โรงละครดนตรี

โรงละครดนตรีเป็นรูปแบบหนึ่งของการแสดงละครที่ผสมผสานเพลงบทสนทนา การแสดง และการเต้นรำ เรื่องราวและเนื้อหาทางอารมณ์ของดนตรี - อารมณ์ขัน สิ่งที่ น่าสมเพชความรัก ความโกรธ - สื่อสารผ่านคำพูด ดนตรี การเคลื่อนไหว และด้านเทคนิคของความบันเทิงโดยรวม แม้ว่าโรงละครดนตรีจะทับซ้อนกับรูปแบบการแสดงละครอื่นๆ เช่นโอเปร่าและการเต้นรำ แต่ก็อาจมีความโดดเด่นด้วยความสำคัญเท่าเทียมกันที่มอบให้กับดนตรีเมื่อเปรียบเทียบกับบทสนทนา การเคลื่อนไหว และองค์ประกอบอื่นๆ ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 การแสดงละครเวทีโดยทั่วไปมักถูกเรียกว่าละครเพลง

แม้ว่าดนตรีจะเป็นส่วนหนึ่งของการนำเสนออันน่าทึ่งตั้งแต่สมัยโบราณ โรงละครดนตรีตะวันตกสมัยใหม่ก็ปรากฏขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 19 โดยมีองค์ประกอบเชิงโครงสร้างมากมายที่สร้างขึ้นโดยผลงานของกิลเบิร์ตและซัลลิแวนในอังกฤษ และของแฮ ร์ริแกน และฮาร์ตในอเมริกา ตามมาด้วยละครตลกสมัยเอ็ดเวิร์ดและผลงานละครเพลงของผู้สร้างชาวอเมริกันอย่างจอร์จ เอ็ม. โคฮานในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20 ละคร เพลงเจ้าหญิง (พ.ศ. 2458–ค.ศ. 1918) เป็นความก้าวหน้าทางศิลปะที่นอกเหนือไปจากการแสดงและความบันเทิงที่เป็นฟองอื่น ๆ ของต้นศตวรรษที่ 20 และนำไปสู่ผลงานที่แปลกใหม่เช่นShow Boat(1927), Of Thee I Sing (1931) และโอกลาโฮมา! (1943). ละครเพลงที่โด่งดังที่สุดบางเรื่องในช่วงหลายทศวรรษต่อมา ได้แก่ My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), The Phantom of the Opera (1986) ), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) และHamilton (2015) ในปี 2020–2021 การผลิตละครเพลงจำนวนมากถูกปิดตัวลงเนื่องจากการ ระบาด ของ Covid-19

มีการแสดงดนตรีทั่วโลก อาจถูกนำเสนอในสถานที่ขนาดใหญ่ เช่น การแสดงละครบรอดเวย์ ราคาสูง หรือเวสต์เอนด์ในนิวยอร์กซิตี้หรือลอนดอน อีกทางหนึ่ง ละครเพลงอาจจัดแสดงในสถานที่ขนาดเล็ก เช่นโรงละครริม , นอกบรอดเวย์ , นอกบรอดเวย์ , โรงละครระดับภูมิภาคหรือการผลิตละครชุมชน หรือ ในทัวร์ ดนตรีมักถูกนำเสนอโดยกลุ่มสมัครเล่นและกลุ่มโรงเรียนในโบสถ์ โรงเรียน และพื้นที่แสดงอื่นๆ นอกจากสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักรแล้ว ยังมีฉากละครเพลงที่มีชีวิตชีวาในทวีปยุโรป เอเชีย ออสตราเลเซีย แคนาดา และละตินอเมริกา

คำจำกัดความและขอบเขต

หนังสือเพลง

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 "ละครเพลงในหนังสือ" ถูกกำหนดให้เป็นละครเพลงที่เพลงและการเต้นรำถูกรวมเข้ากับเรื่องราวที่สร้างขึ้นมาอย่างดีโดยมีเป้าหมายอันน่าทึ่งที่สามารถทำให้เกิดอารมณ์ที่แท้จริงนอกเหนือจากเสียงหัวเราะ ^{[2] [3]}องค์ประกอบหลักสามประการของหนังสือดนตรีได้แก่ดนตรีเนื้อเพลงและหนังสือ หนังสือหรือบทละครเพลง หมายถึง เรื่องราว การพัฒนาตัวละคร และโครงสร้างการละคร รวมทั้งบทพูดและทิศทางของเวที แต่ยังสามารถอ้างถึงบทสนทนาและเนื้อเพลงร่วมกัน ซึ่งบางครั้งเรียกว่าบท (ภาษาอิตาลีสำหรับ " หนังสือเล่มเล็ก") ดนตรีและเนื้อร้องรวมกันเป็นสกอร์ของละครเพลงและรวมถึงเพลง เพลงประกอบ และฉากดนตรีโดยบังเอิญซึ่งเป็น "ซีเควนซ์ละครที่จัดเป็นเพลง ซึ่งมักจะรวมเพลงเข้ากับบทสนทนาที่พูด" ^[4]การตีความละครเพลงเป็นความรับผิดชอบของทีมสร้างสรรค์ ซึ่งรวมถึงผู้กำกับ ผู้กำกับละครเพลงมักจะเป็นนักออกแบบท่าเต้นและบางครั้งก็เป็นนักออร์เคสตรา การผลิตละครเพลงยังมีลักษณะทางเทคนิคอย่างสร้างสรรค์ เช่นการออกแบบฉากเครื่องแต่งกาย คุณสมบัติ ของเวที (อุปกรณ์ประกอบฉาก)แสงและเสียง. โดยทั่วไปแล้ว ทีมงานสร้างสรรค์ การออกแบบ และการตีความจะเปลี่ยนจากการผลิตดั้งเดิมไปสู่การผลิตที่ประสบความสำเร็จ อย่างไรก็ตาม องค์ประกอบการผลิตบางอย่างอาจยังคงอยู่จากการผลิตดั้งเดิม เช่น การ ออกแบบท่าเต้น ของ Bob Fosseในชิคาโก

ไม่มีความยาวตายตัวสำหรับละครเพลง แม้ว่าจะมีตั้งแต่การแสดงละครสั้นๆ ไปจนถึงการแสดงหลายๆการแสดงและมีความยาวหลายชั่วโมง (หรือแม้แต่การนำเสนอหลายคืน) ละครเพลงส่วนใหญ่มีตั้งแต่หนึ่งถึงครึ่งถึงสามชั่วโมง ละครเพลงมักจะนำเสนอเป็นสององก์ โดยมีช่วงพักสั้นๆ หนึ่งครั้งและฉากแรกมักยาวกว่าฉากที่สอง องก์แรกมักจะแนะนำตัวละครเกือบทั้งหมดและเพลงส่วนใหญ่ และมักจะจบลงด้วยการแนะนำของความขัดแย้งอันน่าทึ่งหรือความซับซ้อนของโครงเรื่อง ในขณะที่องก์ที่สองอาจแนะนำเพลงใหม่สองสามเพลง แต่มักจะมีการบรรเลงของธีมดนตรีที่สำคัญและแก้ไขข้อขัดแย้ง หรือภาวะแทรกซ้อน หนังสือดนตรีมักจะสร้างประมาณสี่ถึงหกเพลงธีมหลักที่จะทำซ้ำในภายหลังในการแสดง แม้ว่าบางครั้งจะประกอบด้วยชุดของเพลงที่ไม่เกี่ยวข้องโดยตรงทางดนตรี บทสนทนาที่พูดโดยทั่วไปจะสลับกันระหว่างตัวเลขดนตรี แม้ว่า "บทพูดที่ไพเราะ" หรือบทสวดอาจถูกนำมาใช้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในละครเพลงที่เรียกว่า " ร้องผ่าน " เช่นพระเยซูคริสต์ ซูเปอร์สตาร์Falsettos ,Les Misérables , Evitaและ Hamilton ละครเพลงสั้นหลายเรื่องในบรอดเวย์และเวสต์เอนด์ถูกนำเสนอเป็นละครเดียวในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา

ช่วงเวลาที่มีความเข้มข้นมากที่สุดในละครเพลงในหนังสือมักจะแสดงเป็นเพลง สุภาษิตที่ว่า "เมื่ออารมณ์รุนแรงเกินไปสำหรับคำพูด คุณร้องเพลง เมื่อมันแรงเกินไปสำหรับเพลง คุณเต้นรำ" ^[5]ในหนังสือเพลง เพลงถูกสร้างขึ้นมาเพื่อให้เหมาะกับตัวละคร (หรือตัวละคร) และสถานการณ์ของพวกเขาในเรื่อง; แม้ว่าจะมีหลายครั้งในประวัติศาสตร์ของละครเพลง (เช่นจากทศวรรษที่ 1890 ถึงปี ค.ศ. 1920) เมื่อการผสมผสานระหว่างดนตรีและเรื่องราวนี้มีความบาง ดัง ที่ นักวิจารณ์ของ The New York Times อย่าง Ben Brantleyกล่าวถึงอุดมคติของเพลงในโรงละครเมื่อทบทวนการฟื้นคืนชีพของGypsy ในปี 2008: "ไม่มีการแบ่งแยกระหว่างเพลงและตัวละคร ซึ่งเป็นสิ่งที่เกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ไม่ธรรมดาเหล่านั้นเมื่อละครเพลงเอื้อมมือขึ้นไปเพื่อบรรลุเหตุผลในอุดมคติของพวกเขา" ^[6]โดยทั่วไป คำที่ร้องในเพลงห้านาทีมีน้อยกว่าหลายคำมากกว่าที่พูดในบทสนทนาห้านาที ดังนั้นจึงมีเวลาในการพัฒนาละครในละครเพลงน้อยกว่าการเล่นตรงที่มีความยาวเท่ากัน เนื่องจากละครเพลงมักใช้เวลากับดนตรีมากกว่าบทพูด ภายในธรรมชาติของละครเพลง ผู้เขียนต้องพัฒนาตัวละครและโครงเรื่อง

เนื้อหาที่นำเสนอในละครเพลงอาจเป็นต้นฉบับ หรืออาจดัดแปลงมาจากนวนิยาย ( Wicked and Man of La Mancha ) บทละคร ( Hello, Dolly!และCarousel ) ตำนานคลาสสิก ( Camelot ) เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ ( Evita ) หรือภาพยนตร์ ( โปรดิวเซอร์และบิลลี่ เอลเลียต ) ในทางกลับกัน ละครเพลงที่ประสบความสำเร็จจำนวนมากได้รับการดัดแปลงสำหรับภาพยนตร์เพลงเช่นWest Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliver! และ ชิ คา โก้

เปรียบเทียบกับโอเปร่า

โรงละครดนตรีมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับรูปแบบการแสดงละครของโอเปร่าแต่โดยปกติแล้วทั้งสองจะมีความแตกต่างกันด้วยการชั่งน้ำหนักปัจจัยหลายประการ ประการแรก ละครเพลงมักเน้นที่บทสนทนามากกว่า ^[7]ละครเพลงบางเรื่องมีเสียงร้องและร้องพร้อมกันทั้งหมด ในขณะที่โอเปร่าบางเรื่อง เช่นDie Zauberflöteและละคร ส่วนใหญ่ มีบทสนทนาที่ไม่มีผู้ดูแล ^[7]ประการที่สอง ละครเพลงมักจะรวมการเต้นรำเป็นส่วนสำคัญของการเล่าเรื่อง โดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยนักแสดงหลักและนักร้องประสานเสียง ประการที่สาม ละครเพลงมักใช้แนวเพลงยอดนิยม หลายประเภท หรืออย่างน้อยก็มีรูปแบบการร้องและดนตรีที่เป็นที่นิยม ^[8]

ในที่สุด ละครเพลงมักจะหลีกเลี่ยงแบบแผนโอเปร่าบางอย่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ละครเพลงมักจะแสดงในภาษาของผู้ชม ตัวอย่างเช่น ละครเพลงที่ผลิตในบรอดเวย์หรือในเวสต์เอนด์ จะร้องเป็นภาษาอังกฤษอย่างสม่ำเสมอ แม้ว่าต้นฉบับจะเขียนในภาษาอื่นก็ตาม ในขณะที่นักร้องโอเปร่าส่วนใหญ่เป็นนักร้องและรองลงมาคือนักแสดง (และแทบไม่ต้องเต้น) นักแสดงละครเพลงมักจะเป็นนักแสดงก่อน แต่ต้องเป็นนักร้องและนักเต้นด้วย ผู้ที่ประสบความสำเร็จทั้งสามเท่าๆ กันเรียกว่า "ภัยคุกคามสามประการ" นักประพันธ์เพลงสำหรับละครเพลงมักจะพิจารณาถึงความต้องการเสียงร้องของบทบาทโดยคำนึงถึงนักแสดงละครเพลงเป็นหลัก ทุกวันนี้ โรงภาพยนตร์ขนาดใหญ่ที่เล่นละครเพลงมักใช้ไมโครโฟนและเครื่องขยายสัญญาณของเสียงร้องของนักแสดงในลักษณะที่โดยทั่วไปจะไม่ได้รับการอนุมัติในบริบทของโอเปร่า ^[9]

ผลงานบางชิ้น (เช่น โดยจอร์จ เกิร์ชวิน , ลีโอนาร์ด เบิร์ นสตีน และสตีเฟน ซอน ด์เฮม ) ถูกสร้างเป็นทั้ง "โรงละครดนตรี" และ "โอเปร่า" ^{[10] [11]}ในทำนองเดียวกัน ละครเก่าบางเรื่องหรือโอเปร่าเบา ๆ (เช่นThe Pirates of PenzanceโดยGilbert และ Sullivan ) ถูกผลิตขึ้นในรูปแบบการดัดแปลงที่ทันสมัยซึ่งถือว่าพวกเขาเป็นละครเพลง สำหรับงานบางชิ้น รูปแบบการผลิตเกือบจะมีความสำคัญพอๆ กับเนื้อหาดนตรีหรือละครของงานในการกำหนดว่างานศิลปะรูปแบบใดที่ตกหล่น ⁽¹²⁾Sondheim กล่าวว่า "ฉันคิดว่าเมื่อบางอย่างเล่นบรอดเวย์ มันคือละครเพลง และเมื่อมันเล่นในโรงอุปรากร มันคือโอเปร่า แค่นั้นเอง มันคือภูมิประเทศ ชนบท ความคาดหวังของผู้ชมที่ทำให้เป็นอย่างอื่น " ^[13]ยังมีรูปแบบที่ทับซ้อนกันระหว่างรูปแบบโอเปร่าที่เบากว่าและละครเพลงที่ซับซ้อนหรือมีความทะเยอทะยานมากขึ้น ในทางปฏิบัติ มักจะเป็นการยากที่จะแยกแยะระหว่างละครเพลงประเภทต่างๆ รวมทั้ง "ละครเพลง" "ละครเพลง" "ละคร" และ "ละครเบา" ^[14]

เช่นเดียวกับโอเปร่า การร้องเพลงในโรงละครดนตรีโดยทั่วไปจะมาพร้อมกับวงดนตรีที่เรียกว่าpit orchestraซึ่งตั้งอยู่ในพื้นที่ด้านล่างด้านหน้าของเวที ในขณะที่โอเปร่ามักใช้วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราทั่วไป ละครเพลงมักถูกบรรเลงสำหรับวงดนตรีตั้งแต่27 คนไปจนถึงเพียงไม่กี่คน ดนตรีร็อก มักใช้ เครื่องดนตรีร็อกกลุ่มเล็ก ๆ^[15]และละครเพลงบางเรื่องอาจใช้เปียโนหรือเครื่องดนตรีสองชิ้นเท่านั้น ^[16]ดนตรีในละครเพลงใช้ "รูปแบบและอิทธิพลต่างๆ เช่นโอเปร่าเทคนิคคลาสสิกดนตรีพื้นบ้านแจ๊ส [ และ] รูปแบบท้องถิ่นหรือประวัติศาสตร์ [ที่] เหมาะสมกับฉาก" ^[4]ละครเพลงอาจเริ่มต้นด้วยการทาบทาม ที่ บรรเลงโดยวงออเคสตราที่ "สาน [es] ไว้ด้วยกันข้อความที่ตัดตอนมาจากท่วงทำนองที่มีชื่อเสียงของเพลง" ^[17]

ประเพณีตะวันออกและรูปแบบอื่นๆ

โรงละครมีประเพณีทางตะวันออกที่หลากหลายซึ่งรวมถึงดนตรี เช่นอุปรากรจีน อุปรากรไต้หวัน ละครโนญี่ปุ่นและละครเพลงอินเดียรวมถึงละครสันสกฤต นาฏศิลป์อินเดียโรงละครปาร์ซีและยักษะคานะ ^[18] อินเดียได้ผลิตภาพยนตร์เพลงหลายเรื่องตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 ซึ่งเรียกว่า ละครเพลง " บอลลีวูด " และในประเทศญี่ปุ่นละครเพลง 2.5 มิติที่สร้างจาก การ์ตูนอ นิเมะและมังงะ ยอดนิยม ได้พัฒนาขึ้นในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา

ละครเพลงรุ่น "จูเนียร์" ที่สั้นกว่าหรือง่ายกว่านั้นมีให้สำหรับโรงเรียนและกลุ่มเยาวชน และงานสั้นมากที่สร้างหรือดัดแปลงสำหรับการแสดงโดยเด็กบางครั้งเรียกว่าเพลงมินิ ^{[19] [20]}

ประวัติ

อุทาหรณ์ตอนต้น

อดีตของโรงละครดนตรีในยุโรปสามารถสืบย้อนไปถึงโรงละครของกรีกโบราณที่ซึ่งดนตรีและการเต้นรำถูกรวมไว้ในละครตลกและโศกนาฏกรรมในช่วงศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสตศักราช ^{[21] [22]}อย่างไรก็ตาม ดนตรีจากรูปแบบโบราณหายไป และพวกเขามีอิทธิพลเพียงเล็กน้อยต่อการพัฒนาโรงละครดนตรีในภายหลัง ^[23]ในศตวรรษที่ 12 และ 13 ละครศาสนาสอนพิธีกรรม กลุ่มนักแสดงจะใช้เกวียนประกวด กลางแจ้ง (เวทีบนล้อ) เพื่อบอกเล่าเรื่องราวแต่ละส่วน รูปแบบบทกวีบางครั้งสลับกับบทสนทนาร้อยแก้ว และบทสวดทางพิธีกรรมทำให้เกิดท่วงทำนองใหม่ ^[24]

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของยุโรปเห็นรูปแบบที่เก่ากว่าพัฒนาเป็นสองสิ่งที่มาก่อนของโรงละครดนตรี: Comedy dell'arteซึ่งตัวตลกที่แหบแห้งได้แสดงเรื่องราวที่คุ้นเคยและต่อมาOpera buffa ในอังกฤษ ละครเพลงเอลิซาเบธและจาโคเบียนมักรวมดนตรีไว้ด้วย^[25]และละครเพลงสั้นเริ่มรวมอยู่ในความบันเทิงอันน่าทึ่งของค่ำคืน ^{เครื่อง แต่ง}กาย ที่มีราคา แพง และ การออกแบบเวทีที่ซับซ้อน ^{[27] [28]}สิ่งเหล่านี้พัฒนาเป็นบทละครร้องซึ่งเป็นที่รู้จักในฐานะอุปรากรของอังกฤษ บทแรกมักถูกมองว่าเป็นThe Siege of Rhodes (ค.ศ. 1656) ^[29]ในฝรั่งเศส ในขณะเดียวกันMolièreได้เปลี่ยนละครตลกของเขาหลายเรื่องให้เป็นความบันเทิงทางดนตรีด้วยเพลง (ดนตรีที่Jean-Baptiste Lully เป็นผู้จัดหา ) และการเต้นรำในปลายศตวรรษที่ 17 สิ่งเหล่านี้ได้รับอิทธิพลในช่วงเวลาสั้น ๆ ของโอเปร่าอังกฤษ^[30]โดยนักแต่งเพลงเช่นJohn Blow ^[31]และHenry Purcell ^[29]

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 โรงละครดนตรีรูปแบบที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในสหราชอาณาจักร ได้แก่โอเปร่าบัลลาดเช่นThe Beggar's Opera ของ John Gayซึ่งรวมถึงเนื้อเพลงที่แต่งขึ้นจากเพลงยอดนิยมประจำวัน (มักล้อเลียนโอเปร่า) และต่อมาละครใบ้ซึ่งพัฒนามาจากคอเมเดียเดลอาร์ทและละครตลกที่มีเนื้อเรื่องโรแมนติกเป็นส่วนใหญ่ เช่นเรื่องThe Bohemian Girl (1845) ของMichael Balfe ในขณะเดียวกัน ในทวีปsingspiel , comédie en vaudeville , opéra comique , zarzuelaและความบันเทิงทางดนตรีรูปแบบอื่น ๆ ก็เกิดขึ้นThe Beggar's Operaเป็นการแสดงละครที่ดำเนินมายาวนานครั้งแรกในทุกรูปแบบ โดยมีการแสดงต่อเนื่อง 62 ครั้งในปี 1728 จะใช้เวลาเกือบหนึ่งศตวรรษหลังจากนั้น การแสดงละครใดๆ จะทำลายการแสดง 100 ครั้ง แต่ไม่นานก็มีสถิติถึง 150 ครั้งในช่วงปลายทศวรรษ 1820 ^{โรงละครดนตรีรูปแบบอื่นๆ ที่พัฒนาขึ้นในอังกฤษในช่วงศตวรรษที่ 19}เช่นโรง แสดง ดนตรีประโลมโลกและเบอร์เลตตา ซึ่งได้รับความนิยมส่วนหนึ่งเนื่องจากโรงละครในลอนดอนส่วนใหญ่ได้รับอนุญาตเป็นห้องแสดงดนตรีเท่านั้น และไม่อนุญาตให้นำเสนอละครที่ไม่มีดนตรี

อาณานิคมอเมริกาไม่มีการแสดงละครที่สำคัญจนกระทั่ง 1752 เมื่อผู้ประกอบการในลอนดอน William Hallam ส่งคณะนักแสดงไปยังอาณานิคมที่จัดการโดยLewis น้องชายของ เขา ^[33]ในนิวยอร์กในฤดูร้อนปี 2296 พวกเขาแสดงเพลงบัลลาด-โอเปร่า เช่นThe Beggar's Operaและ ballad-farces ^[33]ในยุค 1840 PT Barnumกำลังดำเนินการสถานบันเทิงในแมนฮัตตันตอนล่าง ^[34]โรงละครดนตรียุคแรก ๆ อื่น ๆ ในอเมริกาประกอบด้วยรูปแบบอังกฤษ เช่น เบอร์เล็ตตาและโขน^[23]แต่สิ่งที่เรียกว่าชิ้นส่วนไม่จำเป็นต้องกำหนดว่ามันคืออะไร มหกรรม บรอดเวย์ปี 1852 The Magic Deerโฆษณาตัวเองว่าเป็น "เรื่องราวการล้อเลียนเกี่ยวกับความหลงใหลในประวัติศาสตร์ของ Serio Comico Tragico Operatical Extravaganzical Burletical of Enchantment" ^[35]โรงละครในนิวยอร์กค่อย ๆ ย้ายจากตัวเมืองไปรอบ ๆ มิดทาวน์จากรอบ 2393 และไม่มาถึงย่านไทม์สแควร์จนกระทั่งยุค 20 และยุค 30 นิวยอร์กวิ่งตามหลังลอนดอนไปไกลมาก แต่เพลง "musical burletta" Seven Sisters (1860) ของ ลอร่า คีนทำลายสถิติละครเพลงในนิวยอร์กครั้งก่อนด้วยการแสดง 253 ครั้ง ⁽³⁶⁾

ทศวรรษที่ 1850 ถึง 1880

ราวปี ค.ศ. 1850 นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสHervéกำลังทดลองรูปแบบละครเพลงแนวตลกที่เขาเรียกว่าโอเปร่า ^[37]นักแต่งเพลงที่รู้จักกันดีที่สุดคือJacques Offenbach จากยุค 1850 ถึง 1870 และJohann Strauss IIในยุค 1870 และ 1880 ^[23]ท่วงทำนองอันอุดมสมบูรณ์ของออฟเฟนบาค ประกอบกับการเสียดสีอันเฉียบแหลมของบรรณารักษ์ ก่อเป็นแบบอย่างสำหรับโรงละครดนตรีที่ตามมา ^[37]ดัดแปลงจากละครฝรั่งเศส (ส่วนใหญ่เล่นไม่ดี แปล risqué) ล้อเลียนดนตรี ห้องโถงดนตรี โขน และเบอร์เล็ตตาครอบงำเวทีดนตรีลอนดอนในยุค 1870 ^[38]

ในอเมริกา การแสดงละครเพลงช่วงกลางศตวรรษที่ 19 รวมถึงการแสดงวาไรตี้แบบ หยาบ ซึ่งในที่สุดก็พัฒนาเป็นเพลงการ แสดงของ นักดนตรีซึ่งในไม่ช้าก็ข้ามมหาสมุทรแอตแลนติกไปยังสหราชอาณาจักร และการแสดงตลกสไตล์วิคตอเรียน ซึ่งเริ่มเป็นที่นิยมในสหรัฐอเมริกาโดยคณะละครชาวอังกฤษ ^[23]ละครเพลงที่ประสบความสำเร็จอย่างมหาศาลที่ฉายรอบปฐมทัศน์ในนิวยอร์กในปี 2409 The Black Crookเป็นผลงานละครเพลงดั้งเดิมที่สอดคล้องกับคำจำกัดความสมัยใหม่ของละครเพลง รวมถึงการเต้นและดนตรีต้นฉบับที่ช่วยบอกเล่าเรื่องราว การผลิตอันน่าทึ่งซึ่งขึ้นชื่อในเรื่องเครื่องแต่งกายขี้เหนียว มีการแสดง 474 การแสดงที่ทำลายสถิติ ^[39]ในปีเดียวกันนั้นThe Black Domino/Between You, Me and the Postเป็นรายการแรกที่เรียกตัวเองว่า "ละครเพลง" นักแสดงตลกEdward HarriganและTony Hartผลิตและแสดงในละครเพลงเรื่อง Broadway ระหว่างปี 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) และ 1885 ละครตลกเหล่านี้เป็นตัวละครและสถานการณ์ที่นำมาจากชีวิตประจำวันของชนชั้นล่างในนิวยอร์กรูปแบบการแสดงละครที่ถูกต้องตามกฎหมาย พวกเขานำแสดงโดยนักร้องคุณภาพสูง ( ลิเลียน รัสเซลล์ , วิเวียน ซีกัลและเฟย์ เทมเปิลตัน ) แทนที่จะเป็นผู้หญิงที่มีชื่อเสียงที่น่าสงสัยซึ่งเคยแสดงในรูปแบบดนตรีสมัยก่อน

เมื่อการคมนาคมดีขึ้น ความยากจนในลอนดอนและนิวยอร์กลดลง และไฟถนนทำให้การเดินทางปลอดภัยยิ่งขึ้นในตอนกลางคืน จำนวนผู้อุปถัมภ์ในโรงภาพยนตร์ที่เพิ่มขึ้นอย่างมหาศาล การแสดงดำเนินไปนานขึ้น นำไปสู่ผลกำไรที่ดีขึ้นและมูลค่าการผลิตที่ดีขึ้น และผู้ชายก็เริ่มพาครอบครัวมาที่โรงละคร ละครเพลงชิ้นแรกที่มีการแสดงเกิน 500 ครั้งติดต่อกันคือละครฝรั่งเศสเรื่อง The Chimes of Normandyในปี พ.ศ. 2421 ^[32]ละครตลก ของ อังกฤษนำแนวคิดที่ประสบความสำเร็จมากมายของละครยุโรปมาใช้ ไม่ประสบความสำเร็จมากไปกว่าละครยาวมากกว่าหนึ่งโหล- การ แสดงโอเปร่าการ์ตูนของกิลเบิร์ตและซัลลิแวน รวมทั้งHMS Pinafore ( 1878) และThe Mikado(1885). ^[37]สิ่งเหล่านี้เป็นความรู้สึกทั้งสองด้านของมหาสมุทรแอตแลนติกและในออสเตรเลีย และช่วยยกระดับมาตรฐานสำหรับสิ่งที่ถือว่าเป็นการแสดงที่ประสบความสำเร็จ ^[40]รายการเหล่านี้ได้รับการออกแบบมาสำหรับครอบครัวผู้ชม ความแตกต่างจาก risqué burlesques การแสดงดนตรีในห้องโถงและละครฝรั่งเศสที่บางครั้งดึงดูดฝูงชนที่แสวงหาความบันเทิงที่มีประโยชน์น้อยลง ^[38]มีเพียงไม่กี่ชิ้นดนตรีในศตวรรษที่ 19 ที่เกินการทำงานของThe Mikadoเช่นDorothyซึ่งเปิดในปี 1886 และสร้างสถิติใหม่ด้วยการแสดง 931 ครั้ง กิลเบิร์ตและซัลลิแวนมีอิทธิพลต่อโรงละครดนตรีในยุคต่อมาอย่างลึกซึ้ง โดยสร้างตัวอย่างวิธีการ "ผสมผสาน" ละครเพลงเพื่อให้เนื้อร้องและบทสนทนามีเรื่องราวที่สอดคล้องกัน^{[41] [42]}งานของพวกเขาได้รับการยกย่องและคัดลอกโดยนักเขียนและนักประพันธ์เพลงในยุคแรก ๆ ในสหราชอาณาจักร ^{[43] [44]}และอเมริกา ^{[40] [45]}

ทศวรรษที่ 1890 ถึงศตวรรษใหม่

A Trip to Chinatown (1891) เป็นแชมป์บรอดเวย์ในระยะยาว (จนถึงไอรีนในปี 1919) ซึ่งแสดงได้ถึง 657 ครั้ง แต่การวิ่งในนิวยอร์กยังคงค่อนข้างสั้น โดยมีข้อยกเว้นเล็กน้อยเมื่อเทียบกับการวิ่งในลอนดอน จนถึงปี 1920 ^[32]กิลเบิร์ตและซัลลิแวนถูกละเมิดลิขสิทธิ์อย่างกว้างขวางและถูกลอกเลียนแบบในนิวยอร์กด้วยการผลิต เช่นโรบินฮู้ดของเรจินัลด์ เดอ โคเวน (1891) และเอล แคปปิตันของจอห์น ฟิลิป ซูซา (1896) A Trip to Coontown (1898) เป็นละครเพลงเรื่องแรกที่สร้างและแสดงโดยชาวแอฟริกันอเมริกัน ทั้งหมด บนถนนบรอดเวย์) ตามด้วยการแสดงแต่งแร็กไทม์ ละครเพลงหลายร้อยเรื่องจัดแสดงที่บรอดเวย์ในช่วงทศวรรษที่ 1890 และต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งประกอบด้วยเพลงที่แต่งขึ้นใน ตรอกทินแพนในนิวยอร์กรวมถึง เพลงของ จอร์จ เอ็ม. โคแฮนผู้ซึ่งทำงานเพื่อสร้างสไตล์อเมริกันที่แตกต่างจากผลงานของกิลเบิร์ตและซัลลิแวน การแสดงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในนิวยอร์กมักตามมาด้วยทัวร์ระดับประเทศมากมาย ^[46]

ในขณะเดียวกัน ละครเพลงก็เข้ายึดครองเวทีลอนดอนในGay Ninetiesนำโดยโปรดิวเซอร์George Edwardesผู้ซึ่งรับรู้ว่าผู้ชมต้องการทางเลือกใหม่ นอกเหนือจากละครตลกสไตล์ ซาวอยและการเสียดสีทางปัญญา การเมือง และไร้สาระ เขาทดลองแต่งตัวทันสมัย ​​สไตล์ละครเพลงที่เหมาะกับครอบครัว ด้วยเพลงที่ไพเราะและเป็นที่นิยม ล้อเล่นที่สนุกสนานและโรแมนติก และการแสดงที่มีสไตล์ที่Gaietyและโรงละครอื่นๆ ของเขา สิ่งเหล่านี้ดึงเอาประเพณีของละครตลกและใช้องค์ประกอบของล้อเลียนและของแฮร์ริแกนและฮาร์ต เขาแทนที่ผู้หญิงที่ตลกขบขันด้วยกองทหารที่ "น่านับถือ" ของGaiety Girlsเพื่อสร้างความสนุกสนานทางดนตรีและภาพ ความสำเร็จประการแรกเหล่านี้In Town (1892) และ A Gaiety Girl (1893) กำหนดรูปแบบสำหรับสามทศวรรษข้างหน้า โครงเรื่องโดยทั่วไปเบาและโรแมนติก "หญิงสาวผู้น่าสงสารรักขุนนางและชนะเขาจากทุกวิถีทาง" พร้อมดนตรีโดยIvan Caryll , Sidney Jonesและ Lionel Monckton การแสดงเหล่านี้ถูกลอกเลียนแบบอย่างกว้างขวางในอเมริกาในทันที และละครตลกของเอ็ดเวิร์ด ได้ กวาดเอารูปแบบละครเพลงและโอเปร่าการ์ตูนในยุคก่อนๆ ไป เกอิชา (1896) เป็นหนึ่งในผู้ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในยุค 1890 โดยดำเนินกิจการมานานกว่าสองปีและประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติ

The Belle of New York (1898) กลายเป็นละครเพลงอเมริกันเรื่องแรกที่ดำเนินการในลอนดอนมานานกว่าหนึ่งปี ละครเพลงตลกของอังกฤษชื่อ Florodora (1899) ได้รับความนิยมจากทั้งสองฝั่งของมหาสมุทรแอตแลนติก เช่นเดียวกับ A Chinese Honeymoon (1901) ซึ่งมีสถิติการแสดง 1,074 ครั้งในลอนดอนและ 376 ครั้งในนิวยอร์ก หลังจากช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 20 Seymour Hicksได้ร่วมมือกับ Edwardes และโปรดิวเซอร์ชาวอเมริกัน Charles Frohmanเพื่อสร้างการแสดงยอดนิยมอีกทศวรรษ เพลงตลกแนวเอ็ดเวิร์ดที่ยืนยงเรื่องอื่นๆ ได้แก่ The Arcadians (1909) และ The Quaker Girl (1910) ^[47]

ต้นศตวรรษที่ 20

เกือบถูกตัดออกจากเวทีที่พูดภาษาอังกฤษโดยการแข่งขันจากคอเมดีดนตรีสมัยเอ็ดเวิร์ดที่แพร่หลาย โอเปร่ากลับมาที่ลอนดอนและบรอดเวย์ในปี 1907 กับThe Merry Widowและการปรับตัวของละครเพลงภาคพื้นทวีปกลายเป็นคู่แข่งโดยตรงกับละครเพลง Franz LehárและOscar Strausแต่งละครใหม่ที่ได้รับความนิยมในภาษาอังกฤษจนถึงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง^[48]ในอเมริกาVictor Herbertได้ผลิตละครโอเปร่าที่ยืนยงรวมถึงThe Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle Modiste (1905), The Red Mill (1906) และNaughty Marietta (1910)

ในช่วงทศวรรษที่ 1910 ทีมงานของPG Wodehouse , Guy BoltonและJerome Kernได้เดินตามรอยGilbert และ Sullivanได้สร้าง "การ แสดงของ Princess Theatre " และปูทางให้กับงานของ Kern ในเวลาต่อมา โดยแสดงให้เห็นว่าดนตรีสามารถผสมผสานแสงที่เป็นที่นิยม ความบันเทิงที่มีความต่อเนื่องระหว่างเรื่องราวและเพลง ^[41]นักประวัติศาสตร์Gerald Bordmanเขียนว่า:

การแสดงเหล่านี้สร้างและขัดเกลาแม่พิมพ์ซึ่งเกือบทั้งหมดมีวิวัฒนาการมาจากละครตลกที่สำคัญในเวลาต่อมา ... ตัวละครและสถานการณ์ต่าง ๆ อยู่ภายใต้ข้อจำกัดของใบอนุญาตแสดงตลก ตลกและน่าเชื่อถือมาจากสถานการณ์หรือธรรมชาติของตัวละคร ท่วงทำนองที่ไพเราะของ Kern ถูกนำมาใช้เพื่อส่งเสริมการกระทำหรือพัฒนาลักษณะเฉพาะ ... [เอ็ดเวิร์ด] มิวสิคัลคอมเมดี้มักมีความผิดในการแทรกเพลงในรูปแบบที่ฮิตหรือพลาด ละครเพลงของ Princess Theatre ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในแนวทาง PG Wodehouse นักแต่งบทเพลงที่ช่างสังเกต รู้หนังสือ และมีไหวพริบที่สุดในสมัยของเขา และทีมงานของ Bolton, Wodehouse และ Kern มีอิทธิพลมาจนถึงทุกวันนี้ ^[49]

ผู้ชมที่เข้าชมโรงละครต้องการความบันเทิงสำหรับผู้หลบหนีในช่วงเวลาที่มืดมิดของสงครามโลกครั้งที่ 1และพวกเขาก็แห่กันไปที่โรงละคร 2462 ตีละครเพลงไอรีนวิ่งเพื่อ 670 การแสดง บรอดเวย์เร็กคอร์ดจนกระทั่ง 2481 ^[50]ที่สาธารณะโรงละครอังกฤษสนับสนุนอีกต่อไปเช่นแม่บ้านแห่งขุนเขา (การแสดง 1,352 ) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งชูชินโจว การแสดง 2,238 การแสดงนั้นยาวนานกว่าละครเพลงเรื่องก่อนๆ ถึงสองเท่า ซึ่งสร้างสถิติที่ยืนยาวเกือบสี่สิบปี ^[51]ผลงานเช่นThe Bing Boys Are Here in Britain และของFlorenz Ziegfeldและผู้ลอกเลียนแบบของเขาในอเมริกาก็ได้รับความนิยมเป็นพิเศษเช่นกัน ^[35]

ละครเพลงของRoaring Twentiesที่ยืมมาจากเพลง หอ แสดงดนตรี และการแสดงแสงสีอื่นๆ มักจะเน้นย้ำถึงกิจวัตรการเต้นขนาดใหญ่และเพลงยอดนิยมโดยเสียพล็อตเรื่องไป แบบฉบับของทศวรรษคือโปรดักชั่นที่สนุกสนานเช่นSally ; เลดี้ เป็นคนดี ; ไม่ ไม่ นาเนตต์ ; โอ้เคย์! ; และหน้าตลก แม้จะมีเรื่องราวที่ลืมไม่ลง ละครเพลงเหล่านี้มีดาราดังเช่นMarilyn MillerและFred Astaireและผลิตเพลงยอดนิยมที่ยืนยงหลายสิบเพลงโดย Kern, GeorgeและIra Gershwin , Irving Berlin , Cole Porterและร็อดเจอร์สและฮาร์ต เพลงยอดนิยมถูกครอบงำด้วยมาตรฐานละครเพลง เช่น " Fascinating Rhythm ", " Tea for Two " และ " Someone to Watch Over Me " การแสดงหลายรายการเป็นการทบทวนชุดของภาพสเก็ตช์และเพลงที่มีความสัมพันธ์กันเพียงเล็กน้อยหรือไม่มีเลย ที่รู้จักกันดีที่สุดคืองานZiegfeld Follies ประจำปี การแสดง เพลงและการเต้นรำอันตระการตาบนบรอดเวย์ที่มีฉากฟุ่มเฟือย เครื่องแต่งกายที่วิจิตรบรรจง และนักร้องประสานเสียงสาวสวย ^[23]แว่นตาเหล่านี้ยังเพิ่มมูลค่าการผลิต และการติดตั้งดนตรีโดยทั่วไปก็มีราคาแพงกว่า ^[35] สับเปลี่ยนตาม (1921) ทั้งหมด- แอฟริกันอเมริกันการแสดงได้รับความนิยมในบรอดเวย์ ^[52]นักแต่งเพลงโอเปร่ายุคใหม่ก็ปรากฏตัวขึ้นในยุค 1920 เช่นRudolf FrimlและSigmund Rombergเพื่อสร้างละครบรอดเวย์ยอดนิยมหลายเรื่อง ^[53]

ในลอนดอน นักเขียน-ดารา เช่นIvor NovelloและNoël Cowardได้รับความนิยม แต่ความเป็นอันดับหนึ่งของโรงละครดนตรีของอังกฤษตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ถึง 1920 ค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยนวัตกรรมของอเมริกา โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังสงครามโลกครั้งที่ 1 เช่น Kern และนักประพันธ์เพลงTin Pan Alleyเริ่มนำสไตล์ดนตรีใหม่ๆ เช่นแร็กไทม์และแจ๊สมาสู่โรงภาพยนตร์ และพี่น้องชูเบิร์ตเข้าควบคุมโรงละครบรอดเวย์ นักเขียนบทละครเวทีแอนดรูว์ แลมบ์"รูปแบบโอเปร่าและการแสดงละครของโครงสร้างทางสังคมในศตวรรษที่สิบเก้าถูกแทนที่ด้วยรูปแบบดนตรีที่เหมาะกับสังคมในศตวรรษที่ 20 และสำนวนพื้นถิ่นมากขึ้น รูปแบบที่ตรงกว่านั้นมาจากอเมริกา และในอเมริกาก็เป็นแบบนั้น สามารถเจริญก้าวหน้าในสังคมที่กำลังพัฒนาน้อยลงตามประเพณีของศตวรรษที่สิบเก้า" ^[54]ในฝรั่งเศสละครตลกเขียนขึ้นระหว่างช่วงต้นทศวรรษของศตวรรษสำหรับดาราดังเช่นอีวอนน์ พริน เตมป์ ส์ ^[55]

แสดงเรือและภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่

Broadway's Show Boat (1927) ก้าวหน้าไปไกลกว่าละครเพลงเรื่องไร้สาระและละครเพลงที่ซาบซึ้งในทศวรรษ1927 แสดงถึงการผสานรวมหนังสือและบทเพลงได้อย่างสมบูรณ์ยิ่งกว่าละครเพลงของ Princess Theatre โดยมีเนื้อหาเกี่ยวกับละครที่บอกเล่าผ่านดนตรี บทสนทนา ฉาก และการเคลื่อนไหว . สิ่งนี้สำเร็จได้ด้วยการผสมผสานเนื้อร้องของดนตรีของ Kern เข้ากับบทเพลงที่ไพเราะของOscar Hammerstein II นักประวัติศาสตร์คนหนึ่งเขียนว่า "ที่นี่เรามาถึงแนวใหม่โดยสิ้นเชิง - ละครเพลงที่แตกต่างจากละครตลก ตอนนี้ ... อย่างอื่นยอมจำนนต่อบทละครนั้น ตอนนี้ ... ได้รวมเอาเพลง อารมณ์ขัน และจำนวนการผลิตเข้าไว้ด้วยกันอย่างสมบูรณ์ เอนทิตีทางศิลปะเดียวและแยกไม่ออก" ^[56]

ในขณะที่ภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่เกิด ขึ้นระหว่างการทัวร์ โชว์โบ๊ ท ระดับชาติหลังบรอดเวย์ประชาชนก็หันกลับไปสู่ความบันเทิงเพลงและการเต้นรำที่เบาและหลีกหนีจากความวุ่นวายเป็นส่วนใหญ่ ^[49]ผู้ชมทั้งสองฟากของมหาสมุทรแอตแลนติกมีเงินเพียงเล็กน้อยเพื่อใช้จ่ายเพื่อความบันเทิง และมีเพียงไม่กี่การแสดงบนเวทีที่มีการแสดงเกิน 500 การแสดงในช่วงทศวรรษ การแสดงThe Band Wagon (1931) นำแสดงโดย Fred Astaire และAdele น้องสาวของเขา ขณะที่ Porter's Anything Goes (1934) ยืนยัน ตำแหน่งของ Ethel Mermanในฐานะสุภาพสตรีหมายเลขหนึ่งของโรงละครดนตรี ซึ่งเป็นตำแหน่งที่เธอคงอยู่มานานหลายปี คนขี้ขลาดและโนเวลโลยังคงนำเสนอละครเพลงแนวเก่าและซาบซึ้งเช่นThe Dancing Yearsในขณะที่ Rodgers และ Hart กลับมาจากฮอลลีวูดเพื่อสร้างซีรีส์การแสดงบรอดเวย์ที่ประสบความสำเร็จ รวมถึง On Your Toes (1936 กับ Ray Bolgerซึ่งเป็นละครเพลงบรอดเวย์เรื่องแรกที่ใช้การเต้นคลาสสิกอย่างน่าทึ่ง), Babes in Arms (1937) และ The Boys from Syracuse (1938) Porter เพิ่ม Du Barry Was a Lady (1939) ละครเพลงที่ดำเนินมายาวนานที่สุดในช่วงทศวรรษที่ 1930 คือ Hellzapoppin (1938) ซึ่งเป็นชุดที่ผู้ชมมีส่วนร่วม ซึ่งเล่นไปได้ถึง 1,404 การแสดง สร้างสถิติใหม่ของบรอดเวย์ ^[50]

ถึงกระนั้น ทีมงานสร้างสรรค์บางส่วนก็เริ่มสร้างนวัตกรรมของShow Boat เรื่อง Thee I Sing (1931) ซึ่งเป็นการเสียดสีทางการเมืองโดย Gershwins เป็นละครเพลงเรื่องแรกที่ได้รับรางวัลพูลิตเซอร์ ^{[23] [57]} As Thousands Cheer (1933) การแสดงโดยเออร์วิง เบอร์ลินและมอส ฮาร์ตซึ่งแต่ละเพลงหรือภาพร่างมีพื้นฐานมาจากหัวข้อข่าวของหนังสือพิมพ์ เป็นการแสดงบรอดเวย์รายการแรกที่ชาวแอฟริกัน-อเมริกันชื่อเอเธล วอเตอร์ส นำแสดง เคียงข้างนักแสดงผิวขาว ตัวเลขของ Waters รวมถึง " Supper Time " ผู้หญิงคร่ำครวญถึงสามีที่ถูกลงประชามติ ^[58] Porgy and Bessของ Gershwins (1935) นำเสนอนักแสดงแอฟริกัน-อเมริกันและสำนวนโอเปร่า โฟล์ก และแจ๊สแบบผสมผสาน The Cradle Will Rock (1937) กำกับการแสดงโดยOrson Welles เป็นผลงานทางการเมืองที่สูงมากแม้ว่าจะมีการโต้เถียงรอบด้าน แต่ก็มีการแสดงถึง 108 ครั้ง ^[35] Rodgers and Hart's I'd Because Be Right (1937) เป็นการเสียดสีทางการเมืองกับGeorge M. CohanในฐานะประธานาธิบดีFranklin D. RooseveltและKnickerbocker HolidayของKurt Weillพรรณนาถึงประวัติศาสตร์ยุคแรกๆ ของนครนิวยอร์ก ในขณะที่ Roosevelt เสียดสีอย่างมีอัธยาศัยดี ความตั้งใจดี.

ภาพยนตร์เรื่องนี้ท้าทายบนเวที ภาพยนตร์เงียบนำเสนอการแข่งขันที่จำกัด แต่ในช่วงปลายทศวรรษ 1920 ภาพยนตร์อย่างThe Jazz Singerสามารถนำเสนอด้วยเสียงที่ซิงโครไนซ์ได้ ภาพยนตร์ "ทอล์คกี้"ในราคาที่ต่ำสามารถฆ่าเพลง ได้อย่างมีประสิทธิภาพ ในช่วงต้นทศวรรษ 1930 ^[59]แม้จะมีปัญหาทางเศรษฐกิจในช่วงทศวรรษที่ 1930 และการแข่งขันจากภาพยนตร์ ละครเพลงก็รอดชีวิต อันที่จริง มันยังคงพัฒนาต่อไปอย่างมีใจความนอกเหนือจากละครเพลงมุขตลกและละครเวทีเรื่องGay NinetiesและRoaring Twentiesและความโรแมนติกที่ซาบซึ้งของละครเวที โดยเพิ่มความเชี่ยวชาญทางเทคนิคและรูปแบบการพูดคุยที่ดำเนินไปอย่างรวดเร็วและเป็นธรรมชาติ นำโดยผู้กำกับGeorge Abbott. ^[23]

ยุคทอง (ค.ศ. 1940 ถึง 1960)

ทศวรรษที่ 1940

ทศวรรษที่ 1940 จะเริ่มต้นด้วยเพลงฮิตจาก Porter, Irving Berlin , Rodgers and Hart, Weill และ Gershwin ที่มีการแสดงมากกว่า 500 ครั้งในขณะที่เศรษฐกิจฟื้นตัว แต่การเปลี่ยนแปลงทางศิลปะอยู่ในอากาศ

โอกลาโฮมาของRodgers และ Hammerstein ! (พ.ศ. 2486) เสร็จสิ้นการปฏิวัติที่เริ่มต้นโดยShow Boatโดยการบูรณาการทุกแง่มุมของโรงละครดนตรีอย่างแน่นหนาด้วยโครงเรื่องที่สอดคล้องกัน เพลงที่ส่งเสริมการกระทำของเรื่องราว และนำเสนอบัลเลต์ในฝันและการเต้นรำอื่น ๆ ที่พัฒนาโครงเรื่องและพัฒนาตัวละคร แทนที่จะใช้การเต้นรำเป็นข้ออ้างในการแห่ผู้หญิงที่นุ่งน้อยห่มน้อยข้ามเวที ^[3] Rodgers และ Hammerstein จ้างนักออกแบบท่าเต้นบัลเล่ต์Agnes de Milleซึ่งใช้การเคลื่อนไหวทุกวันเพื่อช่วยให้ตัวละครแสดงความคิด มันท้าทายธรรมเนียมปฏิบัติทางดนตรีโดยเปิดม่านฉากแรกขึ้น ไม่ใช่กับฝูงสาวที่ขับร้อง แต่ชอบผู้หญิงที่ปั่นป่วน ด้วยเสียงนอกเวทีร้องเพลงเปิดของโอ้ ช่างเป็นมอร์นิ่งที่สวยงามจริงๆ ที่ไม่มีผู้ติดตาม ได้รับการวิจารณ์อย่างคลั่งไคล้ สร้างความตื่นเต้นให้กับบ็อกซ์ออฟฟิศ และได้รับรางวัลพูลิตเซอร์ ^[60] บรู๊คส์แอตกินสันเขียนในเดอะนิวยอร์กไทม์สว่ารายการเปิดตัวหมายเลขเปลี่ยนประวัติศาสตร์ของละครเพลง: "หลังจากกลอนเช่นนั้น ร้องเป็นท่วงทำนองลอยตัว ความซ้ำซากของเวทีดนตรีเก่าก็ทนไม่ได้" ^[61]เป็นการแสดงบรอดเวย์ "บล็อกบัสเตอร์" รายการแรก มีการแสดงทั้งหมด 2,212 ครั้ง และกลายเป็นภาพยนตร์ฮิต มันยังคงเป็นหนึ่งในโครงการที่ผลิตบ่อยที่สุดของทีม William A. Everett และ Paul R. Lairdเขียนว่านี่คือ "การแสดงที่เหมือน Show Boatกลายเป็นเหตุการณ์สำคัญ ดังนั้นนักประวัติศาสตร์ในเวลาต่อมาที่เขียนเกี่ยวกับช่วงเวลาสำคัญในโรงละครแห่งศตวรรษที่ 20 จะเริ่มระบุยุคสมัยตามความสัมพันธ์กับโอคลาโฮมา! ". ^[62]

"หลังจากโอกลาโฮมา!ร็อดเจอร์สและแฮมเมอร์สเตนเป็นผู้มีส่วนร่วมที่สำคัญที่สุดในรูปแบบการเล่นดนตรี... ตัวอย่างที่พวกเขากำหนดไว้ในการสร้างบทละครที่สำคัญซึ่งมักจะเต็มไปด้วยความคิดทางสังคม ได้ให้การสนับสนุนที่จำเป็นสำหรับนักเขียนที่มีพรสวรรค์คนอื่น ๆ เพื่อสร้างบทละครเพลงของ ด้วยตัวของพวกเขาเอง". ^[56]ผู้ร่วมงานทั้งสองได้สร้างคอลเลกชั่นพิเศษของผลงานคลาสสิกที่เป็นที่รักและยืนยงที่สุดของโรงละครดนตรี รวมถึงCarousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) และThe Sound of Music (1959) ละครเพลงเหล่านี้บางเรื่องมีเนื้อหาที่จริงจังมากกว่าการแสดงก่อนหน้านี้: วายร้ายในโอคลาโฮมา!เป็นผู้ต้องสงสัยว่าเป็นฆาตกรและโรคจิต ชอบโปสการ์ดลามก ม้าหมุนเกี่ยวข้องกับการล่วงละเมิดคู่สมรส การลักขโมย การฆ่าตัวตาย และชีวิตหลังความตาย แปซิฟิกใต้สำรวจความเข้าใจผิดอย่างถี่ถ้วนยิ่งกว่าShow Boat ; และพระเอกของThe King and Iเสียชีวิตบนเวที

ความคิดสร้างสรรค์ของรายการได้กระตุ้นผู้ร่วมสมัยของ Rodgers และ Hammerstein และนำไปสู่ ​​"ยุคทอง" ของโรงละครดนตรีอเมริกัน ^[61] Americana ถูกแสดงบนบรอดเวย์ในช่วง "ยุคทอง" เมื่อวงจรการแสดงเริ่มเข้าสู่ช่วงสงคราม ตัวอย่างนี้คือOn the Town (1944) เขียนโดยBetty ComdenและAdolph GreenเรียบเรียงโดยLeonard Bernstein และออกแบบท่า เต้นโดยJerome Robbins เรื่องราวเกิดขึ้นในช่วงสงครามและเกี่ยวข้องกับลูกเรือสามคนที่เดินทางออกจากฝั่งตลอด 24 ชั่วโมงในนิวยอร์กซิตี้ ซึ่งแต่ละคนต่างก็ตกหลุมรักกัน การแสดงยังสร้างความประทับใจให้กับประเทศที่มีอนาคตที่ไม่แน่นอน เช่นเดียวกับลูกเรือและผู้หญิงของพวกเขา เออร์วิง เบอร์ลินใช้อาชีพของนักแม่นปืนAnnie Oakleyเป็นพื้นฐานสำหรับAnnie Get Your Gun (1946, 1,147 การแสดง); Burton Lane , EY HarburgและFred Saidyผสมผสานการเสียดสีทางการเมืองกับไอริชอย่างรวดเร็วสำหรับจินตนาการFinian's Rainbow (1947, 725 การแสดง); และโคล พอร์เตอร์พบแรงบันดาลใจใน ภาพยนตร์ของ วิลเลียม เชกสเปียร์เรื่องThe Taming of the ShrewสำหรับKiss Me, Kate (1948, การแสดง 1,077 ครั้ง) ละครเพลงอเมริกันครอบงำการแสดงสไตล์ British Coward/Novello แบบเก่า ซึ่งเป็นหนึ่งในความสำเร็จครั้งใหญ่ครั้งสุดท้ายของการแสดงPerchance to Dream ของ Novello(1945, 1,021 การแสดง). สูตรสำหรับละครเพลงยุคทองสะท้อนหนึ่งหรือมากกว่าหนึ่งในสี่การรับรู้อย่างกว้างขวางของ "ความฝันแบบอเมริกัน": ความมั่นคงและความคุ้มค่านั้นเกิดขึ้นจากความสัมพันธ์ความรักที่ลงโทษและจำกัดโดยอุดมคติของการแต่งงานแบบโปรเตสแตนต์ ว่าคู่สามีภรรยาควรสร้างบ้านที่มีศีลธรรมกับลูกที่อยู่ห่างไกลจากเมืองในแถบชานเมืองหรือเมืองเล็กๆ ว่าหน้าที่ของสตรีเป็นแม่บ้านและมารดา และชาวอเมริกันรวมเอาจิตวิญญาณที่เป็นอิสระและเป็นผู้บุกเบิกหรือความสำเร็จของพวกเขาเกิดขึ้นเอง ^[63]

ทศวรรษ 1950

ทศวรรษ 1950 มีความสำคัญต่อการพัฒนาดนตรีอเมริกัน ^[64] Damon Runyonเป็นตัวละครที่เป็นแกนหลักของFrank LoesserและAbe Burrows ' Guys and Dolls , (1950, 1,200 การแสดง); และGold Rushเป็นฉากของAlan Jay LernerและPaint Your Wagon ของ Frederick Loewe (1951) การแสดงที่ค่อนข้างสั้นในช่วงเจ็ดเดือนนั้นไม่ได้กีดกันLerner และ Loeweจากการทำงานร่วมกันอีกครั้ง คราวนี้ในMy Fair Lady (1956) การดัดแปลงของPygmalion ของ George Bernard Shawที่นำแสดงโดยRex HarrisonและJulie Andrewsซึ่งแสดง 2,717 ครั้งถือเป็นสถิติระยะยาวเป็นเวลาหลายปี ภาพยนตร์ฮอลลีวูดยอดนิยมสร้างจากละครเพลงเหล่านี้ทั้งหมด สองเพลงฮิตจากผู้สร้างชาวอังกฤษในทศวรรษนี้คือThe Boy Friend (1954) ซึ่งมีการแสดง 2,078 ครั้งในลอนดอนและถือเป็นการเปิดตัวครั้งแรกของ Andrews ในอเมริกา และSalad Days (1954) ด้วยการแสดง 2,283 ครั้ง ^[51]

อีกเพลงหนึ่งสร้างโดยThe Threepenny Operaซึ่งมีการแสดง 2,707 ครั้ง กลายเป็นละครเพลงนอกบรอดเวย์ที่ยาวที่สุดจนถึงThe Fantasticks การผลิตยังทำลายจุดยืนด้วยการแสดงให้เห็นว่าละครเพลงสามารถทำกำไรนอกบรอดเวย์ในรูปแบบออเคสตราขนาดเล็กขนาดเล็ก สิ่งนี้ได้รับการยืนยันในปี 1959 เมื่อมีการฟื้นคืนชีพของเจอโรม เคิร์นและLeave It to JaneของPG Wodehouseดำเนินไปนานกว่าสองปี ฤดูกาล นอกบรอดเวย์ปี 1959–1960 มีละครเพลงและละครหลายเรื่องรวมถึงLittle Mary Sunshine , The FantasticksและErnest in LoveละครเพลงดัดแปลงของOscar Wildeตี 1895 ความสำคัญของการเป็น คนเอาจริงเอาจัง ^[65]

เวสต์ไซด์สตอรี่ (1957) นำพาโรมิโอและจูเลียตไปสู่นิวยอร์กซิตี้สมัยใหม่และเปลี่ยนครอบครัว Montague และ Capulet ที่บาดหมางให้กลายเป็นกลุ่มชาติพันธุ์ที่ต่อต้านพวกเจ็ตส์และฉลาม หนังสือเล่มนี้ดัดแปลงโดย Arthur Laurentsดนตรีโดย Leonard Bernsteinและเนื้อร้องโดย Stephen Sondheim ผู้มา ใหม่ ถูกวิจารณ์โดยนักวิจารณ์ แต่ล้มเหลวที่จะเป็นตัวเลือกยอดนิยมสำหรับ "สุภาพสตรีผมสีฟ้า" ซึ่งชอบเมืองเล็ก ๆ ริเวอร์ซิตี้ The Music Man (1957) ของ เมเรดิ ธ วิลสันในไปยังตรอกแมนฮัตตัน อัปเปอร์เวสต์ไซด์. เห็นได้ชัดว่ารางวัลโทนี่ผู้มีสิทธิเลือกตั้งมีความคิดคล้ายคลึงกันเนื่องจากพวกเขาชอบคนเดิมมากกว่าคนหลัง West Side Storyมีการแสดง 732 ครั้ง (1,040 ครั้งใน West End) ในขณะที่The Music Manวิ่งเกือบสองเท่าด้วยการแสดง 1,375 ครั้ง อย่างไรก็ตาม ภาพยนตร์ West Side Storyปี1961ประสบความสำเร็จอย่างมาก ^[66] Laurents และ Sondheim ร่วมมือกันอีกครั้งสำหรับGypsy (1959, 702 การแสดง) โดยJule Styneให้ดนตรีสำหรับเรื่องราวหลังเวทีเกี่ยวกับแม่บนเวทีที่มีแรงผลักดันมากที่สุดตลอดกาล ผู้เต้นระบำเปลื้องผ้าGypsy Rose Leeแม่ของ Rose นักเต้นระบำเปลื้องผ้า การผลิตดั้งเดิมวิ่งไป 702 การแสดง และได้รับการฟื้นฟูสี่ครั้งตามมาด้วยAngela Lansbury , Tyne Daly , Bernadette PetersและPatti LuPoneจัดการกับบทบาทที่ Ethel Merman โด่งดัง

แม้ว่าผู้กำกับและนักออกแบบท่าเต้นจะมีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบการแสดงดนตรีอย่างน้อยตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 แต่^[67] George Abbott และผู้ร่วมงานและผู้สืบทอดตำแหน่งของเขามีบทบาทสำคัญในการผสมผสานการเคลื่อนไหวและการเต้นรำเข้ากับการผลิตละครเพลงในยุคทองอย่างเต็มที่ ^[68]แอ๊บบอตแนะนำบัลเล่ต์เป็นอุปกรณ์เล่าเรื่องในOn Your Toesในปี 1936 ซึ่งตามมาด้วย บัลเล่ต์และการออกแบบท่าเต้นของ Agnes de Milleในโอคลาโฮมา! . ^[69]หลังจากที่แอ๊บบอตร่วมมือกับเจอโรม ร็อบบินส์ในOn the Townและรายการอื่นๆ ร็อบบินส์ได้รวมบทบาทของผู้กำกับและนักออกแบบท่าเต้น โดยเน้นย้ำถึงพลังการเล่าเรื่องของการเต้นในWest Side Story, เรื่องตลกเกิดขึ้นระหว่างทางสู่ฟอรัม (1962) และFiddler on the Roof (1964) Bob Fosseออกแบบท่าเต้นให้กับ Abbott ในThe Pajama Game (1956) และDamn Yankees (1957) ที่อัดฉีดความสนุกสนานทางเพศเข้าไปในเพลงฮิตเหล่านั้น ต่อมาเขาเป็นผู้กำกับและนักออกแบบท่าเต้นให้กับSweet Charity (1968), Pippin (1972) และChicago (1975) ผู้กำกับและนักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ได้แก่Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian LynneและSusan Stroman ผู้กำกับที่มีชื่อเสียงได้รวมHal Princeซึ่งได้เริ่มต้นกับแอ๊บบอต^[68]และเทรเวอร์นันน์ ^[70]

ในช่วงยุคทอง บริษัทยานยนต์และบริษัทขนาดใหญ่อื่นๆ เริ่มจ้างผู้มีความสามารถพิเศษในบรอดเวย์มาเขียนบทละครเพลงขององค์กรรายการส่วนตัวที่พนักงานหรือลูกค้าเห็นเท่านั้น ^{[71] [72]}ยุค 50 จบลงด้วยการตีครั้งสุดท้ายของRodgers และ Hammerstein , The Sound of Musicซึ่งกลายเป็นอีกหนึ่งเพลงฮิตสำหรับ Mary Martin มีการแสดง 1,443 ครั้งและได้รับรางวัล Tony Award สาขาดนตรียอดเยี่ยม เมื่อรวมกับเวอร์ชันภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จอย่างสูงในปี 1965 ภาพยนตร์เรื่องนี้จึงกลายเป็นหนึ่งในละครเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในประวัติศาสตร์

ทศวรรษ 1960

ในปี 1960 Fantasticksถูกผลิตขึ้นนอกบรอดเวย์เป็นครั้งแรก การแสดงเชิงเปรียบเทียบที่เป็นกันเองนี้จะดำเนินไปอย่างเงียบๆ เป็นเวลานานกว่า 40 ปีที่ Sullivan Street Theatre ในGreenwich Villageและกลายเป็นละครเพลงที่ดำเนินมายาวนานที่สุดในประวัติศาสตร์ ผู้เขียนได้ผลิตผลงานที่เป็นนวัตกรรมอื่นๆ ในปี 1960 เช่นCelebrationและI Do! ฉันทำ! ละครเพลงบรอดเวย์สองตัวละครแรก ทศวรรษที่ 1960 จะได้เห็นภาพยนตร์ดังหลายเรื่อง เช่นFiddler on the Roof (1964; 3,242 การแสดง) สวัสดี Dolly! (1964; 2,844 การแสดง), Funny Girl (1964; 1,348 การแสดง) และMan of La Mancha (1965; 2,328 การแสดง) และการแสดงตลกอื่นๆ เช่นคาบาเร่ต์ก่อนที่จะจบลงด้วยการเกิดขึ้นของดนตรีร็อค ผู้ชายสองคนมีผลกระทบอย่างมากต่อประวัติศาสตร์โรงละครดนตรีในช่วงทศวรรษนี้:Stephen Sondheimและ Jerry Herman

โปรเจ็กต์แรกที่ Sondheim เขียนทั้งดนตรีและเนื้อเพลงคือA Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 performances) โดยมีหนังสืออิงจากผลงานของPlautusโดยBurt SheveloveและLarry GelbartนำแสดงโดยZero Mostel ซอนด์เฮมขยับละครเพลงเกินกว่าจะเพ่งความสนใจไปที่โครงเรื่องโรแมนติกตามแบบฉบับของยุคก่อน ๆ งานของเขามีแนวโน้มที่จะมืดลง สำรวจด้านที่เลวร้ายของชีวิตทั้งในปัจจุบันและในอดีต ผลงานอื่นๆ ของ Sondheim ในยุคแรกๆ ได้แก่ใครๆ ก็ทำได้ Whistle (1964 ซึ่งมีการแสดงเพียงเก้าครั้ง แม้จะมีดาราLee RemickและAngela Lansburyก็ตาม) และบริษัท ที่ประสบความสำเร็จ(1970), Follies (1971) และA Little Night Music (1973) ต่อมา Sondheim พบแรงบันดาลใจในแหล่งที่ไม่น่าจะเกิดขึ้น: การเปิดประเทศญี่ปุ่นสู่การค้าตะวันตกสำหรับPacific Overtures (1976) ช่างตัดผมในตำนานที่แสวงหาการแก้แค้นในยุคอุตสาหกรรมแห่งลอนดอนสำหรับSweeney Todd (1979) ภาพวาดของGeorges Seuratในวันอาทิตย์ใน The Park with George (1984), นิทานเรื่องInto the Woods (1987) และกลุ่ม นักฆ่า ประธานาธิบดีในAssassins (1990)

ในขณะที่นักวิจารณ์บางคนแย้งว่าละครเพลงของซอนด์เฮมบางเพลงขาดความดึงดูดใจในเชิงพาณิชย์ แต่คนอื่นๆ กลับยกย่องความไพเราะของบทเพลงและความซับซ้อนทางดนตรี เช่นเดียวกับการที่เนื้อร้องและดนตรีเข้ามาเกี่ยวข้องในรายการของเขา นวัตกรรมที่โดดเด่นของ Sondheim ได้แก่ การแสดงแบบย้อนกลับ ( Merrily We Roll Along ) และ ใครก็ตามที่สามารถ Whistleที่กล่าวถึงข้างต้นซึ่งฉากแรกจบลงด้วยนักแสดงที่แจ้งให้ผู้ชมทราบว่าพวกเขาโกรธ

เจอร์รี เฮอร์แมนมีบทบาทสำคัญในโรงละครดนตรีอเมริกัน โดยเริ่มจากการแสดงละครบรอดเวย์เรื่องแรกเรื่องMilk and Honey (1961, 563) เกี่ยวกับการก่อตั้งรัฐอิสราเอลและภาพยนตร์ฮิตเรื่องดังHello, Dolly! (1964, 2,844 การแสดง), Mame (1966, 1,508 การแสดง) และLa Cage aux Folles (1983, 1,761 การแสดง) แม้แต่การแสดงที่ประสบความสำเร็จน้อยกว่าของเขาอย่างDear World (1969) และMack and Mabel (1974) ก็มีคะแนนที่น่าจดจำ ( ต่อมา Mack และ Mabelถูกนำกลับมาทำใหม่ในเพลงฮิตในลอนดอน) แต่งทั้งคำและเพลง หลาย เพลงประกอบละครของเฮอร์มันได้กลายเป็นมาตรฐานยอดนิยม ได้แก่ " สวัสดี ดอลลี่! ", "เราต้องการคริสต์มาสน้อย", "ฉันคือสิ่งที่ฉันเป็น", "หม่าม๊า", "ช่วงเวลาที่ดีที่สุด", "ก่อนขบวนพาเหรดผ่านไป", "พุท" On Your Sunday Clothes", "It Only Takes a Moment", "Bosom Buddies" และ "I Won't Send Roses" บันทึกเสียงโดยศิลปินเช่นLouis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clarkและ Bernadette Peters หนังสือเพลงของเฮอร์แมนเป็นหัวข้อของการแสดงละครเพลงยอดนิยมสองเรื่องคือJerry's Girls (Broadway, 1985) และShowtune (off-Broadway, 2003)

ละครเพลงเริ่มแตกต่างไปจากขอบเขตที่ค่อนข้างแคบของทศวรรษ 1950 เพลงร็อคจะถูกนำมาใช้ในละครเพลงบรอดเวย์หลายเรื่อง โดยเริ่มด้วยเพลงHairซึ่งไม่เพียงแต่นำเสนอดนตรีร็อคเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพเปลือยและความคิดเห็นที่ขัดแย้งเกี่ยวกับสงครามเวียดนามความสัมพันธ์ทางเชื้อชาติ และประเด็นทางสังคมอื่นๆ ^[73]

ธีมโซเชียล

After Show Boat and Porgy and Bessและในขณะที่การต่อสู้ในอเมริกาและที่อื่น ๆ เพื่อสิทธิพลเมือง ของชนกลุ่มน้อย คืบหน้า Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburgและคนอื่น ๆ ได้กล้าที่จะเขียนละครเพลงและโอเปร่าที่มุ่งเป้าไปที่การยอมรับทางสังคมของชนกลุ่มน้อยและกระตุ้น ความสามัคคีทางเชื้อชาติ งานยุคทองตอนต้นที่เน้นเรื่องความอดกลั้นทางเชื้อชาติ ได้แก่Finian 's RainbowและSouth Pacific ในช่วงปลายยุคทอง มีการแสดงหลายรายการเกี่ยวกับหัวข้อและประเด็นของชาวยิว เช่นFiddler on the Roof , Milk and Honey , Blitz! และต่อมาRags. แนวความคิดดั้งเดิมที่กลายเป็นเรื่อง West Side Storyเกิดขึ้นที่ฝั่งตะวันออกตอนล่างระหว่างการเฉลิมฉลองเทศกาลอีสเตอร์-ปัสกา แก๊งคู่แข่งต้องเป็นยิวและอิตาลี คาทอลิค ภายหลังทีมสร้างสรรค์ตัดสินใจว่าความขัดแย้งระหว่างโปแลนด์ (สีขาว) กับเปอร์โตริโกนั้นสดใหม่กว่า ^[74]

ความอดทนเป็นหัวข้อสำคัญในละครเพลงได้ดำเนินต่อไปในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา การแสดงออกครั้งสุดท้ายของWest Side Storyได้ทิ้งข้อความแสดงความอดทนต่อเชื้อชาติ ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ละครเพลงกลายเป็นการผสมผสานทางเชื้อชาติ โดยนักแสดงขาวดำยังครอบคลุมบทบาทของกันและกัน เช่นเดียวกับที่พวกเขาทำในHair ^[75]การรักร่วมเพศยังได้รับการสำรวจในละครเพลง เริ่มต้นด้วยแฮร์ และยิ่งเปิดเผยมากขึ้นในLa Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig และ Angry Inchและรายการอื่น ๆ ในทศวรรษที่ผ่านมา ขบวนพาเหรดเป็นการสำรวจที่ละเอียดอ่อนของการต่อต้านชาวยิวและประวัติศาสตร์อเมริกันการเหยียดเชื้อชาติและRagtimeสำรวจประสบการณ์ของผู้อพยพและชนกลุ่มน้อยในอเมริกาในทำนองเดียวกัน

ทศวรรษ 1970 ถึงปัจจุบัน

ทศวรรษ 1970

หลังจากประสบความสำเร็จกับแฮร์ละครเพลงร็อคก็เจริญรุ่งเรืองในปี 1970 โดยมีJesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , EvitaและTwo Gentlemen of Verona บางส่วนเริ่มต้นจาก " อัลบั้มแนวคิด " ซึ่งต่อมาถูกปรับให้เข้ากับเวที โดยเฉพาะอย่างยิ่งพระเยซูคริสต์ซูเปอร์สตาร์และเอวิต้า คนอื่นไม่มีบทสนทนาหรือไม่ก็ชวนให้นึกถึงโอเปร่าโดยมีเนื้อหาเกี่ยวกับละครและอารมณ์ เหล่านี้บางครั้งเริ่มต้นเป็นอัลบั้มแนวคิดและถูกเรียกว่าโอเปร่าร็อค โชว์เหมือนลูกเกด , Dreamgirls ,Purlieและ The Wizนำอิทธิพลของชาวแอฟริกัน - อเมริกันที่สำคัญมาสู่บรอดเวย์ แนวดนตรีและสไตล์ที่หลากหลายถูกรวมเข้าไว้ในละครเพลงทั้งในและนอกบรอดเวย์โดยเฉพาะ ในเวลาเดียวกัน สตีเฟน ซอนด์เฮมก็ประสบความสำเร็จกับผลงานละครเพลงบางเรื่องของเขา ดังที่ได้กล่าวไว้ข้างต้น

ในปีพ.ศ. 2518 ละครเพลงเรื่องA Chorus Lineเกิดขึ้นจากเซสชันการบำบัดแบบกลุ่มที่บันทึกโดยMichael Bennettดำเนินการกับ "ยิปซี" ซึ่งเป็นผู้ที่ร้องเพลงและเต้นรำเพื่อสนับสนุนผู้เล่นชั้นนำ - จากชุมชนบรอดเวย์ จากเทปหลายร้อยชั่วโมงJames Kirkwood Jr.และNick Danteได้จัดทำหนังสือเกี่ยวกับการออดิชั่นสำหรับละครเพลง โดยผสมผสานเรื่องราวในชีวิตจริงจากเซสชันต่างๆ บางคนที่เข้าร่วมการประชุมในที่สุดก็เล่นในรูปแบบต่างๆ ของตนเองหรือกันและกันในการแสดง ด้วยดนตรีโดยMarvin Hamlischและเนื้อร้องโดยEdward Kleban , A Chorus Lineเปิดครั้งแรกที่โรงละครสาธารณะของJoseph Pappในแมนฮัตตันตอนล่าง สิ่งที่วางแผนไว้ตั้งแต่แรกว่าต้องหมั้นหมายอย่างจำกัด ในที่สุดก็ย้ายไปที่โรงละครชูเบิ ร์ต บนบรอดเวย์^[76]ด้วยการแสดง 6,137 การแสดง กลายเป็นการผลิตที่ดำเนินมายาวนานที่สุดในประวัติศาสตร์บรอดเวย์จนถึงเวลานั้น การแสดงกวาดรางวัล Tony Awards และได้รับรางวัลพูลิตเซอร์และเพลงฮิตWhat I Did for Loveได้กลายเป็นมาตรฐาน ^[77]

ผู้ชมบรอดเวย์ยินดีกับละครเพลงที่มีความหลากหลายตั้งแต่สไตล์ยุคทองและเนื้อหาสาระ John KanderและFred Ebbสำรวจการเพิ่มขึ้นของลัทธินาซีในเยอรมนีในคาบาเร่ต์และการฆาตกรรมและสื่อในยุคห้าม ของ ชิคาโกซึ่งอาศัยเทคนิคการร้องเพลง แบบเก่า PippinโดยStephen Schwartzเกิดขึ้นในสมัยของชาร์ลมาญ ภาพยนตร์อัตชีวประวัติ8½ของFederico Felliniกลายเป็น ภาพยนตร์ NineของMaury Yeston ในช่วงปลายทศวรรษEvitaและสวีนีย์ ท็อดด์เป็นผู้บุกเบิกละครเพลงที่มีงบจำกัดและมืดมนกว่าในปี 1980 ซึ่งอาศัยเรื่องราวอันน่าทึ่ง บทเพลงอันกว้างใหญ่ และเอฟเฟกต์อันน่าทึ่ง ในเวลาเดียวกัน ค่านิยมที่ล้าสมัยยังคงถูกรวมเข้ากับเพลงฮิตอย่างAnnie , 42nd Street , My One and Onlyและการฟื้นคืนชีพของNo, No, NanetteและIreneที่เป็นที่นิยม แม้ว่าละครเพลงหลายเวอร์ชันจะถูกสร้างขึ้นในปี 1970 แต่มีเพียงไม่กี่เรื่องที่ประสบความสำเร็จในบ็อกซ์ออฟฟิศ โดยมีข้อยกเว้นที่โดดเด่นของFiddler on the Roof คา บาเร่ต์และGrease ^[78]

ทศวรรษ 1980

ทศวรรษ 1980 เห็นอิทธิพลของ " megamusicals " ของยุโรปต่อบรอดเวย์ เวสต์เอนด์ และที่อื่นๆ โดยทั่วไปแล้วสิ่งเหล่านี้จะมีเพลงป๊อปที่ได้รับอิทธิพล นักแสดงจำนวนมาก ฉากที่น่าทึ่งและเอฟเฟกต์พิเศษ - โคมระย้า ที่ตกลงมา (ในThe Phantom of the Opera ); เฮลิคอปเตอร์ลงจอดบนเวที (ในมิสไซง่อน ) – และงบประมาณก้อนโต บางเรื่องมีพื้นฐานมาจากนวนิยายหรืองานวรรณกรรมอื่นๆ ทีมนักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษแอนดรูว์ ลอยด์ เว็บเบอร์และโปรดิวเซอร์คาเมรอน แมคคินทอช เริ่มต้นปรากฏการณ์ทางดนตรีด้วยเพลงCats ในปี 1981 โดยอิงจากบทกวีของTS Eliotซึ่งแซงหน้าA Chorus Lineเพื่อเป็นการแสดงบรอดเวย์ที่ดำเนินมายาวนานที่สุด Lloyd Webber ตามด้วยStarlight Express (1984) เล่นโรลเลอร์สเกต The Phantom of the Opera (1986; รวมทั้ง Mackintosh) มาจากนวนิยายชื่อเดียวกัน ; และSunset Boulevard (1993) จากภาพยนตร์ชื่อเดียวกันใน ปี 1950 Phantomจะแซงหน้าCatsให้เป็นรายการโชว์ที่ยาวที่สุดในประวัติศาสตร์บรอดเวย์ ซึ่งเป็นสถิติที่ยังคงมีอยู่ ^{[79] [80]}ทีมฝรั่งเศสของClaude-Michel SchönbergและAlain BoublilเขียนLes Misérablesโดยอิงจากนวนิยายชื่อเดียวกันซึ่งการผลิตในลอนดอนปี 1985 ผลิตโดย Mackintosh และยังคงเป็นละครเพลงที่ดำเนินมายาวนานที่สุดในประวัติศาสตร์ West End และ Broadway ทีมงานสร้างเพลงฮิตอีกครั้งกับMiss Saigon (1989) ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากละคร Puccini มาดามบั ตเตอร์ฟลาย ^{[79] [80]}

งบประมาณมหาศาลของวงการเพลงเมก้ามิวสิคได้กำหนดความคาดหวังใหม่เกี่ยวกับความสำเร็จทางการเงินในบรอดเวย์และเวสต์เอนด์ ในปีก่อนๆ การแสดงอาจได้รับการพิจารณาว่าได้รับความนิยมหลังจากการแสดงหลายร้อยครั้ง แต่ด้วยต้นทุนการผลิตหลายล้านดอลลาร์ การแสดงต้องดำเนินไปหลายปีเพื่อสร้างผลกำไร นอกจากนี้ Megamusicals ยังผลิตซ้ำในโปรดักชั่นทั่วโลก เพิ่มศักยภาพในการทำกำไรในขณะเดียวกันก็ขยายผู้ชมทั่วโลกสำหรับโรงละครดนตรี ^[80]

ทศวรรษ 1990

ในปี 1990 นักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่ได้ปรากฏตัวขึ้น รวมทั้งJason Robert BrownและMichael John LaChiusaซึ่งเริ่มต้นด้วยการผลิตละครนอกบรอดเวย์ ความสำเร็จที่โดดเด่นที่สุดของศิลปินเหล่านี้คือรายการRent (1996) ของ Jonathan Larsonซึ่งเป็นละครเพลงร็อค (อิงจากโอเปร่าLa bohème ) เกี่ยวกับชุมชนศิลปินที่ดิ้นรนในแมนฮัตตัน แม้ว่าค่าตั๋วเข้าชมละครเพลงบรอดเวย์และเวสต์เอนด์จะพุ่งสูงขึ้นเกินงบประมาณของโรงหนังหลายๆ คนค่าเช่าถูกวางตลาดเพื่อเพิ่มความนิยมในละครเพลงในหมู่ผู้ชมอายุน้อย มันเป็นจุดเด่นของนักแสดงรุ่นเยาว์และคะแนนที่ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเพลงร็อค ละครเพลงกลายเป็นเพลงฮิต แฟนๆ วัยหนุ่มสาวซึ่งส่วนใหญ่เป็นนักเรียนซึ่งเรียกตัวเองว่า RENTheads] ตั้งค่ายอยู่ที่โรงละคร Nederlanderด้วยความหวังว่าจะถูกลอตเตอรีเป็นตั๋วแถวหน้าราคา 20 ดอลลาร์ และบางคนดูการแสดงหลายสิบครั้ง การแสดงอื่นๆ บนบรอดเวย์ดำเนินตาม การนำ ของ Rentโดยเสนอตั๋ววันแสดงหรือบัตรยืนที่ลดราคาอย่างหนัก แม้ว่ามักจะให้ส่วนลดสำหรับนักเรียนเท่านั้น ^[81]

ทศวรรษ 1990 ยังเห็นอิทธิพลของบรรษัทขนาดใหญ่ในการผลิตละครเพลง ที่สำคัญที่สุดคือDisney Theatrical Productionsซึ่งเริ่มดัดแปลง ภาพยนตร์การ์ตูนแอนิเมชั่น ของดิสนีย์สำหรับการแสดงบนเวที เริ่มด้วยBeauty and the Beast (1994), The Lion King (1997) และAida (2000) สองเพลงหลังโดยเอลตัน จอห์น . The Lion Kingเป็นละครเพลงที่ทำรายได้สูงสุดในประวัติศาสตร์บรอดเวย์ ^[82] The Who's Tommy (1993) ดัดแปลงจากละครเพลงร็อกTommyประสบความสำเร็จในการแสดง 899 รายการ แต่ถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่าเป็นเพราะทำให้เรื่องราวสะอาดสะอ้านและ "ปรับโรงละครดนตรี" ให้กับเพลงร็อค ^[83]

แม้จะมีละครเพลงขนาดใหญ่จำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ ในช่วงทศวรรษ 1980 และ 1990 แต่ละครเพลงที่มีงบประมาณน้อยแต่มีขนาดเล็กก็สามารถประสบความสำเร็จในด้านวิจารณ์และการเงินได้ เช่นFalsettolandและLittle Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical and Blood พี่น้อง . หัวข้อของงานเหล่านี้แตกต่างกันอย่างมาก และดนตรีมีตั้งแต่ร็อคไปจนถึงป๊อป แต่มักจะผลิตนอกบรอดเวย์หรือสำหรับโรงละครขนาดเล็กในลอนดอน และการแสดงละครเหล่านี้บางส่วนถือเป็นความคิดสร้างสรรค์และสร้างสรรค์ ^[84]

ยุค 2000–ปัจจุบัน

เทรนด์

ในศตวรรษใหม่ ผู้ผลิตและนักลงทุนยอมรับความคุ้นเคยที่จะรับประกันว่าพวกเขาจะชดใช้เงินลงทุนจำนวนมาก บางคนใช้โอกาส (มักใช้งบประมาณเพียงเล็กน้อย) กับเนื้อหาใหม่และสร้างสรรค์ เช่นUrinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), ถัดจาก Normal (2009), American Idiot (2010) และThe Book of Mormon (2011) แฮมิลตัน (2015) เปลี่ยน "ประวัติศาสตร์อเมริกันที่ไม่แสดงออกมา" ให้กลายเป็นเพลงฮิตที่ไม่ธรรมดาของฮิปฮอป ^[85]ในปี 2011 Sondheim โต้แย้งว่า "เพลงป๊อปร่วมสมัย" ในทุกรูปแบบ การแร็พเป็น "แนวทางที่ใกล้เคียงที่สุดกับโรงละครดนตรีแบบดั้งเดิม" และเป็น "หนทางสู่อนาคต" ^[86]

อย่างไรก็ตาม ผลงานการผลิตของศตวรรษที่ 21 ในตลาดหลักส่วนใหญ่ได้ดำเนินไปบนเส้นทางที่ปลอดภัย โดยมีการฟื้นคืนชีพของค่าโดยสารที่คุ้นเคย เช่นFiddler on the Roof , A Chorus Line , South Pacific , Gypsy , Hair , West Side Story and Grease , หรือการดัดแปลงของ เนื้อหาที่พิสูจน์แล้วอื่นๆ เช่น วรรณกรรม ( The Scarlet Pimpernel , Wicked and Fun Home ) โดยหวังว่าการแสดงจะมีผู้ชมในตัวด้วย เทรนด์นี้คงอยู่โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับการดัดแปลงภาพยนตร์รวมถึง ( The Producers , Spamalot , Hairspray ,Legally Blonde , The Color Purple , Xanadu , Billy Elliot , Shrek ,สาวเสิร์ฟและวันกราวด์ฮอก ) ^[87]นักวิจารณ์บางคนแย้งว่าการนำแผนภาพยนตร์มาใช้ซ้ำ โดยเฉพาะจากดิสนีย์ (เช่นแมรี่ ป๊อปปิ้ นส์ และนางเงือกน้อย ) เปรียบเสมือนละครเพลงบรอดเวย์และเวสต์เอนด์ที่ดึงดูดนักท่องเที่ยว มากกว่าที่จะเป็นทางออกที่สร้างสรรค์ ^[35]

ทุกวันนี้ มีโอกาสน้อยที่ผู้ผลิตเพียงคนเดียว เช่นDavid MerrickหรือCameron Mackintoshจะสนับสนุนการผลิต ผู้สนับสนุนองค์กรครองบรอดเวย์ และมักมีการจัดตั้งพันธมิตรขึ้นเพื่อแสดงละครเพลง ซึ่งต้องใช้เงินลงทุนตั้งแต่ 10 ล้านดอลลาร์ขึ้นไป ในปี 2545 เครดิตสำหรับMillie สมัยใหม่อย่างละเอียดถี่ถ้วนระบุผู้ผลิตสิบรายและในชื่อเหล่านั้นมีหน่วยงานที่ประกอบด้วยบุคคลหลายคน ^[88]โดยปกติ โรงละครนอกบรอดเวย์และระดับภูมิภาคมักจะผลิตละครเพลงที่มีขนาดเล็กลงและดังนั้นจึงมีราคาไม่แพง และการพัฒนาละครเพลงใหม่ๆ ได้เกิดขึ้นนอกนิวยอร์กและลอนดอนหรือในสถานที่ขนาดเล็กมากขึ้น ตัวอย่างเช่นSpring Awakening , Fun HomeและHamiltonได้รับการพัฒนานอกบรอดเวย์ก่อนที่จะเปิดตัวบรอดเวย์

ละครเพลงหลายเรื่องหวนคืนสู่รูปแบบการแสดงที่ประสบความสำเร็จอย่างมากในทศวรรษ 1980 โดยหวนนึกถึงงานมหกรรมที่เคยนำเสนอมาบ้างแล้ว ตลอดประวัติศาสตร์ของโรงละคร นับตั้งแต่ชาวโรมันโบราณจัดฉากการต่อสู้ทางทะเลจำลอง ตัวอย่าง ได้แก่ การดัดแปลงดนตรีของLord of the Rings (2007), Gone with the Wind (2008) และSpider-Man: Turn Off the Dark (2011) ละครเพลงเหล่านี้เกี่ยวข้องกับนักแต่งเพลงที่มีประสบการณ์ในการแสดงละครน้อย และผลงานราคาแพงมักจะสูญเสียเงินไป ในทางกลับกันThe Drowsy Chaperone , Avenue Q , The 25th Annual Putnam County Spelling Bee , XanaduและFun Homeมีการนำเสนอในโปรดักชั่นขนาดเล็กซึ่งส่วนใหญ่ไม่มีการหยุดชะงักโดยใช้เวลาสั้นและประสบความสำเร็จทางการเงิน ในปี 2013 นิตยสาร Timeรายงานว่ากระแสละครนอกบรอดเวย์เป็นโรงละครที่ "ดื่มด่ำ" โดยอ้างถึงรายการต่างๆ เช่นNatasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) และHere Lies Love (2013) ซึ่งการแสดงละครเกิดขึ้นรอบๆ และ ภายในผู้ชม ^[89]รายการสร้างสถิติร่วมกัน แต่ละคนได้รับการเสนอชื่อเข้าชิง 11 รางวัลสำหรับLucille Lortel Awards , ^[90]และคะแนนร่วมสมัย ^{[91] [92]}

ในปี 2013 Cyndi Lauper เป็น "นักแต่งเพลงหญิงคนแรกที่ชนะ [Tony for] Best Score without a male collaborator" จากการเขียนเพลงและเนื้อร้องสำหรับKinky Boots ในปี 2015 เป็นครั้งแรกที่ ทีมเขียน บทหญิงล้วนLisa KronและJeanine Tesoriได้รับรางวัลTony Award สาขา Best Original Score (และBest Book for Kron) จากFun Home [ ^93]แม้ว่าผลงานของนักแต่งเพลงชายจะยังคงทำงานต่อไป ผลิตได้บ่อยขึ้น ^[94]

ตู้เพลงมิวสิคัล

อีกเทรนด์หนึ่งคือการสร้างพล็อตเรื่องย่อให้พอดีกับคอลเลคชันเพลงฮิตไปแล้ว หลังจากความสำเร็จก่อนหน้านี้ของBuddy – The Buddy Holly Storyสิ่งเหล่านี้ได้รวมถึงMovin' Out (2002 ตามเพลงของBilly Joel ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009 เนื้อเรื่องร็อคคลาสสิคของ ทศวรรษ 1980) และอื่นๆ อีกมากมาย สไตล์นี้มักเรียกกันว่า " ตู้เพลง " ^[95]ละครเพลงที่คล้ายคลึงกัน แต่มีพล็อตเรื่องมากขึ้นได้รับการสร้างขึ้นตามหลักการของกลุ่มป๊อปโดยเฉพาะรวมถึงMamma Mia! (1999 ตามเพลงของABBA ),บ้านของเรา (2002 จากเพลงของ Madness ) และ We Will Rock You (2002 จากเพลงของ Queen )

ภาพยนตร์และละครเพลงทางโทรทัศน์

มิวสิคัลภาพยนตร์คนแสดงเกือบตายในทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 ยกเว้นVictor/Victoria , Little Shop of Horrorsและภาพยนตร์Evita ในปี 1996 ^[96]ในศตวรรษใหม่บาซ เลอร์มันน์เริ่มการฟื้นคืนชีพของภาพยนตร์เรื่องนี้กับมูแลงรูจ! (2001). ตามด้วยชิคาโก (2002); แฟนทอมแห่งโรงละครโอเปร่า (2004); เช่า (2005); ดรีมเกิร์ลส์ (2006); สเปรย์ฉีดผม , EnchantedและSweeney Todd (ทั้งหมดในปี 2007); มาม่ามีอา! (2008); เก้า (2552);Les Misérablesและ Pitch Perfect (ทั้งในปี 2012), Into The Woods , The Last Five Years (2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), A Star Is Bornและ Mary Poppins Returns (ทั้ง 2018) Rocketman (2019) และ In the Heightsและ West Side Storyเวอร์ชันของ Steven Spielberg (ทั้งในปี 2021) และอื่นๆ อีกมากมาย กรินช์ขโมยคริสต์มาส ของ Dr. Seussได้(2000) และแมวในหมวก(2003) เปลี่ยนหนังสือเด็กให้เป็นละครเพลงภาพยนตร์คนแสดง หลังจากประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามของดิสนีย์และบ้านอื่นๆ ด้วยละครเพลงแอนิเมชั่นเรื่องThe Little Mermaidในปี 1989 และดำเนินต่อเนื่องตลอดช่วงทศวรรษ 1990 (รวมถึงภาพยนตร์ในธีมสำหรับผู้ใหญ่อีกหลายเรื่อง เช่นSouth Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)) แอนิเมชั่นน้อยลง ละครเพลงเปิดตัวในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 ^[96]แนวเพลงกลับมาเริ่มต้นในปี 2010 ด้วยTangled (2010), Rio (2011) และFrozen (2013) ในเอเชีย อินเดียยังคงผลิตภาพยนตร์เพลง "บอลลีวูด" อย่างต่อเนื่อง และญี่ปุ่นผลิตภาพยนตร์เพลง "อนิเมะ" และ "มังงะ"

ภาพยนตร์ที่ สร้างมาเพื่อเพลงทางทีวีได้รับความนิยมในปี 1990 เช่นGypsy (1993), Cinderella (1997) และAnnie (1999) ละครเพลงหลายเรื่องที่สร้างมาเพื่อละครเพลงในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 ได้รับการดัดแปลงจากเวอร์ชันการแสดงบนเวที เช่นSouth Pacific (2001), The Music Man (2003) และOnce Upon a Mattress (2005) และเวอร์ชันที่ถ่ายทอดสดทางโทรทัศน์ ละครเพลงLegally Blondeในปี 2550 นอกจากนี้ ละครเพลงหลายเรื่องยังได้ถ่ายทำบนเวทีและออกอากาศทางโทรทัศน์สาธารณะ เช่นContactในปี 2002 และKiss Me, KateและOklahoma! ในปี พ.ศ. 2546 ละครเพลงที่สร้างขึ้นสำหรับรายการทีวีHigh School Musical (2006) และภาคต่ออีกหลายภาค ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ และได้รับการดัดแปลงสำหรับละครเพลงและสื่ออื่นๆ

ในปี 2013 NBCได้เริ่มออกอากาศละครเพลงทางโทรทัศน์หลายเรื่องด้วยThe Sound of Music Live! ^[97]แม้ว่าการผลิตจะได้รับการวิจารณ์แบบผสม แต่ก็ประสบความสำเร็จในการจัดอันดับ ^[98]การออกอากาศเพิ่มเติมได้รวมPeter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), ^[99]การออกอากาศในสหราชอาณาจักร, The Sound of Music Live ( ITV 2015) ^[100] Grease: Live ( Fox 2016), ^{[101] [102]} Hairspray Live! (NBC, 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017), ^[103]และเช่า: สด (Fox 2019). ^[104]

รายการโทรทัศน์บางรายการได้กำหนดตอนเป็นละครเพลง ตัวอย่าง ได้แก่ ตอนของAlly McBeal , Xena: Warrior Princess ("The Bitter Suite" และ "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych (" Psych: The Musical "), Buffy the Vampire Slayer (" Once More, with Feeling "), That's So Raven , Daria , Dexter's Laboratory , The Powerpuff Girls , The Flash , Once Upon a Time , Oz , Scrubs (ตอนหนึ่งเขียนโดยผู้สร้างAvenue Q ),Batman: The Brave and the Bold ( "Mayhem of the Music Meister" ) และ That '70s Show (ตอนที่ 100 " That '70s Musical ") ฉากอื่นๆ ได้รวมฉากที่ตัวละครเริ่มร้องเพลงและเต้นในสไตล์ละครเพลงในทันที เช่น ในหลายตอนของThe Simpsons , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bob's Burgersและ Family Guy ^[105]ละครโทรทัศน์ที่ใช้รูปแบบดนตรีอย่างกว้างขวาง ได้แก่ Cop Rock , Flight of the Conchords , Glee ,Smash and Crazy อดีตแฟนสาว

นอกจากนี้ยังมีละครเพลงที่สร้างขึ้นสำหรับอินเทอร์เน็ต รวมถึงDr. Horrible's Sing-Along Blogเกี่ยวกับซุปเปอร์วายร้ายให้เช่าราคาถูกที่เล่นโดยนีล แพทริค แฮร์ริส มันถูกเขียนขึ้นในระหว่างการ ประท้วง ของนักเขียน WGA ^{ตั้งแต่}ปีพ.ศ. 2549 รายการทีวีเรียลลิตี้ได้ถูกนำมาใช้เพื่อช่วยฟื้นฟูตลาดดนตรีโดยจัดการแข่งขันความสามารถเพื่อคัดเลือกนักแสดงนำ ตัวอย่างเหล่านี้คือHow Do You Solve a Problem เช่น Maria? , Grease: คุณคือคนที่ฉันต้องการ! ความ ฝันใด ๆ ที่จะทำ , Legally Blonde: The Musical – การค้นหา Elle Woods , ฉันจะทำทุกอย่างและเหนือสายรุ้งในปี 2021 ชมิกาดูน! เป็นการล้อเลียนและเป็นการแสดงความเคารพต่อละครเพลงยุคทองของทศวรรษที่ 1940 และ 1950 ^[107]

การปิดโรงละครในปี 2563–2561

การระบาดใหญ่ของโควิด-19ทำให้โรงละครและเทศกาลละครทั่วโลกปิดตัวลงในช่วงต้นปี 2020 รวมถึงโรงละครบรอดเวย์ทั้งหมด^[108]และเวสต์เอนด์ ^[109]สถาบันศิลปะการแสดงหลายแห่งพยายามที่จะปรับตัวหรือลดความสูญเสียโดยเสนอบริการดิจิทัลใหม่ (หรือขยาย) โดยเฉพาะอย่างยิ่งสิ่งนี้ส่งผลให้เกิดการสตรีมออนไลน์ของการแสดงที่บันทึกไว้ก่อนหน้านี้ของบริษัทหลายแห่ง^{[110] [111] [112]}เช่นเดียวกับโครงการคราวด์ซอร์สซิ่งที่ทำขึ้นเอง ^{[113] [114]}ตัวอย่างเช่น The Sydney Theatre Companyมอบหมายให้นักแสดงถ่ายทำเองที่บ้านโดยพูดคุยกัน จากนั้นก็แสดง บทพูดคนเดียวจากหนึ่งในตัวละครที่พวกเขาเคยเล่นบนเวทีมาก่อน ^[115]นักแสดงละครเพลง เช่นHamiltonและMamma Mia! รวมตัวกันบน Zoom โทรเพื่อสร้างความบันเทิงให้กับบุคคลและประชาชนทั่วไป ^{[116] [117]}การแสดงบางรายการถูกสตรีมสดหรือนำเสนอกลางแจ้งหรือในรูปแบบ "ห่างไกลทางสังคม" อื่น ๆ ซึ่งบางครั้งทำให้ผู้ชมสามารถโต้ตอบกับนักแสดงได้ ^[118]มีการออกอากาศเทศกาลละครวิทยุ ^[119] ละครเพลงเสมือนจริงและแม้กระทั่งผู้ชมจำนวนมากก็ถูกสร้าง ขึ้นเช่นRatatouille the Musical ^{[120] [121]}เวอร์ชันที่ถ่ายทำของละครเพลงหลัก เช่นHamiltonได้รับการเผยแพร่บนแพลตฟอร์มสตรีมมิ่ง ^[122]แอนดรูว์ ลอยด์ เวบเบอร์ เผยแพร่ผลงานเพลงของเขาบนยูทูบ ^[123]

เนื่องจากการปิดตัวและการจำหน่ายตั๋วสูญหาย บริษัทโรงละครหลายแห่งจึงตกอยู่ในอันตรายทางการเงิน รัฐบาลบางแห่งเสนอความช่วยเหลือฉุกเฉินแก่งานศิลปะ ^{[124] [125] [126]}ตลาดโรงละครดนตรีบางแห่งเริ่มเปิดให้บริการอีกครั้งและจะเริ่มในต้นปี 2564 ^[127]โดยโรงภาพยนตร์เวสต์เอนด์เลื่อนการเปิดอีกครั้งจากมิถุนายนเป็นกรกฎาคม^[128]และบรอดเวย์เริ่มในเดือนกันยายน ^[129]อย่างไรก็ตาม ตลอดปี 2564 การระบาดของโรคระบาดครั้งใหญ่ส่งผลให้มีการปิดตัวลงบ้างแม้ว่าตลาดจะเปิดขึ้นอีกครั้งก็ตาม ^{[130] [131]}

ละครเพลงสากล

สหรัฐอเมริกาและอังกฤษเป็นแหล่งรวมหนังสือเพลงที่มีความเคลื่อนไหวมากที่สุดตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 จนถึงส่วนใหญ่ของศตวรรษที่ 20 (แม้ว่ายุโรปจะผลิตไลท์โอเปร่าและโอเปร่าที่เป็นที่นิยมในรูปแบบต่างๆ เช่น Spanish Zarzuelaในช่วงเวลานั้นและก่อนหน้านั้น) อย่างไรก็ตาม การแสดงดนตรีเบาในประเทศอื่น ๆ มีความกระตือรือร้นมากขึ้นในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา

ละครเพลงจากประเทศอื่นๆ ที่พูดภาษาอังกฤษ (โดยเฉพาะออสเตรเลียและแคนาดา) มักจะทำได้ดีในระดับท้องถิ่นและบางครั้งก็ถึงบรอดเวย์หรือเวสต์เอนด์ (เช่นThe Boy from OzและThe Drowsy Chaperone ) แอฟริกาใต้มีฉากละครเพลงที่คึกคัก โดยมีการแสดงอย่างAfrican FootprintและUmojaและละครเพลง เช่นKat and the KingsและSarafina! เที่ยวต่างประเทศ. ในท้องถิ่น ละครเพลงอย่างVere , Love and Green Onions , Over the Rainbow: มหกรรมเกย์ ใหม่เอี่ยม และภูเขา BangbroekและIn Briefs – มิวสิคัลตัวน้อยที่แปลกประหลาดได้รับการผลิตเรียบร้อยแล้ว

ละครเพลงที่ประสบความสำเร็จจากทวีปยุโรป ได้แก่ การแสดงจาก (ในประเทศอื่น ๆ ) เยอรมนี ( ElixierและLudwig II ), ออสเตรีย ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart!และRebecca ), สาธารณรัฐเช็ก ( Dracula ), ฝรั่งเศส ( Starmania , Notre-Dame de Paris , Les Misérables , Roméo et JulietteและMozart, l'opéra rock ) และสเปน ( Hoy no me puedo levantarและThe Musical Sancho Panza )

เมื่อเร็วๆ นี้ ญี่ปุ่นได้เห็นการเติบโตของรูปแบบละครเพลงพื้นเมือง ทั้งแอนิเมชั่นและการแสดงสด โดยส่วนใหญ่อิงจากอะนิเมะและ มั งงะเช่นKiki's Delivery ServiceและTenimyu เมตาซีรีส์ ยอดนิยมของเซเลอร์มูนมีละครเพลงเรื่องเซเลอร์มูน 29 เรื่อง กินเวลา 13 ปี เริ่มต้นในปี 1914 ชุดการแสดงยอดนิยม ได้ดำเนินการโดย Takarazuka Revue หญิงล้วนซึ่งปัจจุบันจัดคณะแสดงห้าคณะ ที่อื่นๆ ในเอเชีย ละครเพลง บอลลีวูด ของอินเดีย ซึ่งส่วนใหญ่อยู่ในรูปแบบของภาพยนตร์ประสบความสำเร็จอย่างมาก ^[132]

เริ่มด้วยทัวร์Les Misérables ในปี 2545 ละครเพลงตะวันตกต่างๆ ได้ถูกนำเข้ามายังจีนแผ่นดินใหญ่และแสดงเป็นภาษาอังกฤษ ^[133]ความพยายามในการโลคัลไลซ์เซชั่นโปรดักชั่นตะวันตกในจีนเริ่มขึ้นในปี 2008 เมื่อFameถูกผลิตเป็นภาษาจีนกลางพร้อมกับนักแสดงชาวจีนเต็มรูปแบบที่Central Academy of Dramaในกรุงปักกิ่ง ^[134]ตั้งแต่นั้นมา การผลิตตะวันตกอื่นๆ ก็ได้แสดงในประเทศจีนเป็นภาษาจีนกลางพร้อมนักแสดงชาวจีน การผลิตครั้งแรกของจีนในรูปแบบของโรงละครดนตรีตะวันตกคือThe Gold Sandในปี 2548 ^[133]นอกจากนี้ Li Dun ซึ่งเป็นโปรดิวเซอร์ชาวจีนที่มีชื่อเสียงได้ผลิตButterfliesอิงจากโศกนาฏกรรมความรักแบบจีนคลาสสิกในปี 2550 และLove U Teresaในปี 2554 ^[133]

โปรดักชั่นมือสมัครเล่นและโรงเรียน

ดนตรีมักถูกนำเสนอโดย กลุ่ม สมัครเล่นและกลุ่มโรงเรียนในโบสถ์ โรงเรียน และพื้นที่แสดงอื่นๆ ^{[135] [136]}แม้ว่าโรงละครมือสมัครเล่นจะมีอยู่มานานหลายศตวรรษ แม้แต่ในโลกใหม่^[137] François Cellierและ Cunningham Bridgeman เขียนในปี 1914 ว่าก่อนปลายศตวรรษที่ 19 นักแสดงมือสมัครเล่นได้รับการดูหมิ่นจากผู้เชี่ยวชาญ หลังจากการก่อตั้งบริษัทมือสมัครเล่นกิลเบิร์ตและซัลลิแวนที่ได้รับอนุญาตให้แสดงโอเปร่าซาวอยผู้เชี่ยวชาญยอมรับว่าสังคมสมัครเล่น "สนับสนุนวัฒนธรรมของดนตรีและละคร ตอนนี้พวกเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นโรงเรียนฝึกหัดที่มีประโยชน์สำหรับเวทีที่ถูกต้องตามกฎหมาย ^[138]สมาคมโอเปร่าและนาฏศิลป์แห่งชาติก่อตั้งขึ้นในสหราชอาณาจักรในปี พ.ศ. 2442 มีรายงานในปี พ.ศ. 2457 ว่าสมาคมนาฏศิลป์สมัครเล่นเกือบ 200 แห่งได้ผลิตผลงานของกิลเบิร์ตและซัลลิแวนในสหราชอาณาจักรในปีนั้น ^[138]ในทำนองเดียวกัน โรงละครชุมชนมากกว่า 100 แห่งก่อตั้งขึ้นในสหรัฐอเมริกาในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 จำนวนนี้เพิ่มขึ้นเป็นประมาณ 18,000 ในสหรัฐอเมริกา ^[137]สมาคมโรงละครเพื่อการศึกษาในสหรัฐอเมริกามีโรงเรียนสมาชิกเกือบ 5,000 แห่ง ^[139]

ความเกี่ยวข้อง

บรอดเวย์ลีกประกาศว่าในฤดูกาล 2550-2551 มีการซื้อตั๋ว 12.27 ล้านใบสำหรับการแสดงบรอดเวย์ด้วยยอดขายรวมเกือบพันล้านดอลลาร์ ^[140]ลีกรายงานเพิ่มเติมว่าในช่วงฤดู ​​​​2006–07 นักท่องเที่ยวซื้อตั๋วบรอดเวย์ประมาณ 65% และนักท่องเที่ยวต่างชาติมีผู้เข้าร่วม 16% ^[141]สมาคมโรงละครลอนดอนรายงานว่า 2550 สร้างสถิติการเข้าร่วมในลอนดอน ผู้เข้าร่วมทั้งหมดในโรงภาพยนตร์เชิงพาณิชย์และโรงภาพยนตร์ที่ได้รับเงินช่วยเหลือหลักในเซ็นทรัลลอนดอนอยู่ที่ 13.6 ล้านคน และรายได้จากตั๋วรวมอยู่ที่ 469.7 ล้านปอนด์ ^[142]วงการเพลงสากลมีบทบาทมากขึ้นในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา อย่างไรก็ตาม Stephen Sondheim แสดงความคิดเห็นในปี 2000:

คุณมีการแสดงสองประเภทบนบรอดเวย์ – การฟื้นฟูและละครเพลงประเภทเดียวกันซ้ำแล้วซ้ำเล่า ทุกสายตา คุณได้รับตั๋วสำหรับThe Lion Kingล่วงหน้าหนึ่งปี และโดยพื้นฐานแล้วครอบครัว ... ส่งต่อแนวคิดให้ลูกๆ ของพวกเขารู้ว่านั่นคือสิ่งที่โรงละครเป็น – ละครเพลงที่น่าตื่นเต้นที่คุณเห็นปีละครั้ง ซึ่งเป็นเวอร์ชันละครเวทีของภาพยนตร์ มันไม่เกี่ยวอะไรกับละครเลย คือการได้เห็นในสิ่งที่คุ้นเคย ... ฉันไม่คิดว่าโรงละครจะตายแต่มันจะไม่เป็นอย่างที่เป็น ...เป็นแหล่งท่องเที่ยว” ^[143]

อย่างไรก็ตาม เมื่อสังเกตเห็นความสำเร็จในทศวรรษที่ผ่านมาของเนื้อหาต้นฉบับ และการจินตนาการใหม่อย่างสร้างสรรค์ของภาพยนตร์ บทละคร และวรรณกรรม นักประวัติศาสตร์การละครJohn Kenrick ได้ โต้แย้ง:

มิวสิคัลตายแล้วเหรอ? ... ไม่ได้อย่างแน่นอน! การเปลี่ยนแปลง? เสมอ! ละครเพลงมีการเปลี่ยนแปลงนับตั้งแต่Offenbachได้เขียนบทใหม่เป็นครั้งแรกในปี 1850 และการเปลี่ยนแปลงเป็นสัญญาณที่ชัดเจนที่สุดว่าละครเพลงยังคงมีชีวิตและแนวเพลงที่กำลังเติบโต เราจะหวนคืนสู่ยุคที่เรียกว่า 'ยุคทอง' ด้วยละครเพลงที่เป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมสมัยนิยมหรือไม่? อาจจะไม่. รสนิยมสาธารณะได้รับการเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานและศิลปะการค้าสามารถไหลได้เฉพาะในที่สาธารณะที่จ่ายเงินอนุญาตเท่านั้น ^[35]

ดูเพิ่มเติม

• บันทึกนักแสดง
• รายชื่อเพลง
• ผลงานละครเพลงที่ดำเนินมายาวนาน
• โรงละครดนตรี
• โรงละคร Parsi
• ละครเพลง 2.5D

หมายเหตุและการอ้างอิง

Cited books

• Allain, Paul; Harvie, Jen (2014). The Routledge Companion to Theatre and Performance. Routledge. ISBN 978-0-4156-3631-5.
• Allen, Robert C. (c. 1991). Horrible Prettiness: Burlesque and American Culture. University of North Carolina. ISBN 978-0-8078-1960-9.
• Bradley, Ian (2005). Oh Joy! Oh Rapture! The Enduring Phenomenon of Gilbert and Sullivan. Oxford University Press. ISBN 0-19-516700-7.
• Buelow, George J. (2004). A History of Baroque Music. Bloomington, Indiana: Indiana University Press. ISBN 978-0-253-34365-9.
• Carter, Tim; Butt, John, eds. (2005). The Cambridge History of Seventeenth-Century Music. The Cambridge History of Music. Vol. 1. Cambridge University Press. p. 591. ISBN 978-0-521-79273-8. Archived from the original on 2013-01-12. Retrieved 2009-05-26.
• Cohen, Robert; Sherman, Donovan (2020). Theatre: Brief (Twelfth ed.). New York City: McGraw-Hill Education. ISBN 978-1-260-05738-6. OCLC 1073038874.
• Everett, William A.; Laird, Paul R., eds. (2002). The Cambridge Companion to the Musical. Cambridge Companions to Music. Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-79189-2.
• Gokulsing, K. Moti; Dissanayake, Wimal (2004) [1998]. Indian popular cinema : a narrative of cultural change (Revised and updated ed.). Stoke-on-Trent: Trentham. p. 161. ISBN 978-1-85856-329-9.
• Hoppin, Richard H., ed. (1978). Anthology of Medieval Music. Norton introduction to music history. New York: Norton. ISBN 978-0-393-09080-2.
• Horn, Barbara Lee (1991). The Age of Hair: Evolution and Impact of Broadway's First Rock Musical. New York: Greenwood Press. p. 166. ISBN 978-0-313-27564-7.
• Jha, Subhash K. (2005). The Essential Guide to Bollywood. Roli Books. ISBN 81-7436-378-5.
• Jones, John B. (2003). Our Musicals, Ourselves. Hanover: University Press of New England. ISBN 978-0-87451-904-4.
• Lord, Suzanne (2003). Brinkman, David (ed.). Music from the Age of Shakespeare : A Cultural History. Westport, Connecticut: Greenwood Press. ISBN 978-0-313-31713-2.
• Lubbock, Mark (2002) [1962]. "American musical theatre: an introduction". The Complete Book of Light Opera (1st ed.). London: Putnam. pp. 753–756.
• Morley, Sheridan (1987). Spread a little happiness: the first hundred years of the British musical. London: Thames and Hudson. ISBN 978-0-500-01398-4.
• Parker, Roger, ed. (2001). The Oxford Illustrated History of Opera. Oxford Illustrated Histories (illustrated ed.). Oxford University Press. p. 541. ISBN 978-0-19-285445-2.
• Rubin, Don; Solórzano, Carlos, eds. (2000). The World Encyclopedia of Contemporary Theatre: The Americas. New York City: Routledge. ISBN 0-415-05929-1.
• Shakespeare, William (1998) [First published 1623]. Orgel, Stephen (ed.). The Tempest. The Oxford Shakespeare. Oxford University Press. p. 248. ISBN 978-0-19-283414-0.
• Wilmeth, Don B.; Miller, Tice L., eds. (1996). Cambridge Guide to American Theatre (2nd ed.). Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-56444-1.
• Wollman, E. L. (2006). The Theater Will Rock: a History of the Rock Musical: From Hair to Hedwig. Michigan: University of Michigan Press. ISBN 0-472-11576-6.

Further reading

• Bauch, Marc. The American Musical. Marburg, Germany: Tectum Verlag, 2003. ISBN 3-8288-8458-X
• Bloom, Ken; Vlastnik, Frank (2004-10-01). Broadway Musicals : The 101 Greatest Shows of All Time. New York: Black Dog & Leventhal Publishers. ISBN 1-57912-390-2.
• Bordman, Gerald (1978). American Musical Theatre: a Chronicle. New York: Oxford University Press. viii, 749 p.ISBN 0-19-502356-0
• Botto, Louis; Mitchell, Brian Stokes (2002). At This Theatre: 100 Years of Broadway Shows, Stories and Stars. New York; Milwaukee, WI: Applause Theatre & Cinema Books/Playbill. ISBN 978-1-55783-566-6.
• Bryant, Jye (2018). Writing & Staging A New Musical: A Handbook. Kindle Direct Publishing. ISBN 9781730897412.
• Citron, Stephen (1991). The Musical, from the Inside Out. Chicago, Illinois: I.R. Dee. 336 p. ISBN 0-929587-79-0
• Ewen, David (1961). The Story of American Musical Theater. First ed. Philadelphia: Chilton. v, 208 p.
• Gänzl, Kurt. The Encyclopedia of Musical Theatre (3 Volumes). New York: Schirmer Books, 2001.
• Kantor, Michael; Maslon, Laurence (2004). Broadway: The American Musical. New York: Bulfinch Press. ISBN 0-8212-2905-2.
• Mordden, Ethan (1999). Beautiful Mornin': The Broadway Musical in the 1940s. New York: Oxford University Press. ISBN 0-19-512851-6.
• Stempel, Larry. Showtime: A History of the Broadway Musical Theater (W. W. Norton, 2010) 826 pages; comprehensive history since the mid-19th century.
• Traubner, Richard. Operetta: A Theatrical History. Garden City, New York: Doubleday & Company, 1983

External links

Library resources about Musical theatre

Resources in your library Resources in other libraries

• Internet Broadway Database – Cast and production lists, song lists and award lists
• Guidetomusicaltheatre.com – synopses, cast lists, song lists, etc.
• The Broadway Musical Home
• History of musicals (V&A museum website)
• Castalbumdb – Musical Cast Album Database
• Synopses and character descriptions of most major musicals (StageAgent.com)