ดนตรีของประเทศสหรัฐอเมริกา

ดนตรีของประเทศสหรัฐอเมริกา
เส้นเวลา
หัวข้อทั่วไป
การศึกษา ประวัติศาสตร์
ประเภท
คลาสสิก แจ๊ส ประเทศ EDM พื้นบ้าน บลูแกรส ฮิพฮอพ โผล่ หิน R&B เทคโน กับดัก
แบบฟอร์มเฉพาะ
เพลงศาสนา สอนดนตรี คริสเตียนป๊อป เพลงชาติพันธุ์ คนอเมริกันโดยกำเนิด อราปาโฮ Blackfeet เอสกิโม อิโรควัวส์ Kiowa นาวาโฮ ปวยโบล เซมิโนล ซู ยูมัน แองโกล-อเมริกัน สมัยก่อน ทางทิศตะวันตก แอฟริกันอเมริกัน เซลติก สเปน นิวเม็กซิกัน ละติน เตจาโน เปอร์โตริโก เคจุนและครีโอล ฮาวายเอี้ยน ชุมชนผู้อพยพ
สื่อและประสิทธิภาพ
รางวัลเพลง รางวัลเพลงอเมริกัน รางวัลแกรมมี่ รางวัลเพลงคันทรี รางวัลเพลงพระกิตติคุณ เตจาโน มิวสิค อวอร์ดส์ ชาร์ตเพลง ชาร์ตเพลงบิลบอร์ด อเมริกันท็อป 40 เทศกาลดนตรี เทศกาลดนตรีแจ๊ส ลัลลาปาลูซ่า ออซเฟสต์ เทศกาลดนตรีแจ๊สมอนเทอเรย์ เทศกาลดนตรีและศิลปะ Coachella Valley สื่อดนตรี ปั่น โรลลิ่งสโตน บรรยากาศ ดาวน์บีท ที่มา XXL MTV VH1 เดิมพัน กบฏ
เพลงชาติและรักชาติ
เพลงชาติ " ธงแพรแพรวพราวดาว "
ดนตรีประจำภูมิภาค
AK AL AR เช่น AZ CA CO CT กระแสตรง DE FL GA GU สวัสดี IA NS IL ใน KS KY ลา MA MD ฉัน MI MN โม ส.ส นางสาว MT NC NS เน่ NH NM NV นิวเจอร์ซี NY โอ้ ตกลง หรือ ปะ PR RI SC SD TN TX UT VA VI VT WA WI WV WY
วี NS อี

บทความนี้เป็นส่วนหนึ่งของซีรีส์เรื่อง
วัฒนธรรมของ ประเทศสหรัฐอเมริกา
สังคม
ประวัติศาสตร์ ภาษา ประชากร เชื้อชาติและชาติพันธุ์ ศาสนา
ศิลปะและวรรณคดี
สถาปัตยกรรม ศิลปะ เต้นรำ แฟชั่น วรรณกรรม การ์ตูน กวีนิพนธ์ ดนตรี ประติมากรรม โรงภาพยนตร์
อื่น
อาหาร เทศกาล นิทานพื้นบ้าน สื่อ หนังสือพิมพ์ วิทยุ โรงหนัง โทรทัศน์ อินเทอร์เน็ต ตำนาน กีฬา
สัญลักษณ์
ธง ตราประทับที่ดี อนุสาวรีย์ ภาษิต เพลงสรรเสริญพระบารมี นก แหล่งมรดกโลก
พอร์ทัลของสหรัฐอเมริกา
วี NS อี

เพลงของสหรัฐอเมริกาสะท้อนให้เห็นถึงประชากร pluri เชื้อชาติของประเทศผ่านความหลากหลายของรูปแบบ มันเป็นส่วนผสมของเพลงได้รับอิทธิพลจากเพลงของสหราชอาณาจักร , แอฟริกาตะวันตก , ไอร์แลนด์ , ละตินอเมริกาและภาคพื้นยุโรปท่ามกลางสถานที่อื่น ๆประเภทที่มีชื่อเสียงระดับนานาชาติมากที่สุดของประเทศได้แก่แจ๊ส , บลูส์ , คันทรี , บลูแกรส , ร็อก , ร็อกแอนด์โรล , อาร์แอนด์บี , ป๊อป , ฮิปฮอป , โซล ,ฉุน , พระกิตติคุณ , ดิสโก้ , บ้าน , เทคโน , แร็กไทม์ , วูป , ดนตรีพื้นบ้าน , Americana , boogaloo , Tejano , อาร์เจนตินา , เซิร์ฟและซัลซ่าเพลงอเมริกันได้ยินทั่วโลก ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ดนตรียอดนิยมของอเมริกาบางรูปแบบได้รับความสนใจจากผู้ชมทั่วโลก^[1]

ชนพื้นเมืองอเมริกันเป็นชาวพื้นเมืองที่เก่าแก่ที่สุดในดินแดนที่ปัจจุบันรู้จักในนามสหรัฐอเมริกาและเล่นเพลงแรกของประเทศ เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ผู้อพยพจากสหราชอาณาจักร ไอร์แลนด์ สเปน เยอรมนี และฝรั่งเศส เริ่มเดินทางเข้ามาเป็นจำนวนมาก โดยนำรูปแบบและเครื่องมือใหม่ๆ มาด้วยทาสจากแอฟริกาตะวันตกนำประเพณีดนตรีของพวกเขาและในแต่ละคลื่นที่ตามมาของผู้อพยพมีส่วนทำให้หลอม

บางเพลงที่นิยมเป็นElectropopซึ่งอยู่บนพื้นฐานของอังกฤษ, เยอรมันตะวันตก, นักแสดงญี่ปุ่นและบางส่วนเป็นใหม่ฮอปโรงเรียนสะโพกได้รับอิทธิพลจากแอฟริกาใต้ Bambaataaซึ่งจะได้รับอิทธิพลจากเวิร์ก นอกจากนี้ยังมีอิทธิพลของชาวแอฟริกัน-อเมริกันบางส่วนในประเพณีดนตรีของผู้ตั้งถิ่นฐานชาวยุโรป-อเมริกัน เช่น แจ๊ส บลูส์ ร็อค คันทรี และบลูแกรสส์ สหรัฐอเมริกายังได้เห็นบันทึกดนตรีพื้นบ้านและบันทึกเพลงยอดนิยมที่ผลิตในรูปแบบชาติพันธุ์ของยูเครน , ไอริช , สก็อต , โปแลนด์ , ฮิสแปนิกและยิว ชุมชน เป็นต้น

เมืองและเมืองในอเมริกาหลายแห่งมีฉากดนตรีที่มีชีวิตชีวา ซึ่งในทางกลับกัน ก็สนับสนุนรูปแบบดนตรีระดับภูมิภาคจำนวนหนึ่ง กับศูนย์ดนตรีเช่นบอสตัน , ฟิลาเดล , แอตเทิล , พอร์ตแลนด์ , นิวยอร์ก , ซานฟรานซิส , นิวออร์ , ดีทรอยต์ , เมมฟิส , ฮูสตัน , ลาสเวกัส , มินนิอา , ชิคาโก , เซนต์หลุยส์ , ไมอามี่ , แอตแลนต้า , ซานฮวน , แนชวิลล์ , ออสติน ,วอชิงตัน ดี.ซี. , Los Angelesและเมืองเล็ก ๆ เช่นAsbury Park, นิวเจอร์ซีย์ , มิลวอกี , คลีฟแลนด์ , Asheville, North Carolina , ลุยวิลล์ , โอกแลนด์ , โฮโนลูลูการวิจัยสามเหลี่ยม , โคโลราโด , Madison, Wisconsin , เพอมิสซิสซิปปีและเบอร์ลิงตัน , เวอร์มอนต์ได้ผลิตและสนับสนุนรูปแบบดนตรีที่โดดเด่นมากมายจากประเทศCajunและครีโอลประเพณีในเพลงลุยเซียนา, ดนตรีพื้นบ้านและรูปแบบที่นิยมของดนตรีฮาวาย , และเพลงบลูแกรสและเพลงสมัยก่อนของรัฐทางตะวันออกเฉียงใต้เป็นตัวอย่างบางส่วนของความหลากหลายในดนตรีอเมริกัน

ลักษณะเฉพาะ

เพลงของสหรัฐอเมริกาสามารถที่โดดเด่นด้วยการใช้คนละและจังหวะสมส่วนยาวผิดปกติท่วงทำนองซึ่งจะกล่าวว่า "สะท้อนให้เห็นถึงสภาพทางภูมิศาสตร์ที่เปิดกว้างของ (ภูมิทัศน์อเมริกัน)" และ "ความรู้สึกของลักษณะเสรีภาพส่วนบุคคลของชาวอเมริกัน ชีวิต". ^[2]แง่มุมที่แตกต่างของดนตรีอเมริกัน เช่นรูปแบบการตอบรับและตอบรับ ได้มาจากเทคนิคและเครื่องดนตรีของแอฟริกา

ตลอดช่วงหลังของประวัติศาสตร์อเมริกาและในยุคปัจจุบัน ความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีอเมริกันและดนตรียุโรปเป็นหัวข้อที่นักวิชาการด้านดนตรีอเมริกันได้อภิปรายกัน บางคนได้เรียกร้องให้ใช้เทคนิคและรูปแบบยุโรปล้วนๆ ซึ่งบางครั้งมองว่ามีความประณีตหรือสง่างามมากกว่า ในขณะที่บางกลุ่มได้ผลักดันให้มีความรู้สึกชาตินิยมทางดนตรีที่เฉลิมฉลองสไตล์อเมริกันอย่างเด่นชัด จอห์น วอร์เธน สตรูเบิล นักวิชาการด้านดนตรีคลาสสิกสมัยใหม่ได้เปรียบเทียบระหว่างชาวอเมริกันกับยุโรป โดยสรุปว่าดนตรีของสหรัฐอเมริกามีความแตกต่างกันโดยเนื้อแท้เพราะสหรัฐอเมริกาไม่ได้มีวิวัฒนาการทางดนตรีมานานหลายศตวรรษในฐานะชาติ ในทางกลับกัน ดนตรีของประเทศสหรัฐอเมริกาเป็นเพลงของกลุ่มชนพื้นเมืองและผู้อพยพหลายสิบหรือหลายร้อยกลุ่ม ซึ่งทั้งหมดพัฒนาเป็นส่วนใหญ่ในความโดดเดี่ยวในระดับภูมิภาคจนกระทั่งสงครามกลางเมืองอเมริกาเมื่อผู้คนจากทั่วประเทศถูกนำมารวมกันเป็นหน่วยทหาร แลกเปลี่ยนรูปแบบดนตรีและการปฏิบัติ สตรูเบิลถือเป็นเพลงบัลลาดแห่งสงครามกลางเมืองเป็น "ดนตรีโฟล์กอเมริกันเพลงแรกที่มีคุณสมบัติที่มองเห็นได้ซึ่งถือได้ว่าเป็นเอกลักษณ์เฉพาะของอเมริกา: ดนตรีที่ฟังดู 'อเมริกัน' เป็นครั้งแรก แตกต่างจากรูปแบบภูมิภาคใดๆ ที่ได้มาจากประเทศอื่น" ^[3]

สงครามกลางเมืองและงวดต่อไปนี้มันเห็นดอกทั่วไปของศิลปะอเมริกัน , วรรณกรรมและดนตรี วงดนตรีสมัครเล่นในยุคนี้ถือได้ว่าเป็นการกำเนิดของเพลงป๊อบอเมริกัน นักเขียนเพลง David Ewen อธิบายถึงวงดนตรีสมัครเล่นในยุคแรก ๆ เหล่านี้ว่าเป็นการผสมผสาน "ความลุ่มลึกและความดราม่าของดนตรีคลาสสิกด้วยเทคนิคที่ไม่ต้องการมาก หลีกเลี่ยงความซับซ้อนในการแสดงออกโดยตรง หากเป็นเสียงเพลง คำพูดก็จะเป็นภาษาอังกฤษ แม้ว่าพวกเย่อหยิ่งที่ประกาศภาษาอังกฤษ เป็นภาษาที่แยกไม่ออก ในทางหนึ่ง มันเป็นส่วนหนึ่งของการตื่นขึ้นของอเมริกาทั้งหมดที่เกิดขึ้นหลังสงครามกลางเมือง ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่จิตรกร นักเขียน และนักประพันธ์เพลงที่ "จริงจัง" ชาวอเมริกันกล่าวถึงประเด็นเฉพาะของชาวอเมริกันโดยเฉพาะ" ^[4]ในช่วงเวลานี้ รากฐานของดนตรีบลูส์ พระกิตติคุณ แจ๊ส และเพลงคันทรี่ได้ก่อตัวขึ้น ในศตวรรษที่ 20 เพลงเหล่านี้กลายเป็นแก่นของดนตรีป็อปอเมริกัน ซึ่งพัฒนาต่อไปในสไตล์ต่างๆ เช่น ริทึมแอนด์บลูส์ ร็อกแอนด์โรล และดนตรีฮิปฮอป

เอกลักษณ์ทางสังคม

intertwines เพลงที่มีแง่มุมของเอกลักษณ์ทางสังคมและวัฒนธรรมของชาวอเมริกันรวมถึงระดับชั้นทางสังคม , การแข่งขันและเชื้อชาติ , ภูมิศาสตร์ , ศาสนา , ภาษา , เพศและความสัมพันธ์ทางเพศความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับเชื้อชาติอาจเป็นตัวกำหนดความหมายทางดนตรีที่ทรงพลังที่สุดในสหรัฐอเมริกา การพัฒนาของแอฟริกันอเมริกันดนตรีตัวตนออกมาจากแหล่งที่มาที่แตกต่างกันจากแอฟริกาและยุโรปได้รับรูปแบบคงที่ในประวัติศาสตร์ดนตรีของสหรัฐอเมริกามีเอกสารเพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับอาณานิคม- ยุคดนตรีแอฟริกันอเมริกัน เมื่อรูปแบบ เพลง และเครื่องดนตรีจากทั่วแอฟริกาตะวันตกผสมผสานกับรูปแบบและเครื่องดนตรียุโรปในบ่อหลอมของความเป็นทาส โดยช่วงกลางศตวรรษที่ 19 แอฟริกันอย่างเห็นได้ชัดประเพณีพื้นบ้านของชาวอเมริกันเป็นที่รู้จักกันดีและแพร่หลายและแอฟริกันอเมริกันเทคนิคดนตรีเครื่องดนตรีและภาพกลายเป็นส่วนหนึ่งของหลักเพลงอเมริกันผ่านspirituals , การแสดงดนตรีและเพลงทาส^[6]แอฟริกันอเมริกันดนตรีรูปแบบกลายเป็นส่วนหนึ่งของเพลงที่เป็นที่นิยมของชาวอเมริกันผ่านบลูส์ , แจ๊ส , จังหวะและบลูส์และจากนั้นร็อกแอนด์โรล , จิตวิญญาณและฮิปฮอป; รูปแบบเหล่านี้ทั้งหมดถูกใช้โดยชาวอเมริกันทุกเชื้อชาติ แต่ถูกสร้างขึ้นในรูปแบบและสำนวนแอฟริกันอเมริกันก่อนที่จะกลายเป็นเรื่องธรรมดาในการแสดงและการบริโภคข้ามเชื้อชาติ ในทางตรงกันข้ามดนตรีคันทรีมาจากทั้งแอฟริกันและยุโรป รวมทั้งชนพื้นเมืองอเมริกันและฮาวาย ซึ่งเป็นประเพณีและเป็นที่รับรู้กันมานานว่าเป็นรูปแบบของดนตรีสีขาว^[7]

ชนชั้นทางเศรษฐกิจและสังคมแยกดนตรีอเมริกันออกจากการสร้างสรรค์และการบริโภคดนตรี เช่น การอุปถัมภ์ผู้ฟังซิมโฟนีระดับบนและการแสดงดนตรีพื้นบ้านในชนบทและชาติพันธุ์ที่ยากจนโดยทั่วไป การแบ่งแยกทางดนตรีตามชั้นเรียนนั้นไม่สมบูรณ์ อย่างไรก็ตาม และบางครั้งก็ถูกมองว่าเป็นจริงมาก^[8]ดนตรีคันทรียอดนิยมของอเมริกา เช่น เป็นประเภทเชิงพาณิชย์ที่ออกแบบมาเพื่อ "ดึงดูดอัตลักษณ์ของชนชั้นแรงงาน ไม่ว่าผู้ฟังจะเป็นชนชั้นกรรมกรจริงหรือไม่" ^[9]ผู้คนให้ความสำคัญกับดนตรีมากกว่าปัจจัยทางวัฒนธรรมที่ศิลปินนำมาด้วย พวกเขามุ่งเน้นไปที่ความนิยมมากกว่าความจริงที่ว่าผู้คนนำทักษะที่พัฒนาประเภทที่ได้รับความนิยม ช่วยสร้างการเคลื่อนไหวทางสังคมผ่านภูมิหลังและวัฒนธรรมได้มาก^[10]เพลงคันทรี่ยังเกี่ยวพันกับเอกลักษณ์ทางภูมิศาสตร์ และโดยเฉพาะในชนบทในแหล่งกำเนิดและการทำงาน; แนวเพลงอื่นๆ เช่น R&B และ hip hop ถูกมองว่าเป็นคนเมืองโดยเนื้อแท้^[11]สำหรับประวัติศาสตร์อเมริกันส่วนใหญ่ การทำดนตรีเป็น "กิจกรรมของผู้หญิง" ⁽¹²⁾ในศตวรรษที่ 19 เปียโนสมัครเล่นและการขับร้องได้รับการพิจารณาว่าเหมาะสมสำหรับผู้หญิงระดับกลางและระดับสูง ผู้หญิงยังเป็นส่วนสำคัญของการแสดงดนตรีที่ได้รับความนิยมในยุคแรก ๆ แม้ว่าประเพณีที่บันทึกไว้อย่างรวดเร็วจะกลายเป็นที่ครอบงำโดยผู้ชายมากขึ้น แนวเพลงยอดนิยมของผู้ชายส่วนใหญ่รวมถึงนักแสดงหญิงด้วย มักจะอยู่ในเฉพาะกลุ่มที่ดึงดูดผู้หญิงเป็นหลัก เหล่านี้รวมถึงอันธพาลและโลหะหนัก ^[13]

ประวัติ

ความหลากหลาย

สหรัฐอเมริกามักถูกกล่าวขานว่าเป็นแหล่งหลอมรวมทางวัฒนธรรมโดยได้รับอิทธิพลจากทั่วโลก และสร้างวิธีการแสดงออกทางวัฒนธรรมใหม่อย่างชัดเจน แม้ว่าแง่มุมต่างๆ ของดนตรีอเมริกันสามารถสืบย้อนไปถึงต้นกำเนิดเฉพาะได้ แต่การอ้างว่าวัฒนธรรมดั้งเดิมใดๆ สำหรับองค์ประกอบทางดนตรีนั้นเป็นปัญหาโดยเนื้อแท้ เนื่องมาจากวิวัฒนาการอย่างต่อเนื่องของดนตรีอเมริกันผ่านเทคนิค เครื่องดนตรี และแนวเพลงผสมพันธุ์และการผสมพันธุ์ องค์ประกอบของดนตรีต่างประเทศมาถึงสหรัฐอเมริกาทั้งโดยผ่านการสนับสนุนอย่างเป็นทางการของกิจกรรมการศึกษาและการเผยแพร่โดยบุคคลและกลุ่ม และผ่านกระบวนการที่ไม่เป็นทางการ เช่นเดียวกับในการปลูกถ่ายดนตรีแอฟริกาตะวันตกโดยบังเอิญผ่านการเป็นทาส และดนตรีไอริชผ่านการอพยพ ดนตรีอเมริกันที่เด่นชัดที่สุดเป็นผลมาจากการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมผ่านการติดต่ออย่างใกล้ชิด ความเป็นทาส ตัวอย่างเช่น บุคคลที่ผสมผสานจากหลายเผ่าในที่พักอาศัยที่คับแคบ ส่งผลให้เกิดประเพณีทางดนตรีร่วมกันซึ่งได้รับการเสริมแต่งผ่านการผสมผสานเพิ่มเติมด้วยองค์ประกอบของดนตรีพื้นเมือง ละติน และยุโรป^[14]ความหลากหลายทางเชื้อชาติ ศาสนา และเชื้อชาติอเมริกันได้ก่อให้เกิดแนวเพลงที่ผสมผสานกันเช่นเพลงฝรั่งเศส-แอฟริกันของลุยเซียนาครีโอล , เพลง Tejanoฟิวชั่นพื้นเมือง, เม็กซิกันและยุโรป, และกีตาร์สแล็กคีย์ผสมพันธุ์อย่างละเอียดและรูปแบบอื่น ๆ ของ ที่ทันสมัยเพลงฮาวาย

กระบวนการถ่ายทอดดนตรีระหว่างวัฒนธรรมไม่ได้ปราศจากการวิพากษ์วิจารณ์ การฟื้นตัวของชาวบ้านในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 เช่น การปรับดนตรีของชนชาติต่างๆ ในชนบท ส่วนหนึ่งเพื่อส่งเสริมสาเหตุทางการเมืองบางอย่าง ซึ่งทำให้บางคนสงสัยว่ากระบวนการดังกล่าวทำให้เกิด "การดัดแปลงเพลงของคนอื่นในเชิงพาณิชย์หรือไม่ .. . และการเจือจางของค่าเฉลี่ยอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้" ในเพลงที่เหมาะสม การใช้เทคนิค รูปภาพ และความอวดดีทางดนตรีของชาวแอฟริกันอเมริกันในดนตรีป็อปโดยส่วนใหญ่และสำหรับชาวอเมริกันผิวขาวนั้นแพร่หลายไปตั้งแต่เพลงของStephen Fosterในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เป็นอย่างน้อยและการแสดงของนักดนตรี. วงการเพลงอเมริกันพยายามอย่างแข็งขันในการประชาสัมพันธ์นักแสดงผิวขาวของดนตรีแอฟริกันอเมริกัน เพราะพวกเขาเป็นที่พอใจมากกว่าสำหรับคนอเมริกันกระแสหลักและชนชั้นกลาง ^{[ ต้องการอ้างอิง ]}กระบวนการนี้จะได้รับการที่เกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นของดาวที่หลากหลายเบนนี่กู๊ดแมน , Eminemและเอลวิสเพรสลีย์เช่นเดียวกับรูปแบบที่นิยมเช่นตาสีฟ้าวิญญาณและอะบิลลี ^[14]

ดนตรีพื้นบ้าน

ดนตรีพื้นบ้านในสหรัฐอเมริกามีความหลากหลายตามกลุ่มชาติพันธุ์ต่างๆ ของประเทศ ชนเผ่าพื้นเมืองอเมริกันแต่ละคนเล่นดนตรีพื้นบ้านในแบบต่างๆ ของตัวเอง ซึ่งส่วนใหญ่เป็นดนตรีแนวจิตวิญญาณ เพลงแอฟริกันอเมริกันรวมถึงบลูส์และพระกิตติคุณลูกหลานของดนตรีแอฟริกันตะวันตกที่ทาสนำมาสู่อเมริกาและผสมกับดนตรียุโรปตะวันตก ช่วงยุคอาณานิคม, ภาษาอังกฤษ , ฝรั่งเศสและสเปนรูปแบบและเครื่องมือถูกนำตัวไปอเมริกา ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 สหรัฐอเมริกาได้กลายเป็นศูนย์กลางที่สำคัญของดนตรีพื้นบ้านจากทั่วโลก รวมทั้งpolka , ยูเครนและ การเล่นซอโปแลนด์ ,อาซ , Klezmerและหลายชนิดของเพลงละติน

ชนพื้นเมืองอเมริกันเล่นเพลงโฟล์กเพลงแรกที่ปัจจุบันคือสหรัฐอเมริกา โดยใช้รูปแบบและเทคนิคที่หลากหลาย ความคล้ายคลึงกันบางอย่างมีความคล้ายคลึงกันทั่วไปในหมู่ดนตรีพื้นเมืองอเมริกัน อย่างไรก็ตาม โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การขาดความสามัคคีและพหุเสียงและการใช้เสียงร้องและตัวเลขที่ไพเราะจากมากไปน้อย instrumentations แบบดั้งเดิมใช้ขลุ่ยและหลายชนิดของเครื่องมือเครื่องเคาะเช่นกลอง , เขย่าแล้วมีเสียงและอิทธิพล ^[15]นับตั้งแต่มีการติดต่อกันในยุโรปและแอฟริกา ดนตรีพื้นบ้านของชาวอเมริกันพื้นเมืองได้เติบโตขึ้นในทิศทางใหม่ เป็นการหลอมรวมด้วยรูปแบบที่แตกต่างกันออกไป เช่น การเต้นรำพื้นบ้านยุโรปและดนตรีเตจาโน ดนตรีสมัยใหม่ของชนพื้นเมืองอเมริกันอาจเป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีในเรื่องpow wowsการรวมตัวของชนเผ่าซึ่งมีการแสดงการเต้นรำและดนตรีตามสไตล์ดั้งเดิม ^[16]

"เพลงบิซหวาน" ( 0 : 45 ) นี่คือการบันทึกเพลงเกี้ยวพาราสีแบบดั้งเดิมของโอมาฮาในปี พ.ศ. 2440 "บนทุ่งหญ้าคิสซิมมีเก่า" ( 3 : 11 ) เป็นเพลงอังกฤษที่บันทึกในฟลอริดาในปี 1940 โดย Bob Hall, Walter van Bass, Ned Hugh Bass และ JC King "ม้าสีเทาแก่" ( 2 : 10 ) นี่คือดนตรีพื้นบ้านแนวแอปพาเลเชียนจากปี 1925 บรรเลงโดย Bascam Lamar Lunsford "ดอลลาร์มามี่" ( 1 : 43 ) นี่เป็นเพลงประกอบการ hoeing ที่บันทึกที่เรือนจำรัฐมิสซิสซิปปี้ในปี 1939 "คามิโนเด ซาน อันโตนิโอ" ( 1 : 45 ) นี่คือคอร์ริโด ซึ่งบันทึกไว้ใกล้เมืองบราวน์สวิลล์ รัฐเท็กซัสในปี 1939 "คอตต้อนอายโจ" ( 2 : 27 ) Cotton-Eyed Joeเป็นเพลงพื้นบ้านดั้งเดิมและการเต้นรำแนวที่ส่วนใหญ่รู้จักในภาคใต้ของสหรัฐอเมริกา ซึ่งแสดงโดย Elmo Newcomer

ปัญหาในการเล่นไฟล์เหล่านี้? ดูสื่อช่วย

อาณานิคมทั้งสิบสามของเดิมสหรัฐฯอดีตดินแดนของอังกฤษและวัฒนธรรมแองโกลกลายเป็นรากฐานที่สำคัญสำหรับชาวบ้านชาวอเมริกันและเพลงยอดนิยม เพลงลูกทุ่งอเมริกันหลายเพลงจะเหมือนกับเพลงอังกฤษในการเรียบเรียง แต่มีเนื้อร้องใหม่ ซึ่งมักจะเป็นการล้อเลียนของเนื้อหาต้นฉบับ เพลงอเมริกันแองโกลมีความโดดเด่นนอกจากนี้ยังมีน้อยpentatonicเพลงน้อยคลอโดดเด่น ( แต่กับการใช้งานหนักของเจ้าหน้าที่ ) และท่วงทำนองที่สำคัญมากขึ้นในการ^[17]ดนตรีพื้นเมืองแองโกล-อเมริกันยังรวมถึงเพลงบัลลาดแนวกว้างเรื่องราวตลกขบขัน และเรื่องเล่าและเพลงเกี่ยวกับภัยพิบัติเกี่ยวกับการทำเหมือง ซากเรืออับปาง และการฆาตกรรม ฮีโร่ในตำนานอย่างJoe Magarac , John HenryและJesse Jamesเป็นส่วนหนึ่งของเพลงมากมาย พื้นบ้านเต้นรำของการกำเนิดของอังกฤษรวมถึงการเต้นรำ , สืบเชื้อสายมาจากดนตรีประกอบการเต้นรำรวมกับนวัตกรรมอเมริกันของโทรสอนเต้น^[18]สังคมชุมชนทางศาสนาที่รู้จักกันในชื่อShakersอพยพมาจากอังกฤษในช่วงศตวรรษที่ 18 และพัฒนารูปแบบการเต้นรำพื้นบ้านของตนเอง เพลงแรกของพวกเขาสามารถย้อนไปถึงเพลงลูกทุ่งของอังกฤษได้⁽¹⁹⁾สมาคมทางศาสนาอื่น ๆ ได้สร้างวัฒนธรรมดนตรีที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเองขึ้นในช่วงต้นประวัติศาสตร์อเมริกา เช่นดนตรีของ Amish , Harmony SocietyและEphrata Cloisterในเพนซิลเวเนีย⁽²⁰⁾

บรรพบุรุษของประชากรแอฟริกันอเมริกันในปัจจุบันถูกนำตัวไปยังสหรัฐอเมริกาในฐานะทาส โดยส่วนใหญ่ทำงานอยู่ในพื้นที่เพาะปลูกทางตอนใต้ พวกเขามาจากชนเผ่าหลายร้อยเผ่าทั่วแอฟริกาตะวันตก และพวกเขานำลักษณะบางอย่างของดนตรีแอฟริกาตะวันตกรวมถึงเสียงร้องเรียกและการตอบสนองและดนตรีจังหวะที่ซับซ้อน^[21]เช่นเดียวกับจังหวะซิงโครไนซ์และการเน้นเสียงที่เปลี่ยนไป^[22]ดนตรีแอฟริกันมุ่งเน้นไปที่การร้องเพลงและการเต้นเป็นจังหวะถูกนำตัวไปยังโลกใหม่ซึ่งจะกลายเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมพื้นบ้านที่ช่วยให้แอฟริกัน "รักษาความต่อเนื่องกับอดีตของพวกเขาผ่านทางดนตรี" ทาสเป็นครั้งแรกในประเทศสหรัฐอเมริการ้องเพลงงานเพลง ,hollers ฟิลด์^[23]และต่อไปนี้คริสต์ศาสนิกชน, สวด ในศตวรรษที่ 19 การตื่นขึ้นครั้งใหญ่ของความคลั่งไคล้ทางศาสนาได้ครอบงำผู้คนทั่วประเทศ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาคใต้ เพลงสวดโปรเตสแตนต์ที่เขียนโดยนักเทศน์ในนิวอิงแลนด์เป็นส่วนใหญ่ กลายเป็นคุณลักษณะของการประชุมค่ายที่จัดขึ้นท่ามกลางคริสเตียนผู้ศรัทธาทั่วภาคใต้ เมื่อคนผิวดำก็เริ่มร้องเพลงรุ่นดัดแปลงบทสวดเหล่านี้พวกเขาถูกเรียกว่านิโกร spirituals มันมาจากรากเหง้าเหล่านี้ ของเพลงจิตวิญญาณ เพลงประกอบการ และเสียงโห่ร้องในสนาม ที่บลูส์ แจ๊ส และพระกิตติคุณพัฒนาขึ้น

บลูส์และจิตวิญญาณ

	"พวกเราเป็นคนอเมริกัน" ( 2 : 11 ) บันทึกชาติพันธุ์วิทยาที่รวบรวมสำหรับหอจดหมายเหตุเพลงพื้นบ้านอเมริกันของ Library of Congress แสดงโดย เบอร์ธา ฮูสตัน
ปัญหาในการเล่นไฟล์นี้? ดูสื่อช่วย

จิตวิญญาณเป็นการแสดงออกถึงความศรัทธาทางศาสนาเป็นหลัก ร้องโดยทาสในไร่ทางใต้ ^[24]ในช่วงกลางถึงปลายศตวรรษที่ 19 จิตวิญญาณได้แผ่ขยายออกไปทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกา ในปี 1871 Fisk Universityได้กลายเป็นบ้านของFisk Jubilee Singersซึ่งเป็นกลุ่มผู้บุกเบิกที่สร้างความนิยมด้านจิตวิญญาณไปทั่วประเทศ ในการเลียนแบบของกลุ่มนี้ quartets พระกิตติคุณเกิดขึ้นตามมาด้วยการกระจายความเสี่ยงที่เพิ่มขึ้นกับการเพิ่มขึ้นในศตวรรษที่ 20 ตอนต้นของ jackleg และร้องเพลงนักเทศน์จากไหนมารูปแบบที่นิยมของการสอนดนตรี

	"กองทัพฟาโรห์จมน้ำ" ( 1 : 40 ) บันทึกโดยThomas Edisonในปี 1921 เผยแพร่ในปี 1924
ปัญหาในการเล่นไฟล์นี้? ดูสื่อช่วย

บลูส์เป็นการผสมผสานระหว่างเพลงงานของชาวแอฟริกัน การโห่ร้องในสนาม และเสียงตะโกน ^[25]พัฒนาขึ้นในชนบททางใต้ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ลักษณะที่สำคัญที่สุดของบลูส์คือการใช้สเกลสีน้ำเงินโดยมีส่วนที่สามที่แบนราบหรือไม่แน่นอน เช่นเดียวกับเนื้อเพลงที่ร้องคร่ำครวญ แม้ว่าองค์ประกอบทั้งสองนี้มีอยู่ในดนตรีพื้นบ้านของชาวแอฟริกันอเมริกันก่อนศตวรรษที่ 20 แต่รูปแบบการประมวลของเพลงบลูส์สมัยใหม่ (เช่นกับโครงสร้าง AAB) ก็ไม่มีอยู่จนกระทั่งต้นศตวรรษที่ 20 ⁽²⁶⁾

ชุมชนผู้อพยพอื่นๆ

สหรัฐอเมริกาเป็นประเทศที่หลอมรวมกลุ่มชาติพันธุ์จำนวนมาก ชนชาติเหล่านี้จำนวนมากยังคงรักษาขนบธรรมเนียมพื้นบ้านของบ้านเกิดของตนไว้ได้ โดยมักจะผลิตดนตรีต่างประเทศสไตล์อเมริกันที่เด่นชัด บางสัญชาติได้มีการผลิตฉากท้องถิ่นในภูมิภาคของประเทศที่พวกเขาได้คลัสเตอร์เช่นเพลงเคปเวอร์ในนิวอิงแลนด์ , ^[27] เพลงอาร์เมเนียในแคลิฟอร์เนีย , ^[28]และอิตาเลี่ยนและเพลงยูเครนในนิวยอร์กซิตี้^[29]

ชาวครีโอลเป็นชุมชนที่มีบรรพบุรุษที่ไม่ใช่ชาวแองโกลที่หลากหลาย ส่วนใหญ่เป็นลูกหลานของผู้คนที่อาศัยอยู่ในหลุยเซียนาก่อนที่จะซื้อโดยสหรัฐอเมริกา ชาวเคจุนเป็นกลุ่มของฟรานโกโฟนที่เดินทางมาถึงลุยเซียนาหลังจากออกจากอะคาเดียในแคนาดา^[30]เมืองนิวออร์ลีนส์ รัฐหลุยเซียนาซึ่งเป็นเมืองท่าสำคัญ ได้ทำหน้าที่เป็นแหล่งหลอมรวมของผู้คนจากทั่วลุ่มน้ำแคริบเบียน ผลลัพธ์ที่ได้คือชุดสไตล์ดนตรีเคจุนและดนตรีครีโอลที่หลากหลายและประสานกันได้

สเปนและต่อมาเม็กซิโกได้ควบคุมพื้นที่ส่วนใหญ่ที่อยู่ทางตะวันตกของสหรัฐฯ ในขณะนี้ จนกระทั่งเกิดสงครามเม็กซิกัน-อเมริการวมทั้งรัฐเท็กซัสทั้งหมด หลังจากที่เท็กซัสเข้าร่วมสหรัฐอเมริกาแล้วTejanosพื้นเมืองที่อาศัยอยู่ในรัฐเริ่มพัฒนาวัฒนธรรมแยกจากเพื่อนบ้านไปทางใต้ และยังคงมีความแตกต่างทางวัฒนธรรมจากประมวลผลอื่นๆ ศูนย์กลางของวิวัฒนาการของดนตรี Tejano ยุคแรกคือการผสมผสานของรูปแบบเม็กซิกันดั้งเดิม เช่นmariachiและcorridoและรูปแบบยุโรปภาคพื้นทวีปที่ได้รับการแนะนำโดยผู้ตั้งถิ่นฐานชาวเยอรมันและเช็กในปลายศตวรรษที่ 19 ^[31]โดยเฉพาะหีบเพลง ถูกนำมาใช้โดยนักดนตรีพื้นบ้าน Tejano ประมาณต้นศตวรรษที่ 20 และกลายเป็นเครื่องดนตรียอดนิยมสำหรับนักดนตรีสมัครเล่นในเท็กซัสและตอนเหนือของเม็กซิโก

ดนตรีคลาสสิก

ดนตรีคลาสสิกถูกนำไปยังสหรัฐอเมริกาพร้อมกับชาวอาณานิคมกลุ่มแรก ดนตรีคลาสสิกของยุโรปมีรากฐานมาจากประเพณีศิลปะยุโรป ดนตรีของคณะสงฆ์ และดนตรีคอนเสิร์ต บรรทัดฐานกลางของประเพณีนี้พัฒนาขึ้นระหว่างปี ค.ศ. 1550 ถึง พ.ศ. 2368 โดยเน้นที่สิ่งที่เรียกว่าช่วงเวลาปฏิบัติทั่วไป . นักประพันธ์เพลงคลาสสิกชาวอเมริกันหลายคนพยายามที่จะทำงานทั้งหมดในรูปแบบยุโรปจนถึงปลายศตวรรษที่ 19 เมื่อAntonín Dvořákคีตกวีชื่อดังชาวเช็ก มาเยือนสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปี พ.ศ. 2435 ถึง พ.ศ. 2438 เขาย้ำความคิดที่ว่าดนตรีคลาสสิกของอเมริกาจำเป็นต้องมีรูปแบบของตัวเองแทนที่จะเลียนแบบนักประพันธ์เพลงชาวยุโรป เขาช่วยสร้างแรงบันดาลใจให้นักประพันธ์เพลงต่อมาสร้างดนตรีคลาสสิกสไตล์อเมริกันอย่างชัดเจน⁽³²⁾ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 คีตกวีชาวอเมริกันจำนวนมากได้ผสมผสานองค์ประกอบที่แตกต่างกันไปในงานของพวกเขา ตั้งแต่ดนตรีแจ๊สและบลูส์ไปจนถึงดนตรีพื้นเมืองอเมริกัน

ดนตรีคลาสสิกตอนต้น

ในช่วงยุคอาณานิคม มีสองสาขาที่แตกต่างกันซึ่งปัจจุบันถือเป็นดนตรีคลาสสิก คนหนึ่งเกี่ยวข้องกับนักประพันธ์เพลงสมัครเล่นและอาจารย์ ซึ่งเดิมสไตล์มาจากเพลงสวดที่เรียบง่ายและได้รับความซับซ้อนเมื่อเวลาผ่านไป ประเพณีอาณานิคมอื่น ๆ คือเมืองกลางมหาสมุทรแอตแลนติกเช่นฟิลาเดลเฟียและบัลติมอร์ซึ่งผลิตคีตกวีที่มีชื่อเสียงจำนวนหนึ่งซึ่งทำงานเกือบทั้งหมดในรูปแบบยุโรป คีตกวีเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นภาษาอังกฤษโดยกำเนิด และทำงานเฉพาะในรูปแบบของคีตกวีชาวอังกฤษที่โดดเด่นในสมัยนั้น ^[33]

ดนตรีคลาสสิกถูกนำเข้ามาในสหรัฐอเมริกาในยุคอาณานิคม นักประพันธ์เพลงชาวอเมริกันหลายคนในยุคนี้ทำงานเฉพาะกับนางแบบชาวยุโรป ในขณะที่คนอื่นๆ เช่นWilliam Billings , Supply BelcherและJustin Morganหรือที่รู้จักในชื่อFirst New England Schoolได้พัฒนารูปแบบที่เกือบจะเป็นอิสระจากแบบจำลองของยุโรป^{[34] ใน}บรรดาคีตกวีเหล่านี้ บิลลิงส์เป็นที่จดจำมากที่สุด เขายังมีอิทธิพล "ในฐานะผู้ก่อตั้งคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ของอเมริกา ในฐานะนักดนตรีคนแรกที่ใช้ท่อพิทช์และเป็นคนแรกที่แนะนำไวโอลินให้กับงานบริการในโบสถ์" ^[35]นักแต่งเพลงเหล่านี้หลายคนเป็นนักร้องสมัครเล่นที่พัฒนาดนตรีศักดิ์สิทธิ์รูปแบบใหม่ที่เหมาะกับการแสดงของมือสมัครเล่น และมักใช้วิธีการฮาร์โมนิกซึ่งถือว่าแปลกประหลาดตามมาตรฐานยุโรปร่วมสมัย^[36]รูปแบบการประพันธ์เพลงเหล่านี้ถูกแตะต้องโดย 'อิทธิพลของโคตรยุโรปของพวกเขาที่มีความซับซ้อน' โดยใช้เครื่องชั่งน้ำหนักกิริยาหรือ pentatonic หรือท่วงทำนองและละทิ้งกฎยุโรปของความสามัคคี^[37]

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 อเมริกาได้ผลิตคีตกวีที่หลากหลาย เช่นแอนโธนี่ ไฮน์ริชซึ่งแต่งในสไตล์อเมริกันที่แปลกประหลาดและจงใจ และเป็นนักแต่งเพลงชาวอเมริกันคนแรกที่เขียนให้กับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา คีตกวีคนอื่นๆ อีกหลายคน ที่โด่งดังที่สุดคือWilliam Henry FryและGeorge Frederick Bristowได้สนับสนุนแนวความคิดเกี่ยวกับสไตล์คลาสสิกแบบอเมริกัน แม้ว่างานของพวกเขาจะเป็นแนวยุโรปก็ตาม อย่างไรก็ตามJohn Knowles Paineกลายเป็นนักแต่งเพลงชาวอเมริกันคนแรกที่ได้รับการยอมรับในยุโรป ตัวอย่างของ Paine เป็นแรงบันดาลใจให้นักแต่งเพลงของSecond New England Schoolซึ่งรวมถึงบุคคลเช่นAmy Beach , Edward MacDowellและHoratio ปาร์กเกอร์ ^[38]

หลุยส์ โมโร ก็อตต์ชอล์คอาจเป็นนักประพันธ์เพลงชาวอเมริกันที่จำได้ดีที่สุดในศตวรรษที่ 19 ริชาร์ด ครอว์ฟอร์ด นักประวัติศาสตร์ดนตรีกล่าวว่า "นำเอาดนตรีพื้นเมืองหรือพื้นบ้าน ธีม และจังหวะมาสู่ดนตรีสำหรับคอนเสิร์ตฮอลล์" ดนตรีของ Gottschalk สะท้อนให้เห็นถึงการผสมผสานทางวัฒนธรรมของเมืองบ้านเกิดของเขา นิวออร์ลีนส์ ลุยเซียนา ซึ่งเป็นที่ตั้งของเพลงละติน แคริบเบียน แอฟริกันอเมริกัน เคจุน และครีโอลที่หลากหลาย เขาได้รับการยอมรับอย่างดีว่าเป็นนักเปียโนที่มีพรสวรรค์ในช่วงชีวิตของเขา และยังเป็นนักแต่งเพลงที่เป็นที่รู้จักซึ่งยังคงได้รับความชื่นชมแม้จะแสดงเพียงเล็กน้อย ^[39]

ศตวรรษที่ 20

วงการดนตรีคลาสสิกในนิวยอร์กรวมถึงCharles Griffesซึ่งมีพื้นเพมาจากเมืองElmira รัฐนิวยอร์กซึ่งเริ่มเผยแพร่เนื้อหาที่สร้างสรรค์ที่สุดของเขาในปี 1914 ความร่วมมือในช่วงแรกๆ ของเขาคือความพยายามที่จะใช้ธีมดนตรีที่ไม่ใช่แบบตะวันตก ที่รู้จักกันดีนักแต่งเพลงนิวยอร์กจอร์จเกิร์ชวินเกิร์ชวินเป็นนักแต่งเพลงที่มีตรอก Tin Pan Alleyและโรงละครบรอดเวย์และผลงานของเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากดนตรีแจ๊สหรือมากกว่าบรรพบุรุษของดนตรีแจ๊สที่ยังหลงเหลืออยู่ในช่วงเวลาของเขา งานของเกิร์ชวินทำให้ดนตรีคลาสสิกของอเมริกามีสมาธิมากขึ้น และได้รับความสนใจจากนานาชาติเป็นจำนวนมากอย่างไม่เคยได้ยินมาก่อน ต่อจากเกิร์ชวิน ผู้แต่งเพลงหลักคนแรกคือAaron Coplandจากบรู๊คลินซึ่งใช้องค์ประกอบของดนตรีโฟล์กอเมริกัน แม้ว่าจะยังคงเป็นแบบยุโรปในด้านเทคนิคและรูปแบบ หลังจากนั้นเขาก็หันไปบัลเล่ต์แล้วเพลงแบบอนุกรม ^[40] ชาร์ลส์ อีฟส์เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงคลาสสิกชาวอเมริกันยุคแรกๆ ที่มีความสำคัญระดับนานาชาติ โดยผลิตดนตรีในสไตล์อเมริกันที่มีเอกลักษณ์เฉพาะ แม้ว่าเพลงของเขาส่วนใหญ่จะไม่รู้จักจนกระทั่งหลังจากที่เขาเสียชีวิตในปี 2497

Many of the later 20th-century composers, such as John Cage, John Corigliano, Terry Riley, Steve Reich, John Adams, and Miguel del Aguila, used modernist and minimalist techniques. Reich discovered a technique known as phasing, in which two musical activities begin simultaneously and are repeated, gradually drifting out of sync, creating a natural sense of development. Reich was also very interested in non-Western music, incorporating African rhythmic techniques in his compositions.^[41]นักแต่งเพลงและนักแสดงล่าสุดได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานแนวมินิมอลของPhilip Glassชาวบัลติมอร์จากนิวยอร์กMeredith Monkและอื่นๆ ^[42]

เพลงดัง

The United States has produced many popular musicians and composers in the modern world. Beginning with the birth of recorded music, American performers have continued to lead the field of popular music, which out of "all the contributions made by Americans to world culture... has been taken to heart by the entire world".^[43] Most histories of popular music start with American ragtime or Tin Pan Alley; others, however, trace popular music to the Renaissance and through broadsheets, ballads, and other popular traditions.^[44] Other authors typically look at popular sheet music, tracing American popular music to spirituals, minstrel shows, vaudeville, and the patriotic songs of the Civil War.

Early popular song

	"The Star-Spangled Banner" (1:25) The Star-Spangled Banner performed by Fred Waring and his Pennsylvanians (1942) "Stars and Stripes Forever" (3:36) John Philip Sousa's The Stars and Stripes Forever. Performed by the United States Marine Corps band "Dixie" (3:55) 1916 rendition of Dixie by the Metropolitan Mixed Chorus with Ada Jones and Billy Murray
Problems playing these files? See media help.

เพลงเลย์ผู้รักชาติของการปฏิวัติอเมริกาเป็นเพลงยอดนิยมประเภทแรก เหล่านี้รวมถึง "เสรีภาพต้นไม้" โดยโทมัสเพนพิมพ์ราคาถูกเป็นแผ่นพับเพลงรักชาติยุคแรกๆ แผ่กระจายไปทั่วอาณานิคม และแสดงที่บ้านและในที่ประชุมสาธารณะ^[45]เพลงขลุ่ยมีการเฉลิมฉลองโดยเฉพาะอย่างยิ่งและได้ดำเนินการในสนามรบระหว่างการปฏิวัติอเมริกา เพลงห้าเพลงที่ยาวที่สุดเหล่านี้คือ " Yankee Doodle " ที่ยังคงเป็นที่รู้จักกันดีในปัจจุบัน ทำนองนี้มีอายุย้อนไปถึงปี 1755 และร้องโดยทั้งทหารอเมริกันและอังกฤษ^[46] เพลงรักชาติมีพื้นฐานมาจากท่วงทำนองภาษาอังกฤษเป็นส่วนใหญ่ โดยมีการเพิ่มเนื้อเพลงใหม่เพื่อประณามลัทธิล่าอาณานิคมของอังกฤษ อย่างไรก็ตาม คนอื่นๆ ใช้เพลงจากไอร์แลนด์ สกอตแลนด์ หรือที่อื่นๆ หรือไม่ได้ใช้ทำนองที่คุ้นเคย เพลง " Hail, Columbia " เป็นผลงานชิ้นสำคัญ^[47]ที่ยังคงเป็นเพลงชาติที่ไม่เป็นทางการจนกระทั่งมีการใช้ " The Star-Spangled Banner " มากของเพลงอเมริกันยุคนี้ยังคงมีชีวิตอยู่ในศักดิ์สิทธิ์พิณแม้ว่าจะไม่เป็นที่รู้จักนอกชุมชน Shaker แต่Simple Giftsเขียนขึ้นในปี 1848 โดย Elder Joseph Brackettและเพลงนี้ก็โด่งดังไปทั่วโลก^[48]

ในช่วงสงครามกลางเมือง เมื่อทหารจากทั่วประเทศรวมตัวกัน แนวเพลงอเมริกันอันหลากหลายเริ่มผสมพันธุ์ซึ่งกันและกัน ซึ่งเป็นกระบวนการที่ได้รับความช่วยเหลือจากอุตสาหกรรมการรถไฟที่กำลังเติบโตและการพัฒนาทางเทคโนโลยีอื่นๆ ที่ทำให้การเดินทางและการสื่อสารง่ายขึ้น หน่วยของกองทัพรวมถึงบุคคลจากทั่วประเทศ และพวกเขาแลกเปลี่ยนเพลง เครื่องมือ และเทคนิคอย่างรวดเร็ว สงครามเป็นแรงผลักดันให้เกิดการสร้างสรรค์เพลงอเมริกันที่เด่นชัดซึ่งกลายเป็นและยังคงได้รับความนิยมอย่างล้นหลาม^[3]เพลงที่นิยมมากที่สุดของยุคสงครามกลางเมืองรวมถึง " เบ้ง " เขียนโดยแดเนียลเคเตอร์เอ็มเม็ตเพลงที่ชื่อเดิมว่า "Dixie's Land" ทำขึ้นเพื่อปิดการแสดงของนักร้อง; มันแพร่กระจายไปยังนิวออร์ลีนส์ก่อน ซึ่งได้รับการตีพิมพ์และกลายเป็น "หนึ่งในเพลงที่ประสบความสำเร็จในยุคก่อนสงครามกลางเมือง" ^[49]นอกเหนือจากเพลงรักชาติที่ได้รับความนิยม ยุคสงครามกลางเมืองยังผลิตวงดนตรีทองเหลืองที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ^[50]

หลังสงครามกลางเมือง การแสดงของนักดนตรีกลายเป็นรูปแบบการแสดงดนตรีแบบอเมริกันที่โดดเด่นเป็นครั้งแรก การแสดงดนตรีเป็นรูปแบบของความบันเทิงของชนพื้นเมืองอเมริกันประกอบด้วยการละเล่นการ์ตูนการกระทำที่หลากหลาย, การเต้นและเพลงมักจะดำเนินการโดยคนผิวขาวในblackfaceการแสดงของ Minstrel ใช้องค์ประกอบแอฟริกันอเมริกันในการแสดงดนตรี แต่ในรูปแบบที่เรียบง่ายเท่านั้น ตุ๊กตุ่นในการแสดงที่ปรากฎเป็นทาสผิวดำธรรมชาติเกิดและคนโง่ที่สุดก่อนที่จะกลายเป็นที่เกี่ยวข้องกับการเลิกทาส ^[51]การแสดงนักร้องที่ถูกคิดค้นโดยแดเนียลเคเตอร์เอ็มเม็ตและเวอร์จิเนียดนตรี ^{[52] การ}แสดงของ Minstrel ได้สร้างนักแต่งเพลงยอดนิยมคนแรกที่จำได้ดีในประวัติศาสตร์ดนตรีอเมริกัน:โทมัสดีข้าว , แดเนียลเคเตอร์เอ็มเม็ตและชื่อเสียงที่สุด, สตีเฟ่นฟอสเตอร์ หลังจากที่ความนิยมของนักร้องเพลงจางหายไปเพลงคูนซึ่งเป็นปรากฏการณ์ที่คล้ายคลึงกันก็ได้รับความนิยม

นักแต่งเพลงJohn Philip Sousaมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับกระแสความนิยมมากที่สุดในเพลงยอดนิยมของอเมริกาก่อนเริ่มศตวรรษที่ 20 อดีตหัวหน้าวงดนตรีของวงดนตรีนาวิกโยธินแห่งสหรัฐอเมริกา Sousa เขียนการเดินขบวนของทหารเช่น " The Stars and Stripes Forever " ซึ่งสะท้อนถึง "ความคิดถึงของเขาสำหรับบ้านและประเทศ [ของเขา]" ทำให้ท่วงทำนองมี "ตัวละครที่กวนใจ" ^[53]

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 โรงละครดนตรีอเมริกันเป็นแหล่งรวมเพลงยอดนิยม หลายเพลงมีอิทธิพลต่อเพลงบลูส์ แจ๊ส คันทรี และรูปแบบเพลงป็อปอื่นๆ ที่ยังหลงเหลืออยู่ ศูนย์กลางของการพัฒนารูปแบบนี้คือในนิวยอร์กซิตี้ ซึ่งโรงละครบรอดเวย์ได้กลายเป็นสถานที่ที่มีชื่อเสียงที่สุดในเมือง นักประพันธ์เพลงและนักแต่งบทเพลงอย่างพี่น้องจอร์จและไอรา เกิร์ชวิน ได้สร้างรูปแบบการละครอเมริกันที่มีเอกลักษณ์เฉพาะซึ่งใช้คำพูดและดนตรีพื้นถิ่นแบบอเมริกัน ละครเพลงนำเสนอเพลงยอดนิยมและเนื้อเรื่องที่ดำเนินไปอย่างรวดเร็วซึ่งมักจะเกี่ยวกับความรักและความโรแมนติก ^[54]

เพลงบลูส์และพระกิตติคุณ

	"เศษใบเมเปิ้ล" ( 3 : 14 ) องค์ประกอบ Ragtime โดย Scott Joplin
ปัญหาในการเล่นไฟล์นี้? ดูสื่อช่วย

บลูส์เป็นแนวเพลงโฟล์กแอฟริกันอเมริกันที่เป็นพื้นฐานสำหรับเพลงป๊อบอเมริกันสมัยใหม่ส่วนใหญ่ บลูส์สามารถเห็นได้ว่าเป็นส่วนหนึ่งของความต่อเนื่องของรูปแบบดนตรี เช่น คันทรี แจ๊ส แร็กไทม์ และพระกิตติคุณ แม้ว่าแต่ละประเภทจะพัฒนาไปสู่รูปแบบที่แตกต่างกันต้นกำเนิดของพวกมันก็มักจะไม่ชัดเจน บลูส์รูปแบบแรกๆ พัฒนาขึ้นในและรอบๆ สามเหลี่ยมปากแม่น้ำมิสซิสซิปปี้ในปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 เพลงบลูส์แรกสุดเป็นเพลงที่ร้องเรียกและตอบสนองต่อเสียงร้องเป็นหลักโดยปราศจากการประสานกันหรือการบรรเลงประกอบ และไม่มีโครงสร้างทางดนตรีที่เป็นทางการ ทาสและลูกหลานของพวกเขาสร้างเพลงบลูส์ด้วยการปรับเสียงตะโกนและเสียงโห่ร้องในสนาม ทำให้พวกเขากลายเป็นเพลงเดี่ยวที่หลงใหล^[55]เมื่อผสมกับจิตวิญญาณของคริสเตียนเพลงของคริสตจักรแอฟริกันอเมริกันและการประชุมฟื้นฟูบลูส์ได้กลายเป็นพื้นฐานของการสอนดนตรี พระกิตติคุณสมัยใหม่เริ่มต้นขึ้นในคริสตจักรแอฟริกัน-อเมริกันในคริสต์ทศวรรษ 1920 ในรูปแบบของผู้นมัสการที่ประกาศศรัทธาของตนในลักษณะชั่วคราวและมักจะแสดงดนตรี (เป็นพยาน) นักแต่งเพลงอย่างโธมัส เอ. ดอร์ซีย์แต่งงานพระกิตติคุณซึ่งใช้องค์ประกอบของเพลงบลูส์และแจ๊สในเพลงสวดดั้งเดิมและเพลงจิตวิญญาณ ^[56]

Ragtime เดิมเป็นสไตล์เปียโน โดยมีจังหวะและสีที่ประสานกัน^[26]เป็นหลักรูปแบบของเพลงเต้นรำใช้เป็นเบสที่สามารถเดินได้และเป็นองค์ประกอบโดยทั่วไปในรูปแบบโซนาตาแร็กไทม์เป็นรูปแบบการเต้นเค้กวอล์คแอฟริกันอเมริกันที่ได้รับการขัดเกลาและพัฒนาผสมผสานกับรูปแบบต่างๆ ตั้งแต่การเดินขบวนของชาวยุโรป^[57]และเพลงยอดนิยมไปจนถึงจิ๊กและการเต้นรำอื่นๆ ที่บรรเลงโดยวงดนตรีแอฟริกันอเมริกันขนาดใหญ่ในเมืองทางตอนเหนือในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 นักแสดงและนักแต่งเพลงแร็กไทม์ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือScott Joplinซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานเช่น "Maple Leaf Rag" ^[58]

บลูส์กลายเป็นส่วนหนึ่งของเพลงป็อปอเมริกันในช่วงทศวรรษ 1920 เมื่อนักร้องบลูส์คลาสสิกอย่างเบสซี่ สมิธ ได้รับความนิยม ในเวลาเดียวกัน บริษัทแผ่นเสียงได้เปิดสาขาดนตรีการแข่งขันซึ่งส่วนใหญ่เป็นเพลงบลูส์ที่มีกลุ่มเป้าหมายเป็นชาวอเมริกันเชื้อสายแอฟริกัน การแสดงที่โด่งดังที่สุดเหล่านี้ยังเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดการพัฒนาแนวเพลงบลูส์และบลูส์ที่ได้รับความนิยมในเวลาต่อมา รวมถึงโรเบิร์ต จอห์นสันนักดนตรีเดลต้าบลูส์ในตำนานและนักดนตรีบลูส์พีดมอนต์Blind Willie McTell. อย่างไรก็ตาม ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 บลูส์ล้วนเป็นเพียงส่วนเล็กๆ ของดนตรีป็อป ซึ่งถูกย่อยโดยเพลงประเภทอื่น เช่น ริธึมแอนด์บลูส์ และสไตล์ร็อกแอนด์โรลที่พึ่งเกิดขึ้น บลูส์แบบไฟฟ้าที่ขับด้วยเปียโนบางสไตล์ เช่นบูกี้-วูกี้ยังคงมีผู้ชมจำนวนมาก สไตล์หวานของพระกิตติคุณยังกลายเป็นที่นิยมในหลักอเมริกาในปี 1950 นำโดยนักร้องMahalia Jackson ^[59]บลูส์ประเภทการฟื้นฟูที่สำคัญมีประสบการณ์ในปี 1950 กับชิคาโกบลูส์นักดนตรีเช่นน้ำโคลนและวอลเตอร์เล็ก , ^[60]เช่นเดียวกับในปี 1960 ในที่อังกฤษบุกและอเมริกันฟื้นฟูดนตรีพื้นบ้านเมื่อนักดนตรีบลูส์คันทรีเช่นMississippi John HurtและReverend Gary Davisถูกค้นพบอีกครั้ง น้ำเชื้อนักดนตรีบลูส์ของช่วงเวลาเหล่านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักดนตรีร็อคเช่นชัคเบอร์รีในปี 1950 เช่นเดียวกับในบริติชบลูส์และบลูส์ร็อคฉากของปี 1960 และ 1970 รวมทั้งเอริคแคลปตันในอังกฤษและจอห์นนี่ในช่วงฤดูหนาวในเท็กซัส

แจ๊ส

แจ๊สเป็นชนิดของเพลงที่โดดเด่นด้วยswungและบันทึกสีฟ้าโทรและการตอบสนองเสียงร้องpolyrhythmsและการปรับตัวแม้ว่าเดิมจะเป็นเพลงเต้นรำ แต่แจ๊สเป็นส่วนสำคัญของดนตรียอดนิยม และได้กลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของดนตรีคลาสสิกตะวันตกด้วย แจ๊สมีรากฐานมาจากวัฒนธรรมและการแสดงออกทางดนตรีของแอฟริกาตะวันตก และในประเพณีดนตรีแอฟริกันอเมริกัน เช่น บลูส์และแร็กไทม์ ตลอดจนดนตรีวงดนตรีของกองทัพยุโรป^[61]ดนตรีแจ๊สในยุคแรกมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับแร็กไทม์ โดยสามารถแยกแยะได้ด้วยการใช้อิมโพรไวส์จังหวะที่สลับซับซ้อนมากขึ้น วงดนตรีแจ๊สยุคแรกๆ นำคำศัพท์ของบลูส์มาใช้เป็นส่วนใหญ่ ซึ่งรวมถึงโน้ตที่โค้งงอและสีน้ำเงิน และ "คำราม" ของเครื่องดนตรี และสเมียร์ที่ไม่ได้ใช้กับเครื่องดนตรียุโรป รากฐานของดนตรีแจ๊สมาจากเมืองนิวออร์ลีนส์ รัฐหลุยเซียนาซึ่งมีชาวเคจุนและชาวครีโอลผิวดำ ซึ่งผสมผสานวัฒนธรรมฝรั่งเศส-แคนาดาของ Cajuns เข้ากับสไตล์ดนตรีของตนเองในศตวรรษที่ 19 วงดนตรีครีโอลขนาดใหญ่ที่เล่นในงานศพและขบวนพาเหรดกลายเป็นพื้นฐานสำคัญสำหรับดนตรีแจ๊สยุคแรกๆ ซึ่งแพร่กระจายจากนิวออร์ลีนส์ไปยังชิคาโกและใจกลางเมืองอื่นๆ ทางตอนเหนือ

แม้ว่าแจ๊สมีความยาวตั้งแต่ประสบความสำเร็จบางส่วนนิยม จำกัด ก็คือหลุยส์อาร์มสตรองที่กลายเป็นหนึ่งในดาวที่ได้รับความนิยมเป็นครั้งแรกและเป็นกำลังสำคัญในการพัฒนาของดนตรีแจ๊สพร้อมกับเพื่อนนักเปียโนของเขาเอิร์ลไฮนส์อาร์มสตรอง ไฮนส์ และเพื่อนร่วมงานของพวกเขาเป็นด้นสด สามารถสร้างทำนองที่หลากหลายได้ในทำนองเดียว อาร์มสตรองยังเป็นที่นิยมในการร้องเพลงขี้ขลาดซึ่งเป็นเทคนิคการร้องแบบด้นสดซึ่งร้องพยางค์ไร้สาระ ( คำพูด ) อาร์มสตรองและไฮนส์ผู้มีอิทธิพลในการเพิ่มขึ้นของชนิดของป๊อปแจ๊สวงดนตรีขนาดใหญ่ที่เรียกว่าสวิงสวิงมีลักษณะเป็นจังหวะที่หนักแน่น มักจะประกอบด้วยดับเบิลเบสและกลอง จังหวะปานกลางถึงเร็ว และอุปกรณ์จังหวะ เช่น สวิงโน้ต ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับแจ๊สส่วนใหญ่ วงสวิงเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สในช่วงทศวรรษที่ 1930 ที่ผสมผสานกับองค์ประกอบของบลูส์และตรอกดีบุกแพน^[58]วงสวิงใช้วงดนตรีที่ใหญ่กว่าประเภทอื่น ๆ ของแจ๊ส ซึ่งนำไปสู่หัวหน้าวงดนตรีที่จัดเนื้อหาที่กีดกันด้นสดอย่างแน่นหนา ซึ่งก่อนหน้านี้เป็นส่วนสำคัญของดนตรีแจ๊ส สวิงกลายเป็นส่วนหนึ่งที่สำคัญของการเต้นแอฟริกันอเมริกันและมาถึงจะมาพร้อมกับการเต้นที่นิยมเรียกว่าเต้นแกว่ง

แจ๊สมีอิทธิพลต่อนักแสดงหลายคนในสไตล์หลัก ๆ ของดนตรีป๊อบในยุคต่อมา แม้ว่าแจ๊สเองก็ไม่เคยกลายเป็นส่วนสำคัญของเพลงป๊อบอเมริกันอีกต่อไปเหมือนในยุควงสวิง ฉากแจ๊สศตวรรษที่ 20 ต่อมาชาวอเมริกันได้ แต่ผลิตบางส่วนดาวครอสโอเวอร์ที่นิยมเช่นMiles Davis ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 20 ดนตรีแจ๊สได้พัฒนาเป็นแนวเพลงย่อยที่หลากหลาย โดยเริ่มจากเสียงบี๊บ แจ๊ชเป็นรูปแบบของดนตรีแจ๊สที่โดดเด่นด้วยจังหวะที่รวดเร็วและการปรับตัวขึ้นอยู่กับโครงสร้างฮาร์โมนิมากกว่าทำนองและการใช้flatted ห้าแจ๊ชได้รับการพัฒนาในช่วงต้นและกลางปี 1940 ต่อมาพัฒนาเป็นรูปแบบเหมือนป็อบยากและฟรีแจ๊สนวัตกรของสไตล์รวมถึงCharlie ParkerและDizzy Gillespieซึ่งเกิดขึ้นจากคลับแจ๊สเล็กๆ ในนิวยอร์กซิตี้ ^[62]

เพลงคันทรี่

เพลงคันทรี่เป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีบลูส์แอฟริกันอเมริกันและจิตวิญญาณกับดนตรีโฟล์กแอปพาเลเชียนซึ่งดัดแปลงมาเพื่อผู้ฟังป๊อปและได้รับความนิยมในช่วงทศวรรษที่ 1920 ต้นกำเนิดของประเทศอยู่ในเพลงพื้นบ้านทางตอนใต้ของชนบทซึ่งส่วนใหญ่เป็นไอริชและอังกฤษโดยมีดนตรีแอฟริกันและยุโรป^[63]เพลงแองโกลเซลติก, เพลงเต้นรำและ balladry ถูกรุ่นก่อนเก่าแก่ที่สุดของประเทศที่ทันสมัยแล้วก็รู้จักเพลงคนบ้านนอก คนบ้านนอกในยุคแรกๆยังได้ยืมองค์ประกอบของเพลงบลูส์และดึงเอาแง่มุมอื่นๆ ของเพลงป๊อปในศตวรรษที่ 19 เนื่องจากดนตรีบ้านนอกได้พัฒนาเป็นแนวเพลงเชิงพาณิชย์ที่รู้จักกันในชื่อคันทรี่และตะวันตกและจากนั้นก็เรียกง่ายๆ ว่าคันทรี^[64]เครื่องมือของประเทศแรกสุดเกี่ยวกับไวโอลินที่ได้มาจากยุโรปและแบนโจที่ได้มาจากแอฟริกาโดยมีกีตาร์เพิ่มในภายหลัง ^[65]เครื่องสายเช่นอูคูเลเล่และกีตาร์เหล็กกลายเป็นเรื่องธรรมดาเนื่องจากความนิยมของกลุ่มดนตรีฮาวายในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ^[66]

รากของเพลงคันทรี่ในเชิงพาณิชย์มีการตรวจสอบโดยทั่วไปปี 1927 เมื่อพรสวรรค์ด้านดนตรีลูกเสือราล์ฟ Peerบันทึกจิมมี่ร็อดเจอร์สและคาร์เตอร์ครอบครัว ^[67]ความสำเร็จของความนิยมมีอย่างจำกัด แม้ว่าความต้องการเพียงเล็กน้อยจะกระตุ้นให้มีการบันทึกในเชิงพาณิชย์ หลังสงครามโลกครั้งที่ 2มีความสนใจในสไตล์เฉพาะทางมากขึ้น เช่น ดนตรีคันทรี่ โดยผลิตป๊อปสตาร์ดังสองสามคน^[68]นักดนตรีคันทรี่ที่ทรงอิทธิพลที่สุดในยุคนั้นคือแฮงค์ วิลเลียมส์ นักร้องคันทรีจากแอละแบมา^{[59] [69]}เขายังคงเป็นที่รู้จักในฐานะหนึ่งในนักแต่งเพลงและนักแสดงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในวงการเพลงคันทรี่ โดยถูกมองว่าเป็น "กวีพื้นบ้าน" ที่มี "กร่างอันธพาล" และ "ความเห็นอกเห็นใจของชนชั้นแรงงาน" ^[70]ตลอดทศวรรษที่ผ่านมาความหยาบกร้านของซ่องโสเภณีค่อยๆกัดเซาะเป็นเสียงแนชวิลล์เพิ่มขึ้น Pop-oriented ผู้ผลิตอย่างChet Atkins ได้สร้างเสียงของแนชวิลล์โดยแยกองค์ประกอบบ้านนอกของเครื่องมือวัดและใช้เครื่องมือที่ราบรื่นและเทคนิคการผลิตขั้นสูง^[71]ในที่สุด บันทึกส่วนใหญ่จากแนชวิลล์อยู่ในรูปแบบนี้ ซึ่งเริ่มรวมสตริงและคณะนักร้องประสานเสียงเข้าด้วยกัน^[72]

โดยช่วงต้นทศวรรษที่ 1960 แต่เสียงแนชวิลล์ได้กลายเป็นที่รับรู้เป็นรดน้ำลงมากเกินไปโดยนักแสดงมากขึ้นอนุรักษนิยมจำนวนมากและแฟน ๆ ส่งผลให้ในหลายฉากในท้องถิ่นเช่นเสียงเบเคอร์นักแสดงไม่กี่สะสมนิยมอย่างไรเช่นยาวนานวัฒนธรรมไอคอนJohnny Cash ^[73]เสียง Bakersfield เริ่มขึ้นในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1950 เมื่อนักแสดงอย่างWynn StewartและBuck Owensเริ่มใช้องค์ประกอบของการสวิงและร็อคแบบตะวันตกเช่นจังหวะเบรกบีต ในดนตรีของพวกเขา^[74]ในปี 1960 นักแสดงอย่างMerle Haggardนิยมเสียง ในช่วงต้นปี 1970 ที่แห้งเหี่ยวยังเป็นส่วนหนึ่งของประเทศอาชญากรข้างนักร้องนักแต่งเพลงเช่นวิลลี่เนลสันและเวย์ลอนเจนนิงส์ ^[62] Outlaw Country เป็นเพลงร็อกและเน้นไปที่การแสดงตลกของนักแสดง ตรงกันข้ามกับนักร้องคันทรี่ของแนชวิลล์^[75]โดยกลางปี 1980 ที่ชาร์ตเพลงของประเทศถูกครอบงำโดยนักร้องป๊อปควบคู่ไปกับการฟื้นฟูที่พึ่งของประเทศซ่องโสเภณีสไตล์กับการเพิ่มขึ้นของนักแสดงเช่นDwight Yoakam ทศวรรษ 1980 ยังเห็นการพัฒนาของนักแสดงจากประเทศทางเลือกเช่นลุงตูเปโลซึ่งต่อต้านรูปแบบป๊อป-เน้นของประเทศกระแสหลัก ที่จุดเริ่มต้นของยุค 2000 ที่ประเทศร็อคที่มุ่งเน้นการกระทำที่ยังคงอยู่ในหมู่นักแสดงที่ขายดีที่สุดในประเทศสหรัฐอเมริกาโดยเฉพาะอย่างยิ่งการ์ ธ บรูคส์ ^[76]

โซล อาร์แอนด์บี และฟังก์

	"การเปลี่ยนแปลงกำลังจะมา" ( 0 : 19 ) เพลงโซลคลาสสิกของSam Cookeกลายเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมี "ปะป๊าได้กระเป๋าใบใหม่" ( 0 : 13 ) The groundbreaking hit by James Brown marked the beginning of the development of funk.
Problems playing these files? See media help.

R&B ย่อมาจากrhythm and bluesเป็นสไตล์ที่เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 อาร์แอนด์บีในยุคแรกประกอบด้วยหน่วยจังหวะขนาดใหญ่ "ซึ่งอยู่เบื้องหลังนักร้องบลูส์ที่กรีดร้อง (ซึ่ง) ต้องตะโกนให้ได้ยินเหนือเสียงกึกก้องและการดีดของเครื่องดนตรีไฟฟ้าต่างๆ และส่วนจังหวะที่ปั่นป่วน" ^[78] R&B ไม่ได้รับการบันทึกและส่งเสริมอย่างกว้างขวางเพราะบริษัทแผ่นเสียงรู้สึกว่ามันไม่เหมาะกับผู้ชมส่วนใหญ่ โดยเฉพาะคนผิวขาวระดับกลาง เพราะเนื้อเพลงชี้นำและจังหวะการขับขี่^[79]หัวหน้าวงอย่างหลุยส์ จอร์แดนคิดค้นเสียงของ R&B ในยุคแรกโดยใช้วงดนตรีที่มีส่วนแตรขนาดเล็กและเครื่องมือวัดจังหวะที่โดดเด่น ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 1940 เขาได้มีเพลงฮิตหลายและช่วยปูทางสำหรับโคตรชอบวยโนนีแฮร์ริสและจอห์นลีเชื่องช้าเพลง R&B ที่โด่งดังที่สุดหลายเพลงไม่ได้แสดงในสไตล์จอร์แดนและโคตรของเขา แต่พวกเขากลับแสดงโดยนักดนตรีผิวขาวอย่างPat Booneในสไตล์กระแสหลักที่น่ารับประทานมากกว่า ซึ่งกลายเป็นเพลงป๊อปฮิต^[80]ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 อย่างไรก็ตาม มีกระแสความนิยมของแบล็กบลูส์ร็อกและนักแสดงอาร์แอนด์บีที่ได้รับอิทธิพลจากประเทศ เช่นชัค เบอร์รี่ ซึ่งได้รับชื่อเสียงอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนในหมู่ผู้ฟังผิวขาว^{[81] [82]}

Motown Recordsประสบความสำเร็จอย่างสูงในช่วงต้นและกลางทศวรรษ 1960 ในการผลิตเพลงที่มีรากฐานมาจากชาวอเมริกันผิวดำที่ท้าทายการแบ่งแยกทางเชื้อชาติในอุตสาหกรรมเพลงและตลาดผู้บริโภคเจอร์รี เว็กซ์เลอร์นักข่าวเพลง(ผู้สร้างวลี "ริธึมแอนด์บลูส์") เคยพูดถึงโมทาวน์ว่า "[พวกเขา] ทำอะไรบางอย่างที่คุณต้องพูดบนกระดาษว่าเป็นไปไม่ได้ พวกเขาเอาเพลงสีดำและฉายตรงไปยังวัยรุ่นอเมริกันผิวขาว ." แบล็กเบอร์รีกอร์ดี้ก่อตั้งขึ้นในปี 1959 ยานยนต์ในดีทรอยต์รัฐมิชิแกนเป็นหนึ่งในค่ายเพลง R&B ไม่กี่แห่งที่พยายามก้าวข้ามตลาด R&B (ซึ่งเป็นจุดสีดำในความคิดของชาวอเมริกัน) และเชี่ยวชาญด้านดนตรีครอสโอเวอร์. บริษัท กลายเป็นผู้ผลิตชั้นนำ (หรือ "สายการประกอบ" การอ้างอิงถึงต้นกำเนิดของมอเตอร์ทาวน์) ของเพลงยอดนิยมของคนผิวดำในช่วงต้นทศวรรษ 1960 และทำการตลาดผลิตภัณฑ์ในชื่อ "The Motown Sound" หรือ "The Sound of Young America"— ที่ผสมผสานองค์ประกอบของจิตวิญญาณ ฟังก์ ดิสโก้ และอาร์แอนด์บี^{[83] การแสดง}ยานยนต์ที่โดดเด่น ได้แก่Four Tops , the Temptations , the Supremes , Smokey Robinson , Stevie WonderและJackson 5. การแสดงภาพเป็นหัวใจสำคัญของการเติบโตของยานยนต์ พวกเขาให้ความสำคัญกับสื่อภาพมากกว่าค่ายเพลงอื่นๆ การแสดงยานยนต์ครั้งแรกของผู้คนจำนวนมากคือทางโทรทัศน์และภาพยนตร์ ภาพลักษณ์ของศิลปิน Motown เกี่ยวกับชาวอเมริกันผิวสีที่ประสบความสำเร็จซึ่งถือตัวเองด้วยความสง่างามและความมั่นใจในตนเองได้ถ่ายทอดรูปแบบที่ชัดเจนของความมืดมิดของชนชั้นกลางแก่ผู้ชม ซึ่งดึงดูดใจคนผิวขาวเป็นพิเศษ^[84]

เพลงโซลเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะ บลูส์ และพระกิตติคุณ ซึ่งเริ่มขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ในสหรัฐอเมริกา มีลักษณะเฉพาะโดยการใช้อุปกรณ์ดนตรีพระกิตติคุณ โดยเน้นที่นักร้องและการใช้ธีมทางโลกมากขึ้น บันทึกของRay Charles , Sam Cooke , ^[85]และJames Brown ในยุค 50 ถือเป็นจุดเริ่มต้นของจิตวิญญาณ อัลบั้มModern Sounds (1962) ของชาร์ลส์เป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีโซลและคันทรีคันทรีโซลและข้ามกำแพงทางเชื้อชาติในดนตรีในขณะนั้น^[86]หนึ่งในเพลงที่โด่งดังที่สุดของ Cooke " A Change Is Gonna Come " (1964) ได้รับการยอมรับว่าเป็นเพลงคลาสสิกและเป็นเพลงชาติของขบวนการสิทธิพลเมืองอเมริกันในช่วงทศวรรษ 1960 ^[87]อ้างอิงจากสAllMusicเจมส์ บราวน์วิจารณ์ ผ่าน "ความโกรธเคืองของเสียงร้องของเขาและจังหวะที่ซับซ้อนของการเต้นของเขา" ใน "การปฏิวัติสองครั้งในดนตรีอเมริกันผิวดำ เขาเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีส่วนรับผิดชอบมากที่สุดในการหมุน R&B เป็นโซล และส่วนใหญ่เขาจะเห็นด้วย เป็นคนที่รับผิดชอบมากที่สุดในการเปลี่ยนเพลงโซลให้กลายเป็นฟังก์ในช่วงปลายยุค 60 และต้นยุค 70" ^[77]

จิตวิญญาณบริสุทธิ์เป็นที่นิยมโดยโอทิสเรดดิงและศิลปินอื่น ๆ ของสแตกซ์ประวัติในเมมฟิสรัฐเทนเนสซีในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ศิลปินบันทึกเสียงชาวแอตแลนติกAretha Franklinได้กลายเป็นดาราหญิงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในประเทศ^{[89] [90]}นอกจากนี้ ในเวลานี้ วิญญาณได้แตกออกเป็นหลายประเภท^{[91] ได้}รับอิทธิพลจากหินหลอนประสาทและรูปแบบอื่นๆ กระแสสังคมและการเมืองในช่วงทศวรรษ 1960 ได้แรงบันดาลใจให้ศิลปินอย่างMarvin GayeและCurtis Mayfieldออกอัลบั้มที่มีการวิจารณ์อย่างหนักในโซเชียล ขณะที่อีกหลากหลายเพลงก็กลายเป็นเพลงที่เน้นการเต้นมากขึ้น พัฒนาเป็นFunk. แม้ว่าก่อนหน้านี้เขาจะมีความใกล้ชิดกับธีมโคลงสั้น ๆ ทางการเมืองและสังคม แต่ Gaye ช่วยประชาสัมพันธ์ดนตรีและแนวฟังก์ที่มีธีมทางเพศและโรแมนติก^[92]ในขณะที่การบันทึกในยุค 70 ของเขารวมถึงLet's Get It On (1973) และI Want You (1976) ช่วยพัฒนาพายุเงียบเสียงและรูปแบบ^[93]หนึ่งในอัลบั้มที่ทรงอิทธิพลที่สุดที่เคยบันทึกไว้Sly & the Family Stone 's There's a Riot Goin' On (1971) ได้รับการพิจารณาให้เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกและดีที่สุดของเพลงฟังก์เวอร์ชันที่พัฒนาแล้ว หลังจากตัวอย่างต้นแบบของ เสียงในการทำงานของกลุ่มก่อนหน้านี้^[94]ศิลปินเช่นGil Scott-HeronและThe Last Poetsฝึกฝนการผสมผสานของกวีนิพนธ์ แจ๊สฟังก์ และจิตวิญญาณ โดยนำเสนอการวิจารณ์ทางการเมืองและสังคมเชิงวิพากษ์วิจารณ์ด้วยความรู้สึกที่ไม่อยู่ในศูนย์กลางผลงานProto-rapของ Scott-Heron รวมถึง " The Revolution Will Not Be Televised " (1971) และWinter in America (1974) มีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปินฮิปฮอปในยุคหลัง^[95]ในขณะที่เสียงที่เป็นเอกลักษณ์ของเขากับBrian Jackson ได้รับอิทธิพล ศิลปินนีโอโซล^[96]

ในช่วงกลางทศวรรษ 1970 วงดนตรีที่ลื่นไหลและเชิงพาณิชย์อย่างวงPhilly Soul Group The O'Jaysและกลุ่มวิญญาณตาสีฟ้าHall & Oatesประสบความสำเร็จในกระแสหลัก ในช่วงปลายทศวรรษ 1970 แนวดนตรีส่วนใหญ่ รวมทั้งโซลได้รับอิทธิพลจากดิสโก้ด้วยอิทธิพลจากดนตรีอิเล็คโทรนิคและฟังก์ในช่วงปลายทศวรรษ 1970 และต้นทศวรรษ 1980 ดนตรีโซลจึงมีความดิบน้อยลงและผลิตออกมาได้อย่างลื่นไหลมากขึ้น ส่งผลให้เกิดแนวเพลงที่เรียกว่าR&Bอีกครั้งซึ่งมักจะแตกต่างจากจังหวะและบลูส์ก่อนหน้านี้โดย ระบุว่ามันเป็นร่วมสมัยอาร์แอนด์บี

ครั้งแรกที่อาร์แอนด์บีร่วมสมัยดาวเกิดขึ้นในช่วงปี 1980 ที่มีดาวเต้นป๊อปไมเคิลแจ็คสันฉุนอิทธิพลนักร้องเจ้าชายและคลื่นของนักร้องหญิงเหมือนTina Turnerและวิทนีย์ฮุสตัน ^[76]ไมเคิล แจ็กสันและพรินซ์ได้รับการอธิบายว่าเป็นบุคคลที่มีอิทธิพลมากที่สุดในแนวอาร์แอนด์บีร่วมสมัยและเพลงยอดนิยม เพราะการใช้องค์ประกอบจากหลากหลายแนวเพลงที่ผสมผสานกันอย่างลงตัว^[98]เจ้าชายเป็นผู้รับผิดชอบในการสร้างเสียงมินนิอาโปลิสเป็นส่วนใหญ่: "เป็นการผสมผสานระหว่างเขา กีตาร์ และซินธิไซเซอร์อิเล็กทรอนิกส์ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากจังหวะที่สม่ำเสมอ" ^[99]งานของแจ็คสันเน้นไปที่เพลงบัลลาดหรือดิสโก้ที่นุ่มนวล-อิทธิพลของเพลงเต้นรำ; ในฐานะศิลปิน เขา "ดึงเพลงเต้นรำออกจากความซบเซาของดิสโก้ด้วยการแสดงเดี่ยวสำหรับผู้ใหญ่ของเขาในปี 1979 Off the Wallผสาน R&B เข้ากับร็อคในThrillerและแนะนำขั้นตอนที่เก๋ไก๋ เช่น หุ่นยนต์และมูนวอล์กตลอดเส้นทางอาชีพของเขา" ^[100]แจ็คสันมักได้รับการยอมรับว่าเป็น "ราชาเพลงป๊อป" สำหรับความสำเร็จของเขา

ในปีพ.ศ. 2526 แนวคิดของดนตรีครอสโอเวอร์ได้รับความนิยมอย่างแยกไม่ออกกับไมเคิล แจ็กสันหนังระทึกขวัญประสบความสำเร็จอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน โดยขายได้กว่า 10 ล้านเล่มในสหรัฐอเมริกาเพียงประเทศเดียว ในปี 1984 อัลบั้มนี้ได้รับรางวัลเหรียญทองและแพลตตินั่มมากกว่า 140 รางวัล และได้รับการยอมรับจากGuinness Book of World Recordsว่าเป็นสถิติที่ขายดีที่สุดตลอดกาลซึ่งเป็นชื่อที่ยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้^[88] การออกอากาศของ MTV เรื่อง " Billie Jean " เป็นรายการแรกสำหรับศิลปินผิวสีคนใด ดังนั้นจึงทำลาย "กำแพงสี" ของเพลงป๊อปบนหน้าจอขนาดเล็ก^[88] Thrillerยังเป็นเพียงวิดีโอเพลงรับการยอมรับจากRegistry ภาพยนตร์แห่งชาติ

เจเน็ต แจ็กสันเคยร่วมงานกับอดีตเจ้าชายจิมมี่ แจมและเทอร์รี เลวิสในสตูดิโออัลบั้มที่สามของเธอControl (1986); อัลบั้มเดี่ยวสอง " น่ารังเกียจ " ได้รับการอธิบายเป็นที่มาของแจ็คสวิงใหม่เสียงประเภทคิดค้นโดยเท็ดดี้ไรลีย์ ^[98]การทำงานของไรลีย์ในเหงื่อคี ธ 's ทำให้ล่าสุดตลอดกาล (1987), ผู้ชายของผู้ชาย (1988) และบ๊อบบี้บราวน์ 's อย่าใจร้าย (1998) ทำแจ็คใหม่แกว่งหลักของอาร์แอนด์บีร่วมสมัยเข้าไปใน กลางปี ​​1990 ^[98]แกว่งแจ็คใหม่เป็นรูปแบบและแนวโน้มของเสียงดนตรีเนื้อเรื่องมักโองการเคาะและเครื่องเคาะ ^[59]ครอสโอเวอร์ที่ดึงดูดใจของศิลปินอาร์แอนด์บีร่วมสมัยในยุคแรกๆ ในเพลงยอดนิยมกระแสหลัก รวมถึงผลงานของ Prince, Michael และ Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner, Anita BakerและThe Pointer Sistersกลายเป็นจุดเปลี่ยนสำหรับศิลปินผิวสีในอุตสาหกรรม ความสำเร็จของพวกเขา "อาจเป็นสัญญาณแรกว่าความเป็นสากลมากขึ้นในตลาดโลกอาจก่อให้เกิดการเปลี่ยนแปลงบางอย่างในผิวของเพลงป๊อบปูล่าร์" ^[11]

การใช้melismaซึ่งเป็นประเพณีของพระกิตติคุณที่ดัดแปลงโดยนักร้องWhitney HoustonและMariah Careyจะกลายเป็นรากฐานที่สำคัญของนักร้อง R&B ร่วมสมัยที่เริ่มต้นในปลายทศวรรษ 1980 และตลอด 1990 ^[98]เพลง R&B ของวิทนีย์ ฮูสตัน ได้แก่ " All the Man That I Need " (1990) และ " I Will Always Love You " (1992) ต่อมาได้กลายเป็นซิงเกิลที่ขายดีที่สุดโดยนักแสดงหญิงตลอดกาลด้วยยอดขายของ กว่า 20 ล้านเล่มทั่วโลก เพลงประกอบภาพยนตร์ฮิตของเธอในปี 1992 The Bodyguardซึ่งใช้เวลา 20 สัปดาห์บนBillboard Hot 200มียอดขายมากกว่า 45 ล้านเล่มทั่วโลก และยังคงเป็นอัลบั้มเพลงประกอบที่ขายดีที่สุดตลอดกาล

ฮิปฮอปมาจะมีอิทธิพลร่วมสมัย R & B ต่อมาในปี 1980 เป็นครั้งแรกผ่านนิวแจ็กสวิงแล้วในซีรีส์ที่เกี่ยวข้องกับหมวดหมู่ย่อย ๆ เรียกว่าจิตวิญญาณของฮิปฮอปและใหม่วิญญาณฮิปฮอปโซลและนีโอโซลพัฒนาขึ้นภายหลังในทศวรรษ 1990 พิมพ์โดยงานของMary J. Blige , R. KellyและBobby Brownอดีตเป็นส่วนผสมของ R&B ร่วมสมัยกับจังหวะฮิปฮอปในขณะที่ภาพและธีมของแร็พอันธพาลอาจมีอยู่ แนวหลังเป็นแนวเพลงแนวทดลอง แนวความคิด และโดยทั่วไปน้อยกว่าในยุค 1960 และ 1970 ที่มีอิทธิพลในแนวเพลงฮิปฮอป และได้รับการยอมรับจากผลงานของD'Angelo , Erykah Badu, Alicia Keys, and Lauryn Hill.^[102] D'Angelo's critically acclaimed album Voodoo (2000) has been recognized by music writers as a masterpiece and the cornerstone of the neo soul genre.^{[103][104][105]}

Pop Music

เพลงป๊อปเป็นประเภทของเพลงยอดนิยมที่มาในรูปแบบที่ทันสมัยในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ในสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักรในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 ดนตรีป๊อปครอบคลุมแนวร็อคแอนด์โรลและรูปแบบที่เน้นเยาวชนเป็นหลักร็อกแอนด์ป็อปยังคงมีความหมายเหมือนกันจนถึงช่วงปลายทศวรรษ 1960 หลังจากนั้นป๊อปก็มีความเกี่ยวข้องกับดนตรีที่เป็นเชิงพาณิชย์มากขึ้น ชั่วคราว และเข้าถึงได้ แม้ว่าเพลงส่วนใหญ่ที่ปรากฏบนชาร์ตเพลงจะถูกมองว่าเป็นเพลงป๊อป แต่แนวเพลงนั้นแตกต่างจากเพลงชาร์ตบิง ครอสบีเป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกที่ได้รับฉายาว่า "ราชาเพลง" หรือ "ราชาเพลงป็อป" อินดี้ป็อปซึ่งพัฒนาขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ถือเป็นการออกจากความเย้ายวนใจของดนตรีป๊อปร่วมสมัยอีกครั้ง ด้วยวงดนตรีกีตาร์ที่สร้างขึ้นจากสมมติฐานในสมัยนั้นว่าสามารถบันทึกและปล่อยเพลงของตัวเองได้โดยไม่ต้องทำสัญญาจ้างเพลงจากบริษัทใหญ่ ฉลาก. ^[107]ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 การโปรโมตเพลงป๊อปได้รับผลกระทบอย่างมากจากการเพิ่มขึ้นของช่องรายการเพลงทางโทรทัศน์ เช่นเอ็มทีวีซึ่ง "ชื่นชอบศิลปินเหล่านั้น เช่นไมเคิล แจ็กสันและมาดอนน่าที่ดึงดูดสายตาได้ดี"ทศวรรษ 1980 เป็นที่จดจำโดยทั่วไปว่ามีการใช้ การบันทึกดิจิทัล เพิ่มขึ้นที่เกี่ยวข้องกับการใช้ซินธิไซเซอร์กับดนตรีซินธ์ป็อปและแนวอิเล็กทรอนิกส์อื่นๆ ที่มีเครื่องดนตรีที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมซึ่งได้รับความนิยมเพิ่มขึ้น^[108]โดย 2014 ทั่วโลกเพลงป๊อปได้รับการแทรกซึมโดยเพลงเต้นรำอิเล็กทรอนิกส์ในปี 2018 นักวิจัยจากUniversity of California, Irvineได้สรุปว่าเพลงป๊อปกลายเป็น 'เศร้า' นับตั้งแต่ทศวรรษ 1980 ในที่สุด องค์ประกอบของความสุขและความสว่างก็ถูกแทนที่ด้วยจังหวะอิเล็กทรอนิกส์ ทำให้เพลงป๊อป 'เศร้าแต่ยังเต้นได้' ^[109] Kelly Clarksonเป็นนักร้องชาวอเมริกันเพียงคนเดียวที่ได้รับรางวัล รางวัลแกรมมี่สาขา Best Pop Vocal Albumในปี 2021 คลาร์กสันเป็นคนแรกที่ชนะสองครั้ง คลาร์กสันและจัสติน ทิมเบอร์เลคได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงถึงห้าครั้ง มากกว่าศิลปินคนอื่นๆ แม้ว่าคลาร์กสันจะเป็นศิลปินเพียงคนเดียวที่ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงอัลบั้มเดี่ยวมากที่สุด สามของทิมเบอร์เลคเป็นเดี่ยวสองจากNSYNC

ร็อค เมทัล และพังก์

ร็อกแอนด์โรลพัฒนามาจากประเทศ บลูส์ และอาร์แอนด์บีต้นกำเนิดที่แท้จริงของร็อคและอิทธิพลในยุคแรกๆ ได้รับการถกเถียงกันอย่างถึงพริกถึงขิง และเป็นหัวข้อของทุนการศึกษามากมาย ร็อคได้นำเอาองค์ประกอบจากเทคนิคดนตรีแอฟโฟร-แคริบเบียนและละตินมาใช้^[112]ร็อคเป็นรูปแบบเมือง ก่อตัวขึ้นในพื้นที่ที่ประชากรหลากหลายส่งผลให้เกิดการผสมผสานของประเภทแอฟริกันอเมริกัน ละติน และยุโรปตั้งแต่บลูส์และคันทรีไปจนถึงลายและไซเดโค^[113]ร็อคแอนด์โรลครั้งแรกที่เข้าเพลงยอดนิยมผ่านรูปแบบที่เรียกว่าอะบิลลี , ^[114]ซึ่งผสมผสานเสียงที่พึ่งเกิดขึ้นกับองค์ประกอบของดนตรีคันทรี ร็อกแอนด์โรลที่เล่นบทแบล็กแอนด์โรลเคยประสบความสำเร็จในกระแสหลักอย่างจำกัด แต่เอลวิส เพรสลีย์นักแสดงผิวขาวที่ดึงดูดผู้ชมกระแสหลักด้วยสไตล์ดนตรีสีดำเป็นครั้งแรก กลายเป็นหนึ่งในนักดนตรีที่ขายดีที่สุดในประวัติศาสตร์ และนำร็อกแอนด์โรล ให้กับผู้ชมทั่วโลก ^[15]

ทศวรรษที่ 1960 มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญหลายอย่างในดนตรีป็อป โดยเฉพาะร็อค หลายของการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้เกิดขึ้นผ่านอังกฤษบุกที่วงเช่นThe Beatles , The WhoและThe Rolling Stones , ^[116]กลายเป็นที่นิยมอย่างมากและมีผลกระทบอย่างลึกซึ้งต่อวัฒนธรรมของชาวอเมริกันและเพลง การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้รวมถึงการย้ายจากเพลงที่แต่งอย่างมืออาชีพมาเป็นนักร้อง-นักแต่งเพลงและความเข้าใจในดนตรียอดนิยมในฐานะศิลปะมากกว่ารูปแบบการค้าขายหรือความบันเทิงล้วนๆ^[117]การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้นำไปสู่การเพิ่มขึ้นของการเคลื่อนไหวทางดนตรีที่เกี่ยวข้องกับเป้าหมายทางการเมือง เช่นAmerican Civil Rights Movementและความขัดแย้งกับสงครามเวียดนามร็อคอยู่ในระดับแนวหน้าของการเปลี่ยนแปลงนี้

ในต้นปี 1960 ร็อคกลับกลายเป็นหลายหมวดหมู่ย่อยเริ่มต้นด้วยการเล่นเซิร์ฟเซิร์ฟเป็นประเภทกีต้าร์บรรเลงที่มีเสียงบิดเบี้ยว ซึ่งเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมเยาวชนในการโต้คลื่นในแคลิฟอร์เนียตอนใต้^{[118] [119]}โดยได้รับแรงบันดาลใจจากเนื้อเพลงของการเล่นเซิร์ฟThe Beach Boysเริ่มบันทึกเสียงในปี 1961 ด้วยเสียงที่ประณีตบรรจง ป๊อป-เป็นมิตร และประสานกัน^{[120] [121]}ในฐานะที่เป็นชื่อเสียงของพวกเขาเติบโต, The Beach Boys' นักแต่งเพลงไบรอันวิลสันทดลองกับเทคนิคและสตูดิโอใหม่กลายเป็นที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมวัฒนธรรมต่อต้านเป็นขบวนการที่โอบรับการเคลื่อนไหวทางการเมืองและมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับพวกฮิปปี้วัฒนธรรมย่อย ฮิปปี้ที่เกี่ยวข้องกับลูกทุ่งร็อก , ร็อคในประเทศและประสาทหลอนหิน ^[122]โฟล์กและคันทรีร็อกมีความเกี่ยวข้องกับดนตรีโฟล์กที่เน้นการเมือง นำโดยพีท ซีเกอร์และคนอื่นๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ฉากดนตรีในหมู่บ้านกรีนิชในนิวยอร์ก^[123]โฟล์กร็อกเข้าสู่กระแสหลักในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เมื่อBob Dylanนักร้อง-นักแต่งเพลงเริ่มต้นอาชีพของเขาStephen Thomas ErlewineบรรณาธิการของAllMusicเชื่อว่าการเปลี่ยนแปลงของ The Beatles ที่มีต่อการแต่งเพลงแบบครุ่นคิดในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เป็นผลมาจากอิทธิพลของ Bob Dylan ในขณะนั้น^[111]ตามมาด้วยวงดนตรีคันทรีร็อคและนักร้อง-นักแต่งเพลงที่ไพเราะ ประสาทหลอนหินเป็นชนิดที่ยากต่อการขับรถของร็อคกีต้าร์ตามที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเมืองของซานฟรานซิส แม้ว่าเครื่องบินเจฟเฟอร์สัน เพลนจะเป็นวงดนตรีท้องถิ่นเพียงวงเดียวที่มีเพลงฮิตระดับประเทศ แต่วงGrateful Dead วงดนตรีคันทรีและแยมรสบลูแกรสได้กลายเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมต่อต้านประสาทหลอนที่เกี่ยวข้องกับฮิปปี้LSDและสัญลักษณ์อื่นๆ ในยุคนั้น ^[122]บางคนบอกว่าGrateful Deadเป็นวงร็อคชาวอเมริกันที่มีใจรัก มากที่สุดเท่าที่เคยมีมา การสร้างและหล่อหลอมวัฒนธรรมที่กำหนดคนอเมริกันในปัจจุบัน^[124]

หลังการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง สังคม และดนตรีที่ปั่นป่วนในทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 ดนตรีร็อคก็มีความหลากหลาย สิ่งที่เคยเป็นประเภทที่ไม่ต่อเนื่องที่รู้จักกันเป็นร็อกแอนด์โรลพัฒนาเป็นหมวดหมู่ที่รับทั้งหมดที่เรียกว่าเพียงแค่เพลงร็อคซึ่งต่อมา ได้แก่ หลากหลายรูปแบบการพัฒนาในสหรัฐอเมริกาเช่นพังก์ร็อกในช่วงทศวรรษ 1970 สไตล์เหล่านี้ส่วนใหญ่มีการพัฒนาในวงการเพลงใต้ดิน ในขณะที่ผู้ฟังกระแสหลักเริ่มต้นทศวรรษด้วยกระแสของนักร้อง-นักแต่งเพลงที่ดึงเอาเนื้อเพลงที่สะเทือนอารมณ์และเป็นส่วนตัวของโฟล์กร็อกในทศวรรษ 1960 ช่วงเวลาเดียวกันนั้นได้เห็นวงร็อคอารีน่าที่บูมบูมวงบลูซีใต้และซอฟต์ร็อกที่กลมกล่อม stars. Beginning in the later 1970s, the rock singer and songwriter Bruce Springsteen became a major star, with anthemic songs and dense, inscrutable lyrics that celebrated the poor and working class.^[76]

พังก์เป็นแนวร็อคแนวกบฏที่เริ่มขึ้นในปี 1970 และดัง ดุดัน และมักจะเรียบง่ายมาก พังก์เริ่มเป็นปฏิกิริยาที่เกิดขึ้นกับเพลงยอดนิยมแห่งยุคโดยเฉพาะอย่างยิ่งดิสโก้และเวทีหินวงดนตรีอเมริกันในสนามรวมที่มีชื่อเสียงมากที่สุดราโมนส์และTalking Heads , เล่นหลังขึ้นเปรี้ยวจี๊ดสไตล์ที่มีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับพังก์ก่อนที่จะพัฒนาเป็นหลักคลื่นลูกใหม่ ^[76]การกระทำที่สำคัญอื่น ๆ ได้แก่Blondie , Patti SmithและTelevision. In the 1980s some punk fans and bands became disillusioned with the growing popularity of the style, resulting in an even more aggressive style called hardcore punk. Hardcore was a form of sparse punk, consisting of short, fast, intense songs that spoke to disaffected youth, with such influential bands as Bad Religion, Bad Brains, Black Flag, Dead Kennedys, and Minor Threat. Hardcore began in metropolises like Washington, D.C., though most major American cities had their own local scenes in the 1980s.^[125]

ฮาร์ดคอร์ พังก์ และโรงรถร็อคเป็นรากฐานของอัลเทอร์เนทีฟร็อกการจัดกลุ่มประเภทย่อยของร็อกที่หลากหลายซึ่งไม่เห็นด้วยกับดนตรีกระแสหลักอย่างชัดเจน และเกิดขึ้นจากสไตล์พังก์และโพสต์พังก์ ในสหรัฐอเมริกา หลายเมืองได้พัฒนาฉากอัลเทอร์เนทีฟร็อกในท้องถิ่น รวมถึงมินนิอาโปลิสและซีแอตเทิล^[127]ฉากท้องถิ่นของซีแอตเทิลสร้างดนตรีกรันจ์สไตล์มืดหม่นและครุ่นคิดที่ได้รับแรงบันดาลใจจากฮาร์ดคอร์ไซเคเดเลียและอัลเทอร์เนทีฟร็อก^[128]ด้วยการเพิ่มองค์ประกอบที่ไพเราะมากขึ้นให้กับเสียงของวงดนตรีเช่นNirvana , Pearl Jam , SoundgardenและAlice in Chains, grunge became wildly popular across the United States^[129] in 1991. Three years later, bands like Green Day, The Offspring, Rancid, Bad Religion, and NOFX hit the mainstream (with their respective then-new albums Dookie, Smash, Let's Go, Stranger than Fiction and Punk in Drublic) and brought the California punk scene exposure worldwide.

เฮฟวีเมทัลมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยจังหวะการขับที่ดุดัน กีตาร์ที่ขยายเสียงและบิดเบี้ยว เนื้อเพลงที่ไพเราะ และเครื่องดนตรีที่เหมือนจริง ต้นกำเนิดของเฮฟวีเมทัลอยู่ในวงดนตรีฮาร์ดร็อกที่ใช้บลูส์และร็อคและสร้างเสียงหนักแน่นที่สร้างขึ้นจากกีตาร์และกลอง ครั้งแรกที่วงดนตรีที่ใหญ่อเมริกันเข้ามาในต้นปี 1970 เช่นหอยนางรมสีฟ้าศาสนา , KISSและแอโรสมิ ธอย่างไรก็ตามโลหะหนักยังคงเป็นปรากฏการณ์ใต้ดินเป็นส่วนใหญ่ ในช่วงทศวรรษที่ 1980 แนวเพลงป็อปเมทัลที่สำคัญรูปแบบแรกได้เกิดขึ้นและครองชาร์ตมาหลายปี โดยเริ่มจากการแสดงดนตรีในแนวเมทัลอย่างQuiet Riotและถูกครอบงำโดยวงดนตรีต่างๆ เช่นMötley CrüeและRatt ; นี่มันแกลมเมทัลที่ฮาร์ดร็อคและป๊อปฟิวชั่นที่มีจิตวิญญาณแหบและน่ามองความงามของภาพเบา ๆ วงดนตรีเหล่านี้บางวง เช่นBon Joviกลายเป็นดาราระดับนานาชาติ วงGuns N' Rosesมีชื่อเสียงโด่งดังในช่วงปลายทศวรรษด้วยภาพลักษณ์ที่เป็นปฏิกริยากับสุนทรียศาสตร์อันสวยงามของโลหะ

By the mid-1980s heavy metal had branched in so many different directions that fans, record companies, and fanzines created numerous subgenres. The United States was especially known for one of these subgenres, thrash metal, which was innovated by bands like Metallica, Megadeth, Slayer, and Anthrax, with Metallica being the most commercially successful.^[132] The United States was known as one of the birthplaces of death metal during the mid to late 1980s. The Florida scene was the most well-known, featuring bands like Death, Cannibal Corpse, Morbid Angel, Deicide, และอื่น ๆ อีกมากมาย. ขณะนี้มีวงดนตรีเดธเมทัลและเดธกรินด์จำนวนนับไม่ถ้วนทั่วประเทศ

ฮิปฮอป

Jay-Zกลายเป็นไอคอนฮิปฮอปที่มีชื่อเสียงระดับนานาชาติหลังจากการเสียชีวิตของThe Notorious BIGและTupac Shakurในช่วงกลางทศวรรษ 1990 ^[133] Kanye Westได้รับคำแนะนำจาก Jay-Z และโปรดิวเซอร์ให้เขา^[134]ก่อนที่จะประสบความสำเร็จในระดับเดียวกัน ^[135]

ฮิปฮอปเป็นขบวนการทางวัฒนธรรมซึ่งดนตรีเป็นส่วนหนึ่งเพลงฮิปฮอปส่วนใหญ่ประกอบด้วยสองส่วน: การแร็พการส่งเสียงร้องที่เร็ว จังหวะสูง และโคลงสั้น ๆ; และDJingและ / หรือการผลิตการผลิตเครื่องมือที่ผ่านการสุ่มตัวอย่าง , เครื่องมือ , turntablismหรือBeatboxingการผลิตของเสียงดนตรีผ่านเสียง vocalized ^[136]ฮิปฮอปเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ในThe Bronxนครนิวยอร์กDJ Kool Hercผู้อพยพชาวจาเมกาได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นบรรพบุรุษของฮิปฮอป เขาพาเขามาจากจาไมก้าเพื่อฝึกฝนการฉลองจังหวะของเพลงยอดนิยม พิธีกรเริ่มต้นขึ้นเพื่อแนะนำเพลงโซล ฟังก์ และอาร์แอนด์บีที่ดีเจเล่น และเพื่อให้ฝูงชนตื่นเต้นและเต้นรำ เมื่อเวลาผ่านไป ดีเจเริ่มแยกท่อนเพอร์คัชชันของเพลง (เมื่อจังหวะถึงจุดสุดยอด) ทำให้เกิดจังหวะซ้ำๆ ที่พิธีกรแร็ป

ซึ่งแตกต่างจาก Motown ซึ่งระบุถึงความสำเร็จหลักในการอุทธรณ์ระดับของการกระทำที่ทำให้อัตลักษณ์ทางเชื้อชาติไม่เกี่ยวข้อง hip hop ของปี 1980 โดยเฉพาะอย่างยิ่ง hip hop ที่ข้ามไปยังร็อกแอนด์โรลได้รับการบอกกล่าวเบื้องต้น (โดยนัย แต่เน้นย้ำ) ด้วย ตัวตนสีดำ^[137]ในตอนต้นของยุค 80 มีเพลงฮิปฮอปยอดนิยม และคนดังในที่เกิดเหตุ เช่นLL Cool Jได้รับความนิยมในกระแสหลัก นักแสดงคนอื่นๆ ได้ทดลองเนื้อเพลงเกี่ยวกับการเมืองและความตระหนักรู้ในสังคม หรือผสมผสานฮิปฮอปกับแจ๊ส เฮฟวีเมทัลเทคโนฟังค์ และโซล สไตล์ใหม่ๆ ปรากฏขึ้นในช่วงหลังของทศวรรษ 1980 เช่นฮิปฮอปทางเลือกและแจ๊สแร็พที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดฟิวชั่นโดยหัวหอก rappers เช่นเดอลาวิญญาณ

Gangsta rap is a kind of hip hop, most importantly characterized by a lyrical focus on macho sexuality, physicality, and a dangerous criminal image.^[138] Though the origins of gangsta rap can be traced back to the mid-1980s style of Philadelphia's Schoolly D and the West Coast's Ice-T, the style broadened and came to apply to many different regions in the country, to rappers from New York, such as Notorious B.I.G. and influential hip hop group Wu-Tang Clan, and to rappers on the West Coast, such as Too Short and N.W.A. A distinctive West Coast rap scene spawned the early 1990s G-ฉุนเสียงซึ่งจับคู่เนื้อเพลงอันธพาลร้องด้วยเสียงที่หนาและหมอกมักจะมาจากปี 1970 ฉุนตัวอย่าง ; ผู้เสนอที่ดีที่สุดที่รู้จักกันเป็นแร็ปเปอร์2Pac , ดร. Dre , น้ำแข็งและSnoop Dogg แร็พ Gangsta ยังคงแสดงบทบาทสำคัญในเพลงป๊อบของอเมริกาตลอดช่วงปลายทศวรรษ 1990 และต้นศตวรรษที่ 21

การปกครองของอันธพาลแร็พในหลักฮิปฮอปถูกแทนที่ในช่วงปลายยุค 2000 ส่วนใหญ่เนื่องจากการความสำเร็จที่สำคัญของศิลปินฮิปฮอปเช่นKanye West ^[139]ผลลัพธ์ของการแข่งขันด้านการขายที่มีการเผยแพร่อย่างสูงระหว่างการปล่อยสตูดิโออัลบั้มที่สามของเขาและนักเลงแร็ปเปอร์50 เซ็นต์พร้อม ๆ กันGraduationและCurtisตามลำดับได้รับการรับรองให้ลดลง^[140]การแข่งขันผลในการทำลายสถิติการแสดงยอดขายโดยทั้งอัลบั้มและเวสต์เขม่า 50 Cent, ขายเกือบล้านเล่มจบการศึกษาในสัปดาห์แรกเพียงอย่างเดียว^[141]ผู้สังเกตการณ์ในอุตสาหกรรมกล่าวว่าชัยชนะของ West ที่มากกว่า 50 Cent พิสูจน์ให้เห็นว่าเพลงแร็พไม่จำเป็นต้องสอดคล้องกับอนุสัญญาว่าด้วยแก๊งอันธพาลเพื่อที่จะประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ ^[142]ตะวันตกปูทางไปสู่คลื่นลูกใหม่ของศิลปินฮิปฮอปอย่างมีประสิทธิภาพ รวมทั้งDrake , Kendrick LamarและJ. Coleผู้ไม่ทำตามรูปแบบฮาร์ดคอร์ - นักเลงและกลายเป็นศิลปินที่ขายทองคำขาว ^{[143] [144]}

สไตล์เฉพาะอื่นๆ และเพลงละตินอเมริกา

The American music industry is dominated by large companies that produce, market, and distribute certain kinds of music. Generally, these companies do not produce, or produce in only very limited quantities, recordings in styles that do not appeal to very large audiences. Smaller companies often fill in the void, offering a wide variety of recordings in styles ranging from polka to salsa. Many small music industries are built around a core fanbase who may be based largely in one region, such as Tejano or Hawaiian music, or they may be widely dispersed, such as the audience for Jewish klezmer.

ในบรรดานักดนตรีเชื้อสายฮิสแปนิกอเมริกันที่เป็นผู้บุกเบิกในช่วงแรกของร็อคแอนด์โรลคือRitchie Valensซึ่งทำเพลงฮิตได้หลายเพลง โดยเฉพาะ " La Bamba " และHerman Santiagoได้แต่งเนื้อร้องให้กับเพลงร็อกแอนด์โรลที่เป็นสัญลักษณ์ว่า " Why Do Fools Fall in รัก ". เพลงที่ได้รับความนิยมในสหรัฐอเมริกาและได้ยินในช่วงเทศกาลวันหยุด/คริสต์มาสคือ "¿Dónde Está Santa Claus?" เป็นเพลงคริสต์มาสที่แปลกใหม่ โดยมี Augie Ríos อายุ 12 ปี เป็นเพลงฮิตในปี 1959 โดยมีวง Mark Jeffrey Orchestra มาร่วมแสดง " Feliz Navidad "(1970) โดยJosé Felicianoเป็นเพลงละตินที่มีชื่อเสียงอีกเพลงหนึ่ง

อุตสาหกรรมเฉพาะกลุ่มที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งมีพื้นฐานมาจากเพลงละติน ดนตรีลาตินมีอิทธิพลต่อดนตรีป๊อบอเมริกันมาช้านาน และเป็นส่วนสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาดนตรีแจ๊ส โมเดิร์นป๊อปสไตล์ลาตินรวมถึงความหลากหลายของประเภทที่นำเข้าจากทั่วละตินอเมริการวมทั้งโคลอมเบียคัมเปอร์โตริโกเร็กและเม็กซิกันCorridoเพลงยอดนิยมของละตินในสหรัฐอเมริกาเริ่มต้นด้วยวงดนตรีเต้นรำมากมายในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1950 ส่วนใหญ่รูปแบบที่นิยมรวมถึงคอง , Rumba , และแมมโบ้ในปี 1950 เปเรซ ปราโดได้ทำให้ชา-ชา-ชามีชื่อเสียง และการเพิ่มขึ้นของแจ๊สแอฟโฟร-คิวบาได้เปิดหูของหลายๆ คนให้รู้จักกับความเป็นไปได้ที่ประสานกัน ไพเราะ และเข้าจังหวะของดนตรีลาติน รูปแบบที่ชาวอเมริกันส่วนใหญ่ที่มีชื่อเสียงของเพลงละติน แต่เป็นซัลซ่า ซัลซ่าประกอบด้วยสไตล์และรูปแบบที่หลากหลาย คำนี้สามารถใช้เพื่ออธิบายรูปแบบส่วนใหญ่ที่มาจากคิวบา ส่วนใหญ่โดยเฉพาะอย่างไรก็ตามซัลซ่าหมายถึงลักษณะเฉพาะที่ถูกพัฒนาขึ้นในช่วงกลางปี 1970 กลุ่มของเมืองนิวยอร์กพื้นที่คิวบาและเปอร์โตริกันอพยพและลูกหลานโวหารเช่น 1980 ซัลซ่า Romantica ^[145]จังหวะซัลซ่านั้นซับซ้อน มีหลายรูปแบบที่เล่นพร้อมกัน จังหวะจุกรูปแบบพื้นฐานของเพลงซัลซ่าและจะถูกใช้โดยนักแสดงเป็นพื้นเป็นจังหวะที่พบบ่อยสำหรับตัวเองวลี. ^[146]

Latin American music has long influenced American popular music, jazz, rhythm and blues, and even country music. This includes music from Spanish, Portuguese, and (sometimes) French-speaking countries and territories of Latin America.^[147]

Today, the American record industry defines Latin music as any type of release with lyrics mostly in Spanish.^[148][149] Mainstream artists and producers tend to feature more on songs from Latin artists and it's also become more likely that English language songs crossover to Spanish radio and vice versa.

สหรัฐอเมริกามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีอิเล็กทรอนิกส์แดนซ์โดยเฉพาะเฮาส์และเทคโนซึ่งมีต้นกำเนิดในชิคาโกและดีทรอยต์ตามลำดับ

ทุกวันนี้ เพลงละตินอเมริกาได้กลายเป็นคำศัพท์สำหรับเพลงที่บรรเลงโดยชาวลาตินไม่ว่าจะมีองค์ประกอบละตินหรือไม่ก็ตาม นักแสดงเช่นShakira , Jennifer Lopez , Enrique Iglesias , Pitbull , Selena Gomez , Christina Aguilera , Gloria Estefan , Demi Lovato , Mariah Carey , Becky G , Paulina RubioและCamila Cabelloโดดเด่นในชาร์ตเพลงป็อป Iglesias เจ้าของสถิติเพลง Hot Latin Tracks อันดับหนึ่งของ Billboard ได้ออกอัลบั้มสองภาษาโดยได้รับแรงบันดาลใจจากการแสดงในเมือง เขาปล่อยเพลงสองเพลงที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงในรูปแบบละตินและป๊อปในเวลาเดียวกัน

รัฐบาล การเมือง และกฎหมาย

รัฐบาลของสหรัฐอเมริกาควบคุมวงการเพลงบังคับใช้ทรัพย์สินทางปัญญากฎหมายและส่งเสริมและเก็บรวบรวมบางชนิดของเพลง ภายใต้กฎหมายลิขสิทธิ์ของอเมริกางานดนตรี รวมถึงการบันทึกและการเรียบเรียง ได้รับการคุ้มครองเป็นทรัพย์สินทางปัญญาทันทีที่ได้รับการแก้ไขในรูปแบบที่จับต้องได้ ผู้ถือลิขสิทธิ์มักจะลงทะเบียนงานกับLibrary of Congressซึ่งเก็บเอกสารต่างๆ นอกจากนี้ หอสมุดรัฐสภายังได้เสาะหาวัสดุที่มีความสำคัญทางวัฒนธรรมและดนตรีตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 เช่น โดยการส่งนักวิจัยไปบันทึกดนตรีพื้นบ้าน นักวิจัยเหล่านี้รวมถึงAlan Lomaxนักสะสมเพลงลูกทุ่งชาวอเมริกันผู้บุกเบิกซึ่งงานของเขาได้ช่วยจุดประกายการฟื้นคืนชีพของรากในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 รัฐบาลกลางยังให้ทุนสนับสนุนNational Endowments for the Arts and Humanitiesซึ่งจัดสรรทุนให้กับนักดนตรีและศิลปินอื่นๆสถาบัน Smithsonian Institutionซึ่งดำเนินการโครงการวิจัยและการศึกษา และCorporation for Public Broadcastingซึ่งให้ทุนแก่ผู้เผยแพร่รายการโทรทัศน์และที่ไม่แสวงหากำไร^[150]

ดนตรีมีผลกระทบต่อการเมืองของสหรัฐอเมริกามานานแล้ว พรรคการเมืองและขบวนการทางการเมืองมักใช้ดนตรีและบทเพลงเพื่อสื่อถึงอุดมการณ์และค่านิยมของตน และเพื่อให้ความบันเทิงในงานทางการเมือง การรณรงค์หาเสียงในการเลือกตั้งประธานาธิบดีของวิลเลียม เฮนรี แฮร์ริสันเป็นประธานาธิบดีกลุ่มแรกที่ได้รับประโยชน์อย่างมากจากดนตรี หลังจากนั้นจึงกลายเป็นแนวทางปฏิบัติมาตรฐานสำหรับผู้สมัครหลักในการใช้เพลงเพื่อสร้างความกระตือรือร้นในที่สาธารณะ ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา นักการเมืองมักเลือกเพลงประกอบซึ่งบางเพลงได้กลายเป็นสัญลักษณ์ ตัวอย่างเช่น เพลง "Happy Days Are Here Again" มีความเกี่ยวข้องกับพรรคประชาธิปัตย์ตั้งแต่การรณรงค์หาเสียงของFranklin D. Rooseveltในปี 1932. อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่ปี 1950 ดนตรีได้ลดความสำคัญลงในการเมือง แทนที่ด้วยการรณรงค์ทางโทรทัศน์ด้วยดนตรีเพียงเล็กน้อยหรือไม่มีเลย ดนตรีบางรูปแบบมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับการประท้วงทางการเมืองมากขึ้น โดยเฉพาะในทศวรรษ 1960 พระวรสารนักบุญดาวเหมือนMahalia Jacksonกลายเป็นบุคคลสำคัญในขบวนการสิทธิพลเมืองในขณะที่การฟื้นตัวพื้นบ้านอเมริกันช่วยกระจายวัฒนธรรมของปี 1960และการต่อสู้กับสงครามเวียดนาม ^[151]

อุตสาหกรรมและเศรษฐศาสตร์

สหรัฐอเมริกามีตลาดเพลงที่ใหญ่ที่สุดในโลกโดยมีมูลค่าการขายปลีกรวม 4.9 พันล้านดอลลาร์ในปี 2014 ^[152]อุตสาหกรรมเพลงของอเมริการวมถึงสาขาต่างๆ ตั้งแต่บริษัทแผ่นเสียงไปจนถึงสถานีวิทยุและวงออเคสตราชุมชน รายรับจากอุตสาหกรรมทั้งหมดอยู่ที่ประมาณ 40 พันล้านดอลลาร์ทั่วโลก และประมาณ 12 พันล้านดอลลาร์ในสหรัฐอเมริกา^[153]บริษัทแผ่นเสียงรายใหญ่ของโลกส่วนใหญ่ตั้งอยู่ในสหรัฐอเมริกา พวกเขาเป็นตัวแทนจากสมาคมอุตสาหกรรมแผ่นเสียงแห่งอเมริกา (RIAA) บริษัท บันทึกที่สำคัญผลิตวัสดุโดยศิลปินที่ได้ลงนามให้เป็นหนึ่งในพวกเขาป้ายบันทึกเป็นชื่อแบรนด์มักจะเกี่ยวข้องกับรูปแบบที่เฉพาะเจาะจงหรือโปรดิวเซอร์บริษัทแผ่นเสียงอาจส่งเสริมและทำการตลาดศิลปินของตนผ่านการโฆษณา การแสดงและคอนเสิร์ตในที่สาธารณะ และการปรากฏตัวทางโทรทัศน์ บริษัทแผ่นเสียงอาจร่วมกับบริษัทสื่อเพลงอื่น ๆ ซึ่งผลิตผลิตภัณฑ์ที่เกี่ยวข้องกับเพลงบันทึกยอดนิยม ซึ่งรวมถึงช่องรายการโทรทัศน์ เช่นMTVนิตยสารอย่างRolling Stoneและสถานีวิทยุ ในช่วงไม่กี่ปีมานี้ วงการเพลงต้องวุ่นวายกับการดาวน์โหลดเพลงลิขสิทธิ์ทางอินเทอร์เน็ตที่เพิ่มขึ้นนักดนตรีหลายคนและ RIAA พยายามที่จะลงโทษแฟน ๆ ที่ดาวน์โหลดเพลงที่มีลิขสิทธิ์อย่างผิดกฎหมาย^[154]

สถานีวิทยุในสหรัฐอเมริกามักออกอากาศเพลงยอดนิยม แต่ละสถานีเพลงมีรูปแบบหรือหมวดหมู่ของเพลงที่จะเล่น โดยทั่วไปจะคล้ายกันแต่ไม่เหมือนกับการจำแนกประเภททั่วไปทั่วไป สถานีวิทยุหลายแห่งในสหรัฐอเมริกาเป็นเจ้าของและดำเนินการในท้องถิ่น และอาจเสนอรายการบันทึกที่หลากหลาย สถานีอื่นๆ หลายแห่งเป็นเจ้าของโดยบริษัทขนาดใหญ่ เช่นClear Channelและโดยทั่วไปจะมีการจัดรูปแบบในเพลย์ลิสต์ที่เล็กกว่าและซ้ำซากกว่านิตยสารบิลบอร์ดติดตามยอดขายเชิงพาณิชย์ซึ่งรวบรวมชาร์ตเพลงจำนวนหนึ่งสำหรับการขายเพลงที่บันทึกไว้ในด้านต่างๆบิลบอร์ด Hot 100คือด้านบนชาร์ตเพลงป๊อปสำหรับคนโสดการบันทึกประกอบด้วยเพลงไม่กี่เพลง อีกต่อไปบันทึกป๊อปอัพที่มีอัลบั้มและมีการติดตามโดยบิลบอร์ด 200 ^[155]แม้ว่าเพลงที่บันทึกไว้จะเป็นเรื่องธรรมดาในบ้านของชาวอเมริกัน รายได้ของวงการเพลงจำนวนมากมาจากผู้ศรัทธาจำนวนเล็กน้อย ตัวอย่างเช่น 62% ของยอดขายอัลบั้มมาจากน้อยกว่า 25% ของผู้ชมที่ซื้อเพลง^[16]ยอดขายซีดีทั้งหมดในสหรัฐอเมริกามียอดขายสูงสุด 705 ล้านชุดในปี 2548 และยอดขายซิงเกิ้ลเพียงไม่ถึงสามล้านชุด^[157]

แม้ว่าบริษัทแผ่นเสียงรายใหญ่จะครองวงการเพลงอเมริกัน แต่ก็มีอุตสาหกรรมเพลงอิสระ ( เพลงอินดี้ ) อยู่ ค่ายเพลงอินดี้ส่วนใหญ่จะจำกัดการจำหน่ายปลีกนอกภูมิภาคเล็กๆ หากมี บางครั้งศิลปินก็บันทึกสำหรับค่ายเพลงอินดี้และได้รับเสียงชื่นชมมากพอที่จะเซ็นสัญญากับค่ายเพลงรายใหญ่ คนอื่น ๆ เลือกที่จะอยู่ที่ค่ายอินดี้ตลอดชีวิตการทำงาน เพลงอินดี้อาจมีสไตล์โดยทั่วไปคล้ายกับเพลงกระแสหลัก แต่มักเข้าถึงไม่ได้ ผิดปกติ หรือไม่ถูกใจใครหลายๆ คน นักดนตรีอินดี้มักจะปล่อยเพลงบางส่วนหรือทั้งหมดผ่านทางอินเทอร์เน็ตเพื่อให้แฟนๆ และคนอื่นๆ ดาวน์โหลดและฟัง^[154]นอกจากการบันทึกเสียงของศิลปินหลายประเภทแล้ว ยังมีสาขาของนักดนตรีมืออาชีพอีกมากมายในสหรัฐอเมริกา ซึ่งหลายๆ สาขาแทบไม่ได้บันทึกเลย รวมถึงวงออเคสตราชุมชน นักร้องและวงดนตรีในงานแต่งงาน นักร้องในเลานจ์ และดีเจในไนท์คลับ อเมริกันสมาพันธ์นักดนตรีที่ใหญ่ที่สุดของชาวอเมริกันสหภาพแรงงานสำหรับนักดนตรีมืออาชีพ อย่างไรก็ตาม มีเพียง 15% ของสมาชิกสหพันธ์เท่านั้นที่มีการจ้างงานทางดนตรีที่มั่นคง ^[158]

การศึกษาและทุนการศึกษา

ดนตรีเป็นส่วนสำคัญของการศึกษาในสหรัฐอเมริกาและเป็นส่วนหนึ่งของระบบโรงเรียนส่วนใหญ่หรือทั้งหมดในประเทศ การศึกษาด้านดนตรีโดยทั่วไปเป็นข้อบังคับในโรงเรียนประถมศึกษาของรัฐ และเป็นวิชาเลือกในปีต่อๆ มา ^[159]

การศึกษาทางวิชาการด้านดนตรีในสหรัฐอเมริการวมถึงงานที่เกี่ยวข้องกับดนตรีเกี่ยวกับชนชั้นทางสังคม เชื้อชาติ ชาติพันธุ์และศาสนา เพศและเรื่องเพศตลอดจนการศึกษาประวัติศาสตร์ดนตรี ดนตรีวิทยา และหัวข้ออื่นๆ การศึกษาทางวิชาการของเพลงอเมริกันสามารถสืบย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 19 ปลายเมื่อนักวิจัยเช่นอลิซเฟลทเชอร์และฟรานซิสลาเฟลชเรียนดนตรีของชนชาติโอมาฮา , ที่ทำงานให้กับสำนักวิทยาอเมริกันและพีบอดีพิพิธภัณฑ์โบราณคดีและชาติพันธุ์วิทยาในยุค 1890 และต้นศตวรรษที่ 20 มีการบันทึกเสียงดนตรีในหมู่ชนพื้นเมือง ฮิสแปนิก แอฟริกัน-อเมริกัน และแองโกล-อเมริกันในสหรัฐอเมริกา หลายคนทำงานให้กับLibrary of Congress แห่งแรกภายใต้การนำของOscar Sonneckหัวหน้าแผนกดนตรีของ Library ^[160]นักวิจัยเหล่านี้รวมถึง Robert W. Gordon ผู้ก่อตั้งArchive of American Folk SongและJohnและAlan Lomax ; Alan Lomax เป็นนักสะสมเพลงพื้นบ้านที่โด่งดังที่สุดหลายคนที่ช่วยจุดประกายการฟื้นคืนรากฐานของวัฒนธรรมพื้นบ้านอเมริกันในศตวรรษที่ 20 ^[161]

การวิเคราะห์ทางวิชาการของดนตรีอเมริกันช่วงต้นทศวรรษที่ 20 มีแนวโน้มที่จะตีความประเพณีคลาสสิกที่ได้รับจากยุโรปว่ามีค่าควรแก่การศึกษามากที่สุด โดยดนตรีพื้นบ้าน ศาสนา และเพลงดั้งเดิมของคนทั่วไปถูกดูหมิ่นว่าเป็นชนชั้นต่ำและมีคุณค่าทางศิลปะหรือสังคมเพียงเล็กน้อย ประวัติศาสตร์ดนตรีอเมริกันถูกเมื่อเทียบกับการบันทึกมากอีกต่อไปทางประวัติศาสตร์ของประเทศในยุโรปและอยากพบนักเขียนชั้นนำเช่นนักแต่งเพลงอาร์เธอร์ Farwellไตร่ตรองสิ่งที่ประเภทของประเพณีดนตรีอาจจะเกิดขึ้นจากวัฒนธรรมของชาวอเมริกันในปี 1915 ของเขาเพลงในอเมริกาในปี 1930 เพลง Our American Music ของJohn Tasker Howardได้กลายเป็นบทวิเคราะห์มาตรฐาน โดยเน้นไปที่ดนตรีคอนเสิร์ตที่แต่งขึ้นในสหรัฐอเมริกาเป็นส่วนใหญ่^[162]นับตั้งแต่การวิเคราะห์ของนักดนตรีดนตรีCharles Seegerในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ประวัติศาสตร์ดนตรีอเมริกันมักถูกอธิบายว่ามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการรับรู้เกี่ยวกับเชื้อชาติและวงศ์ตระกูล ภายใต้มุมมองนี้ ภูมิหลังทางเชื้อชาติและชาติพันธุ์ที่หลากหลายของสหรัฐอเมริกาได้ส่งเสริมความรู้สึกของการแยกทางดนตรีระหว่างเชื้อชาติต่างๆ ในขณะที่ยังคงส่งเสริมการปลูกฝังอย่างต่อเนื่อง เนื่องจากองค์ประกอบของดนตรียุโรป แอฟริกา และพื้นเมืองได้เปลี่ยนระหว่างสาขาต่างๆ^[160] Gilbert Chase 's America's Music จากผู้แสวงบุญจนถึงปัจจุบันเป็นงานสำคัญชิ้นแรกในการตรวจสอบดนตรีของทั้งสหรัฐอเมริกา และยอมรับว่าประเพณีพื้นบ้านมีความสำคัญทางวัฒนธรรมมากกว่าดนตรีสำหรับคอนเสิร์ต การวิเคราะห์ของเชสเกี่ยวกับเอกลักษณ์ทางดนตรีที่หลากหลายของชาวอเมริกันยังคงเป็นมุมมองที่โดดเด่นในหมู่สถาบันทางวิชาการ^[162]จนถึงช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 นักวิชาการด้านดนตรีส่วนใหญ่ในสหรัฐอเมริกายังคงศึกษาดนตรียุโรปต่อไป โดยจำกัดตัวเองให้อยู่เฉพาะในสาขาวิชาดนตรีอเมริกันบางสาขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งรูปแบบคลาสสิกและโอเปร่าที่ได้มาจากยุโรป และบางครั้งแจ๊สแบบแอฟริกันอเมริกัน นักดนตรีและนักชาติพันธุ์วิทยาสมัยใหม่ได้ศึกษาวิชาต่างๆ ตั้งแต่เอกลักษณ์ทางดนตรีของชาติ ไปจนถึงรูปแบบและเทคนิคเฉพาะของชุมชนเฉพาะในช่วงเวลาหนึ่งๆ ของประวัติศาสตร์อเมริกา^[160]การศึกษาล่าสุดที่โดดเด่นของเพลงชาวอเมริกันรวมถึงชาร์ลส์ฮามม์ 's เพลงในโลกใหม่จากปี 1983 และริชาร์ดครอว์ฟ ' s อเมริกาชีวิตดนตรีจากปี 2001 ^[163]

วันหยุดและเทศกาล

	"ระฆังกริ๊ง" ( 2 : 22 ) เพลงวันหยุดฆราวาส "โอ้ คืนศักดิ์สิทธิ์" ( 4 : 01 ) เพลงคริสต์มาสทางศาสนา
ปัญหาในการเล่นไฟล์เหล่านี้? ดูสื่อช่วย

ดนตรีเป็นส่วนหนึ่งที่สำคัญของวันหยุดหลายคนอเมริกันโดยเฉพาะอย่างยิ่งการเล่นเป็นส่วนสำคัญในการเฉลิมฉลองฤดูหนาวของคริสมาสต์ เพลงวันหยุดมีทั้งเพลงศาสนาอย่าง " โอโฮลีไนท์ " และเพลงฆราวาสอย่าง " จิงเกิลเบลส์ " เพลงรักชาติ เช่น เพลงชาติ " The Star-Spangled Banner " เป็นส่วนสำคัญของการเฉลิมฉลองวันประกาศอิสรภาพเพลงยังมีบทบาทในวันหยุดหลายภูมิภาคที่ไม่ได้มีการเฉลิมฉลองทั่วประเทศที่มีชื่อเสียงมากที่สุดMardi Gras , เพลงและการเต้นรำและขบวนแห่ในเทศกาลNew Orleans, Louisiana

สหรัฐอเมริกาเป็นที่ตั้งของเทศกาลดนตรีมากมายซึ่งจัดแสดงสไตล์ต่างๆ ตั้งแต่เพลงบลูส์และแจ๊ส ไปจนถึงอินดี้ร็อกและเฮฟวีเมทัล เทศกาลดนตรีบางเทศกาลอยู่ในขอบเขตอย่างเคร่งครัด รวมถึงนักแสดงเพียงไม่กี่คนหรือไม่มีเลยซึ่งมีชื่อเสียงระดับประเทศ และโดยทั่วไปจะดำเนินการโดยผู้สนับสนุนในท้องถิ่น บริษัทแผ่นเสียงขนาดใหญ่จัดเทศกาลดนตรีของตนเอง เช่นLollapaloozaและOzzfestซึ่งดึงดูดผู้คนจำนวนมาก

ดูเพิ่มเติม

• ประวัติศาสตร์ดนตรีของสหรัฐอเมริกาในทศวรรษ 1950
• ประวัติศาสตร์ดนตรีของสหรัฐอเมริกาในทศวรรษ 1960
• ประวัติศาสตร์ดนตรีของสหรัฐอเมริกาในทศวรรษ 1970
• ประวัติศาสตร์ดนตรีของสหรัฐอเมริกาในทศวรรษ 1980
• ประวัติศาสตร์ดนตรีของสหรัฐอเมริกาในทศวรรษ 1990
• ดนตรีแห่งสหราชอาณาจักร (ทศวรรษ 1960)
• ดนตรีแห่งสหราชอาณาจักร (ทศวรรษ 1970)
• เพลงประท้วงในสหรัฐอเมริกา

หมายเหตุ

References

• Baraka, Amiri; Leroi Jones (1963). Blues People: Negro Music in White America. William Morrow. ISBN 978-0-688-18474-2.
• Blush, Steven (2001). American Hardcore: A Tribal History. Feral House. ISBN 978-0-922915-71-2.
• Chase, Gilbert (2000). America's Music: From the Pilgrims to the Present. University of Illinois Press. ISBN 978-0-252-00454-4.
• Clarke, Donald (1995). The Rise and Fall of Popular Music. St. Martin's Press. ISBN 978-0-312-11573-9.
• Collins, Ace (1996). The Stories Behind Country Music's All-Time Greatest 100 Songs. Boulevard Books. ISBN 978-1-57297-072-4.
• Crawford, Richard (2001). America's Musical Life: A History. W. W. Norton & Company. ISBN 978-0-393-04810-0.
• Edmonds, Ben (2001). Let's Get It On. booklet liner notes (Deluxe ed.). Motown Records, a Division of UMG Recordings, Inc. MOTD 4757.
• Ewen, David (1957). Panorama of American Popular Music. Prentice Hall.
• Ferris, Jean (1993). America's Musical Landscape. Brown & Benchmark. ISBN 978-0-697-12516-3.
• Flory, Andrew (2017). I Hear a Symphony: Motown and Crossover R&B. University of Michigan Press. ISBN 978-0-472-12287-5.
• Gilliland, John (1969). "Play A Simple Melody" (audio). Pop Chronicles. University of North Texas Libraries.
• Hall, Roger L. (2006). A Guide to Shaker Music. PineTree Press.
• Koskoff, Ellen, ed. (2000). Garland Encyclopedia of World Music, Volume 3: The United States and Canada. Garland Publishing. ISBN 978-0-8240-4944-7.
• Garofalo, Reebee (1997). Rockin' Out: Popular Music in the USA. Allyn & Bacon. ISBN 978-0-205-13703-9.
• Gillett, Charlie (1970). The Sound of the City: The Rise of Rock and Roll. cited in Garofalo. Outerbridge and Dienstfrey. ISBN 978-0-285-62619-5.
• Nelson, George (2007). Where Did Our Love Go?: The Rise and Fall of the Motown Sound?. New York: University of Illinois Press. ISBN 978-0-252-07498-1.
• Kempton, Arthur (2003). Boogaloo: The Quintessence of American Popular Music. New York: Pantheon Books. ISBN 978-0-375-42172-3.
• Lipsitz, George (1982). Class and Culture in Cold War America. J. F. Bergin. ISBN 978-0-03-059207-2.
• Malone, Bill C. (1985). Country Music USA: Revised Edition. cited in Garofalo. University of Texas Press. ISBN 978-0-292-71096-2.
• Nettl, Bruno (1965). Folk and Traditional Music of the Western Continents. Prentice-Hall.
• Palmer, Robert (April 19, 1990). cited in Garofalo. "The Fifties". Rolling Stone: 48.
• Ward, Ed, Geoffrey Stokes and Ken Tucker (1986). Rock of Ages: The Rolling Stone History of Rock and Roll. Rolling Stone Press. ISBN 978-0-671-54438-6.CS1 maint: multiple names: authors list (link)
• Broughton, Simon and Ellingham, Mark with McConnachie, James and Duane, Orla (Ed.) (2000). Rough Guide to World Music. Rough Guides Ltd, Penguin Books. ISBN 978-1-85828-636-5.CS1 maint: multiple names: authors list (link) CS1 maint: extra text: authors list (link)
• Sawyers, June Skinner (2000). Celtic Music: A Complete Guide. Da Capo Press. ISBN 978-0-306-81007-7.
• Schuller, Gunther (1968). Early Jazz: Its Roots and Musical Development. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-504043-2.
• Struble, John Warthen (1995). The History of American Classical Music. Facts on File. ISBN 978-0-8160-2927-3.
• Szatmary, David (2000). Rockin' in Time: A Social History of Rock-And-Roll. Prentice Hall. ISBN 978-0-13-022636-5.
• Weisbard, Eric (1995). Spin Alternative Record Guide. 1st edition. Vintage Books. ISBN 978-0-679-75574-6.
• Werner, Craig (1998). A Change Is Gonna Come: Music, Race and the Soul of America. Plume. ISBN 978-0-452-28065-6.

Further reading

• Claghorn, Charles Eugene (1973). Biographical Dictionary of American Music. Parker Publishing Company, Inc. ISBN 978-0-13-076331-0.
• Elson, Charles Louis (2005). The History of American Music. Kessinger Publishing. ISBN 978-1-4179-5961-7.
• Gann, Kyle (1997). American Music in the 20th Century. Schirmer. ISBN 978-0-02-864655-8.
• Hamm, Charles (1983). Music in the New World. W. W. Norton & Company. ISBN 978-0-393-95193-6.
• Hitchcock, H. Wiley (1999). Music in the United States: A Historical Introduction. Prentice Hall. ISBN 978-0-13-907643-5.
• Kingman, Daniel (1990). American Music: A Panorama (2nd ed.). New York: Schirmer Books.
• Nicholls, David (ed.) (1998). The Cambridge History of American Music. Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-45429-2.CS1 maint: extra text: authors list (link)
• Seeger, Ruth Crawford (2003). The Music of American Folk Song and Selected Other Writings on American Folk Music. Boydell & Brewer. ISBN 978-1-58046-136-8.
• "Performing Arts, Music". Library of Congress Collections.

External links

• Audio clips: Traditional music of the United States. Musée d'Ethnographie de Genève. Accessed November 25, 2010. (in French)
• American Guild of Music
• Essential American Recordings Survey
• Music Publisher's Association
• Music Library Association
• Historic American Sheet Music
• Lester S. Levy Sheet Music Collection popular American music, 1780–1960