox , Japan , Duran Duran , A Flock of Seagulls , Culture Club , Talk TalkและEurythmicsซึ่งบางครั้งใช้เครื่องสังเคราะห์เสียงแทนเครื่องดนตรีอื่นๆ^[201]ช่วงเวลานี้ตรงกับช่วงที่MTV ได้รับความนิยม และทำให้แบรนด์ซินธ์ป็อปนี้เป็นที่รู้จักมากขึ้น จนได้รับการขนานนามว่าเป็นการรุกรานของอังกฤษครั้งที่สอง [ ^202]วงดนตรีร็อกดั้งเดิมบางวงปรับตัวให้เข้ากับยุควิดีโอและได้ประโยชน์จากการออกอากาศ ของ MTV โดยเฉพาะอย่างยิ่งDire Straits ซึ่งเพลง " Money for Nothing " ของพวกเขาล้อเลียนสถานีอย่างนุ่มนวล แม้ว่าเพลงดังกล่าวจะช่วยให้พวกเขากลายเป็นดาวดังระดับนานาชาติก็ตาม^[203]แต่โดยทั่วไปแล้ว ดนตรีร็อกที่เน้นกีตาร์จะได้รับความนิยมน้อยกว่าในเชิงพาณิชย์^[204]

หากฮาร์ดคอร์มุ่งเป้าไปที่สุนทรียศาสตร์ที่เรียบง่ายของพังก์โดยตรง และนิวเวฟก็กลายมาเป็นตัวแทนของปีกทางการค้า โพสต์พังก์เกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1970 และต้นทศวรรษ 1980 ในฐานะด้านศิลปะและความท้าทายมากกว่า อิทธิพลหลักนอกเหนือจากวงพังก์คือVelvet Underground , Frank Zappa และCaptain Beefheart และแนวเพลง โนเวฟในนิวยอร์กที่เน้นการแสดง รวมถึงวงเช่นJames Chance and the Contortions , DNAและSonic Youth [ ^205]ผู้มีส่วนสนับสนุนในช่วงแรกๆ ของแนวเพลงนี้ ได้แก่ วงดนตรีจากสหรัฐอเมริกาอย่างPere Ubu , Devo, the ResidentsและTalking Heads ^[205 ]

คลื่นลูกแรกของดนตรีโพสต์พังก์ในอังกฤษได้แก่Gang of Four , Siouxsie and the BansheesและJoy Divisionซึ่งให้ความสำคัญกับงานศิลปะน้อยกว่าวงดนตรีจากอเมริกาและให้ความสำคัญกับคุณภาพทางอารมณ์ที่มืดหม่นของดนตรีของพวกเขามากกว่า^[205]วงดนตรีอย่าง Siouxsie and the Banshees, Bauhaus , The CureและSisters of Mercyเคลื่อนไหวไปในทิศทางนี้มากขึ้นเรื่อยๆ จนก่อตั้งดนตรีแนวโกธิกร็อก ซึ่งได้กลายมาเป็นพื้นฐานของวัฒนธรรมย่อย หลัก ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1980 ^{[206] วงดนตรีจากออสเตรเลียอย่าง} Birthday PartyและNick Caveก็ได้แสวงหาดินแดนทางอารมณ์ที่คล้ายคลึงกัน[ ^205]สมาชิกของ Bauhaus และ Joy Division ได้สำรวจดินแดนทางสไตล์ใหม่อย่างLove and RocketsและNew Orderตามลำดับ^[205]การเคลื่อนไหวหลังพังก์อีกแบบหนึ่งในยุคแรกคือดนตรีอินดัสเทรียล^[207]ที่พัฒนาโดยวงดนตรีอังกฤษThrobbing GristleและCabaret Voltaire และ Suicideจากนิวยอร์กโดยใช้เทคนิคอิเล็กทรอนิกส์และการสุ่มตัวอย่างที่หลากหลายซึ่งเลียนแบบเสียงของการผลิตทางอุตสาหกรรม และซึ่งต่อมาได้พัฒนาเป็นรูปแบบต่างๆ ของดนตรีหลังพังก์ในช่วงทศวรรษ 1980 ^[208]

วงดนตรีโพสต์พังก์อังกฤษรุ่นที่สองที่โด่งดังในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ได้แก่Fall , Pop Group , Mekons , Echo and the BunnymenและTeardrop Explodesมักจะออกห่างจากแนวเพลงที่มืดหม่น^[205]อาจกล่าวได้ว่าวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดจากยุคโพสต์พังก์คือU2 จากไอร์แลนด์ ซึ่งผสมผสานองค์ประกอบของภาพทางศาสนาเข้ากับความคิดเห็นทางการเมืองในเพลงที่มักจะเป็นเพลงสรรเสริญพระเจ้า และในช่วงปลายทศวรรษ 1980 กลายมาเป็นวงดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลกวงหนึ่ง^[209]แม้ว่าวงดนตรีโพสต์พังก์หลายวงจะยังคงทำการบันทึกเสียงและทำการแสดงต่อไป แต่ในช่วงกลางทศวรรษ 1980 ขบวนการนี้ก็เสื่อมความนิยมลง เนื่องจากวงดนตรีต่างๆ แยกวงกันหรือย้ายไปสำรวจพื้นที่ทางดนตรีอื่นๆ แต่ยังคงมีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรีร็อก และถือเป็นองค์ประกอบสำคัญในการสร้างขบวนการร็อกทางเลือก^[210]

คำว่าอัลเทอร์เนทีฟร็อคถูกคิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1980 เพื่ออธิบายศิลปินร็อคที่ไม่เข้ากับแนวเพลงกระแสหลักในเวลานั้น วงดนตรีที่เรียกว่า "อัลเทอร์เนทีฟ" ไม่มีรูปแบบที่เป็นเอกภาพ แต่ทั้งหมดถูกมองว่าแตกต่างจากดนตรีกระแสหลัก วงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟเชื่อมโยงกันด้วยหนี้รวมของพวกเขาต่อพังก์ร็อคผ่านฮาร์ดคอร์ นิวเวฟ หรือขบวนการโพสต์พังก์^[211]วงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อคที่สำคัญในช่วงทศวรรษ 1980 ในสหรัฐอเมริกา ได้แก่REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic YouthและPixies ^[211]และในสหราชอาณาจักร ได้แก่Cure , New Order , Jesus and Mary ChainและSmiths ^[212]ศิลปินส่วนใหญ่ถูกจำกัดให้อยู่ในค่ายเพลงอิสระสร้างวงการดนตรีใต้ดินที่กว้างขวางโดยอาศัยวิทยุในมหาวิทยาลัยนิตยสารแฟนไซน์ การทัวร์ และการบอกต่อแบบปากต่อปาก^[213]พวกเขาปฏิเสธดนตรีซินธ์ป็อปที่ได้รับความนิยมในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ซึ่งถือเป็นการหวนคืนสู่ดนตรีร็อกที่เน้นกีตาร์เป็นหลัก^{[214] [215] [216]}

วงดนตรีในยุคแรกๆ เหล่านี้ไม่กี่วงประสบความสำเร็จในกระแสหลัก แม้ว่าจะมีข้อยกเว้นสำหรับกฎนี้ ได้แก่ REM, The Smiths และ The Cure แม้ว่าโดยทั่วไปแล้วยอดขายอัลบั้มจะไม่ดีนัก แต่วงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกดั้งเดิมก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักดนตรีรุ่นใหม่ที่เติบโตขึ้นในช่วงทศวรรษ 1980 และประสบความสำเร็จในกระแสหลักในช่วงทศวรรษ 1990 รูปแบบของอัลเทอร์เนทีฟร็อกในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษ 1980 ได้แก่จังเกิลป็อปซึ่งเกี่ยวข้องกับการบันทึกเสียงในช่วงแรกของ REM ซึ่งใช้เสียงกีตาร์ที่ก้องกังวานของป็อปและร็อกในช่วงกลางทศวรรษ 1960 และคอลเลจร็อก ซึ่งใช้เพื่ออธิบายวงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟที่เริ่มต้นในวงจรของวิทยาลัยและวิทยุของวิทยาลัย รวมถึงการแสดงเช่น10,000 Maniacs และFeelies ^[211]ในสหราชอาณาจักร แนวโกธิกร็อคเป็นแนวที่โดดเด่นในช่วงต้นทศวรรษ 1980 แต่ในช่วงปลายทศวรรษนั้น แนวอินดี้หรือดรีมป็อป^[217]เช่นPrimal Scream , Bogshed , Half Man Half BiscuitและThe Wedding Presentรวมถึง วง ชูเกซอย่างMy Bloody Valentine , Slowdive , RideและLush ก็เข้ามามีบทบาท ^{[218] วงการดนตรี} Madchesterนั้นคึกคักเป็นพิเศษ โดยมีวงดนตรีอย่างHappy Mondays , Inspiral CarpetsและThe Stone Rosesเข้ามาร่วมด้วย^{[212] [219] ในทศวรรษถัดมา} แนวเพลงกรันจ์ประสบความสำเร็จในสหรัฐอเมริกา และแนวเพลงบริตป็อปในสหราชอาณาจักร ทำให้แนวอัลเทอร์เนทีฟร็อกกลายเป็นกระแสหลัก

วงดนตรีใน รัฐวอชิงตัน (โดยเฉพาะใน พื้นที่ ซีแอตเทิล ) ไม่ได้รับผลกระทบจากป๊อปและร็อกที่เน้นการค้าและผลิตเป็นจำนวนมากในช่วงกลางทศวรรษ 1980 จึงได้ก่อตั้งแนวเพลงร็อกรูปแบบใหม่ที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากดนตรีกระแสหลักในยุคนั้น^[220]แนวเพลงที่กำลังพัฒนานี้ได้รับการเรียกว่า "กรันจ์" ซึ่งเป็นคำที่อธิบายถึงเสียงดนตรีที่สกปรกและรูปลักษณ์ที่ไม่เป็นระเบียบของนักดนตรีส่วนใหญ่ ซึ่งต่อต้านภาพลักษณ์ที่ตกแต่งมากเกินไปของศิลปินคนอื่น ๆ อย่างแข็งขัน^[220 ] กรันจ์ผสมผสานองค์ประกอบของฮาร์ดคอร์พังก์และเฮฟวีเมทัล เข้า ด้วยกันเป็นเสียงเดียว และใช้การบิดเบือน เสียงกีตาร์ เสียงฟัซและฟีดแบ็ก อย่าง หนัก^[220]เนื้อเพลงโดยทั่วไปจะเฉยเมยและเต็มไปด้วยความวิตกกังวล และมักเกี่ยวข้องกับธีมต่างๆ เช่น ความแปลกแยกทางสังคมและการหลอกล่อ แม้ว่าจะขึ้นชื่อในเรื่องอารมณ์ขันที่มืดมนและการล้อเลียนร็อกเชิงพาณิชย์ด้วยก็ตาม^[220]

วงดนตรีอย่างGreen River , Soundgarden , MelvinsและSkin Yardเป็นผู้บุกเบิกแนวเพลงนี้ โดยMudhoneyประสบความสำเร็จสูงสุดในช่วงปลายทศวรรษ แนวเพลงกรันจ์ยังคงเป็นปรากฏการณ์ในท้องถิ่นเป็นส่วนใหญ่จนกระทั่งปี 1991 เมื่อ อัลบั้ม NevermindของNirvanaประสบความสำเร็จอย่างมาก โดยมีเพลงฮิตอย่าง " Smells Like Teen Spirit " ^[221] Nevermindมีทำนองไพเราะกว่ารุ่นก่อนๆ โดยการเซ็นสัญญากับ Geffen Records ทำให้วงเป็นหนึ่งในวงแรกๆ ที่ใช้กลไกการโปรโมตและการตลาดแบบองค์กรแบบดั้งเดิม เช่น วิดีโอของ MTV การจัดแสดงในร้าน และการใช้ "ที่ปรึกษา" ทางวิทยุที่ส่งเสริมการเล่นเพลงทางวิทยุในสถานีเพลงร็อกกระแสหลักที่สำคัญ ในช่วงปี 1991 และ 1992 อัลบั้มกรันจ์อื่นๆ เช่นTenของPearl Jam , Badmotorfinger ของ Soundgarden และDirtของAlice in Chainsพร้อมด้วย อัลบั้ม Temple of the Dogที่มีสมาชิกของ Pearl Jam และ Soundgarden กลายเป็นหนึ่งใน 100 อัลบั้มขายดีที่สุด^[222]ค่ายเพลงใหญ่ๆ เซ็นสัญญากับวงกรันจ์ที่เหลืออยู่ส่วนใหญ่ในซีแอตเทิล ในขณะที่ศิลปินกลุ่มที่สองได้ย้ายไปยังเมืองในความหวังที่จะประสบความสำเร็จ^[223]อย่างไรก็ตาม ด้วยการเสียชีวิตของเคิร์ต โคเบนและการแตกวงของ Nirvana ในปี 1994 ปัญหาการทัวร์ของ Pearl Jam และการลาออกของLayne Staley นักร้องนำของ Alice in Chains ในปี 1998 แนวเพลงดังกล่าวเริ่มเสื่อมถอยลง บางส่วนถูกบดบังด้วย Britpop และโพสต์กรันจ์ที่ ฟังดูเป็นเชิงพาณิชย์มากขึ้น ^[224]

Britpop ถือกำเนิดขึ้นจากวงการอัลเทอร์เนทีฟร็อคของอังกฤษในช่วงต้นทศวรรษ 1990 และมีลักษณะเฉพาะคือวงดนตรีที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีกีตาร์ของอังกฤษในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 เป็นพิเศษ^[212] The Smithsถือเป็นอิทธิพลสำคัญเช่นเดียวกับวงดนตรีจากวงการMadchesterซึ่งได้สลายตัวไปในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ^[80]การเคลื่อนไหวนี้ถูกมองว่าเป็นปฏิกิริยาต่อกระแสดนตรีและวัฒนธรรมต่างๆ ในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 โดยเฉพาะ ปรากฏการณ์ กรันจ์และการยืนยันถึงเอกลักษณ์ของร็อคอังกฤษอีกครั้ง^[212] Britpop มีสไตล์ที่หลากหลาย แต่บ่อยครั้งที่ใช้ทำนองและจังหวะที่ติดหู นอกเหนือไปจากเนื้อเพลงที่เน้นถึงความเป็นอังกฤษโดยเฉพาะ และการนำสัญลักษณ์ของการรุกรานของอังกฤษในช่วงทศวรรษ 1960 มาใช้ ซึ่งรวมถึงสัญลักษณ์ของเอกลักษณ์อังกฤษที่ม็อดเคยใช้มาก่อน^[225]เปิดตัวประมาณปี 1993 โดยมีวงต่างๆ เช่นSuedeและBlurเข้าร่วมด้วย ซึ่งไม่นานก็มีวงอื่นๆ เช่นOasis , Pulp , SupergrassและElastica เข้ามาร่วมด้วย ซึ่งพวกเขาได้ผลิตอัลบั้มและซิงเกิลที่ประสบความสำเร็จมากมาย^[212]ชั่วขณะหนึ่ง การแข่งขันระหว่าง Blur และ Oasis ถูกสร้างขึ้นโดยสื่อยอดนิยมให้กลายเป็น "Battle of Britpop" ซึ่งในตอนแรก Blur เป็นฝ่ายชนะ แต่ Oasis ก็ประสบความสำเร็จในระยะยาวและในระดับนานาชาติมากกว่า ซึ่งส่งผลโดยตรงต่อวง Britpop ในยุคหลัง เช่นOcean Colour SceneและKula Shaker [ ^226]วง Britpop นำอัลเทอร์เนทีฟร็อกของอังกฤษเข้าสู่กระแสหลักและเป็นกระดูกสันหลังของขบวนการทางวัฒนธรรมอังกฤษที่ใหญ่กว่าที่รู้จักกันในชื่อCool Britannia [ ^227]แม้ว่าวงที่เป็นที่นิยมมากขึ้น โดยเฉพาะ Blur และ Oasis จะสามารถแผ่ความสำเร็จทางการค้าไปต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหรัฐอเมริกา แต่ขบวนการดังกล่าวก็ล่มสลายไปเป็นส่วนใหญ่เมื่อสิ้นทศวรรษ^[212]

คำว่าโพสต์กรันจ์ถูกสร้างขึ้นมาเพื่อวงดนตรีที่ตามกระแสหลักและหยุดเล่นไปในที่สุดของวงดนตรีแนวกรันจ์จากซีแอตเทิล วงดนตรีแนวโพสต์กรันจ์เลียนแบบทัศนคติและดนตรีของพวกเขา แต่เน้นแนวเพลงที่เน้นการออกอากาศทางวิทยุมากกว่า^[224]วงดนตรีเหล่านี้มักจะทำงานร่วมกับค่ายเพลงใหญ่ๆ และนำอิทธิพลต่างๆ จากจังเกิลป็อป ป็อปพังก์ อัลเทอร์เน ทีฟเมทัลหรือฮาร์ดร็อก มาใช้ ^[224]คำว่าโพสต์กรันจ์เดิมทีตั้งใจให้เป็นคำดูถูก โดยสื่อว่าวงดนตรีเหล่านี้เป็นเพียงดนตรีลอกเลียนแบบ หรือเป็นการตอบสนองอย่างดูถูกต่อกระแสร็อก "แท้ๆ" ^[228]เดิมที วงดนตรีแนวกรันจ์ที่เกิดขึ้นเมื่อกรันจ์เป็นกระแสหลักและถูกสงสัยว่าเลียนแบบเสียงกรันจ์นั้นถูกเรียกในเชิงลบว่าเป็นแนวโพสต์กรันจ์^[228]ตั้งแต่ปี 1994 วงดนตรีใหม่ของเดฟ โกรล อดีตมือกลองของวง Nirvana อย่าง Foo Fightersได้ช่วยทำให้แนวเพลงนี้เป็นที่นิยมและกำหนดขอบเขตของแนวเพลงนี้^[229]

วงดนตรีโพสต์กรันจ์บางวง เช่นCandleboxมาจากซีแอตเทิล แต่แนวเพลงย่อยนี้โดดเด่นด้วยการขยายฐานทางภูมิศาสตร์ของกรันจ์ โดยมีวงอย่างAudioslave จากลอสแองเจลิส และ Collective Soulจากจอร์เจียและไปไกลกว่าสหรัฐอเมริกาไปจนถึงSilverchair จากออสเตรเลีย และ Bushจากอังกฤษซึ่งทั้งหมดทำให้โพสต์กรันจ์กลายเป็นหนึ่งในแนวเพลงย่อยที่ทำกำไรได้มากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ^{[211] [224] แม้ว่าวงดนตรีชายจะครองเพลงโพสต์กรันจ์ แต่ผลงานอัลบั้ม} Jagged Little Pillของศิลปินเดี่ยวหญิงAlanis Morissette ในปี 1995 ซึ่งติดป้ายว่าโพสต์กรันจ์ ก็กลายเป็นเพลงฮิตที่มียอดขายมัลติแพลตตินัมเช่นกัน^[230]โพสต์กรันจ์เปลี่ยนไปในช่วงปลายทศวรรษ 1990 เมื่อวงดนตรีโพสต์กรันจ์อย่างCreedและNickelbackถือกำเนิดขึ้น^[228]วงดนตรีอย่าง Creed และ Nickelback ได้นำดนตรีแนวโพสต์กรันจ์เข้าสู่ศตวรรษที่ 21 พร้อมกับความสำเร็จทางการค้าอย่างมาก โดยละทิ้งความวิตกกังวลและความโกรธแค้นส่วนใหญ่ของขบวนการดั้งเดิมและหันมาใช้เพลงแอนธีม เรื่องเล่า และเพลงโรแมนติกแบบเดิมๆ และตามมาด้วยวงดนตรีใหม่ๆ เช่นShinedown , Seether , 3 Doors DownและPuddle of Mudd ^[228 ]

ต้นกำเนิดของป๊อปพังก์ในยุค 1990 สามารถเห็นได้จากวงดนตรีพังก์ในยุค 1970 ที่เน้นการร้องเพลง เช่นBuzzcocksและThe Clashวงดนตรีแนว New Wave ที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ เช่นThe JamและThe Undertonesและองค์ประกอบอัลเทอร์เนทีฟร็อกที่ได้รับอิทธิพลจากฮาร์ดคอร์ในยุค 1980 ^[231]ป๊อปพังก์มักใช้ทำนองพาวเวอร์ป็อปและการเปลี่ยนคอร์ดพร้อมกับจังหวะพังก์ที่รวดเร็วและกีตาร์ที่ดัง^[232]ดนตรีพังก์เป็นแรงบันดาลใจให้วงดนตรีบางวงจากแคลิฟอร์เนียบนค่ายเพลงอิสระในช่วงต้นยุค 1990 รวมถึงRancidและGreen Day [ ^231]ในปี 1994 Green Day ได้ย้ายไปอยู่กับค่ายเพลงใหญ่และผลิตอัลบั้มDookieซึ่งพบผู้ฟังส่วนใหญ่เป็นวัยรุ่น และประสบความสำเร็จอย่างน่าประหลาดใจด้วยยอดขายระดับเพชร ซึ่งนำไปสู่ซิงเกิลฮิตหลายเพลง รวมถึงสองเพลงที่ขึ้นอันดับ 1 ในสหรัฐอเมริกา^[211]ไม่นานพวกเขาก็เปิดตัวด้วยชื่อวง Weezerที่มีซิงเกิลติดท็อปเท็นถึงสามซิงเกิลในสหรัฐอเมริกา^[233]ความสำเร็จนี้เปิดประตูสู่ยอดขายมัลติแพลตตินัมของวงพังก์เมทัลอย่างThe Offspringด้วยอัลบั้ม Smash (1994) ^[211] วง ดนตรีป็อปพังก์รุ่นแรกนี้ประสบความสำเร็จสูงสุดด้วยอัลบั้ม Nimrod ของวง Green Day (1997) และ อัลบั้ม Americanaของวง The Offspring (1998) ^[234]

คลื่นลูกที่สองของป๊อปพังก์นำโดยBlink-182ด้วยอัลบั้มที่แจ้งเกิดอย่างEnema of the State (1999) ตามมาด้วยวงดนตรีเช่นGood Charlotte , Simple PlanและSum 41ซึ่งใช้ความตลกขบขันในมิวสิควิดีโอและมีโทนเพลงที่เป็นมิตรกับวิทยุมากขึ้น แต่ยังคงความเร็ว ทัศนคติบางอย่าง และแม้แต่รูปลักษณ์ของพังก์ในยุค 1970 ไว้^[231]วงป๊อปพังก์ยุคหลัง รวมทั้งAll Time Low , All-American RejectsและFall Out Boyมีเสียงที่ได้รับการอธิบายว่าใกล้เคียงกับฮาร์ดคอร์ในยุค 1980 มากขึ้น แต่ยังคงประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์^[231]

ในช่วงทศวรรษ 1980 คำว่าอินดี้ร็อคและอัลเทอร์เนทีฟร็อคถูกใช้แทนกันได้^[235]ในช่วงกลางทศวรรษ 1990 เมื่อองค์ประกอบต่างๆ ของการเคลื่อนไหวเริ่มดึงดูดความสนใจจากกระแสหลัก โดยเฉพาะกรันจ์และบริตป็อป โพสต์กรันจ์และป็อปพังก์ คำว่าอัลเทอร์เนทีฟก็เริ่มสูญเสียความหมาย ไป ^[235]วงดนตรีที่เดินตามแนวทางที่ไม่เป็นเชิงพาณิชย์ของแนวเพลงเหล่านี้ถูกเรียกโดยค่ายเพลงอินดี้มากขึ้นเรื่อยๆ^[235]พวกเขาพยายามควบคุมอาชีพของพวกเขาโดยออกอัลบั้มในสังกัดของตนเองหรือสังกัดอิสระขนาดเล็ก ในขณะที่พึ่งพาการทัวร์ การบอกต่อ และการออกอากาศทางสถานีวิทยุอิสระหรือของวิทยาลัยเพื่อโปรโมต^[235]การเคลื่อนไหวอินดี้ร็อคเชื่อมโยงกันด้วยจริยธรรมมากกว่าแนวทางดนตรี ซึ่งประกอบด้วยสไตล์ที่หลากหลาย ตั้งแต่วงดนตรีแนวฮาร์ดเอจด์ที่ได้รับอิทธิพลจากกรันจ์ เช่นThe CranberriesและSuperchunkไปจนถึงวงดนตรีแนวทดลองที่ทำเองได้ เช่นPavementไปจนถึงนักร้องแนวพังก์-โฟล์ค เช่นAni DiFranco [ ^{211] [212]}สังเกตได้ว่าอินดี้ร็อคมีศิลปินหญิงในสัดส่วนที่ค่อนข้างสูงเมื่อเทียบกับแนวเพลงร็อคก่อนหน้า ซึ่งแสดงให้เห็นแนวโน้มจากการพัฒนาดนตรีแนวRiot Grrrl ที่เน้นเรื่องสิทธิสตรี ^{[236] หลายประเทศได้พัฒนาวงการ} อินดี้ ร็อค ในท้องถิ่นอย่างกว้างขวางโดยเฟื่องฟูด้วยวงดนตรีที่มีความนิยมเพียงพอที่จะอยู่รอดภายในประเทศนั้นๆ แต่แทบไม่เป็นที่รู้จักภายนอกประเทศ^[237]

ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 มีแนวเพลงย่อยที่เป็นที่รู้จักมากมาย ซึ่งส่วนใหญ่มีต้นกำเนิดมาจากขบวนการอัลเทอร์เนทีฟช่วงปลายทศวรรษ 1980 รวมอยู่ในกลุ่มอินดี้ Lo-fi หลีกเลี่ยงเทคนิคการบันทึกเสียงที่ขัดเกลาแล้วเพื่อจริยธรรมแบบ DIY และนำโดยBeck , Sebadoh และ Pavement [ ^211]งานของTalk TalkและSlintช่วยสร้างแรงบันดาลใจให้กับทั้ง post rock ซึ่งเป็นสไตล์ทดลองที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีแจ๊สและ อิเล็กทรอนิกส์ ซึ่งริเริ่มโดยBark Psychosisและถูกนำไปใช้โดยกลุ่มดนตรีเช่นTortoise , StereolabและLaika ^{[238] [239]} รวมถึงนำไปสู่ดนตรีแนวแมทร็อค ที่ เน้นกีตาร์ที่มีความหนาแน่นและซับซ้อนมากขึ้น ซึ่งพัฒนาโดยกลุ่ม ดนตรีเช่นPolvoและChavez ^[240]สเปซร็อกมองย้อนกลับไปที่รากฐานของดนตรีโปรเกรสซีฟ โดยมีวงดนตรีที่เน้นเสียงโดรนและดนตรีมินิมอลอย่างSpacemen 3วงดนตรีทั้งสองวงสร้างขึ้นจากการแยกวง SpectrumและSpiritualizedและวงดนตรีรุ่นหลังอย่างFlying Saucer Attack , Godspeed You! Black EmperorและQuickspace ^[241]ในทางตรงกันข้ามSadcoreเน้นที่ความเจ็บปวดและความทุกข์ทรมานผ่านการใช้เครื่องดนตรีอะคูสติกและอิเล็กทรอนิกส์แบบเมโลดี้ในดนตรีของวงดนตรีอย่างAmerican Music ClubและRed House Painters [ 242 ^]ในขณะที่การฟื้นคืนชีพของป๊อปบาร็อคตอบสนองต่อดนตรีโลไฟและดนตรีทดลองโดยเน้นที่เมโลดี้และเครื่องดนตรีคลาสสิก โดยมีศิลปินอย่างArcade Fire , Belle and SebastianและRufus Wainwright ^[243 ]

ดนตรีเมทัลทางเลือกเกิดขึ้นจากแนวฮาร์ดคอร์ของดนตรีร็อกทางเลือกในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษ 1980 แต่ได้รับผู้ฟังที่กว้างขึ้นหลังจากที่ดนตรีกรันจ์เริ่มเป็นกระแสหลักในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ^[244]วงดนตรีเมทัลทางเลือกในยุคแรกๆ ได้ผสมผสานแนวเพลงต่างๆ มากมายเข้ากับแนวฮาร์ดคอร์และเฮฟวีเมทัล เช่นJane's AddictionและPrimusที่ใช้ดนตรีโปรเกรสซีฟร็อก, SoundgardenและCorrosion of Conformityที่ใช้ดนตรีการาจพังก์, The Jesus LizardและHelmetที่ ใช้ดนตรี นอยส์ร็อก , MinistryและNine Inch Nailsที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีอินดัสเทรียล , Monster Magnetที่เปลี่ยนมาเล่นแนวไซเคเดเลีย , Pantera , SepulturaและWhite Zombieสร้างแนวกรูฟเมทัลในขณะที่Biohazard , Limp BizkitและFaith No Moreหันมาเล่นฮิปฮอปและแร็ป^[244]

ฮิปฮอปได้รับความสนใจจากศิลปินร็อคในช่วงต้นทศวรรษ 1980 รวมถึง Clash กับ " The Magnificent Seven " (1980) และ Blondie กับ " Rapture " (1980) ^{[245] [246]}การแสดงครอสโอเวอร์ในยุคแรก ๆ รวมถึงRun DMCและBeastie Boys ^[247]แร็ปเปอร์จากดีทรอยต์Eshamเป็นที่รู้จักจากสไตล์ "acid rap" ซึ่งผสมผสานการแร็ปกับเสียงที่มักจะอิงจากร็อคและเฮฟวีเมทัล[ ^{248] [249]}แร็ปเปอร์ที่สุ่มตัวอย่างเพลงร็อครวมถึงIce-T , Fat Boys , LL Cool J , Public EnemyและWhodini ^[250]การผสมผสานระหว่าง thrash metal และแร็ปเป็นผู้ริเริ่มโดยAnthraxในซิงเกิลที่ได้รับอิทธิพลจากตลกในปี 1987 " I 'm the Man " ^[250]

ในปี 1990 Faith No Moreได้เข้าสู่กระแสหลักด้วยซิงเกิล " Epic " ซึ่งมักถูกมองว่าเป็นการผสมผสานระหว่างเฮฟวีเมทัลและแร็ปที่ประสบความสำเร็จอย่างแท้จริงครั้งแรก^[251]สิ่งนี้ปูทางไปสู่ความสำเร็จของวงดนตรีที่มีอยู่แล้ว เช่น24-7 SpyzและLiving Colourและการแสดงใหม่ๆ รวมถึงRage Against the MachineและRed Hot Chili Peppersซึ่งทั้งหมดผสมผสานร็อกและฮิปฮอปรวมถึงอิทธิพลอื่นๆ^{[250] [252]}ในบรรดาศิลปินกลุ่มแรกที่ได้รับความสำเร็จในกระแสหลักในฐานะแร็ปร็อก ได้แก่311 , ^[253] Bloodhound Gang , ^[254]และKid Rock [ ^{255] วงดนตรีต่างๆ เช่น} Limp Bizkit , KornและSlipknot  ต่างก็แสวงหาเสียงที่เป็นเมทัลมากขึ้น - nu metal - ^[250]ต่อมาในทศวรรษนี้ สไตล์นี้ซึ่งประกอบด้วยการผสมผสานระหว่างกรันจ์ พังก์ เมทัล แร็ป และการเล่นแผ่นเสียง แบบสแครชชิ่ง ได้ก่อให้เกิดคลื่นของวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จ เช่นLinkin Park , PODและStaindซึ่งมักถูกจัดประเภทเป็นแร็ปเมทัลหรือ นูเมทัล โดยวงแรกเป็นวงดนตรีที่มียอดขายสูงสุดของแนวเพลงนี้^[256]

ในปี 2001 ดนตรีแนว nu metal ได้รับความนิยมสูงสุดด้วยอัลบั้มอย่างBreak the Cycle ของ Staind, Satelliteของ POD , Iowa ของ Slipknot และ Hybrid Theoryของ Linkin Park นอกจากนี้ยังมีวงดนตรีใหม่ๆ เกิดขึ้น เช่นDisturbed , GodsmackและPapa Roach ซึ่ง อัลบั้มเปิดตัวกับค่ายเพลงใหญ่Infest ของพวกเขา กลายเป็นเพลงฮิตระดับแพลตตินัม^{[257] อัลบั้มที่ห้า} Untouchablesของ Korn ที่ทุกคนรอคอยมานานและอัลบั้มที่สองLovehatetragedy ของ Papa Roach ขายไม่ได้ดีเท่ากับผลงานก่อนหน้านี้ของพวกเขา ในขณะที่วงดนตรีแนว nu metal ถูกเล่นในสถานีวิทยุร็อกน้อยลง และMTVเริ่มเน้นที่ป๊อปพังก์และอีโม [ ^258]ตั้งแต่นั้นมา วงดนตรีหลายวงก็เปลี่ยนมาใช้แนวเพลงฮาร์ดร็อค เฮฟวีเมทัล หรือดนตรีอิเล็กทรอนิกส์แบบเดิมๆ^[258]

ตั้งแต่ประมาณปี 1997 เป็นต้นมา เมื่อความไม่พอใจกับแนวคิดของ Cool Britannia เพิ่มมากขึ้น และกระแส Britpop ก็เริ่มจางหายไป วงดนตรีหน้าใหม่เริ่มหลีกเลี่ยงค่ายเพลง Britpop แต่ยังคงผลิตเพลงที่มีแนวเพลงนี้เป็นหลักอยู่^{[259] [260]}วงดนตรีเหล่านี้หลายวงมักจะผสมผสานองค์ประกอบของดนตรีร็อกอังกฤษแบบดั้งเดิม (หรือเพลงร็อกอังกฤษแบบดั้งเดิม) ^[261]โดยเฉพาะอย่างยิ่ง The Beatles, Rolling Stones และSmall Faces [ 262 ^]กับอิทธิพลของดนตรีอเมริกัน รวมถึงแนวโพสต์กรันจ์^{[263] [264]}วงดนตรีเหล่านี้มีสมาชิกมาจากทั่วสหราชอาณาจักร (โดยมีวงดนตรีสำคัญหลายวงที่มาจากทางตอนเหนือของอังกฤษ สกอตแลนด์ เวลส์ และไอร์แลนด์เหนือ) โดยธีมเพลงของพวกเขามักจะเน้นไปที่ชีวิตในอังกฤษ อังกฤษ และลอนดอนน้อยลง และเน้นไปที่การมองโลกในแง่ดีมากกว่าเมื่อครั้งที่ Britpop โด่งดังที่สุด^{[265] [266]}นอกจากความเต็มใจที่จะมีส่วนร่วมกับสื่อและแฟนๆ ชาวอเมริกันมากขึ้นแล้ว อาจช่วยให้พวกเขาประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติได้^[267]วงดนตรีทางเลือกหลายวงที่ประสบความสำเร็จบ้างในช่วงกลางทศวรรษ 1990 แต่ไม่พบความสำเร็จทางการค้าครั้งใหญ่จนกระทั่งปลายทศวรรษ 1990 ได้แก่The VerveและRadioheadหลังจากที่ Britpop ตกต่ำลง พวกเขาก็เริ่มได้รับความสนใจจากนักวิจารณ์และเป็นที่นิยมมากขึ้น อัลบั้มUrban Hymns (1997) ของ The Verve ประสบความสำเร็จไปทั่วโลก และ Radiohead ก็ได้รับคำชมเชยจากนักวิจารณ์เกือบทั่วโลกจากอัลบั้มทดลองชุดที่สามOK Computer (1997) รวมถึงอัลบั้มต่อๆ มาKid A (2000)

วงดนตรีแนวโพสต์บริตป็อปถูกมองว่านำเสนอภาพลักษณ์ของร็อคสตาร์ในฐานะบุคคลธรรมดา และดนตรีของพวกเขาที่มีทำนองมากขึ้นเรื่อยๆ ก็ถูกวิจารณ์ว่าจืดชืดหรือลอกเลียน^[268]วงดนตรีแนวโพสต์บริตป็อปอย่างTravisจากThe Man Who (1999), StereophonicsจากPerformance and Cocktails (1999), FeederจากEcho Park (2001) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งColdplayจากอัลบั้มเปิดตัวParachutes (2000) ประสบความสำเร็จในระดับสากลมากกว่าวงบริตป็อปส่วนใหญ่ที่เคยมีมาก่อนหน้าพวกเขา และเป็นวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษที่ 1990 และต้นทศวรรษที่ 2000 ถือได้ว่าเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการฟื้นตัวของดนตรีการาจร็อกและดนตรีแนวโพสต์พังก์ ในเวลาต่อมา ซึ่งยังถูกมองว่าเป็นการตอบสนองต่อดนตรีร็อกแนวพินิจพิเคราะห์ของพวกเขาอีกด้วย^{[264] [269] [270] [271]}

โพสต์ฮาร์ดคอร์พัฒนาขึ้นในสหรัฐอเมริกา โดยเฉพาะในพื้นที่ชิคาโกและวอชิงตัน ดี.ซี. ในช่วงต้นจนถึงกลางทศวรรษ 1980 โดยวงดนตรีได้รับแรงบันดาลใจจากจริยธรรมการทำด้วยตนเองและดนตรีที่เน้นกีตาร์ของฮาร์ดคอร์พังก์ แต่ได้รับอิทธิพลจากโพสต์พังก์ โดยมีรูปแบบเพลงที่ยาวขึ้น โครงสร้างดนตรีที่ซับซ้อนมากขึ้น และบางครั้งมีรูปแบบการร้องที่ไพเราะมากขึ้น^[272]

อีโมยังโผล่ออกมาจากฉากฮาร์ดคอร์ในวอชิงตัน ดี.ซี. ในช่วงทศวรรษ 1980 โดยแรกเริ่มเรียกว่า "emocore" ใช้เป็นคำเพื่ออธิบายวงดนตรีที่ชอบเสียงร้องที่สื่ออารมณ์มากกว่าสไตล์ที่หยาบคายและเห่าซึ่งเป็นที่นิยมกันทั่วไป^[273]ฉากอีโมในช่วงแรกดำเนินการในรูปแบบใต้ดิน โดยมีวงดนตรีอายุสั้นที่ออกแผ่นเสียงไวนิลจำนวนน้อยในค่ายเพลงอิสระเล็กๆ^[273]อีโมเข้าสู่กระแสหลักในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ด้วยความสำเร็จด้านยอดขายระดับแพลตตินัมของเพลงBleed American (2001) ของ Jimmy Eat World และThe Places You Have Come to Fear the Most (2003) ของDashboard Confessional ^[274]อีโมใหม่มีเสียงที่เป็นกระแสหลักมากกว่าในทศวรรษ 1990 และมีเสน่ห์ดึงดูดใจวัยรุ่นมากกว่ารูปแบบก่อนหน้านี้มาก^[274]ในเวลาเดียวกัน การใช้คำว่าอีโมก็ขยายออกไปนอกแนวเพลง โดยเริ่มเกี่ยวข้องกับแฟชั่น ทรงผม และเพลงใดๆ ก็ตามที่แสดงถึงอารมณ์^[275]ในปี 2003 วงดนตรีแนวโพสต์ฮาร์ดคอร์ก็ได้ดึงดูดความสนใจจากค่ายเพลงใหญ่ๆ และเริ่มประสบความสำเร็จในชาร์ตอัลบั้ม^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}วงดนตรีเหล่านี้หลายวงถูกมองว่าเป็นวงแตกแขนงจากแนวอีโมที่ก้าวร้าวขึ้น และมักถูกขนานนามว่าสครีมโม [ ^276]

ในช่วงต้นทศวรรษปี 2000 วงดนตรีกลุ่มใหม่ได้เล่นกีตาร์ร็อคแบบเรียบง่ายและกลับไปสู่พื้นฐาน ซึ่งกลายมาเป็นกระแสหลัก พวกเขาถูกจัดประเภทให้เป็นส่วนหนึ่งของการาจร็อค โพสต์พังก์ หรือการฟื้นฟูแบบนิวเวฟ^[277] [ ^{278] [279] [280]}เนื่องจากวงดนตรีมาจากทั่วโลก อ้างถึงอิทธิพลที่หลากหลาย (ตั้งแต่บลูส์ดั้งเดิม ผ่านนิวเวฟ ไปจนถึงกรันจ์) และนำรูปแบบการแต่งกายที่แตกต่างกันมาใช้ ความสามัคคีของพวกเขาในฐานะแนวเพลงจึงถูกโต้แย้ง^[281]มีความพยายามที่จะฟื้นคืนการาจร็อคและองค์ประกอบต่างๆ ของพังก์ในช่วงทศวรรษปี 1980 และ 1990 และภายในปี 2000 แนวเพลงก็เติบโตขึ้นในหลายประเทศ^[282]

ความก้าวหน้าทางการค้าจากฉากเหล่านี้ได้รับการนำโดยวงดนตรีสี่วง ได้แก่The Strokesที่เกิดขึ้นจากฉากคลับในนิวยอร์กด้วยอัลบั้มเปิดตัวIs This It (2001); The White Stripesจากดีทรอยต์ ด้วยอัลบั้มที่สามWhite Blood Cells (2001); The Hivesจากสวีเดน หลังจากอัลบั้มรวมเพลงYour New Favourite Band (2001); และThe Vinesจากออสเตรเลีย ด้วยอัลบั้ม Highly Evolved (2002) ^[283]พวกเขาได้รับการขนานนามจากสื่อว่าเป็น "The" bands และถูกขนานนามว่า "The saviours of rock 'n' roll" ซึ่งนำไปสู่ข้อกล่าวหาเรื่องการโฆษณาเกินจริง^[284]วงดนตรีคลื่นที่สองที่ได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติจากการเคลื่อนไหวนี้ ได้แก่Black Rebel Motorcycle Club , the Killers , InterpolและKings of Leonจากสหรัฐอเมริกา^[285] the Libertines , Arctic Monkeys , Bloc Party , Kaiser ChiefsและFranz Ferdinandจากสหราชอาณาจักร^[286] JetและWolfmotherจากออสเตรเลีย^[287]และDatsunsและD4จากนิวซีแลนด์^[288]

ในช่วงปี 2000 เมื่อเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์เข้าถึงได้ง่ายขึ้นและซอฟต์แวร์ดนตรีมีความก้าวหน้าขึ้น ทำให้สามารถสร้างดนตรีคุณภาพสูงได้โดยใช้คอมพิวเตอร์โน้ตบุ๊กเพียงเครื่องเดียว^[289]ส่งผลให้มีการผลิตดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ที่บ้านเพิ่มขึ้นอย่างมากและเปิดให้สาธารณชนทั่วไปเข้าถึงได้ผ่านอินเทอร์เน็ตที่กำลังขยายตัว^[290]และรูปแบบการแสดงใหม่ๆ เช่นแลปโทรนิกา [ ^289]และการเขียนโค้ดสด^[291]เทคนิคเหล่านี้เริ่มถูกนำมาใช้โดยวงดนตรีที่มีอยู่แล้วและพัฒนาแนวเพลงที่ผสมผสานร็อคกับเทคนิคและเสียงดิจิทัล รวมถึง^อินดี้อิเล็กทรอนิกส์อิเล็กโทรแคลชแดนซ์พังก์และเรฟใหม่^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง} ]

ในช่วงทศวรรษ 2010 ดนตรีร็อคเสื่อมความนิยมลงจากตำแหน่งแนวเพลงยอดนิยมหลัก โดยปัจจุบันมีดนตรีแดนซ์อิเล็กทรอนิกส์และฮิปฮอปเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยมสูงสุดในสหรัฐอเมริกาในปี 2017 ^{[292] [293] [294]}การเพิ่มขึ้นของการสตรีมและการถือกำเนิดของเทคโนโลยีซึ่งเปลี่ยนแนวทางในการสร้างสรรค์ดนตรีได้รับการกล่าวถึงว่าเป็นปัจจัยสำคัญ^[295] Ken Partridge จากGeniusแนะนำว่าฮิปฮอปได้รับความนิยมมากขึ้นเนื่องจากเป็นแนวเพลงที่มีการเปลี่ยนแปลงมากกว่าและไม่จำเป็นต้องพึ่งพาเสียงในอดีต และมีการเชื่อมโยงโดยตรงกับความซบเซาของดนตรีร็อคและทัศนคติทางสังคมที่เปลี่ยนไปในช่วงทศวรรษ 2010 ^[293] Bill Flanagan ในบทความวิจารณ์ของThe New York Times เมื่อปี 2016 ได้เปรียบเทียบสถานะของดนตรีร็อคในช่วงเวลานี้กับสถานะของดนตรีแจ๊สในช่วงต้นทศวรรษ 1980 โดย "ช้าลงและมองย้อนกลับไป" ^[296]

วงดนตรีร็อคที่ประสบความสำเร็จในชาร์ตในปี 2010 ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับกระแสที่นิยมในปี 2000 และทศวรรษก่อนหน้านั้นมากกว่าที่จะสะท้อนฉากและเสียงใหม่ ๆ^{[297] วงดนตรี} ป็อปร็อคและฮาร์ดร็อคบางวงยังคงประสบความสำเร็จทางการค้าในช่วงเวลานี้ รวมถึงGhost , Maroon 5 , Twenty One Pilots , Fall Out Boy , Imagine Dragons , Halestorm , Panic! at the Disco , Black Veil Brides , Greta Van FleetและThe Black Keys [ ^{298] [299] [300]}นอกเหนือจากชาร์ตแล้ว การค้าขายเทศกาลร็อคเป็นหัวข้อหลักของทศวรรษนี้ โดยมีทั้งเทศกาลดนตรีระดับโลกอย่างCoachella , GlastonburyและRoskildeและเทศกาลดนตรีท้องถิ่นขนาดเล็กที่ขยายตัว^[301]

ในปี 2020 การระบาดของ COVID-19ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในวงการดนตรีร็อกทั่วโลก ข้อจำกัดต่างๆ เช่น กฎ การกักกันตัวทำให้คอนเสิร์ต ทัวร์ เทศกาล การออกอัลบั้ม พิธีมอบรางวัล และการแข่งขันต่างๆ ต้องถูกยกเลิกและเลื่อนออกไปอย่างแพร่หลาย^{[302] [303] [304] [305] [306]}ศิลปินบางคนหันมาจัดการแสดงออนไลน์เพื่อให้มีอาชีพการงานที่มั่นคง^[307]มีการใช้แผนการอื่นเพื่อหลีกเลี่ยงข้อจำกัดการกักกันตัวในคอนเสิร์ตของนักดนตรีร็อกชาวเดนมาร์กMads Langerโดยผู้ชมจะรับชมการแสดงจากในรถของพวกเขา ซึ่งคล้ายกับในโรงภาพยนตร์ไดรฟ์อิน [ ^308]ในด้านดนตรี การระบาดใหญ่ส่งผลให้มีการเปิดตัวเพลงใหม่จากดนตรีร็อกประเภทย่อยที่ช้ากว่า มีพลังน้อยกว่า และเน้นอะคูสติกมากขึ้น^{[309] [310]}อุตสาหกรรมนี้ระดมทุนเพื่อช่วยเหลือตัวเองผ่านความพยายามต่างๆ เช่น Crew Nation ซึ่งเป็นกองทุนบรรเทาทุกข์สำหรับทีมงานดนตรีสดที่จัดโดยLivenation ^[311]

สไตล์ไซเคเดลิกและโปรเกรสซีฟในร็อกกลับมาได้รับความนิยมอีกครั้งในช่วงปี 2010 และ 2020 วงดนตรีแนวนีโอไซเคเดลิกที่โดดเด่นที่สุดบางส่วนมีต้นกำเนิดในออสเตรเลียTame ImpalaของKevin Parkerปล่อยซิงเกิล " Elephant " ในปี 2012 ซึ่งกลายเป็นเพลงฮิตในวิทยุทางเลือกในหลาย ๆ ประเทศ และตามมาด้วยการเปิดตัวอัลบั้มที่ได้รับการยกย่องจาก Parker เช่นLonerism (2012) และCurrents (2015) ^{[312] [ 313] [314]}ดนตรีไซเคเดลิกสไตล์ใหม่ของออสเตรเลียนี้ไม่ได้สร้างขึ้นจาก วงดนตรี ไซเคเดลิกและโปรเกรสซีฟร็อกในยุค 60 และ 70 เท่านั้น แต่ยังผสมผสานอิทธิพลทางดนตรีใหม่และเป็นเอกลักษณ์จากแนวเพลงย่อยต่าง ๆ เช่น ร็อกเฮฟวีเมทัล EDM และเวิลด์มิวสิก อีกด้วย ^[315]บทความในThe Guardian เมื่อปี 2014 บรรยายออสเตรเลียว่าเป็นสถานที่ที่ "วงดนตรีร็อกที่มีแนวคิดอิสระสามารถพัฒนาตนเองได้ตามจังหวะของตัวเอง" ^[316]วงดนตรีแนวไซคีเดลิกและโปรเกรสซีฟรีไววัลของออสเตรเลียอื่นๆ ในช่วงทศวรรษ 2010 และ 2020 ได้แก่King Gizzard & the Lizard Wizard , Psychedelic Porn Crumpets , Rolling Blackouts Coastal Fever , Bananagun , Jay Watson , The Murlocs , StonefieldและTropical Fuck Storm [ ^{317] [318]}

กระแสดนตรีไซเคเดลิกในแนวร็อกก็กลับมาได้รับความนิยมอีกครั้งในยุโรป โดย วงสโตเนอ ร์ร็อก จากยุโรปและอเมริกา เช่นUncle Acid & the Deadbeats , Graveyard , Kadavar , All Them WitchesและTrue Widowต่างก็แสดงดนตรีแนว neo-psychedelia ที่หนักหน่วงขึ้นและมีริฟฟ์มากขึ้น โดยได้รับอิทธิพลจากดนตรีแนวบลูส์และเมทัลมากกว่า^[319]ยุโรปได้รับการขนานนามว่าเป็นประเทศที่ "ยอดเยี่ยมมาก" สำหรับดนตรีไซเคเดลิกแนวใหม่ โดยวงสโตเนอร์ร็อกจากอเมริกาหลายวงเลือกที่จะทัวร์ในยุโรปแทนที่จะเป็นอเมริกาเหนือ^[320]

ในช่วงต้นทศวรรษ 2020 ศิลปินที่บันทึกเสียงทั้งเพลงป๊อปและแร็ปได้ออกผลงานเพลงที่ได้รับอิทธิพลจากเพลงป๊อปพังก์ยอดนิยม ซึ่งหลายเพลงได้รับการผลิตหรือช่วยเหลือจากTravis Barker มือกลองของวง Blink-182 ศิลปินเหล่านี้ ได้แก่ Machine Gun Kelly , Willow Smith , Trippie Redd , Halsey , YungbludและOlivia Rodrigoซึ่งเป็นตัวแทนของการฟื้นตัวทางการค้าของแนวเพลงนี้ความนิยมของแพลตฟอร์มโซเชียลมีเดียTikTokช่วยกระตุ้นความคิดถึงสไตล์เพลงที่ขับเคลื่อนด้วยความวิตกกังวลในหมู่ผู้ฟังรุ่นเยาว์ในช่วงการระบาดใหญ่ การเปิดตัวที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด ได้แก่ อัลบั้มTickets to My Downfall ของ Machine Gun Kelly ในปี 2020 ซึ่งติดอันดับหนึ่งในBillboard 200 และซิงเกิลฮิตอันดับหนึ่งของ Rodrigo " Good 4 U " (2021) ^[321]

ในช่วงกลางถึงปลายปี 2010 และต้นปี 2020 วงดนตรีแนวโพสต์พังก์คลื่นลูกใหม่จากอังกฤษและไอร์แลนด์ถือกำเนิดขึ้น กลุ่มดนตรีในแนวนี้ได้รับการอธิบายด้วยคำว่า "Crank Wave" โดยNMEและThe Quietusในปี 2019 และถูกเรียกว่า "Post- Brexit New Wave" โดยMatthew Perpetuaนักเขียนของ NPRในปี 2021 ^{[322] [323] [324]}ศิลปินที่ได้รับการระบุว่าเป็นส่วนหนึ่งของสไตล์นี้ ได้แก่Black Midi , Wet Leg , Squid , Black Country, New Road , Dry Cleaning , Shame , Sleaford Mods , Fontaines DC , The Murder Capital , IdlesและYard Act ^{[322] [323] [324] [325]}ศิลปินโพสต์พังก์ที่โด่งดังในช่วงทศวรรษ 2010 และต้นทศวรรษ 2020 จากประเทศอื่นๆ นอกเหนือจากสหราชอาณาจักร ได้แก่Parquet Courts , ProtomartyrและGeese (สหรัฐอเมริกา), Preoccupations (แคนาดา), Iceage (เดนมาร์ก) และViagra Boys (สวีเดน) ^{[326] [327] [328]}

ในช่วงกลางถึงปลายปี 2010 วงดนตรีร็อคกระแสหลักบางวงเริ่มมีชื่อเสียงจากการแสดงดนตรีร็อคแบบแบ็คทูเบสิกที่เลียนแบบเสียงของศิลปินดั้งเดิมที่ได้รับความนิยมใน วิทยุ ร็อคคลาสสิกการเปิดตัวAnthem of the Peaceful Army (2018) ของGreta Van Fleetทำให้กระแสหลักกลับมาสนใจสไตล์ร็อคยุคก่อนๆ ของยุค 1960 และ 1970 อีกครั้ง โดยRevolverอธิบาย เสียง ร็อคคลาสสิกที่ฟื้นคืนชีพ นี้ ว่า "ร็อคแอนด์โรลที่หนักหน่วง อวดโอ่ และขับเคลื่อนด้วยริฟฟ์ที่สร้างขึ้นจากแกนหลักของเสียงร้อง-กีตาร์-เบส-กลอง" ^[329]วงดนตรีอื่นๆ ที่ถือว่าเป็นส่วนหนึ่งของกระแสนี้ ได้แก่Rival Sons , the Struts , Dirty Honey , Crown Lands , Larkin PoeและWhite Reaper ^[330 ]

แนวเพลงย่อยต่างๆ ของร็อกถูกนำมาใช้และกลายมาเป็นศูนย์กลางของอัตลักษณ์ของวัฒนธรรมย่อย จำนวนมาก ในช่วงทศวรรษที่ 1950 และ 1960 เยาวชนชาวอังกฤษรับเอา วัฒนธรรมย่อย Teddy BoyและRocker มาใช้ ซึ่งเกี่ยวข้องกับร็อกแอนด์โรลของสหรัฐอเมริกา^[331]วัฒนธรรมย่อยของทศวรรษที่ 1960มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับไซเคเดลิกร็อก [ ^331] วัฒนธรรมย่อยของพังก์ในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษที่ 1970 เริ่มต้นขึ้นในสหรัฐอเมริกา แต่ได้รับการออกแบบให้มีลักษณะเฉพาะโดยVivienne Westwood นักออกแบบชาวอังกฤษ ซึ่งมีลักษณะที่แพร่หลายไปทั่วโลก^[332]จากวงการพังก์ วัฒนธรรมย่อย GothและEmoเติบโตขึ้น ซึ่งทั้งสองอย่างนี้นำเสนอรูปแบบภาพที่โดดเด่น^[333]

เมื่อวัฒนธรรมร็อคระดับนานาชาติได้รับการพัฒนา ก็เข้ามาแทนที่ภาพยนตร์ในฐานะแหล่งอิทธิพลหลักของแฟชั่น^[334]ในทางตรงกันข้าม ผู้ติดตามดนตรีร็อคมักไม่ไว้วางใจโลกแห่งแฟชั่น ซึ่งถูกมองว่าเป็นการยกระดับภาพลักษณ์ให้สูงกว่าสาระ^[334]แฟชั่นร็อคถูกมองว่าเป็นการผสมผสานองค์ประกอบต่างๆ ของวัฒนธรรมและช่วงเวลาที่แตกต่างกัน ตลอดจนแสดงมุมมองที่แตกต่างกันในเรื่องเพศและเพศสภาพ และดนตรีร็อคโดยทั่วไปก็ถูกสังเกตและวิพากษ์วิจารณ์ว่าส่งเสริมเสรีภาพทางเพศที่มากขึ้น^{[334] [335]}ร็อคยังเกี่ยวข้องกับการใช้ยาเสพติดในรูปแบบต่างๆ รวมถึงแอมเฟตามีนที่ม็อดใช้ในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษ 1960 ผ่านทางแอลเอสดีเมสคาลีนกัญชาและยาหลอนประสาทอื่นๆ ที่เชื่อมโยงกับดนตรีร็อคไซเคเดลิกในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 และบางครั้งยังเกี่ยวข้องกับกัญชาโคเคนและเฮโรอีน ซึ่งทั้งหมดนี้ได้รับการยกย่องในเพลง^{[336] [337]}

ดนตรีร็อกได้รับการยกย่องว่าเปลี่ยนทัศนคติต่อเชื้อชาติโดยเปิดวัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกันให้คนฟังผิวขาวเข้าถึง แต่ในขณะเดียวกัน ดนตรีร็อกก็ถูกกล่าวหาว่านำวัฒนธรรมนั้นมาใช้และแสวงหาประโยชน์ จากมัน ^{[338] [339]}ในขณะที่ดนตรีร็อกได้รับอิทธิพลมากมายและแนะนำประเพณีดนตรีที่แตกต่างกันให้กับผู้ฟังชาวตะวันตก^[340]การแพร่กระจายของดนตรีร็อกไปทั่วโลกถูกตีความว่าเป็นรูปแบบของจักรวรรดินิยมทางวัฒนธรรม [ ^341]ดนตรีร็อกสืบทอดประเพณีพื้นบ้านของเพลงประท้วงโดยออกแถลงการณ์ทางการเมืองในหัวข้อต่างๆ เช่น สงคราม ศาสนา ความยากจน สิทธิพลเมือง ความยุติธรรม และสิ่งแวดล้อม^[342]กิจกรรมทางการเมืองถึงจุดสูงสุดในกระแสหลักด้วยซิงเกิล " Do They Know It's Christmas? " (1984) และ คอนเสิร์ต Live Aidสำหรับเอธิโอเปียในปี 1985 ซึ่งในขณะที่สร้างความตระหนักรู้เกี่ยวกับความยากจนทั่วโลกและเงินทุนสำหรับความช่วยเหลือ ยังถูกวิพากษ์วิจารณ์ (พร้อมกับเหตุการณ์ที่คล้ายคลึงกัน) ว่าเป็นเวทีสำหรับการยกย่องตนเองและเพิ่มผลกำไรให้กับดาราร็อคที่เกี่ยวข้อง^[343]

ตั้งแต่มีการพัฒนาในช่วงแรก ดนตรีร็อคมีความเกี่ยวข้องกับการกบฏต่อบรรทัดฐานทางสังคมและการเมือง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุคแรกๆ ดนตรีร็อคแอนด์โรลมักปฏิเสธวัฒนธรรมที่ผู้ใหญ่เป็นผู้ครอบงำ ต่อต้านการบริโภคนิยมและความสอดคล้องของวัฒนธรรมย่อย และต่อต้านขนบธรรมเนียมทางสังคมทุกรูปแบบของพังก์^[344]อย่างไรก็ตาม ดนตรีร็อคยังสามารถมองได้ว่าเป็นช่องทางในการแสวงหาผลประโยชน์ทางการค้าจากแนวคิดดังกล่าวและเบี่ยงเบนเยาวชนให้ห่างจากการกระทำทางการเมือง^{[345] [346]}

นักดนตรีหญิงอาชีพไม่ค่อยมีในแนวเพลงร็อค เช่น เฮฟวีเมทัล แม้ว่าวงดนตรีเช่นWithin Temptationจะมีผู้หญิงเป็นนักร้องนำและมีผู้ชายเล่นเครื่องดนตรีก็ตาม ตามที่ Schaap และ Berkers กล่าวไว้ว่า "การเล่นดนตรีในวงดนตรีเป็นกิจกรรมรักร่วมเพศของผู้ชาย นั่นคือ การเรียนรู้ที่จะเล่นดนตรีในวงดนตรีเป็นประสบการณ์ของเพื่อน ... ที่ได้รับการหล่อหลอมโดยเครือข่ายมิตรภาพที่มีอยู่ซึ่งแบ่งแยกตามเพศ^[347]พวกเขาสังเกตว่าดนตรีร็อก "มักถูกกำหนดให้เป็นรูปแบบหนึ่งของการกบฏของผู้ชายต่อวัฒนธรรมห้องนอนของผู้หญิง" ^[348] (ทฤษฎีของ "วัฒนธรรมห้องนอน" โต้แย้งว่าสังคมมีอิทธิพลต่อเด็กผู้หญิงไม่ให้ก่ออาชญากรรมและเบี่ยงเบนโดยกักขังพวกเธอไว้ในห้องนอน ซึ่งนักสังคมวิทยาชื่อAngela McRobbie ได้ระบุ ทฤษฎีนี้) ในดนตรีป็อป มี "ความแตกต่างระหว่างการมีส่วนร่วมในดนตรีในที่สาธารณะ (ชาย) และส่วนตัว (หญิง)" ^[348] "นักวิชาการหลายคนโต้แย้งว่าผู้ชายกีดกันผู้หญิงออกจากวงดนตรีหรือจากการซ้อม การบันทึกเสียง การแสดง และกิจกรรมทางสังคมอื่นๆ ของวงดนตรี" ^[349] "ผู้หญิงถือเป็นผู้บริโภคแบบเฉื่อยชาและเป็นส่วนตัวของสิ่งที่ประดิษฐ์ขึ้นล่วงหน้า – ดังนั้น ดนตรีป็อปจึงด้อยกว่า ... ทำให้ไม่สามารถเข้าร่วมเป็นนักดนตรีร็อคระดับสูงได้” ^[349]เหตุผลประการหนึ่งที่วงดนตรีมีสมาชิกหลากหลายเพศก็คือ “วงดนตรีเหล่านี้ทำงานเป็นหน่วยที่แน่นแฟ้นซึ่งความสามัคคีของคนรักร่วมเพศ – ความผูกพันทางสังคมระหว่างคนเพศเดียวกัน ... – มีบทบาทสำคัญ” ^[349]ในแวดวงดนตรีร็อคในยุค 1960 “การร้องเพลงเป็นกิจกรรมยามว่างที่ยอมรับได้สำหรับเด็กผู้หญิง แต่การเล่นเครื่องดนตรี ... ยังไม่เป็นที่นิยม” ^[350]

“การกบฏของดนตรีร็อคเป็นการกบฏของผู้ชาย ผู้หญิง – บ่อยครั้งในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 เด็กผู้หญิงวัยรุ่น – ในดนตรีร็อคร้องเพลงในฐานะบุคคลที่ต้องพึ่งพาแฟนหนุ่มที่เป็นชายชาตรีของพวกเขา ...” ฟิลิป ออสแลนเดอร์กล่าวว่า “แม้ว่าจะมีผู้หญิงจำนวนมากในวงการร็อคในช่วงปลายทศวรรษ 1960 แต่ส่วนใหญ่แสดงเป็นนักร้องเท่านั้น ซึ่งเป็นตำแหน่งที่ผู้หญิงควรมีในดนตรีป๊อป” แม้ว่าผู้หญิงบางคนจะเล่นเครื่องดนตรีในวงดนตรีการาจร็อคหญิงล้วน ของอเมริกา แต่ไม่มีวงดนตรีใดประสบความสำเร็จมากกว่าความสำเร็จในระดับภูมิภาค ดังนั้นพวกเขาจึง “ไม่ได้ให้รูปแบบที่เหมาะสมสำหรับการมีส่วนร่วมอย่างต่อเนื่องของผู้หญิงในดนตรีร็อค ” ^[351]ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับองค์ประกอบทางเพศของวงดนตรีเฮฟวีเมทัลมีการกล่าวว่า "[นักร้องเฮฟวีเมทัลเกือบทั้งหมดเป็นผู้ชาย” ^[352] “...อย่างน้อยก็จนถึงกลางทศวรรษ 1980” ^[353]ยกเว้น “...ข้อยกเว้น เช่นGirlschool ” ^[352]อย่างไรก็ตาม "...ในตอนนี้ [ในช่วงปี 2010] อาจจะมากกว่าที่เคย—ผู้หญิงแนวเมทัลที่แข็งแกร่งได้แสดงความสามารถอย่างเต็มที่และลงมือทำ" ^[354] "สร้างสถานะที่มั่นคงให้กับตัวเอง" ^[355]เมื่อSuzi Quatroปรากฏตัวในปี 1973 "ไม่มีนักดนตรีหญิงคนใดที่โดดเด่นคนใดทำงานในวงการร็อกพร้อมๆ กันในฐานะนักร้อง นักดนตรี นักแต่งเพลง และหัวหน้าวง" ^[351]ตามที่ Auslander กล่าว เธอ "กำลังทำลายประตูของผู้ชายในวงการร็อกแอนด์โรลและพิสูจน์ให้เห็นว่านักดนตรี หญิง  ... และนี่คือจุดที่ฉันกังวลอย่างยิ่ง ... สามารถเล่นดนตรีได้ดีเท่าหรือดีกว่านักดนตรีชายก็ได้" ^[351]

วง ดนตรี หญิงล้วนคือกลุ่มดนตรีในแนวเพลงเช่น ร็อกและบลูส์ ซึ่งประกอบด้วยนักดนตรีหญิงซึ่งแตกต่างจากกลุ่มเกิร์ลกรุ๊ปซึ่งสมาชิกหญิงเป็นนักร้อง แม้ว่าคำศัพท์นี้จะไม่ได้ถูกใช้กันทั่วไปก็ตาม^[356]

• รายชื่อประเภทเพลงร็อค
• รายชื่อศิลปินร็อคกระแสหลัก
• ร็อคต่อต้านการเหยียดเชื้อชาติ
• ร็อคต่อต้านลัทธิการแบ่งแยกทางเพศ
• หินสำหรับป่าฝน

• Bogdanov, V.; Woodstra, C.; Erlewine, ST, บรรณาธิการ (2002). All Music Guide to Rock: the Definitive Guide to Rock, Pop, and Soul (3rd ed.). Milwaukee, WI: Backbeat Books. ISBN 0-87930-653-X-
• คริสต์เกา, โรเบิร์ต (1992). "BE: ช่วงเวลาหนึ่งในยุคก่อนประวัติศาสตร์ของร็อกแอนด์โรล" รายละเอียด
• Gilliland, John (1969). "Crammer: A lively cram course on the history of rock and some other things" (เสียง) . Pop Chronicles . ห้องสมุดมหาวิทยาลัย North Texas
• โรบินสัน, ริชาร์ด. ป็อป ร็อค และโซล . นิวยอร์ก: Pyramid Books, 1972. ISBN 0-0515-2660-3 . 
• Shepherd, J., ed. (2003). Continuum Encyclopedia of Popular Music of the World: Volume II: Performance and Production . นิวยอร์ก: Continuum. ISBN 0-8264-6322-3-
• Szatmary, David P. Rockin' in Time: a Social History of Rock-and-Roll . พิมพ์ครั้งที่ 3 Upper Saddle River NJ : Prentice-Hall, 1996. xvi, 320 หน้า, ภาพประกอบ, ส่วนใหญ่มีภาพถ่ายขาวดำISBN 0-13-440678-8 

• ดนตรีร็อคที่Curlie