เพลงร็อค

จากวิกิพีเดีย สารานุกรมเสรี
ข้ามไปที่การนำทาง ข้ามไปที่การค้นหา

ดนตรีร็อคเป็นแนวเพลงยอดนิยมที่มีต้นกำเนิดมาจากคำว่า " ร็อกแอนด์โรล " ในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 และต้นทศวรรษที่ 1950 และได้พัฒนาเป็นแนวเพลงที่หลากหลายในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 และต่อมา โดยเฉพาะในสหรัฐอเมริกาและ ประเทศอังกฤษ. มีรากฐานมาจากเพลงร็อกแอนด์โรลในช่วงทศวรรษที่ 1940 และ 1950 ซึ่งเป็นสไตล์ที่ดึงโดยตรงจากแนวเพลงบลูส์และจังหวะและบลูส์ของดนตรีแอฟริกัน-อเมริกันและจากเพลงคันทรี่ ร็อกยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแนวเพลงอื่นๆ เช่น อิเล็กท ริกบลูส์และโฟล์ก และรวมเอาอิทธิพลจากแจ๊ส เข้าไว้ด้วยกันคลาสสิกและแนวดนตรีอื่นๆ สำหรับเครื่องดนตรี ร็อคมีศูนย์กลางอยู่ที่กีตาร์ไฟฟ้า โดยปกติจะเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มร็อคที่มีกีตาร์เบสไฟฟ้า กลอง และนักร้องหนึ่งคนหรือมากกว่านั้น โดยปกติแล้ว ร็อกคือดนตรีที่ใช้เพลงเป็นหลักโดยมี4
4
ลายเซ็นเวลา
โดยใช้รูปแบบกลอน-คอรัสแต่แนวเพลงมีความหลากหลายมาก เช่นเดียวกับเพลงป๊อป เนื้อเพลงมักจะเน้นถึงความรักโรแมนติก แต่ยังกล่าวถึงประเด็นอื่นๆ ที่หลากหลายซึ่งมักเป็นเรื่องเกี่ยวกับสังคมหรือการเมือง ร็อคเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในสหรัฐอเมริกาและส่วนใหญ่ในโลกตะวันตกตั้งแต่ปี 1950 ถึง 2010 และยังคงได้รับความนิยม

นักดนตรีร็อคในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 เริ่มพัฒนาอัลบั้มก่อนซิงเกิลในฐานะรูปแบบที่โดดเด่นของการแสดงออกทางดนตรีและการบริโภคที่บันทึกไว้ โดยมีThe Beatlesเป็นแนวหน้าของการพัฒนานี้ การมีส่วนร่วมของพวกเขาทำให้แนวเพลงกลายเป็นความชอบธรรมทางวัฒนธรรมในกระแสหลัก และริเริ่มยุคอัลบั้ม แนวร็อก ในวงการเพลงในอีกหลายทศวรรษต่อมา ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 " คลาสสิกร็อก " [3]แนวเพลงร็อกที่แตกต่างกันจำนวนมากได้เกิดขึ้น รวมทั้งลูกผสมอย่างบลูส์ร็อกโฟล์กร็อกคันทรีร็อก เซาเทิร์น ร็อก รากา ร็อกและแจ๊สร็อกซึ่งส่วนใหญ่มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาไซเคเดลิกร็อกซึ่งได้รับอิทธิพลจาก ฉากไซคีเดลิ แบบต่อต้านวัฒนธรรม และฮิปปี้ แนวเพลงใหม่ๆ ที่เกิดขึ้น ได้แก่โปรเกรสซีฟร็อกซึ่งขยายองค์ประกอบทางศิลปะ, แกลม ร็อกซึ่งเน้นฝีมือการแสดงและสไตล์ภาพ และแนวเพลงย่อยที่หลากหลายและยั่งยืนของเฮฟวีเมทัลซึ่งเน้นความดัง พลัง และความเร็ว ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1970 พังก์ร็อกตอบโต้ด้วยการวิจารณ์สังคมและการเมืองแบบแยกส่วนและมีพลัง พังก์มีอิทธิพลในช่วงปี 1980 ต่อคลื่นลูกใหม่โพสต์พังก์และ อัลเทอร์เนที ฟร็อก ใน ที่สุด

จากทศวรรษที่ 1990 อัลเทอร์เนทีฟร็อกเริ่มมีอิทธิพลเหนือดนตรีร็อกและเข้าสู่กระแสหลักในรูปแบบของกรันจ์ริตป็อป และอินดี้ร็อก แนวเพลงฟิวชันย่อยเพิ่มเติมได้ถือกำเนิดขึ้นตั้งแต่นั้นมา รวมถึงป๊อปพังก์อิเล็กทรอนิกส์ร็อกแร็พร็อกและแร็พเมทัลตลอดจนความพยายามอย่างมีสติในการทบทวนประวัติศาสตร์ของร็อก ซึ่งรวมถึงการ คืนชีพ ร็อก / โพสต์พังก์และเทคโนป๊อปในยุค 2000 ทศวรรษที่ 2010 ความนิยมกระแสหลักของดนตรีร็อกและความเกี่ยวข้องทางวัฒนธรรมลดลงอย่างช้าๆ โดยที่ฮิปฮอปเหนือกว่าประเภทที่ได้รับความนิยมสูงสุดในสหรัฐอเมริกา ร็อกเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยมสูงสุดในสหรัฐอเมริกาและส่วนใหญ่ในโลกตะวันตกตั้งแต่ปี 1950 ถึงปลายปี 2010

ร็อคยังเป็นตัวเป็นตนและทำหน้าที่เป็นพาหนะสำหรับการเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมและสังคม ซึ่งนำไปสู่วัฒนธรรมย่อยที่สำคัญ ซึ่งรวมถึงmodsและrockersในสหราชอาณาจักร การ เคลื่อนไหวของ ฮิปปี้ และการ เคลื่อนไหวต่อต้านวัฒนธรรมตะวันตกในวงกว้างที่แผ่ขยายจากซานฟรานซิสโกในสหรัฐอเมริกาในทศวรรษที่ 1960 ซึ่งต่อมาจนถึงทุกวันนี้ ในทำนองเดียวกันวัฒนธรรมพังก์ ในทศวรรษ 1970 ก่อให้เกิดวัฒนธรรมย่อยแบบกอธิพังก์และอีโม สืบสานประเพณีพื้นบ้านเพลงประท้วงดนตรีร็อคมีความเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวทางการเมือง เช่นเดียวกับการเปลี่ยนแปลงทัศนคติทางสังคมต่อเชื้อชาติ เพศ และการใช้ยาเสพติด และมักถูกมองว่าเป็นการแสดงออกของเยาวชนที่ต่อต้านการบริโภคและ การ ปฏิบัติตามข้อกำหนดของ ผู้ใหญ่ ในขณะเดียวกันก็ประสบความสำเร็จอย่างสูงในเชิงพาณิชย์ นำไปสู่การเรียกเก็บเงินจากการขายออก

ลักษณะ

คำจำกัดความที่ดีของร็อคในความเป็นจริงคือเป็นเพลงยอดนิยมที่ระดับหนึ่งไม่สนใจว่าจะเป็นที่นิยมหรือไม่

บิล ไวแมนในVulture (2016) [4]

ภาพถ่ายของสมาชิกวง Red Hot Chili Peppers สี่คนที่กำลังแสดงบนเวที
Red Hot Chili Peppersในปี พ.ศ. 2549 แสดงรายชื่อวงดนตรีร็อคสี่วง (จากซ้ายไปขวา: มือเบส นักร้องนำ มือกลอง และมือกีตาร์)

โดยปกติแล้วเสียงของร็อกจะมีศูนย์กลางอยู่ที่กีตาร์ไฟฟ้าที่มีแอมพลิฟายเออร์ ซึ่งปรากฏในรูปแบบสมัยใหม่ในช่วงปี 1950 ด้วยความนิยมของร็อกแอนด์โรล นอกจาก นี้ยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเสียงของนักกีตาร์บลูส์ไฟฟ้า [6]เสียงของกีตาร์ไฟฟ้าในเพลงร็อคมักจะสนับสนุนโดยกีตาร์เบสไฟฟ้าซึ่งเป็นผู้บุกเบิกดนตรีแจ๊สในยุคเดียวกัน[7]และโดยเครื่องเพอร์คัชชันที่ผลิตจากชุดกลองที่ผสมผสานระหว่างกลองและฉิ่ง [8]เครื่องดนตรีสามชิ้นนี้มักถูกเสริมด้วยการรวมเครื่องดนตรีอื่นๆ เข้าด้วยกัน โดยเฉพาะคีย์บอร์ด เช่น เปียโนแฮมมอนด์ออร์แกนและซินธิไซเซอร์ [9]เครื่องดนตรีร็อกพื้นฐานได้มาจาก เครื่องดนตรีของวงดนตรี บลูส์ ขั้นพื้นฐาน (กีตาร์นำที่โดดเด่น เครื่องดนตรีคอร์ดที่สอง เบส และกลอง) [6]กลุ่มนักดนตรีที่แสดงดนตรีร็อคเรียกว่า วงร็อค หรือ กลุ่มร็อค นอกจากนี้ โดยทั่วไปแล้วจะประกอบด้วยสมาชิกสามคน ( พาวเวอร์ทรีโอ ) และสมาชิกห้าคน คลาสสิก วงดนตรีร็อคจะอยู่ในรูปของควอเต ต ที่มีสมาชิกครอบคลุมหนึ่งบทบาทหรือมากกว่านั้น ได้แก่ นักร้องนำ มือกีตาร์นำ มือกีตาร์ริธึม มือกีตาร์เบส มือกลอง และมักเล่นคีย์บอร์ดหรือมือเครื่องดนตรีอื่นๆ [10]

ง่ายๆ4
4
รูปแบบกลองที่พบได้ทั่วไปในเพลงร็อคPlay 

ดนตรีร็อคดั้งเดิมสร้างขึ้นบนพื้นฐานของจังหวะประสานง่ายๆ ใน4
4
เมตรโดยมีกลองสแนร์ซ้ำๆ กันตีบน ตีสองและตีสี่ [11]เมโลดี้มักมาจากโหมดดนตรีแบบ เก่า เช่นDorianและMixolydianเช่นเดียวกับโหมดเมเจอร์และไมเนอร์ ฮาร์โม นีมีตั้งแต่สาม เสียงทั่วไปไปจนถึง สี่และห้า ที่สมบูรณ์แบบ ขนานกันและความก้าวหน้าของฮาร์โมนิกที่ไม่ลงรอยกัน [11]ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1950, [12]และโดยเฉพาะอย่างยิ่งตั้งแต่กลางทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา ดนตรีร็อกมักใช้โครงสร้างแบบท่อนร้องประสานเสียงมาจากเพลงบลูส์และโฟล์ก แต่มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมากจากโมเดลนี้ [13]นักวิจารณ์ได้เน้นย้ำถึงการผสมผสานและความหลากหลายทางโวหารของหิน [14]เนื่องจากประวัติศาสตร์ที่ซับซ้อนและมีแนวโน้มที่จะยืมมาจากรูปแบบดนตรีและวัฒนธรรมอื่น ๆ จึงเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่า [15]ในความเห็นของนักข่าวเพลงRobert Christgau , "ร็อคที่ดีที่สุดเขย่า คุณธรรม ของศิลปะพื้นบ้าน -ความตรงไปตรงมา, ประโยชน์ใช้สอย, ผู้ชมที่เป็นธรรมชาติ - ในปัจจุบันด้วยภาพเทคโนโลยีสมัยใหม่ และความ แตกแยก ของสมัยใหม่ " [16]

ร็อกแอนด์โรลถูกมองว่าเป็นทางออกสำหรับความปรารถนาของวัยรุ่น ... การทำร็อกแอนด์โรลยังเป็นวิธีที่เหมาะในการสำรวจจุดตัดระหว่างเพศ ความรัก ความรุนแรง และความสนุกสนาน เพื่อถ่ายทอดความสุขและข้อจำกัดของภูมิภาคและเพื่อจัดการ ด้วยความเสื่อมเสียและผลประโยชน์ของวัฒนธรรมมวลชนเอง

Robert ChristgauในChristgau's Record Guide (1981) [17]

ซึ่งแตกต่างจากเพลงยอดนิยมหลาย ๆ สไตล์ก่อนหน้านี้ เนื้อเพลงร็อคมีเนื้อหาที่หลากหลาย รวมถึงความรักโรแมนติก เซ็กส์ การกบฏต่อ " สถาบัน " ความกังวลทางสังคม และรูปแบบชีวิต ธีมเหล่านี้สืบทอดมาจากแหล่งต่างๆ เช่น ประเพณีป็อป Tin Pan Alleyดนตรีพื้นบ้าน จังหวะและเพลงบลูส์ Christgauอธิบายลักษณะเนื้อเพลงร็อคว่าเป็น "สื่อที่เจ๋ง" ด้วยถ้อยคำง่ายๆ และการงดเว้นซ้ำๆ และอ้างว่า "หน้าที่" หลักของร็อค "เกี่ยวข้องกับดนตรี หรือโดยทั่วไปคือเสียงรบกวน " [19]ความเด่นของนักดนตรีผิวขาว ผู้ชาย และมักเป็นชนชั้นกลางในดนตรีร็อคมักถูกบันทึกไว้[20]และร็อคถูกมองว่าเป็นรูปแบบดนตรีของคนผิวดำที่เหมาะสมสำหรับผู้ชมที่อายุน้อย ผิวขาว และส่วนใหญ่เป็นผู้ชาย [21]ด้วยเหตุนี้ จึงเห็นได้อย่างชัดเจนถึงข้อกังวลของกลุ่มนี้ทั้งในรูปแบบและเนื้อเพลง Christgau เขียนในปี พ.ศ. 2515 กล่าวว่าแม้จะมีข้อยกเว้นบางประการว่า [23]

เนื่องจากคำว่า "ร็อค" เริ่มถูกใช้ในลักษณะเดียวกับ "ร็อกแอนด์โรล" ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 1960 คำว่า "ร็อก" จึงมักจะตรงกันข้ามกับดนตรีป๊อป ซึ่งมีลักษณะร่วมหลายประการ แต่มักถูกทำให้เหินห่างด้วยการเน้นย้ำ เกี่ยวกับความเป็นนักดนตรี การแสดงสด และการเน้นไปที่หัวข้อที่จริงจังและก้าวหน้า ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของอุดมการณ์ของความเป็นของแท้ที่มักจะรวมเข้ากับการรับรู้ถึงประวัติศาสตร์และการพัฒนาของแนวเพลง อ้างอิงจากไซมอน ฟริธ ร็อคเป็น "บางสิ่งที่มากกว่าป๊อป บางอย่างที่มากกว่าร็อกแอนด์โรล" และ "[r ] ock นักดนตรีผสมผสานการเน้นทักษะและเทคนิคเข้ากับแนวคิดโรแมนติกของศิลปะในฐานะการแสดงออกทางศิลปะ สร้างสรรค์และจริงใจ ". [24]

ในสหัสวรรษใหม่ คำว่าร็อคบางครั้งถูกใช้เป็นคำรวม ซึ่งรวมถึงรูปแบบต่างๆ เช่น ดนตรีป๊อป ดนตรี เร็ เก้ ดนตรีโซลและแม้แต่ฮิปฮอปซึ่งได้รับอิทธิพลมาแต่มักขัดแย้งกันในประวัติศาสตร์ส่วนใหญ่ Christgauใช้คำนี้อย่างกว้างๆ เพื่ออ้างถึงเพลงยอดนิยมและกึ่งป๊อปที่ตอบสนองความรู้สึกของเขาในฐานะ "ร็อกแอนด์โรลเลอร์" รวมถึงความชื่นชอบในจังหวะที่ดี เนื้อเพลงที่มีความหมายและมีไหวพริบ และแก่นของ เยาวชนซึ่งมี "แรงดึงดูดชั่วนิรันดร์" เพื่อให้วัตถุประสงค์ "ดนตรีเยาวชนทั้งหมดมีส่วนร่วมของสังคมวิทยาและรายงานภาคสนามเขียนในChristgau's Record Guide: The '80s (1990) เขากล่าวว่าความรู้สึกนี้ปรากฏชัดในดนตรีของนักร้องนักแต่งเพลงโฟล์ค Michelle Shockedแร็ปเปอร์ LL Cool Jและดูโอซินธ์ป๊อป Pet Shop Boys —"เด็กทุกคนกำลังค้นหาตัวตนของพวกเขา" —เท่าที่มีในเพลงของChuck Berry , the Ramonesและ the Replacements [26]

ปลายทศวรรษที่ 1940 – กลางทศวรรษที่ 1960

ร็อกแอนด์โรล

Chuck Berryในภาพประชาสัมพันธ์ปี 1958

รากฐานของดนตรีร็อกมาจากร็อกแอนด์โรล ซึ่งมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 และต้นทศวรรษที่ 1950 และแพร่กระจายไปยังส่วนอื่นๆ ของโลกอย่างรวดเร็ว ต้นกำเนิดทันทีมาจากการผสมผสาน แนว ดนตรีของคนผิวดำในยุคนั้น รวมถึงจังหวะและบลูส์และ เพลงกอส เปลกับ เพลงคันทรี่และ เพลงตะวันตก ในปี พ.ศ. 2494 อลัน ฟรีดนักจัดรายการคลีฟแลนด์ รัฐโอไฮโอเริ่มเล่นดนตรีจังหวะและบลูส์ (จากนั้นเรียกว่า " เพลงแข่ง ") สำหรับผู้ชมหลายเชื้อชาติ และได้รับเครดิตจากการใช้วลี "ร็อกแอนด์โรล" เป็นครั้งแรกเพื่ออธิบาย ดนตรี. [28]

ภาพถ่ายขาวดำของ Elvis Presley ยืนอยู่ระหว่างบาร์สองชุด
Elvis Presleyในการโปรโมตภาพยนตร์เรื่องJailhouse Rockในปี 1957

การโต้วาทีเกี่ยวกับแผ่นเสียงจำนวนมากที่ได้รับการแนะนำว่าเป็น " แผ่นเสียงร็อกแอนด์โรลแผ่นแรก " คู่แข่ง ได้แก่ " The House of Blue Lights " โดยElla Mae MorseและFreddie Slack (1946); [29] Wynonie Harris ' " Good Rocking Tonight " (พ.ศ. 2491); [30] Goree Carterเรื่อง "Rock A while" (พ.ศ. 2492); [31] จิมมี่ เพรสตันเรื่อง " Rock the Joint " (พ.ศ. 2492) ซึ่งต่อมาถูกเขียนโดยBill Haley & His Cometsในปี พ.ศ. 2495; [32]และ " Rocket 88 " โดยJackie Brenstonและ Delta Cats ของเขา (อันที่จริงคือIke Turnerและวงของเขา the Kings of Rhythm ) บันทึกเสียงโดยSam PhillipsสำหรับSun Recordsในปี 1951 สี่ปีต่อมา" Rock Around the Clock " ของBill Haley (1955) กลายเป็น เพลงร็อกแอนด์โรลเพลงแรกที่ขึ้นอันดับสูงสุดใน ชาร์ตยอดขายหลักและชาร์ตออกอากาศของนิตยสาร Billboardและเปิดประตูสู่ทั่วโลกสำหรับกระแสความนิยมคลื่นลูกใหม่นี้ [34] [35]

เป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่า " That's All Right (Mama) " (พ.ศ. 2497) ซึ่ง เป็นซิงเกิลแรกของ เอลวิส เพรสลีย์สำหรับ Sun Records ในเมมฟิสอาจเป็นเพลงร็อคแอนด์โรลเพลงแรก[36]แต่ในขณะเดียวกันบิ๊กเพลง " Shake, Rattle & Roll " ของ Joe Turnerซึ่งต่อมาร้องโดย Haley ได้ขึ้นอันดับต้น ๆ ของชาร์ตเพลง R&B ของ Billboardแล้ว ศิลปินคนอื่นๆ ที่มีเพลงร็อกแอนด์โรลในยุคแรกๆ ได้แก่Chuck Berry , Bo Diddley , Fats Domino , Little Richard , Jerry Lee LewisและGene Vincent [33]ในไม่ช้า ร็อกแอนด์โรลก็เป็นกำลังหลักในการขายแผ่นเสียงของอเมริกาและนักร้องเพลงดัง เช่นEddie Fisher , Perry ComoและPatti Pageซึ่งครองตำแหน่งเพลงยอดนิยมในช่วงทศวรรษก่อนหน้า พบว่าการเข้าถึงเพลงป็อปชาร์ตของพวกเขาลดลงอย่างมาก [37]

ร็อกแอนด์โรลถูกมองว่านำไปสู่แนวเพลงย่อยที่แตกต่างกันจำนวนมาก รวมถึงร็อกอะบิลลีที่รวมร็อกแอนด์โรลเข้ากับเพลงคันทรี่แบบ "บ้านนอก" ซึ่งมักจะเล่นและบันทึกเสียงในช่วงกลางทศวรรษ 1950 โดยนักร้องผิวขาว เช่นคาร์ล เพอร์กินส์ , เจอร์รี ลี ลูอิสบัดดี้ ฮอลลี่และความสำเร็จทางการค้าอย่างยิ่งใหญ่ เอลวิส เพรสลีย์ [38] ฮิส แปนิกและละตินอเมริกาเคลื่อนไหวในร็อกแอนด์โรล ซึ่งในที่สุดจะนำไปสู่ความสำเร็จของละตินร็อกและชิคาโนร็อกในสหรัฐ เริ่มขึ้นในภาคตะวันตกเฉียงใต้ กับนักดนตรีมาตรฐานร็อคแอนด์โรลRitchie Valensและแม้แต่ผู้ที่อยู่ในแนวมรดกอื่น ๆ เช่นAl Hurricaneร่วมกับพี่น้องของเขา Tiny Morrie และ Baby Gaby ขณะที่พวกเขาเริ่มผสมผสานร็อกแอนด์โรลเข้ากับ คันทรี่ ตะวันตกในดนตรีนิวเม็กซิโก แบบ ดั้งเดิม [39]สไตล์อื่น ๆ เช่นdoo wopให้ความสำคัญกับการประสานเสียงหลายท่อนและเนื้อเพลงสนับสนุน (ซึ่งต่อมาได้ชื่อประเภทนี้) ซึ่งมักจะสนับสนุนด้วยเครื่องดนตรีเบาและมีต้นกำเนิดในทศวรรษที่ 1930 และ 1940 กลุ่มนักร้องแอฟริกันอเมริกัน . [40] การแสดง อย่างThe Crows , the Penguins , the El Doradosและthe Turbansต่างก็ทำเพลงฮิตได้มากมาย และกลุ่มอย่างPlattersก็มีเพลงเช่น "The Great Pretender " (1955), [41]และCoasters ที่มีเพลงตลกอย่าง " Yakety Yak " (1958), [42]ติดอันดับการแสดงร็อกแอนด์โรลที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในยุคนั้น[43]

ยุคนั้นยังเห็นความนิยมที่เพิ่มขึ้นของกีตาร์ไฟฟ้าและการพัฒนารูปแบบการเล่นแบบร็อกแอนด์โรลโดยเฉพาะผ่าน ตัวชี้กำลังเช่น Chuck Berry, Link WrayและScotty Moore [44]การใช้การบิดเบือนซึ่งบุกเบิกโดย นักกีตาร์ วงสวิงตะวันตกเช่นจูเนียร์ บาร์นาร์ด[45]และเอลดอน แชมบลินเป็นที่นิยมโดย ชัค เบอร์รี ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 [46]การใช้พาวเวอร์คอร์ดบุกเบิกโดยFrancisco TárregaและHeitor Villa-Lobosในศตวรรษที่ 19 และต่อมาโดยWillie JohnsonและPat Hareในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ได้รับความนิยมโดย Link Wray ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 [47]

ในสหราชอาณาจักรดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมและการเคลื่อนไหวแบบโฟล์กได้นำศิลปินเพลงบลูส์ มาเยือน อังกฤษ [48] ​​เพลงฮิตของ Lonnie Doneganในปี 1955 " Rock Island Line " มีอิทธิพลสำคัญและช่วยพัฒนากระแสของ กลุ่ม ดนตรี skiffleทั่วประเทศ ซึ่งหลายกลุ่มรวมถึงQuarrymenของJohn Lennon ได้ ย้ายไปเล่นร็อกแอนด์โรล . [49]

นักวิจารณ์มักจะรับรู้ถึงการลดลงของร็อกแอนด์โรลในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ในปี 1959 การเสียชีวิตของ Buddy Holly, Big Bopperและ Ritchie Valens จากอุบัติเหตุเครื่องบินตก, การจากไปของ Elvis ในกองทัพ, การเกษียณอายุของ Little Richard เพื่อเป็นนักเทศน์, การฟ้องร้องของ Jerry Lee Lewis และ Chuck Berry และการล่มสลายของ เรื่อง อื้อฉาว Payola (ซึ่งเกี่ยวข้องกับบุคคลสำคัญรวมถึง Alan Freed ในการติดสินบนและการทุจริตในการส่งเสริมการแสดงหรือเพลงของแต่ละบุคคล) ให้ความรู้สึกว่ายุคร็อกแอนด์โรลที่ก่อตั้งขึ้น ณ จุดนั้นสิ้นสุดลงแล้ว [50]

ป็อปร็อก และ บรรเลงร็อก

คำว่าป๊อปถูกใช้ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 เพื่ออ้างถึงเพลงยอดนิยมโดยทั่วไป แต่ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1950 เป็นต้นมา คำนี้เริ่มถูกนำมาใช้กับแนวเพลงที่แตกต่างออกไป โดยมุ่งเป้าไปที่ตลาดวัยรุ่น ซึ่งมักมีลักษณะเป็นทางเลือกที่นุ่มนวลกว่าร็อกและ ม้วน. [51] [52]ตั้งแต่ประมาณปี พ.ศ. 2510 มีการใช้มากขึ้นเพื่อต่อต้านคำว่า ดนตรีร็อค เพื่ออธิบายถึงรูปแบบที่เป็นการค้ามากกว่า ชั่วคราว และเข้าถึงได้ ในทางตรงกันข้าม ดนตรีร็อกถูกมอง ว่าเน้นไปที่งานขยาย โดยเฉพาะอัลบั้ม มักเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมย่อยเฉพาะ (เช่นวัฒนธรรมต่อต้านในทศวรรษ 1960) ให้ความสำคัญกับคุณค่าทางศิลปะและ "ความถูกต้อง" เน้นการแสดงสดและความสามารถในการใช้เครื่องดนตรีหรือเสียงร้อง และมักถูกมองว่าเป็นการสรุปพัฒนาการที่ก้าวหน้ามากกว่าที่จะสะท้อนถึงแนวโน้มที่มีอยู่ [24] [51] [52] [53]อย่างไรก็ตาม เพลงป็อปและร็อกส่วนใหญ่มีความคล้ายคลึงกันมากในด้านเสียง การบรรเลง และแม้แต่เนื้อหาที่เป็นโคลงสั้น ๆ [nb 1]

ช่วงปลายทศวรรษที่ 1950 และต้นทศวรรษที่ 1960 ถูกมองว่าเป็นยุคแห่งการหายไปของร็อกแอนด์โรล [57]เมื่อเร็ว ๆ นี้ ผู้เขียนบางคน[ คำพังเพย ]ได้เน้นย้ำถึงนวัตกรรมและแนวโน้มที่สำคัญในช่วงเวลานี้ โดยที่การพัฒนาในอนาคตจะไม่สามารถทำได้ [58] [59]ในขณะที่ร็อกแอนด์โรลในยุคแรก ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งผ่านการกำเนิดของร็อกอะบิลลี ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากที่สุดสำหรับนักแสดงชายและขาว ในยุคนี้ แนวเพลงดังกล่าวถูกครอบงำโดยศิลปินผิวดำและหญิง ร็อกแอนด์โรลไม่ได้หายไปในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และพลังงานบางส่วนสามารถเห็นได้จากความคลั่งไคล้การเต้นแบบTwist ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ซึ่งส่วนใหญ่เป็นประโยชน์ต่ออาชีพของ Chubby Checker. [59] [nb 2]

เจมส์ บราวน์แสดงในปี 1969

คลิฟฟ์ ริชาร์ดมีเพลงร็อกแอนด์โรลของอังกฤษเพลง แรก ด้วยเพลง " มูฟอิท" ซึ่งดึงเอาเสียงร็อกอังกฤษได้ อย่างมีประสิทธิภาพ ใน ช่วงเริ่มต้นของทศวรรษที่ 1960 กลุ่มที่สนับสนุน Shadowsเป็นเครื่องมือบันทึกเสียงกลุ่มที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด ในขณะที่ร็อกแอนด์โรลกำลังแผ่ขยายไปสู่ป๊อปและบัลลาดเบาๆ กลุ่มร็อกอังกฤษที่คลับและการเต้นรำในท้องถิ่นซึ่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผู้บุกเบิกบลูส์ร็อกอย่างอเล็กซิส คอร์เนอร์ ก็เริ่มบรรเลงด้วยความเข้มข้นและแรงผลักดันที่ไม่ค่อยพบในการแสดงของชาวอเมริกันผิวขาว . [64]

ที่สำคัญก็คือการถือกำเนิดของดนตรีจิตวิญญาณในฐานะพลังทางการค้าที่สำคัญ พัฒนาจากจังหวะและบลูส์ด้วยการผสมผสานดนตรีกอสเปลและป๊อปอีกครั้ง นำโดยผู้บุกเบิกเช่นเรย์ ชาร์ลส์และแซม คุกจากกลางทศวรรษ 1950 [65]โดยต้นทศวรรษ 1960 เช่นมาร์วิน เกย์ , เจมส์ บราวน์ , อารีธา แฟรงคลิCurtis MayfieldและStevie Wonderครองชาร์ต R&B และทะลุเข้าสู่ชาร์ตเพลงป็อปหลัก ช่วยเร่งการแยกวง ขณะที่MotownและStax/Volt Records กลายเป็นกำลังสำคัญในอุตสาหกรรมแผ่นเสียง [66][nb 3]นักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนยังชี้ให้เห็นถึงการพัฒนาทางเทคนิคที่สำคัญและสร้างสรรค์ซึ่งสร้างขึ้นจากร็อกแอนด์โรลในยุคนี้ รวมถึงการรักษาเสียงแบบอิเล็กทรอนิกส์โดยนักประดิษฐ์เช่น Joe Meekและวิธีการผลิตที่ซับซ้อนของ Wall of Sound ที่ติดตาม โดยฟิล สเปคเตอร์ [59]

เพลงเซิร์ฟ

The Beach Boysแสดงในปี 1964

เครื่องดนตรีร็อกแอนด์โรลของนักแสดง เช่นDuane Eddy , Link Wray และthe Venturesได้รับการพัฒนาโดยDick Dale ซึ่งได้เพิ่ม เสียงก้องแบบ "เปียก" ที่โดดเด่นการเลือกอย่างรวดเร็ว และ อิทธิพลของตะวันออกกลางและเม็กซิกัน เขาอำนวยการสร้างเพลงฮิตระดับภูมิภาค " Let's Go Trippin' " ในปี 1961 และเปิดตัวเพลงเซิร์ฟที่โด่งดัง ตามมาด้วยเพลงอย่าง " Misirlou " (1962) [68]เช่นเดียวกับ Dale และDel-Tones ของเขา วงโต้คลื่นในยุคแรก ๆ ส่วนใหญ่ก่อตั้งขึ้นในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ รวมถึงBel-Airs , the ChallengersและEddie &. เพลง " Pipeline " ของวง Chantays ติดอันดับ ท็อปเท็น ในปี 1963 และน่าจะเป็นเพลงโต้คลื่นที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดคือ " Wipe Out " ในปี 1963 โดยSurfarisซึ่งขึ้นอันดับ 2 และอันดับ 10 ใน ชา ร์ ต บิลบอร์ดในปี 1965 69]

เพลงเซิร์ฟประสบความสำเร็จสูงสุดในเชิงพาณิชย์ในฐานะเพลงร้อง โดยเฉพาะผลงานของBeach Boysซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 2504 ในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ อัลบั้มแรกๆ ของพวกเขามีทั้งเพลงบรรเลงแนวเซิร์ฟร็อก (ในบรรดาเพลงคัฟเวอร์ของ Dick Dale) และเพลงร้องนำ เพลงร็อกแอนด์โรล และเพลง Doo Wopและการร้องประสานเสียงที่ใกล้เคียงกันของการแสดงเพลงป๊อปอย่างFour Freshmen เพลงฮิตติดชาร์ตเพลงแรกของ The Beach Boys " Surfin' " ในปี พ.ศ. 2505 ขึ้นสู่ชาร์ตบิลบอร์ด100อันดับแรกและช่วยให้กระแสความนิยมเพลงเซิร์ฟกลายเป็นปรากฏการณ์ระดับประเทศ [71]มักเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่าความคลั่งไคล้ในดนตรีโต้คลื่นและอาชีพของการเล่นเซิร์ฟเกือบทั้งหมดยุติลงอย่างได้ผลด้วยการมาถึงของ British Invasion ในปี 1964 เนื่องจากเพลงฮิตสำหรับเล่นเซิร์ฟส่วนใหญ่ถูกบันทึกและเผยแพร่ระหว่างปี 1961 ถึง 1965 [72] [nb 4 ]

กลางทศวรรษที่ 1960 – ต้นทศวรรษที่ 1990

การรุกรานของอังกฤษ

ภาพขาวดำของวง The Beatles โบกมือต่อหน้าฝูงชนโดยมีบันไดเครื่องบินเป็นฉากหลัง
The Beatlesมาถึงนิวยอร์กในช่วงเริ่มต้นของBritish Invasionมกราคม 1964

ในตอนท้ายของปี 1962 สิ่งที่จะกลายเป็นฉากเพลงร็อกของอังกฤษได้เริ่มต้นขึ้น จาก วง บีท เช่นthe Beatles , Gerry & the Pacemakersและthe Searchersจาก Liverpool และFreddie and the Dreamers , Herman's Hermitsและthe Holliesจากแมนเชสเตอร์ พวกเขาได้รับอิทธิพลจากอเมริกามากมายรวมถึงร็อกแอนด์โรล โซล ริธึมแอนด์บลูส์ และดนตรีเซิร์ฟในทศวรรษ 1950 โดยเริ่มแรกตีความเพลงอเมริกันมาตรฐานใหม่และเล่นให้กับนักเต้น วงดนตรีอย่างThe AnimalsจากNewcastleและThemจากBelfast , [74]และโดยเฉพาะอย่างยิ่งผู้ที่มาจากลอนดอนเช่นRolling StonesและYardbirdsได้รับอิทธิพลโดยตรงจากจังหวะและบลูส์และเพลงบลูส์ในภายหลัง [75]ในไม่ช้า กลุ่มเหล่านี้ก็ได้แต่งเนื้อหาของตนเอง โดยผสมผสานดนตรีแบบอเมริกันเข้ากับจังหวะที่มีพลังงานสูง วงดนตรีประเภทบีตมักจะชอบ "ท่วงทำนองที่เด้งดึ๋งและยากจะต้านทาน" ในขณะที่ดนตรีบลูส์ ในยุคแรกๆ ของอังกฤษ มักมุ่งไปทางเพลงที่ไร้เดียงสาทางเพศน้อยกว่าและมีความก้าวร้าวมากกว่า โดยมักมีท่าทีต่อต้านการจัดตั้ง อย่างไรก็ตาม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงแรก ดนตรีที่ผสมผสานกันระหว่างสองแนวโน้ม [76]ในปีพ.ศ. 2506 นำโดยเดอะบีทเทิลส์ กลุ่มบีตส์เริ่มประสบความสำเร็จระดับชาติในอังกฤษ และตามมาติดชาร์ตด้วยการแสดงที่เน้นจังหวะและบลูส์มากขึ้น [77]

" I Want to Hold Your Hand " เป็นเพลงฮิตอันดับหนึ่งของเดอะบีทเทิลส์ในBillboard Hot 100โดย ใช้เวลา เจ็ดสัปดาห์ในอันดับสูงสุดและรวม 15 สัปดาห์ในชาร์ต [79] [80]การปรากฏตัวครั้งแรกในรายการ The Ed Sullivan Showเมื่อวันที่ 9 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2507 ดึงดูดผู้ชมได้ประมาณ 73 ล้านคน (ในขณะนั้นเป็นสถิติของรายการโทรทัศน์ของอเมริกา) ถือเป็นความสำเร็จครั้งสำคัญในวัฒนธรรมป๊อปของอเมริกา ในช่วงสัปดาห์ของวันที่ 4 เมษายน พ.ศ. 2507 เดอะบีเทิลส์ครองตำแหน่ง 12 ตำแหน่งในBillboard Hot 100ชาร์ตซิงเกิล รวมถึงห้าอันดับแรกทั้งหมด The Beatles กลายเป็นวงดนตรีร็อคที่มียอดขายสูงสุดตลอดกาล และวงอังกฤษหลายวงตามมาติดชาร์ตในสหรัฐอเมริกา [76]ในช่วงสองปีถัดมา การแสดงของอังกฤษครองชาร์ตของตัวเองและของสหรัฐด้วยPeter and Gordon , the Animals, [81] Manfred Mann , Petula Clark , [81] Freddie and the Dreamers , Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman's Hermits , the Rolling Stones, [82] the TroggsและDonovan [83]ล้วนมีซิงเกิ้ลอันดับหนึ่งอย่างน้อยหนึ่งเพลง [79]การกระทำสำคัญอื่น ๆ ที่เป็นส่วนหนึ่งของการบุกรุกรวมอยู่ด้วยThe Kinksและ Dave Clark Five [84] [85]

British Invasion ช่วยให้การผลิตเพลงร็อกแอนด์โรลเป็นสากล เปิดประตูให้นักแสดงชาวอังกฤษ (และไอริช) คนต่อมาประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติ [86]ในอเมริกา อาจหมายถึงการสิ้นสุดของดนตรีเล่นเซิร์ฟ เกิร์ลกรุ๊ปที่ร้อง และ (ช่วงหนึ่ง) ไอดอลวัยรุ่นที่ครองชาร์ตเพลงของอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และ 1960 มัน บั่นทอนอาชีพของศิลปินอาร์แอนด์บีที่เป็นที่ยอมรับอย่างFats DominoและChubby Checkerและถึงกับทำให้ความสำเร็จในชาร์ตของการแสดงร็อกแอนด์โรลที่ยังมีชีวิตรอดตกรางชั่วคราวรวมถึง Elvis [88]วง British Invasion ยังมีบทบาทสำคัญในการเพิ่มขึ้นของแนวเพลงร็อคที่แตกต่าง และทำให้ความเป็นอันดับหนึ่งของกลุ่มร็อคมีพื้นฐานมาจากกีตาร์และกลอง และผลิตเนื้อหาของตนเองในฐานะนักร้อง-นักแต่งเพลง [40]ตามตัวอย่างที่กำหนดโดย LP Rubber Soul ของ Beatles ในปี 1965 โดยเฉพาะ วงร็อกอังกฤษวงอื่น ๆ ได้ออกอัลบั้มร็อคที่มีเนื้อหาเป็นศิลปะในปี 1966 รวมถึงAftermathของRolling Stones , Revolverของ The Beatles เองและWho 's A Quick OneรวมถึงการแสดงของชาวอเมริกันในBeach Boys ( Pet Sounds ) และBob Dylan (สีบลอนด์บนสีบลอนด์ ). [89]

การาจร็อก

การาจร็อกเป็นดนตรีร็อกรูปแบบดิบๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งแพร่หลายในอเมริกาเหนือในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 และที่เรียกเช่นนี้ก็เพราะการรับรู้ว่ามีการซ้อมในโรงรถของครอบครัวแถบชานเมือง [90] [91]เพลงการาจร็อกมักเกี่ยวกับความชอกช้ำของชีวิตในโรงเรียนมัธยม โดยมีเพลงเกี่ยวกับ "ผู้หญิงโกหก" และสถานการณ์ทางสังคมที่ไม่ยุติธรรมซึ่งเป็นเรื่องธรรมดาโดยเฉพาะ [92]เนื้อเพลงและการแสดงมักจะก้าวร้าวมากกว่าปกติในเวลานั้น มักจะมีเสียงคำรามหรือเสียงตะโกนที่กลายเป็นเสียงกรีดร้องที่ไม่ต่อเนื่องกัน [90]มีตั้งแต่ดนตรีแบบคอร์ดเดียวหยาบๆ (เช่นSeeds ) ไปจนถึงคุณภาพระดับใกล้เคียงกับนักดนตรีในสตูดิโอ (รวมถึงThe Knickerbockers , the Remainsและฐานันดรที่ห้า ). นอกจากนี้ยังมีการเปลี่ยนแปลงในระดับภูมิภาคในหลายส่วนของประเทศด้วยฉากที่เฟื่องฟูโดยเฉพาะในแคลิฟอร์เนียและเท็กซัส [92]รัฐทางตะวันตกเฉียงเหนือของแปซิฟิกของวอชิงตันและโอเรกอนอาจ[ อ้างอิงจากใคร? ]เสียงภูมิภาคที่กำหนดไว้มากที่สุด [93]

ภาพถ่ายย้อมสีของสมาชิก D-Men 5 คนกำลังเล่นกีตาร์ กลอง และคีย์บอร์ด
D-Men (ต่อมาคือ The Fifth Estate ) ในปี 1964

สไตล์นี้พัฒนามาจากฉากระดับภูมิภาคตั้งแต่ปี 1958 "Tall Cool One" (1959) โดยWailersและ " Louie Louie " โดยKingsmen (1963) เป็นตัวอย่างกระแสหลักในแนวเพลงดังกล่าวในขั้นตอนการสร้าง ในปีพ.ศ. 2506 ซิงเกิลของวงการาจได้คืบคลานเข้าสู่ชาร์ตระดับประเทศจำนวนมากขึ้น รวมถึงPaul Revere and the Raiders (Boise), [ 95] the Trashmen (Minneapolis) [96]และthe Rivieras (South Bend, Indiana) [97]วงดนตรีการาจที่มีอิทธิพลอื่น ๆ เช่นSonics (ทาโคมา, วอชิงตัน) ไม่เคยขึ้นถึงBillboard Hot 100 [98]

British Invasion มีอิทธิพลอย่างมากต่อวงการาจ ทำให้วงเหล่านี้มีผู้ชมในระดับประเทศ ทำให้หลาย ๆ คน (มักเป็นวงเซิร์ฟหรือ กลุ่ม ฮ็อตร็อด ) รับเอาอิทธิพลของอังกฤษมาใช้ และสนับสนุนให้เกิดกลุ่มอื่น ๆ อีกมากมาย [92]วงการาจหลายพันวงมีอยู่ในสหรัฐอเมริกาและแคนาดาในยุคนั้น และผลิตเพลงฮิตในระดับภูมิภาคหลายร้อยรายการ แม้จะมีวงดนตรีหลายวงที่เซ็นสัญญากับค่ายใหญ่หรือค่ายใหญ่ระดับภูมิภาค แต่ส่วนใหญ่ก็ล้มเหลวในเชิงพาณิชย์ เป็นที่ตกลงกันโดยทั่วไปว่า การาจร็อกถึงจุดสูงสุดทั้งในเชิงพาณิชย์และเชิงศิลปะในราวปี พ.ศ. 2509 [92]เมื่อถึงปี พ.ศ. 2511 สไตล์นี้หายไปจากชาร์ตระดับชาติและในระดับท้องถิ่นเป็นส่วนใหญ่ เนื่องจากนักดนตรีสมัครเล่นต้องเผชิญกับวิทยาลัย การทำงาน หรือร่างจดหมาย [92]รูปแบบใหม่ได้รับการพัฒนาเพื่อแทนที่การาจร็อค [92] [nb 5]

บลูส์ร็อค

แม้ว่าผลกระทบครั้งแรกของBritish Invasionต่อดนตรีป๊อปอเมริกันจะมาจากการแสดงที่มีจังหวะเป็นจังหวะและอาร์แอนด์บี แต่ในไม่ช้าแรงกระตุ้นก็เกิดขึ้นจากวงดนตรีระลอกที่สองที่ได้รับแรงบันดาลใจโดยตรงจากเพลงบลูส์ของ อเมริกา รวมถึงRolling Stonesและthe Yardbirds นักดนตรีบลูส์ชาวอังกฤษในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ได้รับแรงบันดาลใจจากการเล่นอะคูสติกของตัวละครเช่นLead Belly ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อความนิยม ของSkiffle และRobert Johnson [101]พวกเขาใช้เสียงที่ขยายมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งมักเน้นที่กีตาร์ไฟฟ้าโดยมีพื้นฐานมาจากเพลงบลูส์ของชิคาโกโดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากการทัวร์อังกฤษโดยMuddy Watersในปี 1958 ซึ่งกระตุ้นให้Cyril Davies และ มือกีตาร์Alexis Kornerก่อตั้งวงBlues Incorporated วงนี้มีส่วนร่วมและเป็นแรงบันดาลใจให้บุคคลหลายคนใน ยุค บลูส์บูมของอังกฤษที่ตามมา รวมถึงสมาชิกวงโรลลิงสโตนส์และครีมโดยผสมผสานมาตรฐานและรูปแบบเพลงบลูส์เข้ากับเครื่องดนตรีร็อกและการเน้นเสียง [64]

ภาพถ่ายขาวดำของ Eric Clapton กับกีตาร์บนเวที
Eric Claptonแสดงที่บาร์เซโลนาในปี 1974

กุญแจสำคัญอีกอย่างสำหรับเพลงบลูส์ของอังกฤษคือJohn Mayall ; วงBluesbreakers ของ เขารวมถึงEric Clapton (หลังจาก Clapton ออกจาก Yardbirds) และต่อมาคือPeter Green สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือการเปิดตัวอัลบั้มBlues Breakers ร่วมกับ Eric Clapton (Beano) (พ.ศ. 2509) ซึ่งถือเป็นหนึ่งในผลงานการบันทึกเสียงเพลงบลูส์ของอังกฤษ และเสียงดังกล่าวได้รับการเลียนแบบอย่างมากทั้งในอังกฤษและสหรัฐอเมริกา Eric Claptonก่อตั้งวง Supergroups Cream, Blind FaithและDerek and the Dominosตามด้วยงานเดี่ยวที่กว้างขวางซึ่งช่วยนำบลูส์ร็อคเข้าสู่กระแสหลัก [102]Green ร่วมกับ Mick FleetwoodและJohn McVieในแผนกจังหวะของ Bluesbreaker ได้ ก่อตั้ง Fleetwood Macของ Peter Green ซึ่งประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากที่สุดในแนวเพลงดังกล่าว ในช่วง ปลายทศวรรษ 1960 เจฟฟ์ เบ็คซึ่งเป็นศิษย์เก่าของ Yardbirds ได้ย้ายบลูส์ร็อกไปทางเฮฟวี่ร็อกร่วมกับวงดนตรีของเขาเจฟฟ์ เบ็คกรุ๊ป มือกีตาร์ Yardbirdsคนสุดท้ายคือJimmy Pageซึ่งก่อตั้งThe New Yardbirdsซึ่งกลายเป็นLed Zeppelin อย่างรวดเร็ว. เพลงหลายเพลงในสามอัลบั้มแรกของพวกเขา และในบางครั้งต่อมาในอาชีพการงานของพวกเขา เป็นการขยายเพลงบลูส์แบบดั้งเดิม [102]

ในอเมริกา บลูส์ร็อกได้รับการบุกเบิกในช่วงต้นทศวรรษ 1960 โดยนักกีตาร์ลอนนี่ แม็คแต่แนวเพลงเริ่มแพร่หลายในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เนื่องจากการแสดงได้พัฒนาเสียงที่คล้ายกับนักดนตรีบลูส์ชาวอังกฤษ ศิลปิน หลัก ได้แก่พอล บั ตเตอร์ฟิลด์ (ซึ่งวงนี้ทำท่าทางเหมือนเพลง Bluesbreakers ของ Mayall ในอังกฤษ โดยเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับนักดนตรีที่ประสบความสำเร็จหลายคน), Canned Heat , เจฟเฟอร์สัน แอร์ไลน์ในยุคแรกๆ, เจนิส จอปลิน , จอห์นนี่ วินเทอร์ , วง J. Geilsและจิมมี่ เฮนดริกซ์กับทรีโอสุดพลัง ของเขา , ประสบการณ์จิมิ เฮนดริกซ์(ซึ่งรวมสมาชิกชาวอังกฤษสองคนและก่อตั้งขึ้นในสหราชอาณาจักร) และBand of Gypsysซึ่งมีความสามารถด้านกีตาร์และฝีมือการแสดงจะเป็นหนึ่งในวงดนตรีที่ได้รับการเทิดทูนมากที่สุดในทศวรรษ [102]วงร็อคบลูส์จากรัฐทางตอนใต้ เช่นAllman Brothers Band , Lynyrd SkynyrdและZZ Topได้รวมเอา องค์ประกอบ ของคัน ทรี่ เข้าไว้ในรูปแบบของพวกเขาเพื่อผลิตแนวเพลงSouthern rock ที่โดด เด่น [105]

วงบลูส์ร็อกในยุคแรก ๆ มักจะเลียนแบบดนตรีแจ๊ส เล่นยาว ๆ เกี่ยวข้องกับการด้นสด ซึ่งต่อมาเป็นองค์ประกอบหลักของโปรเกรสซีฟร็อก จากประมาณปี 1967 วงดนตรีอย่าง Cream และ the Jimi Hendrix Experience ได้ย้ายจากดนตรีแนวบลูส์ล้วนไปสู่แนวไซเค เดเลีย ในช่วงทศวรรษที่ 1970 บลูส์ร็อกเริ่มหนักขึ้นและมีแนวริฟฟ์มากขึ้น ซึ่งแสดงตัวอย่างโดยผลงานของ Led Zeppelin และDeep Purpleและเส้นแบ่งระหว่างบลูส์ร็อกกับฮาร์ดร็อก "แทบมองไม่เห็น", [106] เมื่อวงดนตรีเริ่มขึ้น บันทึกอัลบั้มสไตล์ร็อค ประเภทนี้ยังคงดำเนินต่อไปในปี 1970 โดยบุคคลเช่นGeorge ThorogoodและPat Travers , [ 102 ]แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในฉากของอังกฤษ (ยกเว้นบางทีการกำเนิดของกลุ่มเช่นStatus QuoและFoghatที่มุ่งสู่รูปแบบของพลังงานสูงและบูกี้ร็อค ซ้ำ ๆ ) วงดนตรีเริ่มมุ่งเน้นไปที่ นวัตกรรม เฮฟวี่เมทัลและบลูส์ร็อคเริ่มหลุดออกไป ของกระแสหลัก [107]

โฟล์กร็อก

ภาพถ่ายขาวดำของ Joan Baez และ Bob Dylan ร้องเพลงในขณะที่ Dylan เล่นกีตาร์
Joan BaezและBob Dylanในปี 1963

ในช่วงทศวรรษที่ 1960 ฉากที่พัฒนาขึ้นจากการฟื้นฟูดนตรีโฟ ล์กของอเมริกา ได้เติบโตขึ้นเป็นการเคลื่อนไหวครั้งใหญ่ โดยใช้ดนตรีแบบดั้งเดิมและการเรียบเรียงใหม่ในรูปแบบดั้งเดิม ซึ่งมักจะใช้เครื่องดนตรีอะคูสติก ใน อเมริกาประเภทดังกล่าวได้รับการบุกเบิกโดยบุคคลเช่นWoody GuthrieและPete Seegerและมักระบุว่า เป็นการเมือง ที่ก้าวหน้าหรือแรงงาน ใน ช่วงต้นทศวรรษที่หกสิบเศษ บุคคลเช่นJoan BaezและBob Dylanได้ก้าวขึ้นมาเป็นผู้นำในการเคลื่อนไหวนี้ในฐานะนักร้องนักแต่งเพลง [109]ดีแลนเริ่มเข้าถึงผู้ชมกระแสหลักด้วยเพลงฮิตรวมถึง "Blowin' in the Wind " (พ.ศ. 2506) และ " Masters of War " ( พ.ศ. 2506) ซึ่งนำ " เพลงประท้วง " ไปสู่สาธารณชนในวงกว้าง[110]แต่แม้ว่าจะเริ่มมีอิทธิพลซึ่งกันและกัน แต่ดนตรีร็อกและดนตรีพื้นบ้านก็ยังคงแยกจากกันเป็นส่วนใหญ่ แนวเพลง มักจะมีกลุ่มผู้ชมพิเศษร่วมกัน[111]

ความพยายามในการผสมผสานองค์ประกอบของดนตรีโฟล์คและร็อกในยุคแรกเริ่ม ได้แก่ เพลง " House of the Rising Sun " ของสัตว์ (พ.ศ. 2507) ซึ่งเป็นเพลงพื้นบ้านที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์เพลงแรกที่บันทึกด้วยเครื่องดนตรีร็อกแอนด์โรล[112]และเดอะบีทเทิลส์ " I'm a Loser " (พ.ศ. 2507) ซึ่งเป็นเพลงแรกของบีเทิลส์ที่ได้รับอิทธิพลโดยตรงจากดีแลน การ เคลื่อนไหวของโฟล์กร็อกมักถูกคิดว่าเริ่มต้นขึ้นพร้อมกับ การ บันทึกเสียงของ " มิสเตอร์แทมบูรีนแมน " ของ เบิ ร์ดส์ ซึ่งขึ้นอันดับหนึ่งในชาร์ตในปี พ.ศ. 2508 ด้วยสมาชิกที่เคยเป็นส่วนหนึ่งของวงการโฟล์คในคาเฟ่ ในลอสแองเจลิส Byrds ได้นำเครื่องดนตรีร็อคมาใช้กีตาร์ซึ่งกลายเป็นองค์ประกอบหลักในเสียงของแนวเพลง ต่อมาในปีนั้น Dylanได้นำเครื่องดนตรีไฟฟ้ามาใช้ สร้างความไม่พอใจ ให้กับนักปราชญ์ พื้นบ้านหลายคน โดยเพลง " Like a Rolling Stone " ของเขากลายเป็นซิงเกิลฮิตของสหรัฐฯ [111]จากข้อมูลของริตชี่ อุนเทอร์เบอร์เกอร์ ดีแลน (แม้กระทั่งก่อนที่เขาจะหันมาใช้เครื่องดนตรีไฟฟ้า) มีอิทธิพลต่อนักดนตรีร็อคอย่างเดอะบีทเทิลส์ ซึ่งแสดงให้เห็น "ต่อคนรุ่นร็อคโดยทั่วไปว่าอัลบั้มสามารถเป็นคำพูดเดี่ยวที่สำคัญโดยไม่มีซิงเกิ้ลฮิต" เช่นบ็อบ ดีแลน คนขี่รถอิสระ (1963) [114]

โฟล์กร็อกเริ่มต้นขึ้นโดยเฉพาะในแคลิฟอร์เนีย ซึ่งนำวง Mamas & the PapasและCrosby, Stills และ Nashย้ายไปเล่นเครื่องดนตรีไฟฟ้า และในนิวยอร์ก ที่ซึ่งสร้างนักแสดงอย่าง Lovin' Spoonfulและ Simon และGarfunkelโดยอะคูสติกในยุคหลัง " The Sounds of Silence " (1965) ถูกรีมิกซ์ด้วยเครื่องดนตรีร็อกเป็นเพลงฮิตชุดแรก การ กระทำ เหล่านี้มีอิทธิพลโดยตรงต่อนักแสดงชาว อังกฤษเช่น Donovan และFairport Convention [111]ในปี พ.ศ. 2512 Fairport Convention ได้ละทิ้งการผสมผสานระหว่างเพลงคัฟเวอร์แบบอเมริกันและเพลงที่ได้รับอิทธิพลจาก Dylan เพื่อเล่นดนตรีพื้นบ้านแบบอังกฤษด้วยเครื่องดนตรีไฟฟ้า [115] โฟล์ กร็อกของอังกฤษวงนี้ถูกนำไปใช้โดยวงต่างๆ เช่นPentangle , Steeleye Spanและthe Albion Bandซึ่งส่งผลให้กลุ่มชาวไอริชอย่างHorslipsและการแสดงของสก็อตเช่นJSD Band , Spencer's Feat และFive Hand Reelในเวลาต่อมา ใช้ วงเหล่านี้ ดนตรีดั้งเดิมเพื่อสร้างแบรนด์ของเซลติกร็อกในช่วงต้นทศวรรษ 1970 [116]

โฟล์กร็อกถึงจุดสูงสุดของความนิยมในเชิงพาณิชย์ในช่วง พ.ศ. 2510–68 ก่อนที่หลายวงจะแยกย้ายกันไปหลายทิศทาง รวมถึงดีแลนและวงเบิร์ดส์ที่เริ่มพัฒนาเพลงคันทรีร็อก [117]อย่างไรก็ตาม การผสมระหว่างโฟล์กและร็อกถูกมองว่ามีอิทธิพลสำคัญต่อพัฒนาการของดนตรีร็อก โดยนำองค์ประกอบของไซคีเดเลียเข้ามา และช่วยพัฒนาแนวคิดของนักร้อง-นักแต่งเพลง เพลงประท้วง และแนวคิด ของ "ของแท้". [111] [118]

ไซเคเดลิกร็อก

กลิ่นอายที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก LSDของดนตรีไซ เคเดลิก เริ่มขึ้นในฉากพื้นบ้าน กลุ่มแรกที่โฆษณาตัวเองว่าเป็นไซคีเดลิกร็อคคือลิฟต์ชั้น 13จากเท็กซัส [119] เดอะบีทเทิลส์นำเสนอองค์ประกอบหลักหลายอย่างของเสียงไซเค เดลิแก่ผู้ชมในช่วงเวลานี้ เช่นเสียงตอบรับของกีตาร์ ซิตา ร์ของอินเดีย ไซเค เดลิกร็อกเริ่มมีบทบาทในวงการดนตรีที่เกิดขึ้นใหม่ของแคลิฟอร์เนียโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อกลุ่มต่างๆ ติดตามการ เปลี่ยนแปลงของ Byrdsจากโฟล์คเป็น โฟล์ ร็อกตั้งแต่ปี 1965 วิถีชีวิตที่ทำให้เคลิบเคลิ้มซึ่งวนเวียนอยู่กับยาหลอนประสาทได้พัฒนาขึ้นแล้วในซานฟรานซิสโก และผลิตภัณฑ์ที่โดดเด่นเป็นพิเศษในฉากนี้คือBig Brother and the Holding Company , the Grateful DeadและJefferson Airplane [120] [121] Jimi Hendrix มือกีตาร์ของ Jimi Hendrix Experience นั้นJimi Hendrix ได้ขยายเสียงที่บิดเบี้ยวและเต็มไปด้วยเสียงตอบรับซึ่งกลายเป็นลักษณะสำคัญของไซเคเดเลีย [120]ไซเคเดลิกร็อกขึ้นถึงจุดสุดยอดในช่วงปีสุดท้ายของทศวรรษ ปี 1967 วงเดอะบีทเทิลส์ออกแถลงการณ์ชวนเคลิบเคลิ้มในSgt. วงดนตรี Lonely Hearts Club ของ Pepperรวมถึงแทร็กที่เป็นที่ถกเถียงกัน "Lucy in the Sky with Diamonds ", The Rolling Stones ตอบกลับในปีนั้นด้วยคำขอของซาตาน , [120]และPink Floydเปิดตัวด้วยThe Piper at the Gates of Dawn การบันทึกที่สำคัญ ได้แก่ หมอน Surrealisticของ Jefferson Airplane และthe Doors ' Strange Days [ 122] แนวโน้มเหล่านี้ถึงจุดสูงสุดใน เทศกาล Woodstockปี 1969 ซึ่งมีการแสดงโดยการแสดงที่ทำให้เคลิบเคลิ้มหลักๆ ส่วนใหญ่[120]

จ่าสิบเอก ต่อมา Pepperได้รับการยกย่องว่าเป็นอัลบั้มที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาลและเป็นจุดเริ่มต้นของยุคอัลบั้มซึ่งเป็นช่วงที่ดนตรีร็อคเปลี่ยนจากรูปแบบซิงเกิลเป็นอัลบั้มและบรรลุความชอบธรรมทางวัฒนธรรมในกระแสหลัก [123] นำโดยวงเดอะบีทเทิลส์ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 นักดนตรีร็อคได้พัฒนาให้แผ่นเสียงเป็นรูปแบบที่โดดเด่นของการแสดงออกทางดนตรีและการบริโภคที่บันทึกไว้ ซึ่งเป็นการเริ่มต้นยุคของอัลบั้มแนวร็อกในวงการเพลงในอีกหลายทศวรรษข้างหน้า [125]

โปรเกรสซีฟร็อก

โปรเกรสซีฟร็อก ซึ่งเป็นคำที่บางครั้งใช้แทนกันได้กับอาร์ตร็อกก้าวไปไกลกว่าสูตรทางดนตรีที่กำหนดไว้แล้วโดยการทดลองกับเครื่องดนตรี ประเภทเพลง และรูปแบบต่างๆ ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1960 วง Left Banke , the Beatles, the Rolling Stones และ the Beach Boys ได้บุกเบิกการรวม ฮา ร์ปซิคอร์ด , ลม , และเครื่องสายไว้ในบันทึกของพวกเขาเพื่อสร้างรูปแบบบาโรกร็อคและสามารถได้ยินใน ซิงเกิ้ลอย่าง" A Whiter Shade of Pale " ของ Procol Harum (1967) โดยได้แรงบันดาลใจ จาก Bach [127]มู้ดดี้บลูส์ ใช้วงออเคสตราเต็มรูปแบบในอัลบั้มDays of Future Passed (1967) และสร้างเสียงออเคสตราด้วยซินธิไซเซอร์ในเวลาต่อมา การออ เคสตราแบบคลาสสิก คีย์บอร์ด และซินธิไซเซอร์เป็นส่วนเสริมของกีตาร์ เบส และกลองในโปรเกรสซีฟร็อกที่ตามมา [128]

ภาพถ่ายสีของสมาชิกวง Yes บนเวที
วงร็อค Prog Yesแสดงคอนเสิร์ตในอินเดียแนโพลิสในปี 2520

เครื่องดนตรีเป็นเรื่องธรรมดา ในขณะที่เพลงที่มีเนื้อร้องบางครั้งก็มีแนวความคิด นามธรรม หรือมีพื้นฐานมาจากจินตนาการและนิยายวิทยาศาสตร์ [129] The Pretty Things ' SF Sorrow (1968) and the Kinks' Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) แนะนำรูปแบบของโอเปร่าร็อคและเปิดประตูสู่แนวคิดอัลบั้มซึ่งมักจะเล่าถึงมหากาพย์ เรื่องราวหรือการจัดการกับธีมที่ครอบคลุมอย่างยิ่งใหญ่ [130] อัลบั้มเปิดตัวในปี 1969 ของKing Crimson , In the Court of the Crimson Kingซึ่งผสมผสานการริฟฟ์กีตาร์อันทรงพลังและ เมลโล ตรอนเข้ากับดนตรีแจ๊สและ ซิม โฟนิกมักถูกใช้เป็นคีย์การบันทึกเสียงในโปรเกรสซีฟร็อก ช่วยให้มีการนำแนวเพลงดังกล่าวมาใช้อย่างกว้างขวางในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ท่ามกลางวงบลูส์ร็อกและไซคีเดลิกที่มีอยู่ ตลอดจนการแสดงที่เพิ่งตั้งขึ้นใหม่ [126]ฉากในแคนเทอร์เบอรีที่มีชีวิตชีวาทำให้เห็นการแสดงที่ติดตามซอฟต์แมชชีนจากไซเคเดเลีย ผ่านอิทธิพลของดนตรีแจ๊ส ไปสู่ฮาร์ดร็อกที่กว้างขวางมากขึ้น รวมถึงCaravan , Hatfield and the North , GongและNational Health [131]

ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากขึ้นโดย Pink Floyd ซึ่งย้ายออกจากแนวไซเคเดเลียหลังจากการจากไปของ Syd Barrett ในปี 1968 กับThe Dark Side of the Moon (1973) ซึ่งถูกมองว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของแนวเพลงและกลายเป็นหนึ่งในเพลงที่ขายดีที่สุด อัลบั้มตลอดกาล มีการเน้นที่ความเก่งกาจในการบรรเลง โดยYesแสดงทักษะของทั้งมือกีตาร์Steve Howeและผู้เล่นคีย์บอร์ดRick Wakemanในขณะที่Emerson, Lake & Palmerเป็นซูเปอร์กรุ๊ปที่ผลิตงานที่ต้องใช้เทคนิคมากที่สุดในประเภทนี้ [126] Jethro TullและGenesisต่างติดตามแบรนด์ดนตรีที่แตกต่างกันมาก แต่เป็นภาษาอังกฤษอย่างชัดเจนRenaissance ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2512 โดยอดีต ศิลปิน Yardbirds Jim McCarty และ Keith Relf พัฒนาเป็นวงดนตรีที่มีแนวคิดสูงซึ่งมีเสียงสามอ็อกเทฟของAnnie Haslam [134]วงดนตรีอังกฤษส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับกลุ่มลัทธิที่ค่อนข้างเล็ก แต่มีไม่กี่กลุ่มรวมถึง Pink Floyd, Genesis และ Jethro Tull ที่สามารถผลิตซิงเกิ้ลสิบอันดับแรกที่บ้านและทำลายตลาดอเมริกาได้ [135]โปรเกรสซีฟร็อกแบรนด์อเมริกันมีหลากหลายตั้งแต่แฟรงก์ แซปปา , Captain Beefheartและ Blood, Sweat & Tears ที่ผสมผสานและสร้างสรรค์ , [136]ไปจนถึงวงดนตรีแนวป๊อปร็อกอย่าง Boston , Foreigner ,Kansas , Journey , และStyx . นอกเหนือจากวงอังกฤษSupertrampและELO แล้ว วงเหล่านี้ ยังแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของโปรกร็อกและในขณะที่ติดอันดับหนึ่งในการแสดงที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากที่สุดในช่วงปี 1970 ซึ่งเป็นการประกาศยุคของเอิกเกริกหรืออารีน่าร็อกซึ่งจะคงอยู่ไปจนกว่าต้นทุนของการแสดงที่ซับซ้อน ( มักจะมีการแสดงละครและเทคนิคพิเศษ) จะถูกแทนที่ด้วยเทศกาลร็อค ที่ประหยัดกว่า เป็นสถานที่แสดงสดที่สำคัญในปี 1990 [ จำเป็นต้องอ้างอิง ]

กลุ่มเครื่องดนตรีประเภทนี้ส่งผลให้อัลบั้มอย่างTubular BellsของMike Oldfield (พ.ศ. 2516) ซึ่งเป็นอัลบั้มแรกและเพลงฮิตทั่วโลกสำหรับ ค่ายเพลง Virgin Recordsซึ่งกลายเป็นแกนนำของแนวเพลงดังกล่าว เพลง บรรเลงร็อกมีความสำคัญอย่างยิ่งในยุโรปภาคพื้นทวีป ทำให้วงดนตรีอย่างKraftwerk , Tangerine Dream , CanและFaustสามารถหลีกเลี่ยงอุปสรรคด้านภาษาได้ [137] " krautrock " ซินธิไซเซอร์หนักๆ ของพวกเขาพร้อมด้วยผลงานของBrian Eno (ผู้เล่นคีย์บอร์ดร่วมกับRoxy Music อยู่ช่วงหนึ่ง) จะมีอิทธิพลสำคัญต่ออิเลคทรอนิคร็อครุ่นหลัง กับการ กำเนิดของพังก์ร็อกและการเปลี่ยนแปลงทางเทคโนโลยีในช่วงปลายทศวรรษ 1970 โปรเกรสซีฟร็อกถูกมองว่าเสแสร้งและเกินเลยมากขึ้นเรื่อยๆ [138] [139]หลายวงแยกวง แต่บางวงรวมถึง Genesis, ELP, Yes และ Pink Floyd มักจะทำคะแนนสูงสุดในสิบอัลบั้มพร้อมกับการทัวร์ทั่วโลกที่ประสบความสำเร็จ [99]วงดนตรีบางวงที่เกิดขึ้นหลังพังก์ เช่นSiouxsie and the Banshees , UltravoxและSimple Mindsแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของโปรเกรสซีฟร็อก เช่นเดียวกับอิทธิพลของพังก์ที่เป็นที่รู้จักโดยทั่วไป [140]

แจ๊ส ร็อก

ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 แจ๊ส-ร็อกกลายเป็นแนวเพลงย่อยที่แตกต่างจากแนวเพลงบลูส์-ร็อก ไซเคเดลิก และโปรเกรสซีฟร็อก โดยผสมผสานพลังของร็อกเข้ากับความซับซ้อนทางดนตรีและองค์ประกอบแบบด้นสดของดนตรีแจ๊ส AllMusicระบุว่าคำว่าแจ๊ส-ร็อก "อาจหมายถึงวงดนตรีฟิวชันที่ดังที่สุด ดุร้ายที่สุด และมีพลังไฟฟ้ามากที่สุดจากค่ายเพลงแจ๊ส แจ๊ส-ร็อก "...โดยทั่วไปเติบโตมาจากแนวเพลงร็อกย่อยที่มีความทะเยอทะยานทางศิลปะมากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษที่ 60 และต้นทศวรรษที่ 70" รวมถึงการเคลื่อนไหวของนักร้อง-นักแต่งเพลง นักดนตรีร็อกแอนด์โรลในยุคแรกๆ ของสหรัฐฯ หลายคนเริ่มเล่นดนตรีแจ๊สและนำองค์ประกอบเหล่านี้มาใช้ในดนตรีใหม่ ในอังกฤษ แนวเพลงย่อยของบลูส์ร็อก และแนวเพลงแนวหน้าอีกหลายคน เช่นGinger BakerและJack Bruceจากวงดนตรีแนวหน้า ของ Eric Clapton Creamได้ถือกำเนิดขึ้นจาก แวดวง ดนตรีแจ๊สของอังกฤษ มักถูกเน้นย้ำว่าเป็นการบันทึกดนตรีแจ๊สร็อคอย่างแท้จริงเป็นอัลบั้มเดียว ของ Free Spirits with Out of Sight and Sound (1966) ที่ค่อนข้างคลุมเครือในนิวยอร์ก วงดนตรีกลุ่มแรกที่ใช้ชื่อนี้อย่างประหม่าคือวงดนตรีร็อคสีขาวที่เน้นแนว R&B ซึ่งใช้เสียงแตรแบบแจ๊ซซี่ เช่นElectric Flag , Blood, Sweat & Tears และChicagoจนกลายเป็นวงที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดในยุคต่อมา ทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 [142]

การแสดงของอังกฤษปรากฏขึ้นในช่วงเวลาเดียวกันจากฉากเพลงบลูส์ เพื่อใช้ประโยชน์จากลักษณะเสียงและการแสดงสดของแจ๊ส รวมถึงNucleus [143]และGraham Bondและ John Mayall ที่แยกออกจากColosseum จากแนวไซเคเดลิกร็อกและฉากในแคนเทอร์เบอรี มาสู่ Soft Machine ซึ่งได้รับการเสนอแนะให้ผลิตหนึ่งในการผสมผสานอย่างมีศิลปะของสองแนวเพลงที่ประสบความสำเร็จ บางทีการฟิวชั่นที่สะเทือนใจที่สุดอาจมาจากฝั่งแจ๊สของสมการ โดยMiles Davisได้รับอิทธิพลเป็นพิเศษจากงานของ Hendrix โดยผสมผสานการใช้เครื่องดนตรีร็อคเข้ากับเสียงของเขาสำหรับอัลบั้มBitches Brew (1970) เป็นอิทธิพลสำคัญต่อศิลปินแจ๊สที่ได้รับอิทธิพลจากร็อคซึ่งรวมถึงHerbie Hancock , Chick Coreaและรายงานสภาพอากาศ แนวเพลงเริ่มจางหายไปในช่วงปลายทศวรรษ 1970 เนื่องจากรูปแบบการหลอมรวมที่กลมกล่อมกว่าเริ่มดึงดูดผู้ชม[ 141]แต่ทำตัวเหมือนSteely Dan , [141] Frank Zappa และJoni Mitchellบันทึกอัลบั้มที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีแจ๊สที่สำคัญในเรื่องนี้ และยังคงมีอิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีร็อค [142]

การค้าที่เพิ่มขึ้นในทศวรรษที่ 1970

โรเบิร์ต คริสเกาเขียนไว้ในRecord Guide: Rock Albums of the Seventies (1981) เมื่อพิจารณาถึงพัฒนาการที่เกิดขึ้นในดนตรีร็อกในช่วงต้นทศวรรษ 1970 : [17]

ทศวรรษนั้นแน่นอนว่าเป็นสคีมาตามอำเภอใจ—เวลาไม่เพียงแค่ดำเนินการเปลี่ยนไปสู่อนาคตทุก ๆ สิบปีเท่านั้น แต่เช่นเดียวกับแนวคิดเทียมๆ หลายๆ อย่าง เช่น เงิน หมวดหมู่นี้จะกลายเป็นความจริงของมันเอง เมื่อผู้คนรู้วิธีนำไปใช้งาน "ยุค 60 จบลงแล้ว" สโลแกนหนึ่งที่เพิ่งเริ่มได้ยินในปี 1972 หรือประมาณนั้น ได้ปลุกระดมทุกคนที่กระตือรือร้นที่จะเชื่อว่าลัทธิเพ้อฝันกลายเป็นเรื่องไร้สาระ และเมื่อพวกเขาได้รับการระดมพลัง มันก็มีขึ้น ในเพลงยอดนิยม การโอบรับยุค 70 หมายถึงทั้งการถอนตัวจากคอนเสิร์ตที่ยุ่งเหยิงและ ฉาก ต่อต้านวัฒนธรรมและการแสวงหาผลประโยชน์จากส่วนร่วมที่ต่ำที่สุดในวิทยุ FMและอัลบั้มร็อ

Rock มองเห็นสินค้าโภคภัณฑ์มากขึ้นในช่วงทศวรรษนี้ โดยกลายเป็นอุตสาหกรรมที่มีมูลค่าหลายพันล้านดอลลาร์ และเพิ่มตลาด เป็นสองเท่า ขณะที่ Christgau ตั้งข้อสังเกตว่า กำลังประสบกับ "การสูญเสียชื่อเสียงทางวัฒนธรรม" อย่างมีนัยสำคัญ "บางทีBee Gees อาจ ได้รับความนิยมมากกว่า The Beatles แต่พวกเขาไม่เคยได้รับความนิยมมากไปกว่าพระเยซู " เขากล่าว "ตราบเท่าที่ดนตรียังคงรักษาพลังแห่งเทพนิยายไว้ได้ ตำนานก็คือการอ้างอิงในตัวเอง– มีเพลงมากมายเกี่ยวกับชีวิตของร็อคแอนด์โรล แต่มีเพียงไม่กี่เพลงเกี่ยวกับวิธีที่ร็อคสามารถเปลี่ยนแปลงโลกได้ ยกเว้นในฐานะยาแก้ปวดยี่ห้อใหม่ ... ในช่วงทศวรรษที่ 70 ผู้ทรงอำนาจเข้ามาครอบครอง ในขณะที่นักอุตสาหกรรมร็อคใช้ประโยชน์จากอารมณ์ของชาติ เพื่อลดดนตรีที่ทรงพลังให้เหลือเพียงความบันเทิงประเภทที่มีปฏิกิริยาโต้ตอบ และเพื่อเปลี่ยนฐานความนิยมของร็อคจากผู้ชมไปสู่ตลาด" [17]

รากหิน

รูตส์ร็อกเป็นคำที่ใช้ในปัจจุบันเพื่ออธิบายการย้ายออกจากสิ่งที่บางคนมองว่าเป็นฉากไซคีเดลิกมากเกินไป ไปสู่รูปแบบพื้นฐานของร็อกแอนด์โรลที่รวมเอาอิทธิพลดั้งเดิมเข้าไว้ด้วยกัน โดยเฉพาะดนตรีคันทรีและโฟล์ก ซึ่งนำไปสู่การสร้าง คันทรีร็อกและเซาเทิร์นร็อก ในปี พ.ศ. 2509บ็อบ ดีแลนไปที่แนชวิลล์เพื่อบันทึกอัลบั้มบลอนด์ออนบลอนด์ อัลบั้มนี้และอัลบั้มที่ได้รับอิทธิพลจากคันทรีที่ชัดเจนกว่าเช่นNashville Skylineถูกมองว่าเป็นการสร้างแนวเพลงคันทรี่โฟล์คซึ่งเป็นแนวทางที่นักดนตรีอะคูสติกโฟล์คส่วนใหญ่ติดตาม [145]การกระทำอื่น ๆ ที่เป็นไปตามแนวโน้มพื้นฐานคือกลุ่มชาวแคนาดาThe Band และ Creedence Clearwater Revival ซึ่ง มีฐานอยู่ที่แคลิฟอร์เนียซึ่งทั้งสองวงผสมผสานร็อกแอนด์โรลพื้นฐานเข้ากับโฟล์ค คันทรี่ และบลูส์ จนเป็นหนึ่งในวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จและทรงอิทธิพลที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1960 การเคลื่อนไหวแบบเดียวกันนี้เป็นจุดเริ่มต้นของอาชีพการบันทึกเสียงของศิลปินเดี่ยวชาวแคลิฟอร์เนียเช่นRy Cooder , Bonnie RaittและLowell George , [ 147 ]และมีอิทธิพลต่องานของนักแสดงที่มีชื่อเสียง เช่น The Rolling Stones' Beggar's Banquet (1968) และ the บีทเทิลส์เรื่องLet It Be (1970) [120]เมื่อพิจารณาถึงการเปลี่ยนแปลงของกระแสดนตรีร็อคในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Christgau เขียนในคอลัมน์ "Consumer Guide" ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2513 ว่า "ออร์ทอดอกซ์ใหม่" และ "วัฒนธรรมล้าหลัง" นี้ละทิ้งการผลิตแบบด้นสดในสตูดิโอ "เครื่องดนตรีแน่นๆ สำรอง" และการแต่งเพลง: "สื่อถึงเพลงร็อกยุค 50 เพลงคันทรี่ ริธึมแอนด์บลูส์ และแรงบันดาลใจสำคัญคือวงดนตรี" [148]

ภาพถ่ายสีของสมาชิกวง Eagles สี่คนบนเวทีพร้อมกีตาร์
The Eaglesระหว่างปี 2008–2009 Long Road out of Eden Tour

ในปี 1968 Gram Parsonsได้บันทึกเสียงSafe at Homeร่วมกับInternational Submarine Band ซึ่งเป็น อัลบั้มแนวคันทรีร็อกที่แท้จริง ชุดแรก ต่อมาในปีนั้นเขาได้เข้าร่วม Byrds สำหรับSweetheart of the Rodeo (พ.ศ. 2511) ซึ่งโดยทั่วไปถือว่าเป็นหนึ่งในการบันทึกเสียงที่มีอิทธิพลมากที่สุดในประเภทนี้ The Byrdsยังคงดำเนินต่อไปในแนวทางเดียวกัน แต่ Parsons จากไปร่วมกับChris Hillman อดีตสมาชิกของ Byrds อีกคน ในการจัดตั้งFlying Burrito Brothersซึ่งช่วยสร้างความน่าเชื่อถือและพารามิเตอร์ของแนวเพลง ก่อนที่ Parsons จะออกไปทำงานเดี่ยว . [149]วงดนตรีในแคลิฟอร์เนียที่นำคันทรีร็อกมาใช้ ได้แก่ Hearts and Flowers, Poco , New Riders of the Purple Sage , [149] the Beau Brummels , [149]และNitty Gritty Dirt Band นักแสดงบางคนยังสนุกกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยการใช้เสียงของประเทศ ได้แก่ Everly Brothers; ริก เนลสัน ไอดอลวัยรุ่นขาจรผู้กลายมาเป็นฟรอนต์แมนของ Stone Canyon Band; อดีต Monkee Mike Nesmithผู้ก่อตั้งFirst National Band ; และนีลยัง [149] The Dillardsเป็นการแสดงในชนบทที่ไม่ปกติซึ่งมุ่งสู่ดนตรีร็อคความสำเร็จทางการค้าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของคันทรี่ร็อกเกิดขึ้นในปี 1970 โดยมีศิลปิน ได้แก่ Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadtและ the Eagles (ประกอบด้วยสมาชิกของ Burritos, Poco และ Stone Canyon Band) ซึ่งกลายเป็น หนึ่งในวงร็อกที่ประสบความสำเร็จสูงสุดตลอดกาล โดยผลิตอัลบั้มที่รวมถึง Hotel California (1976) [151]

ผู้ก่อตั้ง Southern rock มักคิดว่าเป็น Allman Brothers Band ซึ่งพัฒนาแนวเสียงที่โดดเด่น ซึ่งส่วนใหญ่มาจากบลูส์ร็อกแต่รวมเอาองค์ประกอบของบูกี้จิตวิญญาณ และคันทรี่ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 การแสดงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดตามมาคือ Lynyrd Skynyrdซึ่งช่วยสร้างภาพลักษณ์ " Good ol' boy " ของประเภทย่อยและรูปแบบทั่วไปของกีตาร์ร็อคในปี 1970 ผู้สืบทอดของพวกเขา ได้แก่Dixie Dregs นัก ฟิวชั่น/มือโปรเกรสซีฟ, Outlawsที่ได้รับอิทธิพลจากคันทรีมากขึ้น , Wet Willieแนวฟังก์/อาร์แอนด์บีและ (รวมเอาองค์ประกอบของอาร์แอนด์บีและกอสเปล) Ozark Mountain Daredevils. หลังจากการสูญเสียสมาชิกดั้งเดิมของ Allmansและ Lynyrd Skynyrd แนวเพลงก็เริ่มจางหายไปในช่วงปลายทศวรรษ 1970 แต่ยังคงอยู่ในทศวรรษ 1980 ด้วยการแสดงเช่น. 38 Special , Molly HatchetและMarshall Tucker Band [105]

แกลมร็อก

ภาพถ่ายสีของ David Bowie กับกีตาร์โปร่ง
David Bowieระหว่างZiggy Stardust และ Spiders Tour ในปี 1972

Glam rock เกิดขึ้นจากแนวไซเคเดลิกและอาร์ตร็อกของอังกฤษในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และอาจถูกมองว่าเป็นทั้งส่วนขยายและปฏิกิริยาต่อต้านกระแสเหล่านั้น ความ หลากหลายทางดนตรีที่แตกต่างกันไประหว่างการฟื้นฟูแบบร็อกแอนด์โรลธรรมดาๆ ของตัวละครอย่างAlvin Stardustไปจนถึงแนวอาร์ตร็อกที่ซับซ้อนของ Roxy Music และอาจมองได้ว่าเป็นแฟชั่นพอๆ กับประเภทย่อยทางดนตรี ตั้งแต่ความ เย้า ยวนใจของ ฮอลลีวูด ใน ทศวรรษที่ 1930 ไปจนถึงเสน่ห์ทางเพศแบบพินอัพในทศวรรษ 1950 การแสดงละครคาบาเร่ต์ ก่อนสงคราม รูปแบบ วรรณกรรมและสัญลักษณ์สมัยวิกตอเรียนิยายวิทยาศาสตร์ ไปจนถึงเวทย์มนต์และตำนาน โบราณและลึกลับ; แสดงออกด้วยเสื้อผ้า การแต่งหน้า ทรงผม และรองเท้าบู้ทที่มีส้นสูง Glamเป็นที่รู้จักมากที่สุดในเรื่องความคลุมเครือทางเพศและเพศและการเป็นตัวแทนของandrogynyนอกเหนือจากการใช้การแสดงละครอย่างกว้างขวาง มัน ถูกกำหนดล่วงหน้าโดยฝีมือการแสดงและการบิดเบือนอัตลักษณ์ทางเพศของการกระทำของชาว อเมริกันเช่นCockettesและAlice Cooper [155]

ต้นกำเนิดของเพลงแกลมร็อกเกี่ยวข้องกับMarc Bolanซึ่งได้เปลี่ยนชื่อเพลงแนวโฟล์คของเขาเป็นT. Rexและเลิกใช้เครื่องดนตรีไฟฟ้าในปลายทศวรรษที่ 1960 มักถูกอ้างถึงว่าเป็นช่วงเวลาแห่งการเริ่มต้นคือการปรากฏตัวในรายการเพลงของ BBC Top of the Popsในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2514 โดยสวมชุดกลิตเตอร์และผ้าซาติน เพื่อแสดงเพลงที่จะเป็นเพลงฮิตติดท็อป 10 ในสหราชอาณาจักรครั้งที่สองของเขา (และเพลงฮิตอันดับ 1 ในสหราชอาณาจักรเป็นครั้งแรก) " Hot Love ". ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2514 David Bowie ซึ่งเป็นดารารองได้พัฒนาบุคลิก Ziggy Stardust ของเขา โดยผสมผสานองค์ประกอบของการแต่งหน้าแบบมืออาชีพ ละครใบ้ และการแสดงเข้ากับการแสดงของเขา ในไม่ ช้านักแสดงเหล่านี้ก็ตามสไตล์การแสดงรวมถึง Roxy Music, Sweet, สเลด , มอตต์เดอะฮูเปิล , โคลนและอัลวิน สตาร์ดัสต์ แม้ว่าจะประสบความสำเร็จอย่างสูงในชาร์ตเดี่ยวในสหราชอาณาจักร แต่มีนักดนตรีเหล่านี้เพียงไม่กี่คนที่สามารถสร้างผลกระทบร้ายแรงในสหรัฐอเมริกาได้ โบวีเป็นข้อยกเว้นสำคัญที่กลายเป็นซูเปอร์สตาร์ระดับนานาชาติและกระตุ้นให้มีการนำสไตล์ที่น่าดึงดูดใจมาใช้ในการแสดงอย่างLou Reed , Iggy Pop , New York DollsและJobriathซึ่งมักรู้จักกันในชื่อ "glitter rock" และมีเนื้อหาโคลงสั้น ๆ ที่เข้มกว่าเพลงในอังกฤษ [158]ในสหราชอาณาจักร คำว่า กลิตเตอร์ร็อค มักถูกใช้เพื่ออ้างถึงความเย้ายวนใจในแบบสุดโต่งที่ตามมาด้วยแกรี กลิต เตอร์ และนักดนตรีสนับสนุนของ เขาวงก ลิตเตอร์ ซึ่งระหว่างนั้นพวกเขาประสบความสำเร็จถึง 18 ซิงเกิลในสิบอันดับแรกในสหราชอาณาจักรระหว่างปี พ.ศ. 2515 ถึง พ.ศ. 2519 การแสดง ระลอกที่สองของวงร็อกที่น่าดึงดูดใจ ได้แก่Suzi Quatro , WizzardและSparksของRoy Woodครองตำแหน่ง ชาร์ตซิงเกิลของอังกฤษในช่วงปี 1974 ถึง 1976 การ แสดงที่มีอยู่ ซึ่งปกติแล้วบางเพลงไม่ถือว่าเป็นศูนย์กลางของแนวเพลง ยังนำสไตล์ที่น่าดึงดูดมาใช้ เช่นร็อด สจ๊วร์เอลตัน จอห์นควีนและแม้แต่โรลลิงสโตนส์ชั่วครั้งชั่วคราว [157]นอกจากนี้ยังมีอิทธิพลโดยตรงต่อการแสดงที่โด่งดังในเวลาต่อมา เช่นKissและAdam Antและน้อยลงโดยตรงต่อการก่อตัวของโกธิคร็อกและ แกลม เมทัลเช่นเดียวกับพังค์ร็อก ซึ่งช่วยยุติแฟชั่นแนวแกลมตั้งแต่ปี 1976 ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา Glam ก็มีความสุขกับการฟื้นฟูเล็กน้อยเป็นระยะ ๆ ผ่านวงดนตรีเช่นChainsaw Kittens , the Darkness [160] และใน R&B ครอสโอเวอร์Act Prince [161]

ชิคาโนร็อค

Carlos Santanaวันส่งท้ายปีเก่า 1976 ที่Cow Palaceในซานฟรานซิสโก

หลังจากประสบความสำเร็จในช่วงต้นของละตินร็อคในทศวรรษที่ 1960 นักดนตรีของ Chicanoเช่นCarlos SantanaและAl Hurricaneก็ยังคงประสบความสำเร็จในอาชีพการงานตลอดช่วงทศวรรษ 1970 ซานตานาเปิดทศวรรษด้วยความสำเร็จในซิงเกิล " Black Magic Woman " ใน ปี 1970 ใน อัลบั้มAbraxas อัลบั้มที่สามของเขาSantana IIIให้ซิงเกิล "ไม่มีใครต้องพึ่งพา" และอัลบั้มที่สี่ของเขาCaravanseraiทดลองกับเสียงของเขาเพื่อรับสัญญาณแบบผสม [163] [164]ต่อมาเขาได้ออกชุดอัลบั้มสี่ชุดซึ่งทั้งหมดได้รับสถานะทอง: ยินดีต้อนรับ , Borboletta , Amigosและเทศกาล _ Al Hurricane ยังคงผสมผสานดนตรีร็อคของเขากับดนตรีนิวเม็กซิโก แม้ว่าเขาจะทดลอง ดนตรีแจ๊สอย่างหนักมากขึ้นก็ตาม ซึ่งนำไปสู่ซิงเกิ้ลที่ประสบความสำเร็จหลายเพลง โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน อัลบั้ม Vestido Mojado ของเขา รวมถึง "Vestido Mojado" ที่มีชื่อเดียวกันเช่นเดียวกับ " Por Una Mujer Casada" และ "Puño de Tierra"; พี่น้องของเขาประสบความสำเร็จในซิงเกิ้ลเพลงนิวเม็กซิโกใน "La Del Moño Colorado" โดย Tiny Morrie และ "La Cumbia De San Antone" โดย Baby Gaby Al Hurricane Jr.เริ่มอาชีพการบันทึกเสียงเพลงร็อคในนิวเม็กซิโกที่ประสบความสำเร็จในปี 1970 ด้วยการแสดง "Flor De Las Flores" ในปี 1976 ได้รับความนิยมในเวลานี้ด้วยอัลบั้มแรกของพวกเขาLos Lobos del Este de Los Angelesในปี 1977

ซอฟต์ร็อก ฮาร์ดร็อก และเฮฟวีเมทัลยุคแรก

ช่วงเวลาแปลกๆ ในปี 1971 แม้ว่าการปรับแนวเพลงร็อกให้กลายเป็นแนวเพลงกำลังดำเนินไปได้ด้วยดี แต่ก็มักยากที่จะบอกวลีเด็ดจากท่อนถัดไป " อาร์ต-ร็อก " อาจหมายถึงอะไรก็ได้ตั้งแต่VelvetsไปจนถึงMoody Bluesและแม้ว่าLed ZeppelinจะเปิดตัวและBlack Sabbathโด่งดัง แต่ " เฮฟวีเมทัล " ก็ยังคงเป็นแนวคิดแบบอสัณฐาน

โรเบิร์ต คริสเกา[168]

ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 1960 เป็นต้นมา การแบ่งดนตรีร็อกกระแสหลักออกเป็นซอฟต์ร็อกและฮาร์ดร็อกกลายเป็นเรื่องปกติ ซอฟต์ร็อกมักมาจากโฟล์กร็อก โดยใช้เครื่องดนตรีอะคูสติกและเน้นทำนองและเสียงประสานมากกว่า ศิลปินหลัก ได้แก่Carole King , Cat StevensและJames Taylor ถึง จุดสูงสุดในเชิงพาณิชย์ในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1970 ด้วยการแสดงอย่างBilly Joel , America และ Fleetwood Macที่กลับเนื้อกลับตัวซึ่งRumors (1977) เป็นอัลบั้มที่ขายดีที่สุดแห่งทศวรรษ [170]ในทางตรงกันข้าม ฮาร์ดร็อกมักจะมาจากเพลงบลูส์ร็อกและเล่นให้ดังกว่าและรุนแรงกว่า มักเน้นที่กีตาร์ไฟฟ้า ทั้งในฐานะเครื่องกำหนดจังหวะที่ใช้ริฟฟ์ซ้ำๆ ง่ายๆ และเป็นเครื่องนำเดี่ยว และมีแนวโน้มว่าจะใช้กับการบิดเบือนและเอฟเฟ็กต์อื่นๆ การ แสดงที่สำคัญ ได้แก่ วงดนตรี British Invasion เช่น The Kinks รวมถึงนักแสดงยุคประสาทหลอนเช่น Cream, Jimi Hendrix และJeff Beck Group [171]วงดนตรีที่ได้รับอิทธิพลจากฮาร์ดร็อคที่ประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติในช่วงหลังทศวรรษ 1970 ได้แก่ Queen, [172] Thin Lizzy , [173] Aerosmith , AC/DC ,[171]และแวน ฮาเลน .

ภาพถ่ายสีของวง Led Zeppelin บนเวที
Led Zeppelinแสดงสดที่Chicago Stadiumในเดือนมกราคม พ.ศ. 2518

ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา คำว่า "เฮฟวีเมทัล" เริ่มถูกนำมาใช้เพื่ออธิบายถึงฮาร์ดร็อกที่เล่นด้วยระดับเสียงและความเข้มข้นที่มากกว่าเดิม โดยครั้งแรกเป็นคำคุณศัพท์ และในช่วงต้นทศวรรษ 1970 เป็นคำนาม [174]คำนี้ถูกใช้ครั้งแรกในดนตรีในเพลง" Born to Be Wild " ของ Steppenwolf (พ.ศ. 2510) และเริ่มมีความเกี่ยวข้องกับวงดนตรีรุ่นบุกเบิกอย่างBlue Cheer ของซานฟรานซิสโก James Gangของคลีฟแลนด์ และ Grand Funk Railroadของมิชิแกน ในปี 1970วงดนตรีอังกฤษที่สำคัญสามวงได้พัฒนาเสียงและสไตล์ที่มีลักษณะเฉพาะซึ่งจะช่วยกำหนดแนวเพลงย่อย Led Zeppelinได้เพิ่มองค์ประกอบของความแฟนตาซีให้กับDeep Purple แนวริฟฟ์บลูส์ร็อกดึง ความสนใจของซิมโฟนิกและยุคกลางจากช่วงโปรเกรสซีฟร็อกของพวกเขา และBlack Sabbath ก็ นำเสนอแง่มุมของความกลมกลืนแบบกอธิคและ โมดอล ซึ่งช่วยสร้างเสียงที่ "เข้มขึ้น" องค์ประกอบเหล่านี้ถูกยึดครองโดยวงเฮฟวีเมทัล "รุ่นที่สอง" ในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ได้แก่Judas Priest , UFO , MotörheadและRainbowจากอังกฤษ; Kiss , Ted NugentและBlue Öyster Cultจากสหรัฐอเมริกา; RushจากแคนาดาและScorpionsจากเยอรมนี ล้วนแสดงถึงความนิยมที่เพิ่มขึ้นของประเภทย่อยแม้จะขาดการออกอากาศและมีอยู่น้อยมากในชาร์ตซิงเกิล แต่เฮฟวีเมทัลช่วงปลายทศวรรษ 1970 ก็สร้างผู้ติดตามจำนวนมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่วัยรุ่นชายวัยทำงานในอเมริกาเหนือและยุโรป [177]

คริสเตียนร็อก

ร็อค ซึ่งส่วนใหญ่เป็นแนวเพลงเฮฟวีเมทัล ได้รับการวิพากษ์วิจารณ์จากผู้นำคริสเตียนบางคน ซึ่งประณามว่าร็อคนั้นผิดศีลธรรม ต่อต้านคริสเตียน และแม้แต่ซาตาน อย่างไรก็ตาม คริสเตียนร็อกเริ่มพัฒนาในช่วงปลายทศวรรษ 1960 โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากการเคลื่อนไหวของพระเยซู ที่ เริ่มต้นในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ และกลายเป็นแนวเพลงย่อยในทศวรรษ 1970 ร่วมกับศิลปินอย่างแลร์รี นอร์แมนซึ่งมักถูกมองว่าเป็น "ดารา" หลักกลุ่มแรกของ คริสเตียนร็อค ประเภทนี้ส่วนใหญ่เป็นปรากฏการณ์ในสหรัฐอเมริกา [180]นักแสดงคริสเตียนร็อคหลายคนมีความผูกพันกับดนตรีคริสเตียนร่วมสมัยฉาก เริ่มตั้งแต่ทศวรรษที่ 1980 นักแสดงเพลงป็อปคริสเตียนประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม แม้ว่าศิลปินเหล่านี้เป็นที่ยอมรับในชุมชนชาวคริสต์เป็นส่วนใหญ่ แต่การนำสไตล์เฮฟวีร็อกและแกลมเมทัลมาใช้โดยวงดนตรีอย่างStryperซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากในกระแสหลักในช่วงทศวรรษ 1980 กลับเป็นที่ถกเถียงกันมากกว่า [181] [182]จากปี 1990 มีการแสดงจำนวนมากขึ้นที่พยายามหลีกเลี่ยงวงดนตรีคริสเตียนโดยเลือกที่จะมองว่าเป็นกลุ่มที่เป็นคริสเตียนเช่นกันรวมถึงPOD [183]

ฮาร์ทแลนด์ร็อค

รูปถ่ายขาวดำของ Bruce Springsteen บนเวทีกับกีตาร์
Bruce Springsteenในเบอร์ลินตะวันออกในปี 1988

ฮาร์ตแลนด์ร็อกแนวชนชั้นแรงงานอเมริกัน โดดเด่นด้วยสไตล์ดนตรีที่ตรงไปตรงมา และความกังวลเกี่ยวกับชีวิตของ คนอเมริกัน คอปกสีน้ำเงินทั่วไป พัฒนาขึ้นในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1970 คำว่าฮาร์ทแลนด์ร็อคถูกใช้ครั้งแรกเพื่ออธิบาย กลุ่ม ร็อค ใน แถบมิดเวสต์ เช่นแคนซัส , REO Speedwagonและ Styx แต่คำนี้มีความเกี่ยวข้องกับรูปแบบของรูตร็อกที่เกี่ยวข้องกับสังคมมากขึ้น ซึ่งได้รับอิทธิพลโดยตรงจากโฟล์ค คันทรี และร็อกแอนด์โรล มันถูกมองว่าเป็น American Midwest และRust Beltคู่กับ West Coast Country Rock และ Southern Rock ของ American South [185]นำโดยบุคคลที่เคยถูกมองว่าเป็นพังก์และนิวเวฟ ดนตรีแนวนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการแสดงอย่างเช่น Bob Dylan, the Byrds, Creedence Clearwater Revival และVan Morrisonและเพลงร็อคพื้นฐานของโรงรถในยุค 1960 และวง Rolling Stones [186]

ตัวอย่างจากความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ของนักร้องนักแต่งเพลงBruce Springsteen , Bob SegerและTom Pettyรวมถึงการแสดงที่ไม่ค่อยเป็นที่รู้จักนัก เช่นSouthside Johnny และ Asbury JukesและJoe Grushecky และ Houserockersซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของปฏิกิริยาต่อความเสื่อมโทรมของเมืองหลังยุคอุตสาหกรรม ในแถบตะวันออกและตะวันตกตอนกลาง มักกล่าวถึงประเด็นการแตกแยกและความโดดเดี่ยวทางสังคม นอกเหนือจากรูปแบบหนึ่งของการฟื้นฟูแบบร็อคแอนด์โรล แนวเพลงถึงจุดสูงสุดในเชิงพาณิชย์ ศิลปะ และทรงอิทธิพลในช่วงกลางทศวรรษ 1980 โดย Springsteen's Born in the USA(พ.ศ. 2527) ติดอันดับชาร์ตเพลงทั่วโลกและเปิดตัวซิงเกิ้ลสิบอันดับแรกพร้อมกับการมาถึงของศิลปินรวมถึงJohn Mellencamp , Steve Earle และนักร้องนักแต่งเพลงที่ อ่อนโยนเช่นBruce Hornsby [186]นอกจากนี้ยังสามารถได้ยินได้ว่าเป็นอิทธิพลต่อศิลปินที่หลากหลาย เช่นBilly Joel , [187] Kid Rock [188]และthe Killers [189]

ฮาร์ทแลนด์ร็อกค่อยๆ จางหายไปในฐานะแนวเพลงที่เป็นที่รู้จักในช่วงต้นทศวรรษ 1990 เนื่องจากดนตรีร็อกโดยทั่วไป และโดยเฉพาะอย่างยิ่งธีมของชนชั้นแรงงานปกขาวและปกขาว สูญเสียอิทธิพลในกลุ่มผู้ชมอายุน้อย และในขณะที่ศิลปินของฮาร์ทแลนด์หันไปทำงานส่วนตัวมากขึ้น ศิลปินร็ อคฮาร์ตแลนด์หลายคนยังคงบันทึกเสียงในปัจจุบันด้วยความสำเร็จในเชิงวิจารณ์และเชิงพาณิชย์ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง บรูซ สปริงส์ทีน ทอม เพตตี และ จอห์น เมลเลนแคมป์ แม้ว่าผลงานของพวกเขาจะกลายเป็นแนวส่วนตัวและเชิงทดลองมากขึ้น และไม่เหมาะกับแนวเพลงประเภทเดียวอีกต่อไป ศิลปินรุ่นใหม่ที่เพลงอาจมีชื่อว่าฮาร์ทแลนด์ร็อกหากมีการเปิดตัวในปี 1970 หรือ 1980 เช่นBottle Rockets ของ Missouri และ Uncle Tupeloของ Illinois มักจะพบว่าตัวเองมีป้ายกำกับว่าalt-country. [190]

พังก์ร็อก

ภาพถ่ายสีของ Patti Smith บนเวทีพร้อมไมโครโฟน
แพตตี้ สมิธแสดงในปี 1976

พังก์ร็อกได้รับการพัฒนาระหว่างปี 1974 และ 1976 ในสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักร วงพังก์ร็อกที่มีรากฐานมาจากการาจร็อกและรูปแบบอื่นๆ ของดนตรีโปรโตพังก์ในปัจจุบันได้หลีกหนีจากความเกินเลยของร็อกกระแสหลักในยุค 1970 พวกเขาสร้างดนตรีที่เร็วและรุนแรง โดยทั่วไปจะเป็นเพลงสั้นๆ เครื่องดนตรีที่ถอดประกอบ และมักมีเนื้อเพลงเกี่ยวกับการเมืองและต่อต้านการสถาปนา พังก์ยอมรับหลักจริยธรรมแบบ DIY (ทำด้วยตัวเอง)โดยมีวงดนตรีจำนวนมากที่ผลิตการบันทึกด้วยตนเองและเผยแพร่ผ่านช่องทางที่ไม่เป็นทางการ [192]

สมาชิกวงร็อค Sex Pistols บนเวทีคอนเสิร์ต  จากซ้ายไปขวา นักร้อง Johnny Rotten และมือกีต้าร์ไฟฟ้า Steve Jones
นักร้องนำJohnny Rottenและมือกีตาร์Steve JonesจากSex Pistols

ช่วงปลายปี พ.ศ. 2519 การแสดงอย่างRamonesและPatti Smithในนิวยอร์กซิตี้ และSex Pistols and the Clashในลอนดอน ได้รับการยอมรับว่าเป็นแนวหน้าของการเคลื่อนไหวทางดนตรีแนวใหม่ [191]ในปีต่อมา พังก์ร็อกได้แพร่กระจายไปทั่วโลก พังค์กลายเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมที่สำคัญอย่างรวดเร็วในสหราชอาณาจักร การต่อสู้สดทางโทรทัศน์ของ Sex Pistols กับBill Grundyเมื่อวันที่ 1 ธันวาคม พ.ศ. 2519 เป็นช่วงเวลาสำคัญในการเปลี่ยนแปลงของพังก์อังกฤษเป็นปรากฏการณ์สื่อที่สำคัญ แม้ว่าบางร้านจะปฏิเสธที่จะจัดเก็บแผ่นเสียงและการออกอากาศทางวิทยุก็เป็นเรื่องยาก [193]ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2520 Sex Pistols ประสบความสำเร็จในระดับใหม่ของการโต้เถียง (และอันดับสองในชาร์ตซิงเกิล) ด้วยเพลงที่กล่าวถึงสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 2 " God Save the Queen " ในช่วงSilver Jubileeของ เธอ ส่วนใหญ่พังค์มีรากฐานมาจากฉากในท้องถิ่นที่มักจะปฏิเสธความเกี่ยวข้องกับกระแสหลัก วัฒนธรรมย่อยของพังค์ที่เกี่ยวข้องปรากฏขึ้น แสดงออกถึงการกบฏของวัยรุ่นและโดดเด่นด้วยสไตล์เสื้อผ้า ที่โดดเด่น และอุดมการณ์ต่อต้านเผด็จการ ที่ หลากหลาย [195]

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1980 สไตล์ที่เร็วและดุดันมากขึ้น เช่นฮาร์ดคอ ร์ และOi! ได้กลายเป็นโหมดหลักของพังก์ร็อก สิ่งนี้ส่งผลให้เกิดการพัฒนาของฮาร์ดคอร์พังก์หลายสายพันธุ์ เช่นD-beat (ประเภทย่อยที่มีการบิดเบือนอย่างหนักซึ่งได้รับอิทธิพลจากวงDischarge ของสหราชอาณาจักร ), anarcho-punk (เช่นCrass ) , grindcore (เช่นNapalm Death ) และ ครัสต์ พังค์ [197]นักดนตรีที่รู้จักหรือได้รับแรงบันดาลใจจากพังก์ก็ติดตามรูปแบบอื่น ๆ ที่หลากหลาย ทำให้เกิดนิวเวฟ , โพสต์พังก์และการเคลื่อนไหวของหินทางเลือก [191]

คลื่นลูกใหม่

รูปถ่ายขาวดำของ Debbie Harry บนเวทีพร้อมไมโครโฟน
Deborah HarryจากวงBlondieแสดงที่ Maple Leaf Gardens ในโตรอนโตในปี 1977

แม้ว่าพังก์ร็อกจะเป็นปรากฏการณ์ทางสังคมและดนตรีที่สำคัญ แต่ก็ประสบความสำเร็จน้อยกว่าในการขายแผ่นเสียง (จัดจำหน่ายโดยค่ายเพลงพิเศษเล็กๆ เช่นStiff Records ), [198]หรือการออกอากาศทางวิทยุของอเมริกา (เนื่องจากฉากวิทยุยังคงถูกครอบงำโดย รูปแบบกระแสหลัก เช่นดิสโก้และอัลบั้มร็อค ) พังค์ร็อกดึงดูดผู้ชื่นชอบศิลปะและโลกวิทยาลัย และในไม่ช้าวงดนตรีที่มีความรู้และศิลปะมากขึ้น เช่นTalking HeadsและDevoก็เริ่มแทรกซึมเข้าไปในฉากพังค์ ในบางช่วงมีการใช้คำอธิบายว่า "คลื่นลูกใหม่" เพื่อแยกความแตกต่างของวงพังค์ที่ไม่โจ่งแจ้งเหล่านี้ [200]ผู้บริหารแผ่นเสียงซึ่งส่วนใหญ่รู้สึกประหลาดใจกับการเคลื่อนไหวของพังค์ รับรู้ถึงศักยภาพของการแสดงคลื่นลูกใหม่ที่เข้าถึงได้มากขึ้น และเริ่มลงนามอย่างจริงจังและทำการตลาดวงดนตรีใด ๆ ที่สามารถอ้างสิทธิ์ในการเชื่อมต่อระยะไกลกับพังค์หรือคลื่นลูกใหม่ [201]วงดนตรีเหล่านี้หลายวง เช่นCarsและthe Go-Go'sสามารถมองได้ว่าเป็นวงดนตรีป๊อปที่วางตลาดเป็นคลื่นลูกใหม่ [202]การกระทำอื่น ๆ ที่มีอยู่ รวมทั้งตำรวจผู้แสร้งทำเป็นและเอลวิส คอสเตลโลใช้การเคลื่อนไหวของคลื่นลูกใหม่เป็นกระดานกระโดดน้ำสำหรับอาชีพที่ค่อนข้างยาวและประสบความสำเร็จอย่างมาก[203]ในขณะที่วงดนตรี "skinny tie" เป็นตัวอย่างโดยthe Knack , [204]หรือผม บลอนด์ที่ชอบถ่ายรูปเริ่มต้นจากการแสดงแนวพังก์และย้ายเข้าสู่พื้นที่เชิงพาณิชย์มากขึ้น [205]

ระหว่างปี 1979 และ 1985 ได้รับอิทธิพลจาก Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra , David Bowie และGary Numanคลื่นลูกใหม่ของอังกฤษไปในทิศทางของ New Romantics เช่นSpandau Ballet , Ultravox , Japan , Duran Duran , A Flock of Seagulls , Culture Club , Talk TalkและEurythmicsบางครั้งใช้ซินธิไซเซอร์เพื่อแทนที่เครื่องดนตรีอื่นๆ ทั้งหมด ช่วงเวลานี้ใกล้เคียงกับการเพิ่มขึ้นของMTVและนำไปสู่การเปิดเผยอย่างมากสำหรับแบรนด์ซินธ์ป๊อปนี้ ทำให้เกิดสิ่งที่เรียกว่าBritish Invasion ครั้งที่สอง. [207]วงดนตรีร็อคดั้งเดิมบางวงที่ดัดแปลงให้เข้ากับยุคของวิดีโอและได้ประโยชน์จากการออกอากาศ ของ MTV เห็นได้ชัดว่าDire Straitsซึ่งมีเพลง " Money for Nothing " คอยแหย่สถานี แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่าจะช่วยทำให้พวกเขาเป็นดาราระดับนานาชาติก็ตาม[ 207] 208]แต่โดยทั่วไปแล้ว ร็อกที่เน้นกีตาร์ถูกบดบังในเชิงพาณิชย์ [209]

โพสต์พังค์

หากแนวฮาร์ดคอร์มุ่งตรงไปที่สุนทรียะของพังค์แบบเปลื้องผ้า และคลื่นลูกใหม่เข้ามาเป็นตัวแทนของกลุ่มการค้าของมัน โพสต์พังก์ก็ถือกำเนิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1970 และต้นทศวรรษ 1980 ในฐานะด้านศิลปะและความท้าทายมากกว่า อิทธิพลสำคัญนอกเหนือจากวงพังก์คือVelvet Underground , Frank Zappa และCaptain Beefheart และฉากโน เวฟในนิวยอร์กซึ่งเน้นที่การแสดง รวมถึงวงดนตรีอย่างJames Chance and the Contortions , DNAและSonic Youth [210] ผู้ร่วมสนับสนุนแนวเพลงในยุคแรก ได้แก่วงดนตรีของสหรัฐอเมริกาPere Ubu , Devo, the ResidentsและTalking Heads[210]

กระแสโพสต์พังก์ของอังกฤษในยุคแรก ได้แก่Gang of Four , Siouxsie and the BansheesและJoy Divisionซึ่งให้ความสำคัญกับศิลปะน้อยกว่างานในสหรัฐฯ และให้ความสำคัญกับคุณภาพด้านอารมณ์ด้านมืดของดนตรีของพวกเขามากกว่า วงดนตรีเช่น Siouxsie and the Banshees, Bauhaus , the Cureและthe Sisters of Mercyได้ย้ายไปในทิศทางนี้มากขึ้นเพื่อค้นหาโกธิคร็อคซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของวัฒนธรรมย่อย ที่สำคัญ ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 [211]ดินแดนทางอารมณ์ที่คล้ายคลึงกันถูกไล่ตามโดยการกระทำของชาวออสเตรเลีย เช่นงานวันเกิดและถ้ำนิ[210]สมาชิกของ Bauhaus และ Joy Division สำรวจดินแดนที่มีสไตล์ใหม่ในชื่อLove and RocketsและNew Orderตามลำดับ [210]การเคลื่อนไหวในยุคหลังพังค์อีกรูปแบบหนึ่งคือดนตรีอุตสาหกรรม[212]ที่พัฒนาโดยวงดนตรีอังกฤษThrobbing GristleและCabaret Voltaire และ Suicideจากนิวยอร์กโดยใช้เทคนิคอิเล็กทรอนิกส์และการสุ่มตัวอย่างที่หลากหลายซึ่งเลียนแบบเสียงของการผลิตทางอุตสาหกรรม จะพัฒนาเป็น ดนตรียุคหลังอุตสาหกรรมหลากหลายรูปแบบในทศวรรษที่ 1980 [213]

วงโพสต์พังค์ของอังกฤษรุ่นที่สองที่แตกแขนงไปในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ได้แก่The Fall , the Pop Group , the Mekons , Echo and the Bunnymenและ the Teardrop Explodesมีแนวโน้มที่จะหลีกหนีจากแนวเสียงมืดๆ วงดนตรีที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดที่ถือกำเนิดจากโพสต์พังค์คือU2 ของไอร์แลนด์ ซึ่งรวมเอาองค์ประกอบของภาพทางศาสนาและความเห็นทางการเมืองไว้ในเพลงแนวแอนเธียมของพวกเขา และในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ก็กลายเป็นหนึ่งในวงดนตรีที่ใหญ่ที่สุดในโลก [214]แม้ว่าวงโพสต์พังก์หลายวงจะยังคงบันทึกเสียงและแสดงต่อไป แต่วงนี้ก็ปฏิเสธการเคลื่อนไหวในช่วงกลางทศวรรษที่ 1980 เนื่องจากการกระทำดังกล่าวถูกยกเลิกหรือย้ายออกไปสำรวจพื้นที่ทางดนตรีอื่น ๆ แต่ก็ยังคงมีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรีร็อคและถูกมองว่าเป็น เป็นองค์ประกอบหลักในการสร้างขบวนการอัลเทอร์เนทีฟร็อก [215]

การเกิดขึ้นของอัลเทอร์เนทีฟร็อก

ภาพถ่ายสีของวง REM บนเวที
REMเป็น วงอัลเทอร์เนที ฟร็อก ที่ประสบความสำเร็จ ในช่วงปี 1980/90

คำว่าอัลเทอร์เนทีฟร็อกถูกบัญญัติขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1980 เพื่ออธิบายถึงศิลปินร็อกที่ไม่เข้ากับแนวเพลงกระแสหลักในยุคนั้น วงดนตรีที่ขนานนามว่า "อัลเทอร์เนทีฟ" ไม่มีรูปแบบที่เป็นเอกภาพ แต่ทั้งหมดถูกมองว่าแตกต่างจากดนตรีกระแสหลัก วงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟถูกเชื่อมโยงโดยหนี้ร่วมของพวกเขากับพังก์ร็อก ผ่านฮาร์ดคอร์ นิวเวฟ หรือโพสต์พังก์ [216] วงดนตรีอัลเทอร์เน ทีฟร็อกที่สำคัญในยุค 80 ในสหรัฐอเมริกา ได้แก่REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic Youthและ the Pixies , [216]และในสหราชอาณาจักรthe Cure , New Order , the Jesus and Mary Chainและมิ ธ [217]ศิลปินส่วนใหญ่ถูกจำกัดให้อยู่ แต่ใน ค่ายเพลงอิสระสร้างวงการเพลงใต้ดินที่กว้างขวางโดยอิงจากวิทยุของวิทยาลัย แฟนไซน์ การทัวร์ และการบอกปากต่อปาก พวก เขาปฏิเสธซินธ์-ป๊อปที่โดดเด่นในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ซึ่งเป็นการกลับไปสู่กีตาร์ร็อกแบบกลุ่ม [219] [220] [221]

วงดนตรียุคแรกๆ เหล่านี้ไม่กี่วงที่ประสบความสำเร็จในวงกว้าง แม้ว่าจะมีข้อยกเว้นสำหรับกฎนี้ ได้แก่ REM, the Smiths และ the Cure แม้จะไม่มียอดขายอัลบั้มที่น่าประทับใจ แต่วงอัลเทอร์เนทีฟร็อกดั้งเดิมก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักดนตรีรุ่นใหม่ที่มีอายุมากขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1980 และจบลงด้วยความสำเร็จในช่วงทศวรรษที่ 1990 รูปแบบของอัลเทอร์เนทีฟร็อกในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1980 ได้แก่ แจเกิล ป๊อปซึ่งเกี่ยวข้องกับการบันทึกเสียงช่วงต้นของ REM ซึ่งรวมเสียงกีตาร์ของป๊อปและร็อกในช่วงกลางทศวรรษ 1960 และคอลเลจร็อก ซึ่งใช้เพื่ออธิบายวงดนตรีทางเลือกที่เริ่มต้นในวงวิทยาลัย และวิทยุของวิทยาลัย รวมถึงการแสดง ต่างๆเช่น10,000 Maniacs and the Feelies [216]ในสหราชอาณาจักร โกธิคร็อกมีความโดดเด่นในช่วงต้นทศวรรษ 1980 แต่ในช่วงปลายทศวรรษ อินดี้หรือดรีมป๊อป[222]เช่นPrimal Scream , Bogshed , Half Man Half Biscuitและthe Wedding Presentและวงที่ได้รับการขนานนามว่าเป็น วง Shoegazeเช่นMy Bloody Valentine , Slowdive , RideและLushเข้ามาแล้ว ฉากของ แม เชสเตอร์ ที่มีชีวิตชีวาเป็นพิเศษโดยผลิตวงดนตรีเช่นHappy Mondays , Inspiral CarpetsและStone Roses [217] [224]ทศวรรษหน้าจะเห็นความสำเร็จของกรันจ์ในสหรัฐอเมริกาและบริ ตป๊อป ในสหราชอาณาจักร ซึ่งนำอัลเทอร์เนทีฟร็อกเข้าสู่กระแสหลัก

ต้นทศวรรษที่ 1990 ถึงปลายทศวรรษที่ 2000

กรันจ์

ภาพถ่ายสีของสมาชิกสองคนของวง Nirvana บนเวทีพร้อมกีตาร์
เนอร์วาน่าแสดงในปี 2535

วงดนตรีใน รัฐวอชิงตัน (โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน พื้นที่ ซีแอตเติล ) ได้รับผล กระทบจากดนตรีป๊อปและร็อกที่ผลิตขายจำนวนมากในช่วงกลางทศวรรษ 1980 ซึ่งสร้างความแตกต่างอย่างมากกับดนตรีกระแสหลักในยุคนั้น แนวเพลงที่กำลังพัฒนาเป็นที่รู้จักในชื่อ "กรันจ์" ซึ่งเป็นคำที่บรรยายถึงเสียงดนตรีที่สกปรกและรูปลักษณ์ที่รุงรังของนักดนตรีส่วนใหญ่ ซึ่งต่อต้านภาพลักษณ์ของศิลปินคนอื่นที่ได้รับการดูแลเป็นอย่างดี [225]กรันจ์ผสมผสานองค์ประกอบของฮาร์ดคอร์พังก์และเฮฟวีเมทัลเป็นเสียงเดียว และใช้การบิดเบือน กีตาร์ ฟัซซ์และ ฟีด แบ็กอย่างหนักเนื้อเพลงมักจะไม่แยแสและเต็มไปด้วยความกังวล และมักเกี่ยวข้องกับประเด็นต่างๆ เช่น ความแปลกแยกทางสังคมและการกักขัง แม้ว่ามันจะเป็นที่รู้จักจากอารมณ์ขันที่มืดมนและการล้อเลียนเพลงร็อคเชิงพาณิชย์ก็ตาม [225]

วงดนตรีเช่นGreen River , Soundgarden , MelvinsและSkin Yardเป็นผู้บุกเบิกแนวเพลงดังกล่าว โดยMudhoneyกลายเป็นวงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในปลายทศวรรษ กรันจ์ยังคงเป็นปรากฏการณ์ท้องถิ่นส่วนใหญ่จนถึงปี 1991 เมื่ออัลบั้มNevermind ของ เนอร์วานาประสบความสำเร็จอย่างมาก โดยมีเพลง " Smells Like Teen Spirit " [226]ไม่เป็นไร มีความไพเราะมากกว่ารุ่นก่อน ๆ ด้วยการเซ็นสัญญากับ Geffen Records วงนี้เป็นหนึ่งในกลุ่มแรก ๆ ที่ใช้กลไกการส่งเสริมการขายและการตลาดแบบดั้งเดิมขององค์กร เช่น วิดีโอ MTV การจัดแสดงในร้านค้า และการใช้ "ที่ปรึกษา" ทางวิทยุที่ส่งเสริมการออกอากาศในกระแสหลักที่สำคัญ สถานีหิน ในช่วงปี 1991 และ 1992 อัลบั้มแนวกรันจ์อื่นๆ เช่นPearl Jam 's Ten , Badmotorfinger ของ Soundgarden และAlice in Chains ' Dirtรวม ถึงอัลบั้ม Temple of the Dogที่มีสมาชิกของ Pearl Jam และ Soundgarden กลายเป็นหนึ่งใน 100 อัลบั้มที่มียอดขายสูงสุด [227]ค่ายเพลงรายใหญ่เซ็นสัญญากับวงดนตรีแนวกรันจ์ส่วนใหญ่ที่เหลืออยู่ในซีแอตเทิล ในขณะที่การแสดงที่หลั่งไหลเข้ามาครั้งที่สองย้ายไปยังเมืองด้วยความหวังที่จะประสบความสำเร็จ อย่างไรก็ตามด้วยการเสียชีวิตของเคิร์ต โคเบนและการเลิกราของเนอร์วานาในปี พ.ศ. 2537 ปัญหาการทัวร์คอนเสิร์ตของเพิร์ลแจม และการจากไปของ เลย์น สเตลีย์ นักร้องนำวง Alice in Chains ในปี พ.ศ. 2541 แนวเพลงดังกล่าวเริ่มลดลง ส่วนหนึ่งมาจาก ถูกบดบังด้วยบริตป๊อปและโพสต์กรันจ์ที่ ฟังดูเชิงพาณิชย์มาก ขึ้น [229]

บริทป็อป

ภาพถ่ายสีของ Noel และ Liam Gallagher จากวง Oasis บนเวที
โอเอซิสแสดงในปี 2548

บริตป็อปถือกำเนิดขึ้นจากวงการอัลเทอร์เนทีฟร็อกของอังกฤษในช่วงต้นทศวรรษ 1990 และโดดเด่นด้วยวงดนตรีที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีกีตาร์ของอังกฤษในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 โดยเฉพาะ The Smiths มี อิทธิพลสำคัญเช่นเดียวกับวงดนตรีของMadchesterซึ่งได้สลายตัวไปในช่วงต้นทศวรรษ 1990 การ เคลื่อนไหวดังกล่าวถูกมองว่าส่วนหนึ่งเป็นปฏิกิริยาต่อต้านกระแสดนตรีและวัฒนธรรมที่มีฐานอยู่ในสหรัฐฯ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1980 และต้นทศวรรษที่ 1990 โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ปรากฏการณ์ กรันจ์และเป็นการยืนยันถึงเอกลักษณ์ร็อกของอังกฤษ [217]บริตป็อปมีสไตล์ที่หลากหลาย แต่มักจะใช้เพลงและท่อนฮุคที่ติดหู นอกเหนือจากเนื้อเพลงที่เกี่ยวข้องกับอังกฤษโดยเฉพาะ และการนำภาพสัญลักษณ์ของ British Invasion ในปี 1960 มาใช้ รวมถึงสัญลักษณ์ของเอกลักษณ์ของอังกฤษที่ mods เคยใช้ก่อนหน้านี้ เปิดตัวในราวปี พ.ศ. 2536 โดยมีกลุ่มต่างๆ เช่นSuedeและBlurตามมาสมทบในไม่ช้า ได้แก่Oasis , Pulp , SupergrassและElasticaซึ่งผลิตอัลบั้มและซิงเกิลที่ประสบความสำเร็จหลายชุด [217]ในขณะที่การแข่งขันระหว่าง Blur และ Oasis ถูกสร้างขึ้นโดยสื่อที่ได้รับความนิยมใน "Battle of Britpop" ซึ่งในตอนแรก Blur ชนะ แต่ Oasis ประสบความสำเร็จในระยะยาวและในระดับนานาชาติมากขึ้น มีอิทธิพลโดยตรงต่อวง Britpop ในภายหลัง เช่นOcean Colour ฉากและกุลาเชกเกอร์ . [231]กลุ่มบริตป็อปนำอัลเทอร์เนทีฟร็อกของอังกฤษเข้าสู่กระแสหลักและสร้างแกนหลักของการเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมของอังกฤษที่ใหญ่กว่าที่รู้จักกันในชื่อCool Britannia แม้ว่าวงดนตรีที่ได้รับความนิยมมากกว่า โดยเฉพาะ Blur และ Oasis จะสามารถเผยแพร่ความสำเร็จทางการค้าในต่างประเทศได้ โดยเฉพาะในสหรัฐอเมริกา [217]

โพสต์กรันจ์

ภาพถ่ายสีของสมาชิก Foo Fighters บนเวทีพร้อมเครื่องดนตรี
Foo Fightersแสดงอะคูสติกโชว์ในปี 2550

คำว่าโพสต์-กรันจ์ได้รับการประกาศเกียรติคุณจากวงดนตรีรุ่นหลังที่ถือกำเนิดขึ้นในกระแสหลักและวงซีแอตเทิลกรันจ์ที่หายไปในเวลาต่อมา วงดนตรีแนวโพสต์กรันจ์เลียนแบบทัศนคติและดนตรีของพวกเขา แต่ใช้เสียงที่เป็นมิตรกับวิทยุมากกว่าในเชิงพาณิชย์ บ่อยครั้งที่พวกเขาทำงานผ่านค่ายเพลงหลักและได้รวมเอาอิทธิพลที่หลากหลายจากจังเกิลป๊อป ป๊อปพังค์ อัลเทอร์เนทีฟเมทัลหรือฮาร์ดร็อค [229]คำว่าโพสต์-กรันจ์แต่เดิมหมายถึงการดูหมิ่น โดยบ่งบอกว่าเป็นเพียงการดัดแปลงทางดนตรี หรือเป็นการตอบโต้เชิงเหยียดหยามต่อการเคลื่อนไหวของหินที่ "แท้จริง" [233]เดิมที วงดนตรีกรันจ์ที่เกิดขึ้นเมื่อกรันจ์เป็นกระแสหลักและถูกสงสัยว่าเลียนแบบเสียงกรันจ์นั้นถูกมองว่าเป็นโพสต์กรันจ์ ตั้งแต่ปี 1994วงใหม่ของDave Grohlอดีตมือกลองของ Nirvana อย่าง The Foo Fightersได้ช่วยทำให้แนวเพลงเป็นที่นิยมและกำหนดพารามิเตอร์ของมัน [234]

วงโพสต์กรันจ์บางวง เช่นCandleboxมาจากซีแอตเติล แต่แนวเพลงย่อยนี้ถูกทำเครื่องหมายด้วยฐานทางภูมิศาสตร์ของกรันจ์ที่กว้างขึ้น โดยมีวงอย่างAudioslave ของลอสแองเจลิส และ Collective Soulของจอร์เจีย และนอกเหนือจากสหรัฐอเมริกาไปจนถึง SilverchairของออสเตรเลียและBush ของอังกฤษ ซึ่งต่างก็ยกให้โพสต์กรันจ์เป็นหนึ่งในแนวเพลงย่อยที่มีศักยภาพในเชิงพาณิชย์มากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1990 แต่อัลบั้มปี 1995 ของศิลปินเดี่ยวหญิงAlanis Morissette Jagged Little Pillซึ่งถูกระบุว่าเป็นโพสต์กรันจ์ก็กลายเป็นเพลงฮิตระดับแพลตตินัมเช่นกัน [235]โพสต์กรันจ์เปลี่ยนไปในช่วงปลายทศวรรษ 1990 เมื่อวงโพสต์กรันจ์อย่างCreedและNickelbackถือกำเนิดขึ้น [233]วงดนตรีอย่าง Creed และ Nickelback ก้าวเข้าสู่ยุคโพสต์กรันจ์ในศตวรรษที่ 21 โดยประสบความสำเร็จทางการค้าอย่างมาก โดยละทิ้งความกังวลใจและความโกรธเกรี้ยวของการเคลื่อนไหวดั้งเดิมส่วนใหญ่ไปใช้กับเพลงชาติ เรื่องเล่า และเพลงโรแมนติกแบบดั้งเดิม การ แสดงรวมถึงShinedown , Seether , 3 Doors DownและPuddle of Mudd [233]

ป๊อปพังก์

ภาพถ่ายสีของสมาชิกวง Green Day บนเวทีพร้อมเครื่องดนตรี
Green Dayแสดงในปี 2013

ต้นกำเนิดของป๊อปพังก์ยุค 90 สามารถเห็นได้จากวงดนตรีแนวเพลงของขบวนการพังก์ยุค 70 เช่นBuzzcocks and the Clashการแสดงคลื่นลูกใหม่ที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ เช่นJam and the Undertonesและองค์ประกอบที่ได้รับอิทธิพลจากฮาร์ดคอร์ของอัลเทอร์เนทีฟร็อก ในปี 1980 [236]ป๊อปพังก์มีแนวโน้มที่จะใช้ท่วงทำนองแบบพาวเวอร์ป๊อปและการเปลี่ยนคอร์ดด้วยจังหวะพังก์ที่รวดเร็วและกีตาร์ที่ดัง ดนตรีพังค์เป็นแรงบันดาลใจให้กับวงดนตรีในแคลิฟอร์เนียบางวงในค่ายเพลงอิสระในช่วงต้นทศวรรษ 1990 รวมถึงRancid , Pennywise , Weezer และ Green Day [236]ในปี 1994 Green Day ย้ายไปค่ายเพลงใหญ่และผลิตอัลบั้มDookieซึ่งพบกลุ่มวัยรุ่นใหม่ ผู้ชมส่วนใหญ่ และพิสูจน์ให้เห็นถึงความสำเร็จในการขายเครื่องเพชรอย่างน่าประหลาดใจ นำไปสู่ชุดของซิงเกิ้ลฮิต รวมถึงเพลงฮิตอันดับ 2 ในสหรัฐอเมริกา ในไม่ ช้าพวกเขาก็ตามมาด้วยการเปิดตัวบาร์นี้จาก Weezerซึ่งสร้างสามอันดับแรกของซิงเกิ้ลในสิบอันดับแรกในสหรัฐอเมริกา [238]ความสำเร็จนี้เปิดประตูสู่ยอดขายระดับมัลติแพลตตินัมของวงเมทัลลิกพังก์The Offspring with Smash (1994) คลื่นลูกแรกของป๊อปพังก์ถึงจุดสูงสุดในเชิงพาณิชย์ด้วยเพลง Green Day's Nimrod (1997) และ Americanaของ Offspring (1998)[239]

กระแสป๊อปพังก์ระลอกที่สองนำโดยBlink-182กับอัลบั้มใหม่Enema of the State (1999) ตามมาด้วยวงอย่างGood Charlotte , Simple PlanและSum 41ที่ใช้อารมณ์ขันในวิดีโอของพวกเขาและมี โทนเสียงที่เป็นมิตรกับวิทยุมากขึ้นในขณะที่ยังคงรักษาความเร็ว ทัศนคติบางอย่าง และแม้แต่รูปลักษณ์ของพังก์ยุค 1970 [236]วงดนตรีป๊อปพังก์ยุคต่อมา รวมถึงAll Time Low , All-American RejectsและFall Out Boyมีแนวเสียงที่เรียกได้ว่าใกล้เคียงกับแนวฮาร์ดคอร์ในยุค 1980 ในขณะที่ยังคงประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ [236]

อินดี้ร็อก

รูปถ่ายขาวดำของสมาชิกห้าคนของกลุ่ม Pavement ยืนอยู่หน้ากำแพงอิฐ
Pavementวงอินดี้ร็อกแนว Lo-fi

ในช่วงปี 1980 คำว่าอินดี้ร็อกและอัลเทอร์เนทีฟร็อกถูกใช้แทนกันได้ ในช่วง กลางทศวรรษที่ 1990 เนื่องจากองค์ประกอบของการเคลื่อนไหวเริ่มดึงดูดความสนใจกระแสหลัก โดยเฉพาะอย่างยิ่ง กรันจ์ และบริตป็อป โพสต์-กรันจ์ และป๊อปพังก์ คำว่า อัลเทอร์เนทีฟ เริ่มหมดความหมายไป วงดนตรีเหล่านั้นตามโครงร่างเชิงพาณิชย์น้อยกว่าของฉากนั้นถูกอ้างถึงมากขึ้นโดยค่ายเพลงอินดี้ ลักษณะเฉพาะของพวกเขาพยายามที่จะควบคุมอาชีพของพวกเขาโดยการปล่อยอัลบั้มของตัวเองหรือค่ายเพลงอิสระขนาดเล็ก ในขณะที่อาศัยการทัวร์ การบอกปากต่อปาก และการออกอากาศทางสถานีวิทยุอิสระหรือของวิทยาลัยเพื่อการโปรโมต [240]แนวดนตรีแนวอินดี้ร็อคที่เชื่อมโยงกันด้วยแนวเพลงแนวร๊อคมากกว่าแนวทางดนตรีนั้นรวมเอาสไตล์ที่หลากหลาย ตั้งแต่วงดนตรีแนวฮาร์ดคอร์ที่ได้รับอิทธิพลจากกรันจ์อย่างCranberriesและSuperchunkไปจนถึงวงดนตรีแนวทดลองทำเองอย่างPavementไปจนถึงพังก์ นักร้อง พื้นบ้านเช่นAni DiFranco มีการตั้งข้อสังเกตว่าอินดี้ร็อกมีศิลปินหญิงในสัดส่วนที่ค่อนข้างสูงเมื่อเทียบกับแนวเพลงร็อกก่อนหน้า ซึ่งเป็นแนวโน้มที่แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนจากการพัฒนาเพลงRiot grrrl ที่มี เนื้อหา เกี่ยวกับสตรีนิยม [241]หลายประเทศได้พัฒนาอินดี้ ในท้องถิ่นอย่างกว้างขวางฉากเฟื่องฟูกับวงดนตรีที่มีความนิยมมากพอที่จะอยู่รอดในประเทศนั้น ๆ แต่ภายนอกแทบไม่รู้จักเลย [242]

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1990 กลุ่มย่อยที่เป็นที่รู้จักจำนวนมาก ส่วนใหญ่มีต้นกำเนิดในช่วงปลายทศวรรษที่ 1980 การเคลื่อนไหวทางเลือก ถูกรวมไว้ภายใต้ร่มของอินดี้ Lo-fi ละทิ้งเทคนิคการบันทึก แบบขัดเกลาสำหรับแนว DIY และเป็นผู้นำโดยBeck , SebadohและPavement [216]ผลงานของTalk TalkและSlintช่วยสร้างแรงบันดาลใจให้กับทั้งโพสต์ร็อก ซึ่งเป็นแนวทดลองที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีแจ๊สและอิเล็กทรอนิกส์บุกเบิกโดยBark Psychosisและนำมาซึ่งการแสดงเช่นTortoise , StereolabและLaika , [243] [244]เช่นเดียวกับการนำไปสู่หินคณิตศาสตร์ที่หนาแน่นและซับซ้อนมากขึ้นซึ่งพัฒนาโดยนักแสดงเช่นPolvoและChavez [245]สเปซร็อคมองย้อนกลับไปที่รากเหง้าของโปรเกรสซีฟ ด้วยการแสดงที่หนักแน่นและเรียบง่ายแบบโดรนอย่างSpacemen 3ทั้งสองวงสร้างขึ้นจากการแยกวงSpectrumและSpiritualizedและกลุ่มต่อมารวมถึงFlying Saucer Attack , Godspeed You! จักรพรรดิดำและควิก สเป ซ ในทางตรงกันข้ามSadcoreเน้นความเจ็บปวดและความทุกข์ทรมานผ่านการใช้เครื่องดนตรีอะคูสติกและอิเล็กทรอนิกส์อย่างไพเราะในดนตรีของวงดนตรีเช่นAmerican Music ClubและRed House Painters [ 247]ในขณะที่การคืนชีพของป๊อปบาโรกมีปฏิกิริยาต่อต้านดนตรีแนวโลไฟและดนตรีแนวทดลองโดยเน้นที่ทำนองและเครื่องดนตรีคลาสสิก โดยมีศิลปินอย่างArcade Fire , Belle and SebastianและRufus Wainwright [248]

อัลเทอร์เนทีฟเมทัล แร็พร็อก และนูเมทัล

อัลเทอร์เนทีฟเมทัลถือกำเนิดขึ้นจากแนวฮาร์ดคอร์ของอัลเทอร์เนทีฟร็อกในสหรัฐอเมริกาช่วงปลายทศวรรษ 1980 แต่ได้รับความนิยมในวงกว้างขึ้นหลังจากที่กรันจ์กลายเป็นกระแสหลักในช่วงต้นทศวรรษ 1990 วงอัลเทอร์เนทีฟเมทั ลในยุคแรก ๆ ได้ผสมผสานแนวเพลงที่หลากหลายเข้ากับแนวเพลงฮาร์ดคอร์และเฮฟวีเมทัล โดยมีการแสดงอย่างJane's AddictionและPrimusโดยใช้โปรเกรสซีฟร็อกSoundgardenและCorrosion of Conformityโดยใช้การาจพังก์พระเยซู LizardและHelmetผสมเสียงร็อกระทรวงและNine Inch Nails ที่ ได้รับอิทธิพลจากดนตรี แนวอินดัสเทรียล อย่างMonster Magnetย้ายไปแนวไซคีเดเลีย Pantera Sepultura และ White Zombieสร้าง แนวเพลงแนว Grooveขณะที่Biohazard , Limp BizkitและFaith No Moreหันมาเล่นฮิปฮอปและแร็พ [249]

ภาพถ่ายสีของสมาชิกวง Linkin Park ที่แสดงบนเวทีและกลางแจ้ง
Linkin Park แสดงที่ Sonisphere Festival 2009 ในเมืองPoriประเทศฟินแลนด์

ฮิปฮอปได้รับความสนใจจากการแสดงร็อคในช่วงต้นทศวรรษ 1980 รวมถึง Clash with " The Magnificent Seven " (1980) และ Blondie with " Rapture " (1980) [250] [251]การแสดงครอสโอเวอร์ในยุคแรก ได้แก่Run DMCและBeastie Boys Esham แร็ปเปอร์ ชาวดีทรอยต์กลายเป็นที่รู้จักจากสไตล์ [253] [254]แร็ปเปอร์ที่สุ่มตัวอย่างเพลงร็อค ได้แก่Ice-T , the Fat Boys , LL Cool J , Public EnemyและWhodini. การ ผสมผสานระหว่างแทรชเมทัลและแร็พริเริ่มโดยแอ นแทรกซ์ในซิงเกิล " I'm the Man " ที่ได้รับอิทธิพลจากคอมเมดี้ในปี 1987 [255]

ในปี 1990 Faith No Moreเข้าสู่กระแสหลักด้วยซิงเกิล " Epic " ซึ่งมักถูกมองว่าเป็นการผสมผสานระหว่างเฮฟวีเมทัลกับแร็พที่ประสบความสำเร็จอย่างแท้จริงเป็นครั้งแรก สิ่งนี้เป็นการปูทางไปสู่ความสำเร็จของวงดนตรีที่มีอยู่แล้วอย่าง24-7 SpyzและLiving Colourและการแสดงใหม่รวมถึงRage Against the MachineและRed Hot Chili Peppersที่ผสมผสานดนตรีร็อกและฮิปฮอปเข้ากับอิทธิพลอื่นๆ [255] [257]ในบรรดานักแสดงคลื่นลูกแรกที่ประสบความสำเร็จกระแสหลักในฐานะแร็พร็อก ได้แก่311 , [258] Bloodhound Gang , [259]และKid Rock[260]แนวเพลงที่เป็นเมทัลมากขึ้น -นูเมทัล  - ถูกไล่ตามโดยวงต่างๆ เช่นLimp Bizkit , Kornและ Slipknot [255]ต่อมาในทศวรรษ สไตล์นี้ซึ่งมีส่วนผสมระหว่างกรันจ์ พังก์ เมทัล แร็พ และเทิร์นเทเบิลสแครชทำให้เกิดกระแสของวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จอย่างลิงคินพาร์ก , PODและ Staindซึ่งมักถูกจำแนกว่าเป็นแร็พเมทัลหรือนูเมทัล ซึ่งกลุ่มแรกเป็นวงดนตรีประเภทที่ขายดีที่สุด [261]

ในปี 2544 นูเมทัลถึงจุดสูงสุดด้วยอัลบั้มเช่น Staind's Break the Cycle , POD's Satellite , Slipknot's IowaและLinkin Park's Hybrid Theory วงใหม่ก็เกิดขึ้นเช่นDisturbed , GodsmackและPapa Roachซึ่งค่ายเพลงใหญ่Infestกลายเป็นเพลงฮิตระดับแพลตตินัม [262]อัลบั้มที่ห้าที่รอคอยมานานของ Korn Untouchablesและอัลบั้มที่สองของ Papa Roach Lovehatetragedyขายไม่ดีเท่ากับผลงานที่ออกมาก่อนหน้านี้ ในขณะที่วงนูเมทัลเปิดฟังบ่อยขึ้นตามสถานีวิทยุร็อค และMTVเริ่มเน้นไปที่ป๊อปพังก์และอีโม [263]ตั้งแต่นั้นมา วงดนตรีหลายวงได้เปลี่ยนไปใช้ซาวด์ดนตรีแบบฮาร์ดร็อก เฮฟวีเมทัล หรืออิเล็กทรอนิกส์ [263]

โพสต์บริทป็อป

ทราวิสในปี 2550

ตั้งแต่ประมาณปี 1997 เป็นต้นมา เมื่อความไม่พอใจเพิ่มขึ้นกับแนวคิดของ Cool Britannia และกระแสบริทป็อปเริ่มสลายไป วงดนตรีที่เกิดขึ้นใหม่เริ่มหลีกเลี่ยงค่ายเพลงบริทป็อปในขณะที่ยังคงผลิตเพลงที่มาจากแบรนด์นี้ [264] [265]วงดนตรีเหล่านี้หลายวงมักจะผสมผสานองค์ประกอบของร็อกดั้งเดิมของอังกฤษ (หรือ แทรดร็อกของอังกฤษ) [266]โดยเฉพาะอย่างยิ่ง The Beatles, Rolling Stones และSmall Faces , [267]ที่มีอิทธิพลจากอเมริกา รวมถึงโพสต์กรันจ์ [268] [269]ดึงมาจากทั่วทั้งสหราชอาณาจักร (โดยมีวงดนตรีสำคัญหลายวงเกิดขึ้นจากทางเหนือของอังกฤษ สกอตแลนด์ เวลส์ และไอร์แลนด์เหนือ) ธีมของดนตรีของพวกเขามักจะเน้นไปที่ชีวิตชาวอังกฤษ อังกฤษ และลอนดอนน้อยลง และครุ่นคิดมากกว่าที่เคยเป็นมา กรณีที่มี Britpop อยู่ที่ความสูง [270] [271]สิ่งนี้ นอกเหนือจากความตั้งใจมากขึ้นที่จะมีส่วนร่วมกับสื่อมวลชนและแฟน ๆ ชาวอเมริกันแล้ว อาจช่วยให้พวกเขาบางคนประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติ [272]

วงดนตรีแนวโพสต์บริตป็อปถูกมองว่านำเสนอภาพลักษณ์ของร็อคสตาร์ในฐานะคนธรรมดา และดนตรีที่ไพเราะมากขึ้นของพวกเขาก็ถูกวิจารณ์ว่าไร้เหตุผลหรือผิดเพี้ยนไป [273]วงโพสต์บริตป็อปอย่างTravisจากThe Man Who (1999), StereophonicsจากPerformance and Cocktails (1999), FeederจากEcho Park (2001) และโดยเฉพาะColdplayจากอัลบั้มเปิดตัวParachutes(พ.ศ. 2543) ประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติในวงกว้างมากกว่ากลุ่มบริตป็อปส่วนใหญ่ที่เคยมีมาก่อน และเป็นการแสดงที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากที่สุดช่วงปลายทศวรรษ 1990 และต้นทศวรรษ 2000 โดยอาจกล่าวได้ว่าเป็นตัวเปิดสำหรับการฟื้นฟูการาจร็อก ในภายหลัง และภายหลัง การฟื้นฟูพังค์ซึ่งถูกมองว่าเป็นปฏิกิริยาต่อแบรนด์ร็อคที่ครุ่นคิด [269] [274] [275] [276]

โพสต์ฮาร์ดคอร์และอีโม

แนวหลังฮาร์ดคอร์พัฒนาขึ้นในสหรัฐอเมริกา โดยเฉพาะในเขตชิคาโกและวอชิงตัน ดี.ซี. ในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษ 1980 โดยมีวงดนตรีที่ได้รับแรงบันดาลใจจากแนวดนตรีแบบทำเองและเล่นกีตาร์หนักๆ ของฮาร์ดคอร์พังก์ แต่ได้รับอิทธิพลจาก โดยโพสต์พังก์ ใช้รูปแบบเพลงที่ยาวขึ้น โครงสร้างดนตรีที่ซับซ้อนมากขึ้น และบางครั้งสไตล์เสียงร้องที่ไพเราะมากขึ้น [277]

อีโมยังเกิดขึ้นจากฉากแนวฮาร์ดคอร์ในวอชิงตัน ดี.ซี. ในช่วงปี 1980 โดยเริ่มแรกใช้ชื่อว่า "อีโมคอร์" ซึ่งใช้เป็นคำศัพท์เพื่ออธิบายถึงวงดนตรีที่ชื่นชอบเสียงร้องที่แสดงออกอย่างชัดเจนมากกว่าสไตล์การเห่าที่เกรี้ยวกราดและรุนแรง ฉากอีโมในยุคแรกดำเนินการเป็นแบบใต้ดินโดยมีวงดนตรีอายุสั้นปล่อยแผ่นเสียงไวนิลขนาดเล็กบนฉลากอิสระขนาดเล็ก Emoเข้าสู่วัฒนธรรมกระแสหลักในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ด้วยความสำเร็จในการขายระดับแพลตตินัมของBleed American ของ Jimmy Eat World (2544) และDashboard Confessionalเรื่องThe Places You Have Come to Fear the Most (2546) [279]อีโมใหม่นี้มีกระแสหลักมากกว่าในช่วงทศวรรษที่ 1990 และดึงดูดใจวัยรุ่นได้มากกว่ารูปแบบก่อนหน้า ในเวลาเดียวกัน การใช้คำว่า emo ขยายออกไปนอกเหนือไปจากแนวดนตรี โดยเกี่ยวข้องกับแฟชั่น ทรงผม และดนตรีใดๆ ก็ตามที่แสดงอารมณ์ ในปี 2546วงดนตรีแนวโพสต์ฮาร์ดคอร์ก็ได้รับความสนใจจากค่ายเพลงรายใหญ่และเริ่มประสบความสำเร็จในชาร์ตอัลบั้ม [ ต้องการอ้างอิง ]วงดนตรีเหล่านี้จำนวนหนึ่งถูกมองว่าเป็นหน่อที่ก้าวร้าวมากกว่าของอีโม [281]

การฟื้นฟูการาจร็อกและโพสต์พังก์

ภาพถ่ายสีของสมาชิกกลุ่มที่ Strokes แสดงบนเวที
The Strokesแสดงในปี 2549

ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 วงดนตรีกลุ่มใหม่ซึ่งเล่นกีตาร์ร็อกในเวอร์ชันแบบเปลือยเปล่าและกลับสู่พื้นฐาน ได้กลายเป็นกระแสหลัก พวกเขามีลักษณะที่หลากหลายโดยเป็นส่วนหนึ่งของการาจร็อก โพสต์พังก์ หรือ การฟื้นฟูนิ เวฟ [282] [283] [284] [285]เนื่องจากวงดนตรีมาจากทั่วโลก อ้างถึงอิทธิพลที่หลากหลาย (จากเพลงบลูส์ดั้งเดิม ผ่านคลื่นลูกใหม่ไปจนถึงกรันจ์) และนำสไตล์การแต่งตัวที่แตกต่างกันมาใช้ ความสามัคคีของพวกเขาในฐานะแนวเพลงจึงได้รับ โต้แย้ง มีความพยายามที่จะรื้อฟื้นการาจร็อกและองค์ประกอบของพังก์ในช่วงทศวรรษที่ 1980 และ 1990 และในปี 2000 ฉากต่างๆ ก็เติบโตขึ้นในหลายประเทศ [287]

ความก้าวหน้าทางการค้าจากฉากเหล่านี้นำโดยวงดนตรี 4 วง: the Strokesซึ่งโผล่ออกมาจากฉากในคลับในนิวยอร์กด้วยอัลบั้มIs This It (2544); the White Stripesจากดีทรอยต์กับอัลบั้มที่สามWhite Blood Cells (2544); ลมพิษจากสวีเดนหลังจากอัลบั้มรวมเพลงYour New Favorite Band (2544); และเถาองุ่นจากออสเตรเลียที่มีวิวัฒนาการสูง (2545) สื่อตั้งชื่อพวกเขาว่าวง "The" และขนานนามว่า "The Saviors of Rock 'n' Roll" ซึ่งนำไปสู่การกล่าวหาว่าโฆษณาเกินจริง [289]วงดนตรีระลอกที่สองที่ได้รับการยอมรับในระดับสากลเนื่องจากการเคลื่อนไหว ได้แก่Black Rebel Motorcycle Club , the Killers , Interpol and Kings of Leonจากสหรัฐอเมริกา , [290] the Libertines , Arctic Monkeys , Bloc Party , Kaiser ChiefsและFranz Ferdinandจาก the สหราชอาณาจักร[291] เจ็ตจากออสเตรเลีย[292]และDatsunsและD4จากนิวซีแลนด์ [293]

ดิจิตอล อิเล็กทรอนิกส์ ร็อค

ในช่วงทศวรรษที่ 2000 เมื่อเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์สามารถเข้าถึงได้มากขึ้นและซอฟต์แวร์เพลงก็ก้าวหน้าขึ้น จึงเป็นไปได้ที่จะสร้างเพลงคุณภาพสูงโดยใช้คอมพิวเตอร์แล็ปท็อปเพียงเครื่องเดียว ซึ่งส่งผลให้จำนวนเพลงอิเล็กทรอนิกส์ที่ผลิตเองที่บ้านมีเพิ่มขึ้นอย่างมากสำหรับประชาชนทั่วไปผ่านทางอินเทอร์เน็ตที่ขยายตัว[295]และการแสดงรูปแบบใหม่ เช่นlaptronica [ 294 ]และการเข้ารหัสสด [296]เทคนิคเหล่านี้เริ่มใช้กับวงดนตรีที่มีอยู่แล้วและโดยการพัฒนาแนวเพลงที่ผสมผสานร็อคเข้ากับเทคนิคและเสียงแบบดิจิทัล รวมถึงอินดี้อิเล็กทรอนิกส์ , อิ เล็กโทรแคลช , แดนซ์พังก์และคลั่งไคล้ใหม่ [ จำเป็นต้องอ้างอิง ]

พ.ศ. 2553–2563

ความเกี่ยวข้องหลักที่ลดลง

ในช่วงปี 2010 ดนตรีร็อคได้รับความนิยมจากกระแสหลักและความเกี่ยวข้องทางวัฒนธรรมที่ลดลง และในปี 2017 ดนตรีฮิปฮอปได้แซงหน้าแนวเพลงที่มีผู้ชมมากที่สุดในสหรัฐอเมริกา [297]นักวิจารณ์ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษสังเกตเห็นความนิยมที่ลดลงของแนวเพลงโดยอ้างถึงความนิยมของฮิปฮอป[298] ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์แดนซ์ , [299]การเพิ่มขึ้นของการสตรีมและการกำเนิดของเทคโนโลยีที่เปลี่ยนแนวทางไปสู่ดนตรี สร้างเป็นปัจจัย. [300]นกกระทาเคนแห่งอัจฉริยะชี้ให้เห็นว่าฮิปฮอปได้รับความนิยมมากขึ้นเพราะเป็นแนวเพลงที่มีการเปลี่ยนแปลงมากขึ้นและไม่จำเป็นต้องพึ่งพาเสียงในอดีต และมีความเกี่ยวข้องโดยตรงกับการลดลงของดนตรีร็อคและทัศนคติทางสังคมที่เปลี่ยนไปในช่วงปี 2010 [298]บิลล์ ฟลานาแกน ในความเห็นของThe New York Times ในปี 2559 เปรียบเทียบสถานะของร็อคในช่วงเวลานี้กับสถานะของดนตรีแจ๊สในช่วงต้นทศวรรษ 1980 โดย "ช้าลงและมองย้อนกลับไป" [301] Viceแนะนำว่าความนิยมที่ลดลงนี้จะเป็นประโยชน์ต่อแนวเพลงโดยดึงดูดคนนอกด้วย "สิ่งที่ต้องพิสูจน์และไม่มีอะไรให้ได้รับ" [302]

แม้ว่าความนิยมกระแสหลักจะลดลง แต่วงร็อคบางวงและบางกลุ่มยังคงประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องในช่วงปี 2010 และ 2020 รวมถึงTool , [303] Fall Out Boy, [299] Greta Van Fleet , [304] Panic! ที่ดิสโก้ , [305] Twenty One Pilots , [305] Walk the Moon , [305] โปรตุเกส The Man , [305] the Black Keys , [305] Avenged Sevenfold ., [306] Dreamcatcher [307]และFoo Fighters [308]

ผลกระทบของการระบาดใหญ่ของ COVID-19

ท่ามกลางการแพร่ระบาดของโควิด-19ไวรัสได้นำการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่มาสู่แวดวงร็อคทั่วโลก ข้อจำกัด เช่น กฎ การกักกันทำให้เกิดการยกเลิกและเลื่อนคอนเสิร์ต ทัวร์ เทศกาล การออกอัลบั้ม พิธีมอบรางวัล และการแข่งขันอย่างกว้างขวาง [309] [310] [311] [312] [313]ศิลปินบางคนหันไปใช้การแสดงออนไลน์เพื่อรักษาอาชีพของพวกเขา [314]อีกแผนหนึ่งเพื่อหลีกเลี่ยงข้อจำกัดการกักกันถูกนำมาใช้ในคอนเสิร์ตของนักดนตรีร็อคชาวเดนมาร์กMads Langer : ผู้ชมดูการแสดงจากในรถของพวกเขา เหมือนกับในโรงภาพยนตร์ [315]ในทางดนตรี การระบาดใหญ่นำไปสู่การเปิดตัวเพลงใหม่จากแนวเพลงร็อกที่ช้าลง มีพลังน้อยลง และอะคูสติกมากขึ้น [316] [317]อุตสาหกรรมระดมทุนเพื่อช่วยเหลือตัวเองผ่านความพยายามเช่น Crew Nation ซึ่งเป็นกองทุนบรรเทาทุกข์สำหรับทีมงานดนตรีสดที่จัดโดยLivenation [318]

การคืนชีพของป๊อปพังก์และโพสต์พังก์

ในช่วงต้นทศวรรษ 2020 ศิลปินเพลงทั้งเพลงป๊อปและแร็พได้ปล่อยเพลงป๊อปพังก์ยอดนิยม ซึ่งหลายคนโปรดิวซ์หรือช่วยเหลือโดยมือกลอง Blink-182 Travis Barker การแสดงเหล่า นี้แสดงถึงการฟื้นตัวในเชิงพาณิชย์สำหรับประเภทนี้ ได้แก่Machine Gun Kelly , Willow Smith , Trippie Redd , Halsey , YungbludและOlivia Rodrigo ความนิยมของแพลตฟอร์มโซเชียลมีเดียTikTokช่วยจุดประกายความคิดถึงสไตล์ดนตรีที่ขับเคลื่อนด้วยความกังวลในหมู่ผู้ฟังวัยรุ่นในช่วงที่มีโรคระบาด หนึ่งในผลงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด ได้แก่ อัลบั้มTickets to My Downfall ของ Machine Gun Kelly ในปี 2020ซึ่งติดอันดับBillboard 200 และซิงเกิลฮิตอันดับหนึ่งของ Rodrigo " Good 4 U " (2021) [319]

ในช่วงกลางถึงปลายปี 2010 และต้นปี 2020 วงโพสต์พังก์คลื่นลูกใหม่จากอังกฤษและไอร์แลนด์ถือกำเนิดขึ้น กลุ่มในฉากนี้ได้รับการอธิบายด้วยคำว่า "Crank Wave" โดยNMEและThe Quietusในปี 2019 และคำว่า "Post- Brexit New Wave" โดยนักเขียนNPR Matthew Perpetuaในปี 2021 [320] [321] [322]ศิลปิน ที่ได้รับการระบุว่าเป็นส่วนหนึ่งของสไตล์ ได้แก่Black Midi , Wet Leg , Squid , Black Country , New Road , Dry Cleaning , Shame , Sleaford Mods , Fontaines DC, The Murder Capital , Idles and Yard Act . [320] [321] [322] [323]ศิลปินแนวโพสต์พังค์ที่มีความโดดเด่นในช่วงปี 2010 และต้นปี 2020 จากประเทศอื่นๆ นอกเหนือจากสหราชอาณาจักร ได้แก่Parquet Courts , Protomartyr and Geese (สหรัฐอเมริกา), Preoccupations (แคนาดา), Iceage ( เดนมาร์ก) และไวอากร้าบอย ส์ (สวีเดน) [324] [325] [326]

ผลกระทบทางสังคม

หินประเภทย่อยต่างๆ ถูกนำมาใช้และกลายเป็นศูนย์กลางของเอกลักษณ์ของวัฒนธรรมย่อย จำนวน มาก ในช่วงทศวรรษที่ 1950 และ 1960 ตามลำดับ เยาวชนชาวอังกฤษรับเอาวัฒนธรรมย่อยของTeddy BoyและRockerซึ่งเกี่ยวข้องกับร็อกแอนด์โรลของสหรัฐฯ [327]วัฒนธรรมต่อต้านของทศวรรษที่ 1960มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับไซเคเดลิกร็อก วัฒนธรรมย่อยของพังก์ช่วงกลางทศวรรษ 1970 เริ่มขึ้นในสหรัฐอเมริกา แต่วิเวียน เวสต์วูด ดีไซเนอร์ชาวอังกฤษได้นำเสนอรูปลักษณ์ที่โดดเด่น ซึ่งเป็นรูปลักษณ์ที่แพร่หลายไปทั่วโลก [328]นอกฉากพังค์GothและEmoวัฒนธรรมย่อยเติบโตขึ้น ซึ่งทั้งสองอย่างนี้นำเสนอรูปแบบภาพที่โดดเด่น [329]

ภาพถ่ายสีแสดงผู้คนจากงาน Woodstock Festival ปี 1969 นั่งบนพื้นหญ้า เบื้องหน้าด้านหลังและชายผิวขาวมองกันและกัน
เทศกาล Woodstockในปี 1969 ถูกมองว่าเป็นการเฉลิมฉลองวิถีชีวิตแบบต่อต้านวัฒนธรรม

เมื่อวัฒนธรรมร็อกสากลพัฒนาขึ้น โรงภาพยนตร์เข้ามาแทนที่แหล่งอิทธิพลทางแฟชั่นที่สำคัญ [330]ขัดแย้งกัน สาวกของดนตรีร็อคมักไม่ไว้วางใจโลกแห่งแฟชั่น ซึ่งถูกมองว่าเป็นภาพที่ยกระดับเหนือเนื้อหา [330]แฟชั่นร็อคถูกมองว่าเป็นการผสมผสานองค์ประกอบของวัฒนธรรมและยุคสมัยต่าง ๆ เช่นเดียวกับการแสดงมุมมองที่แตกต่างในเรื่องเพศและเพศ และโดยทั่วไปแล้วดนตรีร็อคได้รับการกล่าวขวัญและวิพากษ์วิจารณ์ว่าส่งเสริมเสรีภาพทางเพศที่มากขึ้น [330] [331]ร็อคยังเกี่ยวข้องกับการใช้ยาเสพติดในรูปแบบต่าง ๆ รวมถึงแอมเฟตา มีนที่เสพโดย mods ในช่วง ต้นถึงกลางทศวรรษ 1960 ผ่านLSD มอมเมากัญชาและยาหลอนประสาทอื่น ๆ ที่เชื่อมโยงกับหินประสาทหลอนในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 และต้นทศวรรษที่ 1970; และบางครั้งถึงกัญชาโคเคนและเฮโรอีน ซึ่งทั้งหมดนี้ได้รับการสรรเสริญในบทเพลง [332] [333]

ร็อคได้รับเครดิตจากการเปลี่ยนแปลงทัศนคติต่อการแข่งขันโดยการเปิดวัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกันให้กับผู้ชมผิวขาว แต่ในขณะเดียวกัน ร็อคก็ถูกกล่าวหาว่าเป็นผู้ที่เหมาะสมและหาประโยชน์จากวัฒนธรรมนั้น [334] [335]ในขณะที่ดนตรีร็อคได้ดูดซับอิทธิพลมากมายและแนะนำผู้ชมชาวตะวันตกให้รู้จักกับประเพณีทางดนตรีที่แตกต่างกัน[336]การแพร่กระจายของดนตรีร็อคไปทั่วโลกถูกตีความว่าเป็นรูปแบบหนึ่งของลัทธิจักรวรรดินิยมทางวัฒนธรรม [337]ดนตรีร็อกสืบทอดประเพณีพื้นบ้านของเพลงประท้วงโดยสร้างข้อความทางการเมืองในหัวข้อต่าง ๆ เช่น สงคราม ศาสนา ความยากจน สิทธิพลเมือง ความยุติธรรม และสิ่งแวดล้อม [338]การเคลื่อนไหวทางการเมืองถึงจุดสูงสุดในกระแสหลักด้วยซิงเกิ้ล " Do They Know It's Christmas? " (1984) และ คอนเสิร์ต Live Aidสำหรับเอธิโอเปียในปี 1985 ซึ่งในขณะที่ประสบความสำเร็จในการสร้างความตระหนักรู้เกี่ยวกับความยากจนของโลกและเงินทุนสำหรับความช่วยเหลือ ยังถูกวิพากษ์วิจารณ์ (พร้อมกับ เหตุการณ์ที่คล้ายคลึงกัน) เพื่อเป็นเวทีสำหรับการกล่าวโทษตนเองและเพิ่มผลกำไรให้กับร็อคสตาร์ที่เกี่ยวข้อง [339]

นับตั้งแต่การพัฒนาในช่วงแรก ดนตรีร็อคมีความเกี่ยวข้องกับการกบฏต่อบรรทัดฐานทางสังคมและการเมือง เห็นได้ชัดที่สุดในการปฏิเสธวัฒนธรรมที่ผู้ใหญ่ครอบงำโดยร็อกแอนด์โรลในยุคแรก การปฏิเสธของวัฒนธรรมต่อต้านการบริโภคนิยมและความสอดคล้อง และการปฏิเสธของพังก์ต่อรูปแบบการประชุมทางสังคมทุกรูปแบบ อย่างไรก็ตาม [340]ยังอาจถูกมองว่าเป็นวิธีการหาประโยชน์ทางการค้าจากแนวคิดดังกล่าว และเป็นการเบี่ยงเบนความสนใจของเยาวชนจากการดำเนินการทางการเมือง [341] [342]

บทบาทของสตรี

Suzi Quatroเป็นนักร้อง มือเบส และดรัมเมเยอร์ เมื่อเธอเริ่มต้นอาชีพในปี พ.ศ. 2516 เธอเป็นหนึ่งในนักเล่นเครื่องดนตรีและดรัมเมเยอร์หญิงที่มีชื่อเสียงเพียงไม่กี่คน

นักเล่นเครื่องดนตรีหญิงมืออาชีพถือเป็นเรื่องปกติในแนวเพลงร็อก เช่น เฮฟวีเมทัล แม้ว่าวงดนตรีอย่างInside Temptationจะให้ความสำคัญกับผู้หญิงเป็นนักร้องนำโดยมีผู้ชายเล่นเครื่องดนตรี ตามที่ Schaap และ Berkers กล่าวว่า "การเล่นในวงดนตรีเป็นกิจกรรมทางสังคมแบบรักร่วมเพศของผู้ชายเป็นส่วนใหญ่ กล่าวคือ การเรียนรู้ที่จะเล่นในวงดนตรีเป็นประสบการณ์ที่อาศัยเพื่อนเป็นส่วนใหญ่ ... หล่อหลอมโดยเครือข่ายมิตรภาพที่แยกเพศที่มีอยู่[343]พวกเขาสังเกตว่า ดนตรีร็อค "มักถูกกำหนดให้เป็นรูปแบบของการกบฏของผู้ชายกับวัฒนธรรมห้องนอนของผู้หญิง" [344] (ทฤษฎีของ "วัฒนธรรมห้องนอน" ให้เหตุผลว่าสังคมมีอิทธิพลต่อเด็กผู้หญิงไม่ให้มีส่วนร่วมในอาชญากรรมและความเบี่ยงเบนโดยแทบ ดักพวกมันไว้ในห้องนอน มันถูกพัฒนาโดยนักสังคมวิทยาชื่อAngela McRobbie.) ในเพลงยอดนิยม มี "ความแตกต่างระหว่างเพศระหว่างการมีส่วนร่วมของสาธารณะ (ชาย) และส่วนตัว (หญิง)" ในดนตรี [344] "นักวิชาการหลายคนแย้งว่าผู้ชายกีดกันผู้หญิงออกจากวงดนตรีหรือจากการซ้อมของวงดนตรี การบันทึก การแสดง และกิจกรรมทางสังคมอื่นๆ" [345] "ผู้หญิงส่วนใหญ่มองว่าเป็นผู้บริโภคที่เฉื่อยชาและเป็นส่วนตัวของดนตรีป๊อปที่ถูกกล่าวหาว่าเนียน สำเร็จรูป ดังนั้นด้อยกว่า - ดนตรีป๊อป ... โดยไม่รวมพวกเธอจากการเข้าร่วมในฐานะนักดนตรีร็อคที่มีสถานะสูง" [345]เหตุผลหนึ่งที่ไม่ค่อยมีวงดนตรีหลากหลายทางเพศคือ "วงดนตรีทำงานเป็นหน่วยที่แน่นแฟ้นซึ่งความเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกันของสังคมรักร่วมเพศ - ความผูกพันทางสังคมระหว่างคนเพศเดียวกัน ... - มีบทบาทสำคัญ" [345]ในยุค 60 เพลงร็อค "บางครั้งการร้องเพลงเป็นงานอดิเรกที่ยอมรับได้สำหรับเด็กผู้หญิง แต่การเล่นเครื่องดนตรี ... ยังไม่เสร็จ" [346]

"การกบฏของดนตรีร็อคส่วนใหญ่เป็นการกบฏของผู้ชาย ผู้หญิง - บ่อยครั้งในทศวรรษที่ 1950 และ 60 เด็กผู้หญิงที่อยู่ในช่วงวัยรุ่น - ในร็อคมักจะร้องเพลงเป็นตัวละครที่ขึ้นอยู่กับแฟนผู้ชายของพวกเขา ... " Philip Auslander กล่าวว่า "แม้ว่าช่วงปลายทศวรรษ 1960 จะมีผู้หญิงมากมายในวงการเพลงร็อก แม้ว่าผู้หญิงบางคนจะเล่นเครื่องดนตรีในวงดนตรีการาจร็อกหญิงล้วนของ อเมริกา แต่ก็ไม่มีวงดนตรีใดประสบความสำเร็จมากไปกว่าความสำเร็จระดับภูมิภาค ดังนั้นพวกเขาจึง "ไม่ได้จัดเตรียมแม่แบบสำหรับการมีส่วนร่วมอย่างต่อเนื่องของผู้หญิงในเพลงร็อก" [347]เกี่ยวกับองค์ประกอบทางเพศของวงดนตรีเฮฟวีเมทัลมีการกล่าวว่า ""...อย่างน้อยก็จนถึงกลางทศวรรษที่ 1980" [349]นอกเหนือจาก "...ข้อยกเว้น เช่นGirlschool " [348]อย่างไรก็ตาม "...ตอนนี้ [ในปี 2010] อาจมีผู้หญิงเมทัลที่แข็งแกร่งมากกว่าที่เคยวางตัวเป็นดยุคและลงมือทำ", [350] "แกะสลัก [ing] ออกจากสถานที่ที่สำคัญสำหรับ [พวกเขา ] ตัวเอง" เมื่อSuzi Quatroถือกำเนิดขึ้นในปี พ.ศ. 2516 "ไม่มีนักดนตรีหญิงคนใดที่มีผลงานโดดเด่นคนใดทำงานเพลงร็อกพร้อมกันในฐานะนักร้อง นักเล่นเครื่องดนตรี นักแต่งเพลง และหัวหน้าวง" [347]ตามที่ Auslander กล่าว เธอกำลัง "เตะประตูผู้ชายในแนวร็อกแอนด์โรล และพิสูจน์ว่านักดนตรี หญิง ... และนี่คือจุดที่ผมกังวลอย่างมากเกี่ยวกับ ... สามารถเล่นได้เหมือนกันถ้าไม่เก่งกว่าเด็กๆ" [347]

วงดนตรีหญิงล้วนเป็นกลุ่มดนตรีประเภทต่างๆ เช่น ร็อกและบลูส์ ซึ่งประกอบไปด้วยนักดนตรีหญิงเท่านั้น สิ่งนี้แตกต่างจากเกิร์ลกรุ๊ปที่สมาชิกหญิงเป็นเพียงนักร้อง แม้ว่าคำศัพท์นี้จะไม่ได้รับการปฏิบัติตามในระดับสากลก็ตาม [352]

ดูเพิ่มเติม

หมายเหตุ

  1. คำว่า "ป๊อปร็อก" และ "พาวเวอร์ป๊อป" ถูกนำมาใช้เพื่ออธิบายเพลงที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากขึ้นซึ่งใช้องค์ประกอบหรือรูปแบบของดนตรีร็อก ป็อปร็อกได้รับการนิยามว่าเป็น "ดนตรีร็อกที่มีจังหวะจังหวะสนุกสนานซึ่งแสดงโดยศิลปินเช่น Elton John, Paul McCartney , the Everly Brothers , Rod Stewart , Chicagoและ Peter Frampton " คำว่าพาวเวอร์ป๊อปนั้นตั้งขึ้นโดย Pete Townshend of the Whoในปี 1966 แต่ใช้ไม่มากนักจนกระทั่งมันถูกนำไปใช้กับวงอย่าง Badfingerในปี 1970 ซึ่งพิสูจน์ให้เห็นถึงความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดในยุคนั้น [56]
  2. หลังจากเสียชีวิตลงในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ดูวอปก็ได้รับการฟื้นฟูในช่วงเวลา เดียวกันโดยมีเพลงฮิตอย่าง Marcels , the Capris , Maurice Williams and the Zodiacsและ Shep and the Limelights การเพิ่มขึ้นของเกิร์ ลกรุ๊ปเช่น Chantels , Shirellesและ Crystalsให้ความสำคัญกับการประสานเสียงและการผลิตที่ขัดเกลาซึ่งตรงกันข้ามกับร็อกแอนด์โรลก่อนหน้านี้ [60]เพลงฮิตของเกิร์ลกรุ๊ปที่สำคัญที่สุดคือผลิตภัณฑ์ของ Brill BuildingSound ตั้งชื่อตามบล็อกในนิวยอร์กซึ่งมีนักแต่งเพลงหลายคนอาศัยอยู่ ซึ่งรวมถึงเพลงฮิตอันดับ 1 ของเพลง " Will You Love Me Tomorrow " ของ Shirelles ในปี 1960 ที่เขียนโดยความร่วมมือของGerry GoffinและCarole King [61]
  3. ^ องค์ประกอบทั้งหมดเหล่านี้ รวมทั้งการประสานเสียงที่ใกล้เคียงกันของ doo-wop และวงเกิร์ลกรุ๊ป การแต่งเพลงที่ประดิษฐ์ขึ้นอย่างพิถีพิถันของ Brill Building Soundและคุณค่าการผลิตที่ขัดเกลาของจิตวิญญาณ ถูกมองว่ามีอิทธิพลต่อ เสียง Merseybeatโดยเฉพาะผลงานในยุคแรกๆของ บีทเทิลส์และผ่านพวกเขาในรูปแบบของดนตรีร็อคในภายหลัง [67]
  4. เฉพาะ Beach Boys เท่านั้นที่สามารถรักษาอาชีพสร้างสรรค์ไว้ได้จนถึงกลางทศวรรษ 1960 โดยผลิตซิงเกิลและอัลบั้มฮิตมากมาย รวมถึง Pet Sounds ที่ได้รับการยกย่องอย่างสูง ในปี 1966 ซึ่งทำให้พวกเขาเป็นศิลปินร็อกหรือป๊อปชาวอเมริกันเพียงคนเดียวที่ทำได้ สามารถแข่งขันกับเดอะบีเทิลส์ได้ [71]
  5. ในดีทรอยต์ มรดกของเพลงการาจร็อกยังคงมีชีวิตอยู่จนถึงต้นทศวรรษ 1970 โดยมีวงดนตรีเช่น MC5และ Stoogesซึ่งใช้วิธีการที่ดุดันกว่ามากในการแสดงรูปแบบนี้ วงดนตรีเหล่านี้เริ่มถูกเรียกว่าพังก์ร็อกและปัจจุบันมักจะถูกมองว่าเป็นโปรโตพังก์หรือโปรโตฮาร์ดร็อก [99]

อ้างอิง

  1. ^ "คู่มือ Power Pop: ประวัติโดยย่อของ Power Pop" . มาสเตอร์คลาส 4 มีนาคม 2565 . สืบค้นเมื่อ23 พฤษภาคม 2565 .
  2. อาเซอร์ราด, ไมเคิล (16 เมษายน 2535). "เมืองกรันจ์: ฉากซีแอตเติล" . โรลลิ่งสโตน. สืบค้นเมื่อ2 พฤศจิกายน 2561 .
  3. a b W. E. Studwell and DF Lonergan, The Classic Rock and Roll Reader: Rock Music from its Beginnings to the mid-1970s (Abingdon: Routledge, 1999), ISBN 0-7890-0151-9 p.xi 
  4. ไวแมน, บิล (20 ธันวาคม 2559). "ชัค เบอร์รี เป็นผู้คิดค้นแนวคิดของร็อกแอนด์โรล" . อี แร้งดอท คอม นิวยอร์คมีเดีย, LLC
  5. เจเอ็ม เคอร์ติส, Rock Eras: Interpretations of Music and Society, 1954–1984 (Madison, WI: Popular Press, 1987), ISBN 0-87972-369-6 , หน้า 68–73 
  6. อรรถเป็น แคมป์เบลล์ ไมเคิล; โบรดี, เจมส์ (2550). ร็อกแอนด์โรล: บทนำ (ฉบับที่ 2) เบลมอนต์ แคลิฟอร์เนีย: ทอมสัน เชอร์เมอร์ หน้า  80–81 _ ไอเอสบีเอ็น 978-0-534-64295-2.
  7. RC Brewer, "Bass Guitar", ใน Shepherd, 2003 , p. 56.
  8. ^ R. Mattingly, "Drum Set", ใน Shepherd, 2003 , p. 361.
  9. ^ P. Théberge, Any Sound you can Imagine: Making Music/Consuming Technology (Middletown, CT, Wesleyan University Press, 1997), ISBN 0-8195-6309-9 , หน้า 69–70 
  10. D. Laing, "Quartet", ใน Shepherd, 2003 , p. 56.
  11. อรรถa bc ซี . แอมเมอร์The Facts on File Dictionary of Music (นิวยอร์ก: Infobase, 4th edn., 2004), ISBN 0-8160-5266-2 , pp. 251–52 
  12. แคมป์เบล & โบรดี 2007 , p. 117
  13. ^ J. Covach, "จากงานฝีมือสู่งานศิลปะ: โครงสร้างที่เป็นทางการในดนตรีของเดอะบีทเทิลส์" ในเค. วอแมคและท็อดด์ เอฟ. เดวิส บรรณาธิการการอ่านเดอะบีทเทิลส์: วัฒนธรรมศึกษา การวิจารณ์วรรณกรรม และเดอะแฟบโฟร์ (นิวยอร์ก : SUNY Press, 2549), ISBN 0-7914-6715-5 , p. 40. 
  14. ↑ T. Gracyk, Rhythm and Noise: an Aesthetics of Rock , (ลอนดอน: IB Tauris, 1996), ISBN 1-86064-090-7 , p. สิบเอ็ด 
  15. P. Wicke, Rock Music: Culture, Aesthetics and Sociology (เคมบริดจ์: Cambridge University Press, 1990), ISBN 0-521-39914-9 , px 
  16. คริสเกา, โรเบิร์ต (1981). "ปฐมกาล: ขายอังกฤษด้วยเงินปอนด์" . คู่มือการบันทึกของ Christgau: อัลบั้มร็อคของยุคเจ็ดสิบ ติ๊กเนอร์ & ฟิลด์ . ไอเอสบีเอ็น 0-89919-025-1. สืบค้นเมื่อ16 ตุลาคม 2021 – ผ่าน robertchristgau.com.
  17. อรรถเป็น ค ค Christgau โรเบิร์ต (2524) "ทศวรรษ" . คู่มือการบันทึกของ Christgau: อัลบั้มร็อคของยุคเจ็ดสิบ ติ๊กเนอร์ & ฟิลด์ . ไอเอสบีเอ็น 0-89919-025-1. สืบค้นเมื่อ6 เมษายน 2019 – ผ่าน robertchristgau.com.
  18. ฟาร์เบอร์, แบร์รี่ เอ. (2550). Rock 'n' roll Wisdom: เนื้อเพลงที่ฉลาดหลักแหลมทางจิตวิทยาสอนอะไรเกี่ยวกับชีวิตและความรัก เวสต์พอร์ต, CT: Praeger หน้า xxvi–xxviii. ไอเอสบีเอ็น 978-0-275-99164-7.
  19. อรรถ คริสเกา, โรเบิร์ต ; และอื่น ๆ (2543). แมคคีน, วิลเลียม (เอ็ด). Rock & Roll อยู่ที่นี่เพื่อคง อยู่: Anthology ดับเบิลยูดับเบิลยู นอร์ตัน แอนด์ คอมพานี หน้า  564 –65, 567 ISBN 0-393-04700-8.
  20. ^ แมคโดนัลด์, คริส (2552). ความเร่งรีบ ดนตรีร็อก และชนชั้นกลาง: ความฝันในมิดเดิลทาวน์ Bloomington, IN: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอินเดียนา หน้า 108–09 ไอเอสบีเอ็น 978-0-253-35408-2.
  21. ^ S. Waksman, Instruments of Desire: the Electric Guitar and the Shaping of Musical Experience (เคมบริดจ์, แมสซาชูเซตส์: Harvard University Press, 2001), ISBN 0-674-00547-3 , p. 176. 
  22. ฟริธ, ไซมอน (2550). ฟังเพลงยอดนิยมอย่างจริงจัง: บทความที่ เลือก Aldershot, อังกฤษ: Ashgate Publishing. หน้า 43–44. ไอเอสบีเอ็น 978-0-7546-2679-4.
  23. คริสเกา, โรเบิร์ต (11 มิถุนายน พ.ศ. 2515). "จูนออก,จูนอิน,เปิด" . นิวส์เดย์ . สืบค้นเมื่อ17 มีนาคม 2560 .
  24. a bc d T. Warner, Pop Music: Technology and Creativity: Trevor Horn and the Digital Revolution (Aldershot: Ashgate, 2003), ISBN 0-7546-3132-X , หน้า 3–4 
  25. ↑ R. Beebe, D. Fulbrook and B. Saunders, "Introduction" ใน R. Beebe, D. Fulbrook, B. Saunders, eds, Rock Over the Edge: Transformations in Popular Music Culture (Durham, NC: Duke University Press, 2545), ISBN 0-8223-2900-X , หน้า 7. 
  26. คริสเกา, โรเบิร์ต (1990). "บทนำ: ศีลและรายการฟัง" . คู่มือการบันทึกของ Christgau : ยุค 80 หนังสือแพนธีออน . ไอเอสบีเอ็น 0-679-73015-เอ็กซ์. สืบค้นเมื่อ6 เมษายน 2562 .
  27. R. Unterberger, "Birth of Rock & Roll", in Bogdanov et al., 2002 , pp. 1303–04.
  28. TE Scheurer, American Popular Music: The Age of Rock (Madison, WI: Popular Press, 1989), ISBN 0-87972-468-4 , p. 170. 
  29. ^ "เพลงร็อกแอนด์โรลเพลงแรก" . สดเกี่ยวกับ สืบค้นเมื่อ11 พฤศจิกายน 2565 .
  30. ^ ผู้สร้างดนตรีสมัยใหม่โปรดยืนขึ้นหรือไม่? อเล็กซิส เปตริดิส เดอะการ์เดียน 16 เมษายน 2547
  31. Robert Palmer , "Church of the Sonic Guitar", pp. 13–38 ใน Anthony DeCurtis, Present Tense , Duke University Press , 1992, p. 19.ไอ0-8223-1265-4 
  32. บิล ดาห์ล, "จิมมี่ เพรสตัน" , ออ ลมิวสิค , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อ 20 พฤษภาคม 2559 , สืบค้นเมื่อ 27 เมษายน 2555
  33. อรรถเป็น แคมป์เบล ไมเคิล (2551) เพลงยอดนิยมในอเมริกา: The Beat Goes On (ฉบับที่ 3) บอสตัน, แมสซาชูเซตส์: Cengage Learning หน้า 157–58. ไอเอสบีเอ็น 978-0-495-50530-3.
  34. กิลลิแลนด์ 1969โชว์ 55 แทร็ก 2
  35. พี. บราวน์, The Guide to United States Pop Culture (Madison, WI: Popular Press, 2001), ISBN 0-87972-821-3 , p. 358. 
  36. N. McCormick (24 มิถุนายน 2547), "วันที่เอลวิสเปลี่ยนโลก" , The Telegraph , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 30 เมษายน 2554
  37. ↑ RS Denisoff , WL Schurk, Tarnished Gold: the Record Industry Revisited (นิวบรันสวิก, นิวเจอร์ซีย์: Transaction, 3rd edn., 1986), ISBN 0-88738-618-0 , p. 13. 
  38. "Rockabilly" , Allmusic , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 11 กุมภาพันธ์ 2554.
  39. ลูเซโร, มาริโอ เจ. (3 มกราคม 2020). "ปัญหาเกี่ยวกับวิธีการที่อุตสาหกรรมการสตรีมเพลงจัดการกับข้อมูล" . ควอตซ์_ สืบค้นเมื่อ14 กุมภาพันธ์ 2563 .
  40. a b R. Shuker, Popular Music: the Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X , p. 35. 
  41. กิลลิแลนด์ 1969 , แสดง 5, แทร็ก 3.
  42. กิลลิแลนด์ 1969 , แสดง 13.
  43. a b R. Unterberger, "Doo Wop", in Bogdanov et.al., 2002 , หน้า 1306–07.
  44. เจเอ็ม เคอร์ติส, Rock Eras: Interpretations of Music and Society, 1954–1984 (Madison, WI: Popular Press, 1987), ISBN 0-87972-369-6 , p. 73. 
  45. ^ เดวิส, แลนซ์. "Get It Low: กีตาร์สกปรกของจูเนียร์ บาร์นาร์ด" . Adios เลานจ์ สืบค้นเมื่อ11 พฤศจิกายน 2565 .
  46. ^ คอลลิส, จอห์น (2545). ชัค เบอร์รี: ชีวประวัติ . ออรั่ม. หน้า 38. ไอเอสบีเอ็น 978-1-85410-873-9.
  47. ฮิกส์, ไมเคิล (2000). Sixties Rock: Garage, Psychedelic และความพึงพอใจอื่นสำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอิลลินอยส์ หน้า 17. ไอเอสบีเอ็น 0-252-06915-3.
  48. ชวาร์ตซ์, โรเบอร์ตา เอฟ. (2007). สหราชอาณาจักรมีเพลงบลูส์อย่างไร: การถ่ายทอดและการรับเพลงบลูส์สไตล์อเมริกันในสหราชอาณาจักร Aldershot, อังกฤษ: Ashgate Publishing. หน้า 22. ไอเอสบีเอ็น 978-0-7546-5580-0.
  49. เจ. โรเบิร์ตส์, The Beatles (Mineappolis, MN: Lerner Publications, 2001), ISBN 0-8225-4998-0 , p. 13. 
  50. แคมป์เบลล์ 2551 , น. 99
  51. อรรถa b เอส. Frith, "เพลงป๊อป" ใน S. Frith, W. Stray และ J. Street, eds, The Cambridge Companion to Pop and Rock (เคมบริดจ์: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์, 2001), ISBN 0-521-55660- 0 , หน้า 93–108. 
  52. อรรถa b "Early Pop/Rock" , Allmusic , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 17 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2554.
  53. ↑ อาร์. ชูเกอร์ , การทำความเข้าใจเพลงยอดนิยม (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2001), ISBN 0-415-23509 -X , หน้า 8–10 
  54. ↑ อาร์. ชูเกอร์ , Popular Music: the Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770 -X , p. 207. 
  55. L. Starr and C. Waterman, American Popular Music (Oxford: Oxford University Press, 2nd edn, 2007), ISBN 0-19-530053-X , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 17 กุมภาพันธ์ 2554 
  56. โบรัค, จอห์น เอ็ม. (2007). เขย่าการกระทำบาง อย่าง: คู่มือ Ultimate Power Pop ไม่ใช่ บริษัท บันทึกเสียงง่อย หน้า 18. ไอเอสบีเอ็น 978-0-9797714-0-8.
  57. กิลลิแลนด์ 1969แสดง 20–21
  58. บี. แบรดบี, "Do-talk, don't-talk: the department of the subject in girl-group music" in S. Frith and A. Goodwin, eds, On Record: Rock, Pop, and the Written Word ( อาบิงดัน: เลดจ์, 1990), ISBN 0-415-05306-4 , p. 341. 
  59. อรรถa bc เคเคทลีย์ "พิจารณาหิน" ในเอส. Frith ดับบลิวฟาง และถนนเจ เอ็ดส์เดอะเคมบริดจ์สหายป๊อปและร็อค(เคมบริดจ์: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์ 2544), ISBN 0-521-55660 -0 , หน้า 116. 
  60. อาร์. เดล, Education and the State: Politics, Patriarchy and Practice (London: Taylor & Francis, 1981), ISBN 0-905273-17-6 , p. 106. 
  61. R. Unterberger, "Brill Building Sound", ใน Bogdanov et.al., 2002 , pp. 1311–12.
  62. D. Hatch and S. Millward, From Blues to Rock: an Analytical History of Pop Music (แมนเชสเตอร์: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยแมนเชสเตอร์, 1987), ISBN 0-7190-1489-1 , p. 78. 
  63. AJ Millard, The Electric Guitar: a History of an American Icon (บัลติมอร์, MD: JHU Press, 2004), ISBN 0-8018-7862-4 , p. 150. 
  64. a b B. Eder, "British Blues", in V. Bogdanov, C. Woodstra, ST Erlewine, eds, All Music Guide to the Blues: The Definitive Guide to the Blues (มิลวอกี, วิสคอนซิน: Backbeat Books, 3rd edn. , 2546), ISBN 0-87930-736-6 , น. 700. 
  65. กิลลิแลนด์ 1969 , แสดง 55, แทร็ก 3; แสดง 15–17
  66. R. Unterberger, "Soul", ใน Bogdanov et al., 2002 , pp. 1323–25.
  67. R. Unterberger, "Merseybeat", in Bogdanov et.al., 2002 , pp. 1319–20.
  68. a b J. Blair, The Illustrated Discography of Surf Music, 1961–1965 (Ypsilanti, MI: Pierian Press, 2nd edn., 1985), ISBN 0-87650-174-9 , p. 2. 
  69. เจ. แบลร์, The Illustrated Discography of Surf Music, 1961–1965 (Ypsilanti, MI: Pierian Press, 2nd edn., 1985), ISBN 0-87650-174-9 , p. 75. 
  70. ^ "เพลงย้อนวันวาน: Nowhere to Go – The Four Freshmen " Buzz.ie . สืบค้นเมื่อ25 กุมภาพันธ์ 2564 .
  71. a b W. Ruhlman, et al., "Beach Boys", in Bogdanov et al., 2002 , หน้า 71–75.
  72. ^ "เซิร์ฟมิวสิค" . นอส ตาลเจียเซ็นทรัล 3 กรกฎาคม 2557 . สืบค้นเมื่อ29 กรกฎาคม 2562 .
  73. R. Stakes, "Those boy: the rise of Mersey beat", in S. Wade, ed., Gladsongs and Gatherings: Poetry and its Social Context in Liverpool since the 1960s (Liverpool: Liverpool University Press, 2001), ISBN 0 -85323-727-1 , หน้า 157–66. 
  74. I. Chambers, Urban Rhythms: Pop Music and Pop Culture (Basingstoke: Macmillan, 1985), ISBN 0-333-34011-6 , p. 75. 
  75. เจอาร์ โคแวช และ จี. แมคโดนัลด์ บูน,ความเข้าใจเกี่ยวกับร็อก: บทความในการวิเคราะห์ดนตรี (อ็อกซ์ฟอร์ด: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ด, 1997),ไอ0-19-510005-0 , พี. 60. 
  76. a b R. Unterberger, "British Invasion", in Bogdanov et al., 2002 , หน้า 1316–17.
  77. R. Unterberger, "British R&B", in Bogdanov et al., 2002 , หน้า 1315–16.
  78. กิลลิแลนด์ 1969 , แสดง 28.
  79. อรรถเป็น ไอ.เอ. Robbins, "British Invasion" , Encyclopædia Britannica , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 21 ธันวาคม 2010
  80. เอช. บิล, The Book Of Beatle Lists (Poole, Dorset: Javelin, 1985), ISBN 0-7137-1521-9 , p. 66. 
  81. อรรถa b กิลลิแลนด์ 1969 , แสดง 29.
  82. กิลลิแลนด์ 1969 , แสดง 30.
  83. กิลลิแลนด์ 1969 , แสดง 48.
  84. T. Leopold (5 กุมภาพันธ์ 2547), "เมื่อเดอะบีเทิลส์ตีอเมริกา CNN 10 กุมภาพันธ์ 2547" , CNN , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 11 เมษายน 2553
  85. "British Invasion" , Allmusic , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 11 กุมภาพันธ์ 2554.
  86. อรรถa b "บริตป็อป" , ออ ลมิวสิค , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 12 กุมภาพันธ์ 2554.
  87. K. Keightley, "Reconsidering rock" ใน, S. Frith, W. Straw and J. Street, eds, The Cambridge Companion to Pop and Rock (เคมบริดจ์: Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0 , หน้า 117. 
  88. FW Hoffmann, "British Invasion" in FW Hoffmann and H. Ferstler, eds, Encyclopedia of Recorded Sound, Volume 1 (New York: CRC Press, 2nd edn., 2004), ISBN 0-415-93835-X , p. 132. 
  89. ซิโมเนลลี, เดวิด (2556). วีรบุรุษชนชั้นแรงงาน: ดนตรีร็อคและสังคมอังกฤษในทศวรรษที่ 1960 และ 1970 Lanham, MD: หนังสือเล็กซิงตัน หน้า 96–97. ไอเอสบีเอ็น 978-0-7391-7051-9.
  90. a b R. Shuker, Popular Music: the Key Concepts (Abingdon: Routledge, 2nd edn., 2005), ISBN 0-415-34770-X , p. 140. 
  91. EJ Abbey, Garage Rock and its Roots: Musical Rebels and the Drive for Individuality (เจฟเฟอร์สัน, นอร์ทแคโรไลนา: McFarland, 2006), ISBN 0-7864-2564-4 , หน้า 74–76 
  92. a bc d e f g R. Unterberger, "Garage Rock", in Bogdanov et al., 2002 , pp. 1320–21 .
  93. N. Campbell, American Youth Cultures (Edinburgh: Edinburgh University Press, 2nd edn., 2004), ISBN 0-7486-1933-X , p. 213. 
  94. อ็อตฟิโนสกี, สตีเวน. "ยุคทองของเครื่องดนตรีร็อก". หนังสือบิลบอร์ด, (1997), p. 36,ไอ0-8230-7639-3 
  95. WE Studwell และ DF Lonergan, The Classic Rock and Roll Reader: Rock Music from its Beginnings to the mid-1970s (Abingdon: Routledge, 1999), ISBN 0-7890-0151-9 , p. 213. 
  96. เจ. ออสเตน, TV-a-Go-Go: Rock on TV from American Bandstand to American Idol (Chicago IL: Chicago Review Press, 2005), ISBN 1-55652-572-9 , p. 19. 
  97. วักส์แมน, สตีฟ (2552). นี่ไม่ใช่ฤดูร้อนแห่งความรัก: ความขัดแย้งและการครอสโอเวอร์ในเฮฟวีเมทัลและพังค์ Berkeley CA: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยแคลิฟอร์เนีย หน้า 116. ไอเอสบีเอ็น 978-0-520-25310-0.
  98. FW Hoffmann "Garage Rock/Punk", ใน FW Hoffman and H. Ferstler, Encyclopedia of Recorded Sound, Volume 1 (New York: CRC Press, 2nd edn., 2004), ISBN 0-415-93835-X , p. 873. 
  99. อรรถเป็น ทอมป์สัน เกรแฮม (2550) วัฒนธรรมอเมริกันในทศวรรษที่ 1980 เอดินเบอระ สหราชอาณาจักร: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเอดินเบอระ หน้า 134. ไอเอสบีเอ็น 978-0-7486-1910-8.
  100. HS Macpherson, Britain and the Americas: Culture, Politics, and History (อ็อกซ์ฟอร์ด: ABC-CLIO, 2005), ISBN 1-85109-431-8 , p. 626. 
  101. V. Coelho, The Cambridge Companion to the Guitar (เคมบริดจ์: Cambridge University Press, 2003), ISBN 0-521-00040-8 , p. 104. 
  102. ↑ a bc d e f g R. Uterberger , " Blues Rock", in V. Bogdanov, C. Woodstra, ST Erlewine, eds, All Music Guide to the Blues: The Definitive Guide to the Blues (มิลวอกี, WI: Backbeat หนังสือ ฉบับที่ 3 พ.ศ. 2546), ISBN 0-87930-736-6 , หน้า 701–02 
  103. ที. รอว์ลิงส์, เอ. นีล, ซี. ชาร์ลสเวิร์ธ และซี. ไวท์,จากนั้น ปัจจุบัน และบริติชบีทหายาก 1960–1969 (ลอนดอน: Omnibus Press, 2002), ISBN 0-7119-9094-8 , p. 130. 
  104. ↑ P. Prown , HP Newquist และ JF Eiche, Legends of Rock Guitar: the Essential Reference of Rock's Greatest Guitarists (Milwaukee, WI: Hal Leonard Corporation, 1997), ISBN 0-7935-4042-9 , p. 25. 
  105. a bc d e R. Unterberger , "Southern Rock", in Bogdanov et al., 2002 , pp. 1332–33.
  106. อรรถa bc " ลูส์-ร็อก" , ออ ลมิวสิค , เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 12 กุมภาพันธ์ 2554.
  107. ↑ P. Prown , HP Newquist และ JF Eiche, Legends of Rock Guitar: the Essential Reference of Rock's Greatest Guitarists (Milwaukee, WI: Hal Leonard Corporation, 1997), ISBN 0-7935-4042-9 , p. 113. 
  108. อรรถเป็น มิทเชลล์ กิลเลียน (2550) การฟื้นฟูดนตรีพื้นบ้านในอเมริกาเหนือ: ชาติและอัตลักษณ์ในสหรัฐอเมริกาและแคนาดา พ.ศ. 2488-2523 Aldershot, อังกฤษ: Ashgate Publishing. หน้า 95. ไอเอสบีเอ็น 978-0-7546-5756-9.
  109. มิทเชลล์ 2550 , น. 72
  110. ↑ JE Perone, Music of the Counterculture Era American History Through Music (เวสต์วูด, CT: Greenwood, 2004), ISBN 0-313-32689-4 , p. 37. 
  111. a bc d e f g<