ดับเบิ้ลเบส

ดับเบิ้ลเบส

มุมมองด้านข้างและด้านหน้าของดับเบิลเบสที่ทันสมัยพร้อมโบว์สไตล์ฝรั่งเศส
เครื่องสาย
ชื่ออื่น	เบส, อัพไรท์เบส, สตริงเบส, อะคูสติกเบส, อะคูสติกเบสสตริงเบส, คอนทราเบส, ไวโอลินคอนทราเบส, เบสวิโอล, ไวโอลินเบส, สแตนด์อัพเบส, ซอวัว, เบสด็อกเฮาส์ และเบสซอ
การจำแนกประเภท	เครื่องสาย ( โค้งคำนับหรือดึง )
การจำแนกประเภท Hornbostel–Sachs	321.322-71 ( ประสานเสียง ประสานเสียงด้วยธนู )
ที่พัฒนา	ศตวรรษที่ 15–19
ระยะการเล่น
เครื่องมือที่เกี่ยวข้อง
ละเมิด วิโอลา เชลโล กีตาร์เบส กีต้าร์โปร่ง เบสไฟฟ้าตั้งตรง ดิ่อิงเอ๋อหู บาซานตาร์
นักดนตรี
รายชื่อมือเบสคู่
ตัวอย่างเสียง
ตัวอย่าง ดับเบิ้ลเบสเล่นเบสไลน์เดินได้

ดับเบิลเบส หรือ ที่เรียกกันง่ายๆ ว่าเบส (หรือโดยชื่ออื่นๆ ) เป็น เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่มีเสียงสูงที่สุดและต่ำที่สุดที่โค้งคำนับ (หรือถอนออก) ^[1]ในวงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่ ^[2]คล้ายกับโครงสร้างเชลโล มันมีสี่ แม้ว่าบางครั้งห้า สาย

เบสเป็นสมาชิกมาตรฐานของหมวดเครื่องสาย ของวงออเคสตรา พร้อมด้วยไวโอลิน วิโอลา และเชลโล^[3]เช่นเดียวกับวงดนตรีในคอนเสิร์ตและเป็นจุดเด่นในคอนแชร์โตโซโล และแชมเบอร์มิว สิก ในดนตรีคลาสสิกตะวันตก ^[4]เบสใช้ในแนวเพลงอื่นๆ เช่นแจ๊สบลูส์และร็อกแอนด์โรลสไตล์ยุค 1950 ร็ อกอะบิลลีไซ ซิ บิล ลี ดนตรีคันทรีแบบดั้งเดิมบลูแกรสแทงโก้และดนตรีโฟล์ก

เบสเป็นเครื่องมือเปลี่ยนเสียงและโดยทั่วไปแล้วจะมีเสียงสูงกว่าที่ปรับไว้หนึ่งอ็อกเทฟเพื่อหลีกเลี่ยงเส้นบัญชีแยกประเภทที่อยู่ใต้ไม้เท้ามากเกินไป ดับเบิลเบสเป็นเครื่องมือเครื่องสายโค้งคำนับสมัยใหม่เพียงเครื่องเดียวที่ปรับเป็นสี่^[5] (เช่นกีตาร์เบสหรือไวโอลิน ) แทนที่จะเป็นห้าส่วน โดยปกติจะปรับ สาย เป็นE ₁ , A ₁ , D ₂และ G ₂

เชื้อสายที่แน่นอนของเครื่องดนตรียังคงเป็นเรื่องของการอภิปราย โดยนักวิชาการได้แบ่งแยกว่าเบสนั้นมาจากไวโอลินหรือ ไวโอลิน

ดับเบิลเบสเล่นด้วยคันธนู (arco) หรือโดยการดีดสาย ( pizzicato ) หรือด้วยเทคนิค ที่ หลากหลาย ในละครเพลงออเคสตราและดนตรีแทงโก้ มีการใช้ทั้งอาร์โก้และพิซซิกาโต ในดนตรีแจ๊ส บลูส์ และอะบิลลี พิซซ่าเป็นบรรทัดฐาน ดนตรีคลาสสิกและแจ๊สใช้เสียงที่เป็นธรรมชาติที่เกิดจากเครื่องดนตรี เช่นเดียวกับบลูแกรสแบบดั้งเดิม ในแนวฟังก์ บลูส์ เร้กเก้ และแนวเพลงที่เกี่ยวข้อง ดับเบิลเบสมักจะถูก ขยาย

คำอธิบาย

ดับเบิลเบสยืนได้ประมาณ 180 ซม. (6 ฟุต) จากการเลื่อนถึงปลายพิน ^[6]อย่างไรก็ตาม มีขนาดอื่นๆ เช่น1 ⁄ 2หรือ3 ⁄ 4ซึ่งใช้เพื่อรองรับความสูงและขนาดมือของผู้เล่น ขนาดเหล่านี้ไม่ได้สะท้อนถึงขนาดที่สัมพันธ์กับขนาดเต็ม หรือ4 ⁄ 4เบส เบส1 ⁄ 2ไม่ได้มีความยาวครึ่งหนึ่งของ เบส 4 ⁄ 4แต่มีขนาดเล็กกว่าเพียง 15% เท่านั้น ^[7]โดยทั่วไปแล้วจะสร้างจากไม้หลายประเภท รวมถึงไม้เมเปิ้ลสำหรับด้านหลัง ไม้สปรูซสำหรับส่วนบน และไม้มะเกลือสำหรับฟิงเกอร์บอร์ด ยังไม่แน่ชัดว่าเครื่องดนตรีนี้เป็นทายาทของวิโอลาดากั มบา หรือไวโอลิน แต่โดยทั่วไปแล้วจะสอดคล้องกับตระกูลไวโอลิน ในขณะที่ดับเบิลเบสนั้นเกือบจะเหมือนกันในการสร้างกับเครื่องดนตรีตระกูลไวโอลินอื่น ๆ แต่ก็รวมเอาคุณลักษณะที่พบในกลุ่มไวโอลิน รุ่น เก่า

โน้ตของสายเปิดคือ E ₁ , A ₁ , D ₂และ G ₂เหมือนกับ กีตาร์เบส อะคูสติกหรือไฟฟ้า อย่างไรก็ตาม เสียงสะท้อนของไม้รวมกับโครงสร้างคล้ายไวโอลินและสเกลที่ยาวทำให้ดับเบิลเบสมีเสียงที่เข้มข้นกว่ากีต้าร์เบสมาก นอกเหนือไปจากความสามารถในการใช้คันธนู ในขณะที่ฟิงเกอร์บอร์ดแบบไร้เฟรตรองรับกลิซซานโดสที่นุ่มนวลและเลกาโตส

รูปแบบการเล่น

เช่นเดียวกับเครื่องสายไวโอลินและไวโอลินประเภทอื่นๆ ดับเบิลเบสจะเล่นด้วยคันธนู (arco)หรือโดยการดึงสาย ( pizzicato ) เมื่อใช้ธนู ผู้เล่นสามารถใช้มันตามธรรมเนียมหรือตีไม้ของคันธนูกับเชือกก็ได้ ในละครเพลงออเคสตราและดนตรีแทงโก้ มีการใช้ทั้งอาร์โก้และพิซซิกาโต ในดนตรีแจ๊ส บลูส์ และร็อกอะบิลลี พิซซ่าเป็นบรรทัดฐาน ยกเว้นบางโซโลและส่วนที่เขียนเป็นครั้งคราวในแจ๊สสมัยใหม่ที่ต้องโค้งคำนับ

ในการสอนแบบคลาสสิก จุดเน้นเกือบทั้งหมดอยู่ที่การแสดงด้วยธนูและสร้างน้ำเสียงที่โค้งคำนับได้ดี มีงานเพียงเล็กน้อยในการพัฒนาทักษะการทำพิซซ่าที่สำคัญ ^{[ อ้างอิงจำเป็น ]}โค้งคำนับในบันทึกต่ำสุดของเครื่องสร้างความมืด หนัก ทรงพลัง หรือแม้แต่อันตรายผล เมื่อเล่นกับ fortissimo ไดนามิก; อย่างไรก็ตาม ระดับเสียงต่ำที่เล่นด้วยเปียโนอันละเอียดอ่อนสามารถสร้างแนวเพลงที่ไพเราะและกลมกล่อมได้ นักเรียนเบสคลาสสิกจะเรียนรู้เกี่ยวกับข้อต่อคันธนูต่างๆ ที่ใช้โดย ผู้เล่น เครื่องสาย อื่นๆ (เช่นไวโอลินและเชลโล ) เช่นเดทาเช่ เล กาโต สแต ค คาโตsforzato , martelé ("hammered"-style), sul ponticello , sul tasto , tremolo , spiccatoและsautillé . ข้อต่อเหล่านี้บางส่วนสามารถรวมกันได้ ตัวอย่างเช่น การรวมกันของ sul ponticello และ tremolo สามารถสร้างเสียงที่น่าขนลุกและน่าขนลุกได้ ผู้เล่นเบสคลาสสิกเล่นท่อนพิซซิกาโตในวงออเคสตรา แต่โดยทั่วไปแล้วส่วนเหล่านี้ต้องการโน้ตง่ายๆ (โน้ตสี่ส่วน โน้ตครึ่งตัว โน้ตทั้งหมด) มากกว่าข้อความที่รวดเร็ว

ผู้เล่นคลาสสิกแสดงทั้งโน้ตโค้งคำนับและเปียโนโดยใช้vibratoซึ่งเป็นเอฟเฟกต์ที่สร้างขึ้นโดยการเขย่าหรือสั่นนิ้วมือซ้ายที่สัมผัสกับสาย ซึ่งจะส่งเสียงคลื่นในระดับเสียงไปที่โทนเสียง Vibrato ใช้เพื่อเพิ่มนิพจน์ในการเล่นสตริง โดยทั่วไป ข้อความที่มีเสียงต่ำและดังมากจะเล่นโดยมีการสั่นเพียงเล็กน้อยหรือไม่มีเลย เนื่องจากเป้าหมายหลักที่มีระดับเสียงต่ำคือการให้เสียงเบสพื้นฐาน ที่ ชัดเจนสำหรับส่วนเครื่องสาย ท่วงทำนองเพลงระดับกลางและระดับสูงมักจะเล่นด้วยเสียงแบบสั่นมากกว่า ความเร็วและความเข้มข้นของ vibrato นั้นแตกต่างกันไปตามนักแสดงเพื่อเอฟเฟกต์ทางอารมณ์และดนตรี

ในดนตรีแจ๊สร็อกอะบิลลีและประเภทอื่นๆ ที่เกี่ยวข้อง ส่วนใหญ่หรือทั้งหมดมุ่งเน้นที่การเล่น pizzicato ในดนตรีแจ๊สและ จัมป์ บลูส์ผู้เล่นเบสจะต้องเล่นเบสไลน์ที่เดิน อย่างรวดเร็วของ pizzicato เป็นระยะเวลานาน มือเบสแจ๊สและร็อกอะบิลลีพัฒนาเทคนิคพิซซิกาโตที่เชี่ยวชาญ ซึ่งช่วยให้พวกเขาสามารถเล่นโซโลแบบเร็วที่รวมเอาตัวเลขสามตัวที่เคลื่อนไหวเร็วและโน้ตตัวที่สิบหก เบสไลน์ของ Pizzicato ที่บรรเลงโดยมืออาชีพแจ๊สชั้นนำนั้นยากกว่าเบสไลน์ของ pizzicato ที่นักเบสคลาสสิกพบในวรรณกรรมออเคสตรามาตรฐาน ซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะเป็นโน้ตทั้งตัว โน้ตครึ่งตัว โน้ตตัวหนึ่งในสี่ตัว และข้อความตัวที่แปดเป็นครั้งคราว ในแนวแจ๊สและแนวที่เกี่ยวข้อง นักเบสมักจะเติมเซมิเพอร์คัชซีฟ "โกสต์ โน้ต " ลงในเบสไลน์ เพื่อเพิ่มความรู้สึกเป็นจังหวะและเติมเสียงเบสไลน์

เครื่องเล่นดับเบิลเบสยืนหรือนั่งบนเก้าอี้สูง แล้วเอนเครื่องดนตรีแนบตัว หันเข้าด้านในเล็กน้อยเพื่อให้เอื้อมถึงสายได้อย่างสบาย ท่วงท่านี้เป็นเหตุผลหลักสำหรับไหล่ที่ลาดเอียงของเบส ซึ่งแตกต่างจากสมาชิกคนอื่นๆ ในตระกูลไวโอลิน—ไหล่ที่แคบกว่าช่วยให้เล่นสายในรีจิสเตอร์ที่สูงกว่าได้ ^[6]

ประวัติ

โดยทั่วไปแล้ว ดับเบิลเบส ถือได้ว่าเป็นทายาทสมัยใหม่ของเครื่องดนตรีในตระกูลเครื่องสายที่มีต้นกำเนิดในยุโรปในศตวรรษที่ 15 และด้วยเหตุนี้จึงได้รับการอธิบายว่าเป็นเบสไวโอลิน ^[8]ก่อนศตวรรษที่ 20 ดับเบิลเบสหลายตัวมีสายเพียงสามสาย ตรงกันข้ามกับสายห้าถึงหกสายตามแบบฉบับของเครื่องดนตรีในตระกูลไวโอลินหรือสายเครื่องดนตรีสี่สายในตระกูลไวโอลิน สัดส่วนของดับเบิลเบสไม่เหมือนกับไวโอลินและเชลโล ตัวอย่างเช่น มันลึกกว่า (ระยะห่างจากด้านหน้าไปด้านหลังเป็นสัดส่วนมากกว่าไวโอลิน) นอกจากนี้ ในขณะที่ไวโอลินมีไหล่โปน ดับเบิลเบสส่วนใหญ่มีไหล่ที่สลักด้วยความลาดเอียงที่แหลมคมกว่า เช่นเดียวกับสมาชิกในตระกูลไวโอลิน ดับเบิลเบสรุ่นเก่าๆ หลายตัวต้องตัดบ่าหรือลาดเอียงเพื่อช่วยในการเล่นด้วยเทคนิคสมัยใหม่ ^[9]ก่อนการปรับเปลี่ยนเหล่านี้ การออกแบบไหล่ของพวกเขาใกล้เคียงกับเครื่องดนตรีของตระกูลไวโอลิน

ดับเบิลเบสเป็นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายโค้งคำนับสมัยใหม่เพียงเครื่องเดียวที่ปรับเสียงเป็นสี่ส่วน (เหมือนวิโอล) แทนที่จะเป็นห้าส่วน (ดูการปรับด้านล่าง) เชื้อสายที่แน่นอนของเครื่องดนตรียังคงเป็นประเด็นถกเถียงอยู่บ้าง และการสันนิษฐานว่าดับเบิลเบสเป็นทายาทสายตรงของ ตระกูล violนั้นยังไม่ได้รับการแก้ไขทั้งหมด

ในประวัติศาสตร์ใหม่ของดับเบิลเบส Paul Brun ยืนยันว่าดับเบิลเบสนั้นมีต้นกำเนิดมาจากเบสที่แท้จริงของตระกูลไวโอลิน เขากล่าวว่าในขณะที่ภายนอกของดับเบิลเบสอาจคล้ายกับวิโอลา ดา กัมบา โครงสร้างภายในของดับเบิลเบสเกือบจะเหมือนกับเครื่องดนตรีในตระกูลไวโอลินและแตกต่างอย่างมากจากโครงสร้างภายในของไวโอลิน ^[10]

Larry Hurstศาสตราจารย์ด้านดับเบิลเบสให้เหตุผลว่า "ดับเบิลเบสสมัยใหม่ไม่ได้เป็นสมาชิกที่แท้จริงของตระกูลไวโอลินหรือไวโอลิน" เขากล่าวว่า "ส่วนใหญ่แล้วรูปร่างทั่วไปของมันคือไวโอลิน ซึ่งเป็นเบสที่ใหญ่ที่สุดของตระกูลไวโอลิน เบสที่เก่าที่สุดบางตัวที่ยังหลงเหลืออยู่คือไวโอลิน (รวมถึงรูเสียงรูปตัว C) ที่ติดตั้งเครื่องดักฟังสมัยใหม่" ^[11]เครื่องดนตรีที่มีอยู่บางประเภท เช่น เครื่องดนตรีโดยGasparo da Salòถูกดัดแปลงมาจากไวโอลินเถื่อน หกสายในศตวรรษที่ 16 ^[4]

ศัพท์เฉพาะ

คนที่เล่นเครื่องดนตรีนี้เรียกว่า "เบส", "ดับเบิ้ลเบส", "ดับเบิลเบส", "คอนทราเบส", "คอนทราเบส" หรือ "เบส" ชื่อcontrabassและ double bassหมายถึงช่วงของเครื่องดนตรีและใช้ เสียง ที่ต่ำกว่าเชลโลหนึ่งอ็อกเทฟ ^{[12] [13]}คำศัพท์สำหรับเครื่องดนตรีในหมู่นักแสดงคลาสสิกคือcontrabass (ซึ่งมาจากชื่อภาษาอิตาลีของเครื่องดนตรี, contrabbasso), สตริงเบส (เพื่อแยกความแตกต่างจากเครื่องดนตรีประเภทเบสทองเหลืองในวงดนตรีเช่นทูบาส ) หรือง่ายๆเบส .

ในดนตรีแจ๊สบลูส์ร็อกอะบิลลีและประเภทอื่นๆ นอกเหนือจากดนตรีคลาสสิก เครื่องดนตรีนี้มักเรียกกันว่าอัพไรท์เบส เบสสแตนด์ อัพ หรือ เบส อะคูสติก เพื่อแยกความแตกต่างจาก กีตาร์เบส ( ปกติคือไฟฟ้า) ในดนตรี โฟล์ก และบลูแกรสเครื่องดนตรีนี้เรียกอีกอย่างว่า "เบสซอ" หรือ "เบสไวโอลิน" (หรือแทบจะเรียกกันว่า "เบสหมา" หรือ "ซอกระทิง" ^[14] ) ในฐานะที่เป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มเครื่องดนตรีประเภทไวโอลิน การสร้างเสียงเบสแบบตั้งตรงนั้นค่อนข้างแตกต่างจากกีตาร์เบสอะคูสติกเนื่องจากตัวหลังเป็นอนุพันธ์ของกีตาร์เบสไฟฟ้า และมักจะสร้างให้เหมือนกับกีตาร์โปร่งที่ใหญ่กว่าและแข็งแรงกว่า

ดับเบิลเบสบางครั้งอาจเรียกว่าวิโอ โลน เบสไวโอลินหรือเบสวิออล มีชื่อหรือชื่อเล่นที่มีสีสันอื่นๆ ในภาษาอื่นๆ ในภาษาฮังกาเรียน ดับเบิลเบสเรียกว่าnagybőgőซึ่งแปลได้คร่าวๆ ว่า "big crier" ซึ่งหมายถึงเสียงที่ดังมาก

การออกแบบ

โดยทั่วไป มีสองแนวทางหลักในการออกแบบรูปทรงเค้าร่างของดับเบิลเบส: แบบไวโอลิน (แสดงในภาพที่ติดฉลากในส่วนการก่อสร้าง) และ รูปแบบ วิโอลาดากั มบา (แสดงในรูปภาพส่วนหัวของบทความนี้) นอกจากนี้ยังสามารถพบการออกแบบทั่วไปที่สามที่เรียกว่า รูปทรง busetto เช่นเดียวกับ กีตาร์หรือรูปทรงลูกแพร์ ที่หายากยิ่งขึ้น ด้านหลังของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันไปจากการเป็นทรงกลม หลังแกะสลักคล้ายกับไวโอลิน ไปจนถึงหลังแบนและมีมุมคล้ายกับตระกูลไวโอลิน

ดับเบิลเบสประกอบด้วยส่วนต่างๆ ที่คล้ายกับสมาชิกในตระกูลไวโอลิน รวมถึงสะพาน ไม้ที่แกะสลัก เพื่อรองรับสายรู f สองช่อง ส่วนท้ายที่สอดปลายปลายสายของสายไวโอลิน (โดยมีส่วนท้ายยึดอยู่รอบๆ ที่ยึดปลายขา) ม้วน ไม้ประดับ ใกล้หมุดกล่อง น็อตที่มีร่องสำหรับแต่ละสายตรงจุดเชื่อมต่อของฟิงเกอร์บอร์ดและหมุดบอกซ์ และเสาเสียง ที่แข็งแรงและหนา ซึ่งส่งแรงสั่นสะเทือนจากด้านบนของเครื่องดนตรีไปยังตัวกลวง และรองรับแรงกดของเอ็นร้อยหวาย ซึ่งแตกต่างจากส่วนที่เหลือของตระกูลไวโอลิน ดับเบิลเบส ยังคงสะท้อนอิทธิพลจากและถือได้ว่ามาจากไวโอลิน บางส่วนกลุ่มเครื่องดนตรี โดยเฉพาะไวโอลินซึ่งเป็นเบสที่มีเสียงต่ำและใหญ่ที่สุดในกลุ่มไวโอลิน ตัวอย่างเช่น เบสได้รับการปรับเสียงเป็นสี่ส่วน เช่น ไวโอลิน มากกว่าในห้าส่วน ซึ่งเป็นมาตรฐานในกลุ่มไวโอลิน นอกจากนี้ ให้สังเกตว่า 'ไหล่' ไปบรรจบกับคอในลักษณะโค้ง แทนที่จะเป็นมุมแหลมที่เห็นในไวโอลิน เช่นเดียวกับเครื่องดนตรีประเภทไวโอลินและวิโอลอื่นๆ ที่เล่นด้วยธนู (และไม่เหมือนกับเครื่องดนตรีที่ถอนหรือหยิบเป็นหลัก เช่น กีตาร์) บริดจ์ของดับเบิลเบสนั้นมีรูปร่างโค้งมนเหมือนส่วนโค้ง ที่ทำได้เพราะว่าผู้เล่นต้องสามารถเล่นเครื่องสายเดี่ยวได้ ถ้าดับเบิลเบสต้องมีบริดจ์แบบแบน จะเป็นไปไม่ได้ที่จะก้มลงสาย A และ D ทีละสาย

ดับเบิลเบสยังแตกต่างจากสมาชิกในตระกูลไวโอลินตรงที่ไหล่มักจะลาดเอียงและส่วนหลังมักจะทำมุม (ทั้งสองช่วยให้เข้าถึงเครื่องดนตรีได้ง่ายขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงบน) จูนเนอร์ของเครื่องจักรนั้นติดตั้งอยู่เสมอ ตรงกันข้ามกับส่วนที่เหลือของตระกูลไวโอลิน ซึ่งหมุดเสียดสีไม้แบบดั้งเดิมยังคงเป็นวิธีการหลักในการจูน การขาดมาตรฐานในการออกแบบหมายความว่าดับเบิลเบสตัวหนึ่งสามารถให้เสียงและดูแตกต่างอย่างมากจากที่อื่น

การก่อสร้าง

ดับเบิลเบสนั้นใกล้เคียงที่สุดในการสร้างไวโอลิน แต่มีความคล้ายคลึงกันบางอย่างกับวิโอโลน ("ไวโอลินขนาดใหญ่") ซึ่งเป็นสมาชิกที่ใหญ่ที่สุดและต่ำที่สุดในตระกูลไวโอลิน อย่างไรก็ตาม ฟิงเกอร์บอร์ดของดับเบิ้ลเบสนั้นไม่เหมือนกับวิโอโลนเหมือนกับไวโอโลนและดับเบิลเบสมีสายน้อยกว่า (ไวโอลิน เช่นเดียวกับไวโอลินส่วนใหญ่ โดยทั่วไปมีหกสาย แม้ว่าบางตัวอย่างจะมีห้าหรือสี่สายก็ตาม) ฟิงเกอร์บอร์ดทำจากไม้มะเกลือเกี่ยวกับเครื่องมือคุณภาพสูง บนเครื่องดนตรีของนักเรียนที่มีราคาไม่แพง อาจใช้ไม้ชนิดอื่นแล้วทาสีหรือย้อมสีดำ (กระบวนการที่เรียกว่า "ebonizing") ฟิงเกอร์บอร์ดถูกแผ่รัศมีโดยใช้เส้นโค้ง ด้วยเหตุผลเดียวกันกับที่บริดจ์นั้นโค้ง: หากฟิงเกอร์บอร์ดและบริดจ์ต้องแบน นักเล่นเบสจะไม่สามารถก้มสายภายในสองสายแยกกันได้ ด้วยการใช้สะพานโค้งและฟิงเกอร์บอร์ดโค้ง มือเบสสามารถจัดแนวคันธนูกับสายใดก็ได้ในสี่สายและเล่นทีละสาย ต่างจากไวโอลินและวิโอลา แต่เช่นเดียวกับเชลโล ฟิงเกอร์บอร์ดเบสค่อนข้างแบนใต้สาย E (สาย C บนเชลโล) ซึ่งรู้จักกันทั่วไปในชื่อRombergเอียง. ฟิงเกอร์บอร์ดส่วนใหญ่ไม่สามารถปรับได้โดยนักแสดง การปรับแต่งใดๆ จะต้องทำโดยช่างลูเทียร์ เบสราคาแพงจำนวนน้อยมากสำหรับมืออาชีพมีฟิงเกอร์บอร์ดที่ปรับได้ ซึ่งกลไกสกรูสามารถใช้เพื่อเพิ่มหรือลดความสูงของฟิงเกอร์บอร์ดได้

ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างดับเบิลเบสและสมาชิกอื่นๆ ในตระกูลไวโอลินคือการสร้างpegboxและกลไกการจูน ในขณะที่ไวโอลินวิโอลา และเชลโลทั้งหมดใช้ หมุดยึดเสียดทานสำหรับการปรับจูน (การขันและคลายความตึงของสายเพื่อเพิ่มหรือลดระดับเสียงของสาย) ดับเบิลเบสนั้นมีหัวและเกียร์ ทำด้วยโลหะ ความท้าทายประการหนึ่งของหมุดปรับคือความเสียดทานระหว่างหมุดไม้และรูหมุดอาจไม่เพียงพอที่จะยึดหมุดให้เข้าที่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้ารูหมุดสึกและขยายใหญ่ขึ้น กุญแจบนเครื่องจูนของดับเบิลเบสคือตัวหนอน โลหะ ซึ่งขับเฟืองตัวหนอนที่ม้วนเชือก การหมุนกุญแจไปในทิศทางเดียวจะทำให้สายตึงขึ้น (ทำให้ระดับเสียงสูงขึ้น) การหมุนกุญแจไปในทิศทางตรงกันข้ามจะลดความตึงเครียดของสาย (ทำให้ระดับเสียงลดลง) ในขณะที่การพัฒนานี้ทำให้จูนเนอร์แบบละเอียดบนส่วนท้าย (สำคัญสำหรับนักเล่นไวโอลิน วิโอลา และเชลโล เนื่องจากเครื่องดนตรีของพวกเขาใช้หมุดเสียดสีสำหรับการปรับระดับเสียงหลัก) โดยไม่จำเป็น แต่นักเบสจำนวนน้อยมากก็ยังใช้ เหตุผลประการหนึ่งสำหรับการใช้เครื่องปรับเสียงแบบละเอียดกับเสียงเบสคือ สำหรับเครื่องดนตรีที่มีนามสกุล C ต่ำ ระบบรอกสำหรับสายยาวอาจไม่สามารถเปลี่ยนการบิดคีย์ไปสู่การเปลี่ยนแปลงของความตึงสาย/พิทช์ของสายได้ ที่ฐานของดับเบิ้ลเบสคือแท่งโลหะที่มีปลายแหลมหรือปลายเป็นยางเรียกว่าปลายแหลมซึ่งวางอยู่บนพื้น จุดจบนี้โดยทั่วไปแล้วจะหนาและแข็งแรงกว่าเชลโล เนื่องจากเครื่องดนตรีมีมวลมากกว่า

วัสดุที่ใช้บ่อยที่สุดในโครงสร้างแบบดับเบิ้ลเบสสำหรับเบสที่แกะสลักทั้งตัว (ประเภทที่ใช้โดยมือเบสออร์เคสตรามืออาชีพและโซโล) ได้แก่เมเปิ้ล (หลัง คอ ซี่โครง) สปรูซ (บน) และไม้มะเกลือ (ฟิงเกอร์บอร์ด ท่อนหาง) ส่วนท้ายอาจทำจากไม้ประเภทอื่นหรือวัสดุที่ไม่ใช่ไม้ เบสที่ราคาไม่แพงมักจะสร้างด้วย ท็อปส์ซู แผ่นหลัง และซี่โครง เคลือบ ( ไม้อัด ) หรือเป็นรุ่นไฮบริดที่ผลิตด้วยด้านหลังและด้านข้างเป็นลามิเนต และท็อปไม้เนื้อแข็งแกะสลัก เบสราคาต่ำถึงกลางบางรุ่นจากปี 2010 ทำจากวิลโลว์โมเดลสำหรับนักเรียนสร้างจากไฟเบอร์กลาสผลิตขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 และเบสบางตัว (โดยทั่วไปมีราคาค่อนข้างแพง) ถูกสร้างขึ้นจากคาร์บอน ไฟเบอร์

เบสลามิเนต (ไม้อัด) ซึ่งใช้กันอย่างแพร่หลายในโรงเรียนดนตรี วงออเคสตราเยาวชนและในการตั้งค่าดนตรีพื้นบ้านและเพลงยอดนิยม (รวมถึงอะบิลลี ไซโคบิลลีบลูส์ฯลฯ ) มีความทนทานต่อความชื้นและความร้อนสูง รวมถึงการทำร้ายร่างกาย พวกเขามักจะพบเจอในสภาพแวดล้อมของโรงเรียน (หรือสำหรับนักดนตรีบลูส์และนักดนตรีพื้นบ้าน ไปจนถึงอันตรายจากการเดินทางและการแสดงในบาร์) อีกทางเลือกหนึ่งคือเบสตัวแบบไฮบริดซึ่งมีแผ่นหลังเป็นลามิเนตและด้านบนเป็นไม้แกะสลักหรือไม้เนื้อแข็ง มีค่าใช้จ่ายน้อยกว่าและค่อนข้างเปราะบางน้อยกว่า (อย่างน้อยก็เกี่ยวกับด้านหลัง) กว่าเบสที่แกะสลักทั้งตัว

เสาเสียงและเบสบาร์เป็นส่วนประกอบของโครงสร้างภายใน ทุกส่วนของดับเบิลเบสจะติดกาวเข้าด้วยกัน ยกเว้นเสาเสียง บริดจ์ และส่วนท้าย ซึ่งยึดไว้กับที่โดยความตึงของสาย (แม้ว่าโดยปกติแล้วเสาเสียงจะยังคงอยู่กับที่เมื่อสายเครื่องดนตรีคลายหรือถอดออก ตราบใดที่เบสนั้นอยู่นิ่ง ถูกเก็บไว้ที่ด้านหลัง luthiers บางคนแนะนำให้เปลี่ยนเพียงครั้งละหนึ่งสตริงเพื่อลดความเสี่ยงที่เสาเสียงจะตกลงมา) หากเสาเสียงล้มลง จำเป็นต้องใช้ช่างฉาบเพื่อวางเสาเสียงกลับเข้าที่ เนื่องจากต้องทำด้วยเครื่องมือที่สอดเข้าไปในรู f นอกจากนี้ ตำแหน่งที่แน่นอนของเสาเสียงใต้สะพานยังจำเป็นสำหรับเครื่องดนตรีที่จะให้เสียงที่ดีที่สุด สะพานพื้นฐานแกะสลักจากไม้ชิ้นเดียว ซึ่งปรับแต่งให้เข้ากับรูปร่างของส่วนบนของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น สะพานที่แพงที่สุดบนเครื่องดนตรีของนักเรียนสามารถปรับแต่งได้เพียงแค่ขัดเท้าให้เข้ากับรูปร่างของส่วนบนของเครื่องดนตรี สะพานบนเครื่องดนตรีของมือเบสมืออาชีพอาจแกะสลักอย่างวิจิตรด้วยช่างไม้

นักเบสมืออาชีพมักจะมีสะพานที่ปรับได้ซึ่งมีกลไกสกรูโลหะ ช่วยให้มือเบสยกหรือลดความสูงของสายเพื่อรองรับความชื้นหรืออุณหภูมิที่เปลี่ยนแปลงไป เครื่องจูนโลหะติดอยู่ที่ด้านข้างของ pegbox ด้วยสกรูโลหะ แม้ว่ากลไกการจูนเสียงโดยทั่วไปจะแตกต่างจากเครื่องสายออเคสตราที่มีระดับเสียงสูงกว่า เบสบางตัวมีหมุดสำหรับปรับแต่งเสียง ที่ไม่ทำงานซึ่ง ยื่นออกมาจากด้านข้างของกล่องเพกบอกซ์ โดยเลียนแบบหมุดปรับบนเชลโลหรือไวโอลิน ^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}

ผู้ผลิตดับเบิลเบสที่มีชื่อเสียงมาจากทั่วโลกและมักแสดงถึงลักษณะประจำชาติที่หลากหลาย เครื่องดนตรีที่เป็นที่ต้องการมากที่สุด (และมีราคาแพง) มาจากอิตาลีและรวมถึงเบสที่ทำโดยGiovanni Paolo Maggini , Gasparo da Salò , ตระกูล Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Paulo Antonio), Celestino PuolottiและMatteo Goffriller เบสฝรั่งเศสและอังกฤษจากผู้ผลิตที่มีชื่อเสียงยังเป็นที่ต้องการของผู้เล่นอีกด้วย ^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}

เครื่องมือเดินทาง

ในปี 2010 ผู้ผลิตหลายรายผลิตเครื่องดนตรีสำหรับการเดินทาง ซึ่งเป็นดับเบิลเบสที่มีคุณสมบัติที่ลดขนาดของเครื่องดนตรีลง เพื่อให้เครื่องมือนั้นตรงตามข้อกำหนดการเดินทางของสายการบิน เบสสำหรับเดินทางได้รับการออกแบบสำหรับนักดนตรีที่ออกทัวร์ เบสสำหรับการเดินทางประเภทหนึ่งมีขนาดเล็กกว่าปกติมาก ในขณะที่ยังคงคุณสมบัติทั้งหมดที่จำเป็นสำหรับการเล่นไว้ แม้ว่าเครื่องดนตรีที่มีขนาดเล็กกว่าเหล่านี้จะดูเหมือนกับเบสไฟฟ้าแบบตั้งตรงแต่ความแตกต่างก็คือเบสแบบพกพาขนาดเล็กยังคงมีห้องเสียงอะคูสติกแบบกลวงที่ค่อนข้างใหญ่ ในขณะที่ EUB จำนวนมากมีลักษณะเป็นของแข็ง หรือมีเฉพาะช่องเสียงกลวงเล็กๆ เท่านั้น เบสสำหรับการเดินทางประเภทที่สองมีคอแบบบานพับหรือแบบถอดได้และมีขนาดปกติ คอแบบบานพับหรือแบบถอดได้ทำให้เครื่องมือมีขนาดเล็กลงเมื่อบรรจุเพื่อการขนส่ง

สตริง

ประวัติของดับเบิลเบสนั้นมีความเชื่อมโยงอย่างแน่นแฟ้นกับการพัฒนาเทคโนโลยีเครื่องสาย เนื่องจากเป็นการถือกำเนิดขึ้น^[12]ของเอ็นร้อยหวายแบบ Overwoundซึ่งในตอนแรกทำให้เครื่องดนตรีนี้ใช้งานได้จริงมากขึ้น เนื่องจากสตริงแบบบาดแผลหรือแบบโอเวอร์วอร์ได้โน้ตเสียงต่ำภายในขนาดโดยรวมที่เล็กกว่า เส้นผ่าศุนย์กลางกว่าเส้นเอ็นไม่พัน ^[15]ศาสตราจารย์แลร์รี เฮิร์ สท์ ให้เหตุผลว่า "มันไม่ได้เกิดขึ้นเพราะการปรากฏตัวของเอ็นร้อยหวายในทศวรรษ 1650 ดับเบิ้ลเบสนั้นคงสูญพันธุ์ไปแล้ว" ^[11]เพราะความหนาที่จำเป็นสำหรับเอ็นร้อยหวายปกติทำให้สายล่าง-เสียงต่ำแทบเล่นไม่ได้ และขัดขวางการพัฒนาของไหล การเล่นอย่างรวดเร็วในรีจิสเตอร์ล่าง

ก่อนศตวรรษที่ 20 สายดับเบิลเบสมักทำจากcatgut ; อย่างไรก็ตาม เหล็กได้เข้ามาแทนที่เป็นส่วนใหญ่ เนื่องจากสายเหล็กยึดระดับเสียงได้ดีกว่าและให้เสียงที่ดังมากขึ้นเมื่อเล่นกับคันธนู ^{[16] [17] [18]}ไส้ในยังเสี่ยงต่อการเปลี่ยนแปลงของความชื้นและอุณหภูมิ และแตกหักได้ง่ายกว่าสายเหล็ก

ทุกวันนี้ส่วนใหญ่ใช้สาย Gut string โดยเบสที่เล่นใน แนว บาโรกวงอะบิลลี วง บลูส์แบบดั้งเดิมและวงบลูแกรสส์ ในบางกรณี E และ A ที่ต่ำจะพันด้วยเงินเพื่อเพิ่มมวล สาย Gut ให้เสียงที่มืดและ "หนักแน่น" ที่ได้ยินจากการบันทึกในยุคทศวรรษที่ 1940 และ 1950 เจฟฟ์ ซาร์ลีผู้ล่วงลับไปแล้ว ซึ่งเป็นมือเบสบลูส์แบบตรงไปตรงมา กล่าวว่า "ตั้งแต่ปี 1950 พวกเขาเริ่มรีเซ็ตคอเบสของเบสสำหรับสายสตีล" ^[19] มือเบสของร็อกอะบิลลีและบลูแกรสชอบกึ๋นมากกว่าเพราะว่า "การ ตบ " ง่ายกว่ามาก" แนวเบสตั้งตรง (โดยที่สายจะตบกระทบกับฟิงเกอร์บอร์ดอย่างแรง) จะใช้เอ็นร้อยหวายมากกว่าสายเหล็กเพราะไส้ไม่เจ็บนิ้วดีดเท่า ทางเลือกที่ถูกกว่าสายไส้คือสายไนลอนยิ่งสูง สายเป็นไนลอนบริสุทธิ์ และสายล่างเป็นไนลอนพันด้วยลวด เพื่อเพิ่มมวลให้กับเชือก ชะลอการสั่นสะเทือน และอำนวยความสะดวกในระดับเสียงต่ำ

การเปลี่ยนจากไส้พุงเป็นเหล็กกล้ายังส่งผลต่อเทคนิคการเล่นเครื่องดนตรีในช่วงร้อยปีที่ผ่านมา สายเหล็กสามารถตั้งค่าให้ใกล้กับฟิงเกอร์บอร์ดมากขึ้น และนอกจากนี้ ยังสามารถเล่นสายในตำแหน่งที่สูงขึ้นบนสายล่างและยังคงให้โทนเสียงที่ชัดเจน วิธีการแบบคลาสสิกของ Franz Simandlในศตวรรษที่ 19 ไม่ได้ใช้สาย E ต่ำในตำแหน่งที่สูงกว่า เนื่องจากสตริงของลำไส้ที่เก่ากว่า ตั้งสูงเหนือฟิงเกอร์บอร์ด ไม่สามารถสร้างโทนเสียงที่ชัดเจนในตำแหน่งที่สูงกว่าเหล่านี้ อย่างไรก็ตาม สำหรับสายเหล็กที่ทันสมัย ​​นักเบสสามารถเล่นด้วยโทนเสียงที่ชัดเจนในตำแหน่งที่สูงขึ้นของสาย E และ A ระดับต่ำ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อใช้สายเหล็กที่มีเกจวัดน้ำหนักเบาและมีความตึงต่ำ

โบว์

คันธนูแบบดับเบิ้ลเบสมาในสองรูปแบบที่แตกต่างกัน (แสดงด้านล่าง) ธนู "ฝรั่งเศส" หรือ "โอเวอร์แฮนด์" มีรูปร่างและการใช้งานคล้ายกับคันธนูที่ใช้กับเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายออร์เคสตราอื่นๆ ในขณะที่คันธนู "เยอรมัน" หรือ "บัตเลอร์" มักจะกว้างกว่าและสั้นกว่า และถืออยู่ใน ตำแหน่ง "มือสั่น" (หรือ "เลื่อยเลือยตัดโลหะ")

คันธนูทั้งสองนี้มีวิธีการขยับแขนและกระจายแรงและน้ำหนักบนสายต่างกัน ผู้เสนอธนูฝรั่งเศสโต้แย้งว่าคล่องตัวกว่าเนื่องจากมุมที่ผู้เล่นถือคันธนู ผู้ให้การสนับสนุนคันธนูชาวเยอรมันอ้างว่าอนุญาตให้ผู้เล่นใช้น้ำหนักของแขนกับสายมากขึ้น อย่างไรก็ตาม ความแตกต่างระหว่างทั้งสองนั้นเป็นเพียงไม่กี่นาทีสำหรับผู้เล่นที่เชี่ยวชาญ และผู้เล่นสมัยใหม่ในวงออเคสตรารายใหญ่ใช้ธนูทั้งสองแบบ

ธนูเยอรมัน

คันธนูเยอรมัน (บางครั้งเรียกว่าคันธนูบัตเลอร์) เป็นแบบเก่าของทั้งสองแบบ การออกแบบคันธนูและลักษณะการจับถือมาจากเครื่องดนตรีประเภทไวโอลินรุ่นเก่า ก่อนที่กบ จะ มีเกลียวเพื่อขันธนูให้แน่น ผู้เล่นจะใช้สองนิ้วจับคันธนูระหว่างไม้กับผมเพื่อรักษาความตึงของเส้นผม ^[20]ผู้เสนอให้ใช้คันธนูเยอรมันอ้างว่าคันธนูเยอรมันนั้นง่ายต่อการใช้สำหรับการตีหนักที่ต้องการพลังมาก

เมื่อเทียบกับธนูฝรั่งเศส ธนูเยอรมันมีกบที่สูงกว่า และผู้เล่นถือมันโดยให้ฝ่ามือทำมุมขึ้น เช่นเดียวกับสมาชิกคนตรงของตระกูลไวโอลิน เมื่อถือไว้อย่างถูกต้องตามประเพณี นิ้วหัวแม่มือจะใช้กำลังที่จำเป็นเพื่อสร้างเสียงที่ต้องการ นิ้วชี้ตรงคันธนูตรงจุดที่กบไปชนไม้ นิ้วชี้ยังใช้แรงบิดขึ้นกับกบเมื่อเอียงคันธนู นิ้วก้อย (หรือ "ก้อย") รองรับกบจากด้านล่าง ในขณะที่นิ้วนางและนิ้วกลางวางอยู่ในช่องว่างระหว่างผมกับก้าน

ธนูฝรั่งเศส

คันธนูฝรั่งเศสไม่ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางจนกระทั่งได้รับการยอมรับจาก Giovanni Bottesiniอัจฉริยะแห่งศตวรรษที่ 19 สไตล์นี้คล้ายกับคันธนูแบบดั้งเดิมของเครื่องดนตรีตระกูลเครื่องสายที่มีขนาดเล็กกว่า ถือเสมือนว่ามือวางอยู่ข้างนักแสดงโดยให้ฝ่ามือหันไปทางเบส นิ้วหัวแม่มือวางอยู่บนก้านคันธนู ถัดจากกบ ขณะที่อีกนิ้วหนึ่งพาดไปอีกด้านหนึ่งของคันธนู รูปแบบต่างๆ กำหนดความโค้งของนิ้วและนิ้วหัวแม่มือ เช่นเดียวกับรูปแบบของชิ้นงาน ส่วนโค้งที่เด่นชัดกว่าและการยึดเกาะที่เบากว่านั้นใช้สำหรับชิ้นส่วนอัจฉริยะหรือชิ้นส่วนที่ละเอียดอ่อนกว่า ในขณะที่ส่วนโค้งที่แบนกว่าและการยึดเกาะที่แข็งแรงกว่าบนคันธนูนั้นเสียสละพลังบางส่วนเพื่อการควบคุมจังหวะที่ง่ายขึ้น เช่น การแยกออก spiccato และ staccato

โบว์ก่อสร้างและวัสดุ

คันธนูดับเบิลเบสมีความยาวแตกต่างกันไป ตั้งแต่ 60 ถึง 75 ซม. (24–30 นิ้ว) โดยทั่วไป ธนูเบสจะสั้นและหนักกว่าคันธนูเชลโล Pernambucoหรือที่รู้จักในชื่อ Brazilwood ถือได้ว่าเป็นวัสดุแท่งที่มีคุณภาพดีเยี่ยม แต่เนื่องจากความขาดแคลนและค่าใช้จ่าย วัสดุอื่นๆ จึงมีการใช้กันมากขึ้น คันธนูนักเรียนราคาถูกอาจสร้างจากไฟเบอร์กลาส แข็ง ซึ่งทำให้คันธนูมีน้ำหนักเบากว่าคันธนูไม้มาก (แม้จะเบาเกินไปที่จะให้โทนเสียงที่ดี ในบางกรณี) คันธนูสำหรับนักเรียนอาจทำจากไม้บราซิลวูดที่มีมูลค่าน้อยกว่า ไม้สเนควูดและคาร์บอนไฟเบอร์ยังใช้ในคันธนูคุณภาพต่างๆ อีกด้วย กบของธนูดับเบิลเบสมักจะทำจากไม้มะเกลือแม้ว่าช่างไม้บางคนจะใช้ เขา งู และ เขาควาย กบเคลื่อนที่ได้ เนื่องจากสามารถขันหรือคลายด้วยลูกบิดได้ (เช่นเดียวกับคันธนูตระกูลไวโอลินทั้งหมด) คันธนูจะคลายออกเมื่อสิ้นสุดการฝึกซ้อมหรือการแสดง คันธนูถูกขันให้แน่นก่อนเล่นจนกว่าจะถึงความตึงที่ผู้เล่นต้องการ กบบนคันธนูคุณภาพประดับมุกฝัง

คันธนูมีหนังหุ้มที่ส่วนไม้ของคันธนูใกล้กับกบ นอกจากการพันหนังแล้ว ยังมีการพันด้วยลวดซึ่งทำจากทอง^หรือเงิน^ในคัน^ธนูคุณภาพ ผมมักจะเป็นผมม้า ส่วนหนึ่งของการบำรุงรักษาคันธนูเป็นประจำคือการที่ธนู "ทำใหม่" โดยช่างลูเทียร์ที่ มี ผมม้าสด และเปลี่ยนการพันหนังและลวด ธนูแบบดับเบิ้ลเบสนั้นร้อยด้วยขนม้าสีขาวหรือสีดำ หรือใช้ทั้งสองแบบรวมกัน (เรียกว่า "เกลือและพริกไทย") ซึ่งต่างจากขนม้าสีขาวตามธรรมเนียมที่ใช้กับคันธนูของเครื่องสายอื่นๆ มือเบสบางคนโต้แย้งว่าผมสีดำที่หยาบกว่าเล็กน้อย "จับ" ยิ่งสายที่หนักกว่าและสายล่างได้ดีกว่า^{[ อ้างอิงจำเป็น ]}เช่นกัน นักเบสและนักเล่นแร่แปรธาตุบางคนเชื่อว่ามันง่ายกว่าที่จะสร้างเสียงที่นุ่มนวลขึ้นด้วยความหลากหลายสีขาว ^{[ อ้างอิงจำเป็น ]}ผมสีแดง (เกาลัด) ยังใช้เบสบางคน ^{[ อ้างอิงจำเป็น ]}บางส่วนของคุณภาพต่ำที่สุด ต้นทุนต่ำสุดคันธนูนักเรียนทำด้วยผมสังเคราะห์ ขนสังเคราะห์ไม่มี "หนาม" เล็กๆ แบบเดียวกับผมม้าจริง จึงไม่ "จับ" เชือกได้ดีหรือขัดสนได้ดี

ขัดสน

ผู้เล่นเครื่องสายใช้ขัดสนกับผมโบว์เพื่อให้ "จับ" สตริงและทำให้สั่น โดยทั่วไปแล้ว ขัดสนแบบดับเบิ้ลเบสจะนุ่มและเหนียวกว่าการขัดสนไวโอลิน เพื่อให้ผมจับสายที่หนาได้ดีกว่า แต่ผู้เล่นใช้ขัดสนหลากหลายประเภทตั้งแต่ค่อนข้างแข็ง (เช่น ขัดไวโอลิน) ไปจนถึงค่อนข้างนุ่ม ขึ้นอยู่กับสภาพอากาศ ความชื้นและความชอบของผู้เล่น ปริมาณที่ใช้โดยทั่วไปขึ้นอยู่กับประเภทของเพลงที่เล่นและความชอบส่วนตัวของเครื่องเล่น มือเบสอาจใช้ขัดสนในงานสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่ (เช่น ซิมโฟนีของบราห์ม) มากกว่างานแชมเบอร์ที่ละเอียดอ่อน ^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}ขัดสนบางยี่ห้อ เช่น Wiedoeft หรือ Double Bass rosin ของ Pop มีความนุ่มและมีแนวโน้มที่จะละลายในสภาพอากาศร้อน ยี่ห้ออื่นๆ เช่น Carlsson หรือ Nyman Harts double bass rosin นั้นแข็งกว่าและละลายน้อยกว่า ^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}

กลไกการผลิตเสียง

เนื่องจากมีเส้นผ่านศูนย์กลางค่อนข้างเล็ก ตัวสายจึงไม่เคลื่อนไหวในอากาศมากนัก ดังนั้นจึงไม่สามารถสร้างเสียงได้มากด้วยตัวเอง พลังงานการสั่นสะเทือนของสายจะต้องถูกถ่ายโอนไปยังอากาศโดยรอบ เมื่อต้องการทำเช่นนี้ สตริงจะสั่นสะพานและในทางกลับกันจะสั่นสะเทือนที่พื้นผิวด้านบน แอมพลิจูดที่เล็กมากแต่มีแรงแปรผันที่ค่อนข้างใหญ่ (เนื่องจากความตึงเครียดที่แปรผันในสายสั่น) ที่บริดจ์จะถูกเปลี่ยนเป็นแอมพลิจูดที่ใหญ่ขึ้นโดยการผสมผสานระหว่างบริดจ์และตัวเบส บริดจ์จะเปลี่ยนแรงสั่นสะเทือนที่มีแอมพลิจูดสูงและแรงสั่นสะเทือนขนาดเล็กเพื่อลดแรงสั่นสะเทือนของแอมพลิจูดที่สูงกว่าบนตัวเบส ด้านบนเชื่อมต่อกับด้านหลังโดยใช้เสาเสียง ด้านหลังยังสั่นสะเทือนอีกด้วยความต้านทานเสียงของอากาศ

กลไกการสร้างเสียงและโทนเสียงเฉพาะ

เนื่องจากอะคูสติกเบสเป็นเครื่องดนตรีที่ไม่มีเฟร็ต การสั่นของสายเนื่องจากการถอนหรือการโค้งคำนับจะทำให้เกิดเสียงที่ได้ยินเนื่องจากสายสั่นกับฟิงเกอร์บอร์ดใกล้กับตำแหน่งที่ใช้นิ้ว เสียงบัสนี้ทำให้โน้ตมีลักษณะเฉพาะ

สนาม

โน้ตต่ำสุดของดับเบิลเบสคือ E ₁ (บนเบสสี่สายมาตรฐาน) ที่ประมาณ 41 Hz หรือ C ₁ (≈33 Hz) หรือบางครั้ง B ₀ (≈31 Hz) เมื่อใช้ห้าสาย ค่านี้อยู่ภายในระดับอ็อกเทฟที่สูงกว่าความถี่ต่ำสุดที่หูของมนุษย์โดยเฉลี่ยสามารถรับรู้ได้ว่าเป็นระดับเสียงที่โดดเด่น ปกติช่วงบนของฟิงเกอร์บอร์ดของเครื่องดนตรีจะอยู่ใกล้ D ₅สองอ็อกเทฟและหนึ่งในห้าเหนือพิทช์เปิดของสตริง G (G ₂ ) ดังแสดงในภาพประกอบช่วงที่ส่วนหัวของบทความนี้ การเล่นเกินปลายฟิงเกอร์บอร์ดสามารถทำได้โดยการดึงสายไปด้านข้างเล็กน้อย

ท่อนซิมโฟนีแบบดับเบิ้ลเบสในบางครั้งระบุว่านักแสดงควรเล่นฮาร์โมนิก (เรียกอีกอย่างว่าเสียงแฟลกจีโอเลต ) ซึ่งมือเบสจะแตะสายเบาๆ โดยไม่ต้องกดลงบนฟิงเกอร์บอร์ดในลักษณะปกติ ในตำแหน่งของโน้ตแล้วดึงหรือโค้งคำนับ หมายเหตุ ฮาร์โมนิกโค้งคำนับใช้ในดนตรีร่วมสมัยเพื่อให้เสียงที่ "ใสเหมือนแก้ว" ทั้งฮาร์โมนิกธรรมชาติและฮาร์โมนิกเทียมโดยที่นิ้วโป้งหยุดโน้ต และอ็อกเทฟหรือฮาร์มอนิกอื่นๆ ถูกกระตุ้นโดยการแตะสายเบาๆ ที่จุดโหนดสัมพันธ์ ขยายช่วงของเครื่องดนตรีอย่างมาก ฮาร์โมนิกที่เป็นธรรมชาติและเทียมถูกนำมาใช้ในคอนแชร์โตที่มีพรสวรรค์มากมายสำหรับดับเบิ้ลเบส

วงออร์เคสตราจากละครคลาสสิก มาตรฐาน ไม่ค่อยต้องการดับเบิลเบสเกินสองอ็อกเทฟและช่วงที่สามเล็กน้อย จาก E ₁ถึง G ₃โดยมี A ₃ปรากฏในเพลงมาตรฐานเป็นครั้งคราว (ยกเว้นกฎนี้คือCarmina Burana ของ Orff ซึ่งเรียกสามอ็อกเทฟและสี่ที่สมบูรณ์แบบ) ขีดจำกัดสูงสุดของช่วงนี้ขยายออกไปอย่างมากสำหรับส่วนดนตรีออร์เคสตราของศตวรรษที่ 20 และ 21 (เช่นProkofiev 's Lieutenant Kijé Suite ( ค. 1933) โซโลเบสโซโล ซึ่งต้องการโน้ตที่สูงถึง D ₄และ E ♭ ₄ ). ช่วงบนเป็นอัจฉริยะผู้เล่นเดี่ยวสามารถบรรลุได้โดยใช้ฮาร์โมนิกที่เป็นธรรมชาติและประดิษฐ์นั้นยากต่อการกำหนด เนื่องจากมันขึ้นอยู่กับทักษะของผู้เล่นแต่ละคน ฮาร์โมนิกสูงในภาพประกอบช่วงที่พบในส่วนหัวของบทความนี้อาจใช้เป็นตัวแทนมากกว่าเชิงบรรทัดฐาน

เครื่องมือห้าสายมีสายอักขระเพิ่มเติม ซึ่งปกติปรับให้ต่ำ B ใต้สาย E (B ₀ ) อาจมีการเพิ่มสตริงที่สูงกว่าแทน โดยปรับไปที่ C เหนือสตริง G (C ₃ ) เครื่องมือสี่สายอาจมีส่วนขยาย Cซึ่งขยายช่วงของสตริง E ลงไปที่ C ₁ (บางครั้ง B ₀ )

ตามเนื้อผ้า ดับเบิลเบส เป็นเครื่องมือเปลี่ยนเสียง เนื่องจากช่วงของดับเบิลเบสส่วนใหญ่อยู่ต่ำกว่าโน๊ตเบส มาตรฐาน จึงมีการระบุไว้ว่าระดับแปดเสียงสูงกว่าเสียงเพื่อหลีกเลี่ยงการใช้บรรทัดบัญชีแยกประเภทมากเกินไปด้านล่างไม้เท้า ดังนั้น เมื่อผู้เล่นดับเบิลเบสและนักเล่นเชลโลเล่นจากส่วนเบส-เชลโลรวมกัน ดังที่ใช้ในซิมโฟนีของโมสาร์ทและไฮเดน พวกเขาจะเล่นเป็นอ็อกเทฟ โดยเบสหนึ่งอ็อกเทฟอยู่ใต้เชลโล การโยกย้ายนี้ใช้ได้แม้ในขณะที่ผู้เล่นเบสกำลังอ่านโน๊ตของเทเนอร์และเสียงแหลม(ซึ่งใช้ในการเล่นเดี่ยวและวงดนตรีบางวง) โน้ตอายุยังถูกใช้โดยนักแต่งเพลงสำหรับเชลโลและชิ้นส่วนทองเหลืองต่ำ การใช้ tenor หรือ treble clef เพื่อหลีกเลี่ยงเส้นบัญชีแยกประเภทที่มากเกินไปเหนือพนักงานเมื่อระบุช่วงบนของเครื่องมือ มีประเพณีสัญกรณ์อื่น ๆ ดนตรีเดี่ยวของอิตาลีโดยทั่วไปจะเขียนขึ้นในระดับเสียง และวิธีการ "เก่า" ของเยอรมันให้เสียงอ็อกเทฟด้านล่างโดยมีสัญกรณ์ยกเว้นในโน๊ตสาม ซึ่งเป็นเพลงที่เขียนขึ้นที่ระดับเสียง

การปรับ

การปรับจูนปกติ

โดยทั่วไปแล้ว ดับเบิลเบสจะได้รับการปรับเป็นสี่ส่วน ตรงกันข้ามกับสมาชิกคนอื่นๆ ในตระกูลเครื่องสายออร์เคสตราซึ่งปรับเป็นห้าส่วน (เช่น สายทั้งสี่ของไวโอลินมีตั้งแต่ระดับต่ำสุดไปจนถึงระดับสูงสุด: G–D–A– จ) การปรับจูนมาตรฐาน (เสียงต่ำถึงระดับสูงสุด) สำหรับเสียงเบสคือ E–A–D–G โดยเริ่มจาก E ต่ำกว่า C ระดับต่ำที่สอง ( ระดับเสียงแสดงคอนเสิร์ต ) ซึ่งจะเหมือนกับการปรับจูนมาตรฐานของกีตาร์เบส และมีค่าหนึ่งอ็อกเทฟที่ต่ำกว่าสายเสียงต่ำที่สุดสี่สายของการจูนกีตาร์มาตรฐาน ก่อนศตวรรษที่ 19 ดับเบิลเบสจำนวนมากมีเพียงสามสายเท่านั้น "จิโอวานนี บอตเตซินี (พ.ศ. 2364-2432) ชอบเครื่องดนตรีสามสายที่ได้รับความนิยมในอิตาลีในขณะนั้น", ^[11]เพราะ "เครื่องสามสาย [ถูกมองว่า] เป็นเสียงที่ดังกว่า" ^[21] วงดนตรี โคบลาหลายวงในคาตาโลเนียยังคงมีผู้เล่นที่ใช้เบสสามสายแบบดั้งเดิมที่ปรับแต่ง A–D–G ^[22]

ตลอดทั้ง เพลง คลาสสิกมีโน้ตที่อยู่ต่ำกว่าช่วงของดับเบิลเบสมาตรฐาน โน้ตที่อยู่ต่ำกว่า E ต่ำจะปรากฏเป็นประจำในส่วนดับเบิลเบสที่พบในการเรียบเรียงและการตีความดนตรีบาโรก ใน ภายหลัง ใน ยุค คลาสสิกดับเบิลเบสโดยทั่วไปจะเพิ่มส่วนเชลโลเป็นสองเท่าของอ็อกเทฟด้านล่าง บางครั้งต้องลดระดับลงไปที่ C ต่ำกว่า E ของดับเบิลเบสสี่สาย ใน ยุค โรแมนติกและศตวรรษที่ 20 คีตกวีเช่นWagner , Mahler , BusoniและProkofievก็ขอโน้ตที่อยู่ต่ำกว่า E.

มีหลายวิธีในการทำให้บันทึกเหล่านี้พร้อมใช้งานสำหรับผู้เล่น ผู้เล่นที่มีดับเบิลเบสมาตรฐาน (E–A–D–G) อาจเล่นโน้ตที่อยู่ใต้ "E" ที่สูงกว่าระดับอ็อกเทฟ หรือหากฟังดูไม่เป็นธรรมชาติ บททั้งหมดอาจถูกเปลี่ยนเป็นอ็อกเทฟ ผู้เล่นอาจปรับสาย E ต่ำลงไปเป็นโน้ตต่ำสุดที่ต้องการในเพลง: D หรือ C เบสสี่สายอาจพอดีกับ "ส่วนขยาย Low-C" ( ดูด้านล่าง ) หรือผู้เล่นอาจใช้เครื่องดนตรีห้าสายโดยมีสายล่างเพิ่มเติมที่ปรับเป็น C หรือ (โดยทั่วไปในยุคปัจจุบัน) B, สามอ็อกเทฟและครึ่งเสียงใต้กลางC วงออเคสตรายุโรปรายใหญ่หลายวงใช้เบสกับสายที่ห้า ^[23]

นามสกุล C

ผู้เล่นออร์เคสตรามืออาชีพส่วนใหญ่ใช้เบสดับเบิลเบสสี่สายพร้อมนามสกุลC นี่คือส่วนพิเศษของฟิงเกอร์บอร์ดที่ติดตั้งบนหัวเบส มันขยายฟิงเกอร์บอร์ดใต้สตริงที่ต่ำที่สุดและให้ช่วงเสียงลงอีกสี่ครึ่งเสียง สตริงที่ต่ำที่สุดมักจะถูกปรับลงไปที่ C ₁ซึ่งเป็นอ็อกเทฟที่ต่ำกว่าโน้ตที่ต่ำที่สุดในเชลโล ไม่ค่อยมีสายนี้อาจถูกปรับให้ต่ำเป็น B ₀เนื่องจากมีงานไม่กี่ชิ้นในเพลงออร์เคสตราเรียก B เช่นRespighi 's The Pines of Rome. ในบางกรณีซึ่งเกิดขึ้นไม่บ่อยนัก ผู้เล่นบางคนมีนามสกุล B ต่ำ ซึ่งมี B เป็นโน้ตที่ต่ำที่สุด ส่วนขยายมีหลายประเภท:

ในส่วนต่อขยายทางกลไกแบบธรรมดาที่สุด ไม่มีอุปกรณ์ช่วยเชิงกลติดอยู่กับส่วนต่อขยายของแป้นวางนิ้ว ยกเว้นน็อตล็อคหรือ "ประตู" สำหรับ E note ในการเล่นโน้ตต่อขยาย เครื่องเล่นจะเอื้อมกลับไปเหนือพื้นที่ใต้สกรอลล์เพื่อกดสตริงไปที่ฟิงเกอร์บอร์ด ข้อดีของการขยาย "นิ้ว" นี้คือผู้เล่นสามารถปรับเสียงสูงต่ำของบันทึกย่อที่หยุด ทั้งหมด บนส่วนขยาย และไม่มีเสียงกลไกจากปุ่มโลหะและคันโยก ข้อเสียของการขยาย "นิ้ว" คือเป็นการยากที่จะดำเนินการสลับอย่างรวดเร็วระหว่างโน้ตต่ำบนส่วนขยายและโน้ตบนฟิงเกอร์บอร์ดปกติ เช่น เบสไลน์ที่สลับอย่างรวดเร็วระหว่าง G 1 _และ D ₁

กลไกช่วยที่ง่ายที่สุดคือการใช้ "นิ้ว" หรือ "ประตู" ที่ทำจากไม้ซึ่งสามารถปิดเพื่อกดเชือกลงและทำให้โน้ต C ♯ , D, E ♭หรือ E หงุดหงิด ระบบนี้มีประโยชน์อย่างยิ่งสำหรับเบสไลน์ที่มีจุดเหยียบ ซ้ำ เช่น ดีต่ำ เพราะเมื่อโน้ตถูกล็อคเข้าที่ด้วยนิ้วกล สตริงที่ต่ำที่สุดจะส่งเสียงโน้ตที่แตกต่างออกไปเมื่อเปิดเล่น

กลไกช่วยที่ซับซ้อนที่สุดสำหรับใช้กับส่วนต่อขยายคือระบบคันโยกแบบกลไกที่มีชื่อเล่นว่าเครื่อง ระบบคันโยกนี้ ซึ่งมีลักษณะผิวเผินคล้ายกับกลไกการกดคีย์ของเครื่องดนตรีกก เช่น บาสซูน ติดตั้งคันโยกข้างฟิงเกอร์บอร์ดปกติ (ใกล้น็อต ด้าน E-string) ซึ่งเปิดใช้งาน "นิ้ว" โลหะบนฟิงเกอร์บอร์ดส่วนขยายจากระยะไกล ระบบคันโยกโลหะที่แพงที่สุดยังทำให้ผู้เล่นสามารถ "ล็อก" โน้ตบนฟิงเกอร์บอร์ดที่ขยายได้ เช่นเดียวกับระบบ "นิ้ว" ที่ทำจากไม้ ข้อวิจารณ์ประการหนึ่งของอุปกรณ์เหล่านี้คืออาจนำไปสู่เสียงคลิกโลหะที่ไม่ต้องการ

เมื่อ "นิ้ว" เชิงกลของส่วนต่อขยายของ "นิ้ว" ทำด้วยไม้หรือส่วนต่อขยายของเครื่องจักร "นิ้ว" ที่เป็นโลหะถูกล็อคหรือกดลง การปรับพิทช์ระดับไมโครโทนหรือ เอฟเฟกต์ glissando นั้นไม่ใช่เรื่องง่าย เท่าที่จะทำได้ด้วยการขยายด้วยนิ้วมือ

ในขณะที่นามสกุลที่พบบ่อยที่สุดคือนามสกุล C ในบางกรณี เจ้าของเบสห้าสายซึ่งปกติสายต่ำสุดจะเป็นต่ำ B ₀อาจใช้นามสกุลสองเซมิโทนโดยให้ A ต่ำหรือ นามสกุล G ต่ำที่หายากมาก

การปรับแต่งอื่นๆ

ผู้เล่นเบสจำนวนน้อยจะปรับสายในห้าส่วนเช่น เชลโลแต่ออคเทฟต่ำกว่า (C ₁ –G ₁ –D ₂ –A ₂ต่ำไปสูง) การปรับนี้ถูกใช้โดยผู้เล่นแจ๊สRed Mitchell และถูกใช้โดยผู้เล่นคลาสสิกบางคน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Joel Quarringtonมือเบสชาวแคนาดา ผู้สนับสนุนการปรับเสียงเบสในห้าส่วนชี้ให้เห็นว่าสายออร์เคสตราอื่นๆ ทั้งหมดได้รับการปรับเป็นห้าส่วน (ไวโอลิน วิโอลา และเชลโล) ดังนั้นจึงทำให้เบสอยู่ในแนวทางการปรับจูนแบบเดียวกัน การจูนครั้งที่ห้าให้ช่วงเสียงเบสที่กว้างกว่าเบส E–A–D–G มาตรฐานสำหรับนักเล่นเบส เนื่องจากจะมีช่วง (ไม่มีส่วนขยาย) ตั้งแต่ C ₁ถึง A ₂. ผู้เล่นบางคนที่ใช้การปรับเสียงที่ห้าและเล่นเบสแบบห้าสายจะใช้สาย E ₃ สูงเพิ่มเติม (ดังนั้น จากต่ำสุดไปสูงสุด: C–G–D–A–E) มือเบสที่ปรับจูนเสียงที่ห้าบางคนที่มีเครื่องสายเพียงสี่เครื่องและผู้ที่ส่วนใหญ่แสดงผลงานเดี่ยวจะใช้การจูน G–D–A–E ดังนั้นจึงละเว้นสาย C ต่ำ แต่ได้ E สูง นักเบสที่ปรับจูนคนที่ห้าบางคนใช้ห้า- สตริงใช้เครื่องมือมาตราส่วนขนาดเล็ก ทำให้นิ้วค่อนข้างง่าย ตำรา Berlioz–Strauss ว่า ด้วยเครื่องมือวัด (ตีพิมพ์ครั้งแรกในปี 2387) ระบุว่า "วงออเคสตราที่ดีควรมีดับเบิลเบสสี่สายหลายอัน บางอันปรับเป็นห้าส่วนและสามส่วน" หนังสือจะแสดงการปรับ E ₁ –G ₁ –D ₂ –A ₂) จากล่างขึ้นบน "เมื่อใช้ร่วมกับดับเบิลเบสตัวอื่นๆ ที่ปรับเป็นสี่ส่วน จะสามารถใช้สตริงแบบเปิดร่วมกันได้ ซึ่งจะช่วยเพิ่มความไพเราะของวงออเคสตราได้อย่างมาก" อย่างไรก็ตาม ดับเบิลเบสแบบหกสายสามารถปรับได้ในห้าส่วน (C ₁ –G ₁ –D ₂ –A ₂ –E ₃ –B ₃ ) ซึ่งเป็นช่วงที่กว้างกว่ามาก ^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}

ในการเล่นเดี่ยวแบบคลาสสิก ดับเบิลเบสมักจะปรับโทนเสียงให้สูงขึ้น (F ♯ ₁ –B ₁ –E ₂ –A ₂ ) การปรับจูนที่สูงขึ้นนี้เรียกว่า "การปรับจูนเดี่ยว" ในขณะที่การปรับจูนแบบปกติเรียกว่า "การปรับจูนแบบออร์เคสตรา" สตริงการจูนโซโลโดยทั่วไปจะบางกว่าสตริงปกติ ความตึงของสายมีความแตกต่างกันมากระหว่างการปรับจูนเดี่ยวและออเคสตรา ซึ่งมักจะใช้ชุดสายที่แตกต่างกันซึ่งมีเกจที่เบากว่า เครื่องสายมีป้ายกำกับเสมอสำหรับการจูนเดี่ยวหรือออเคสตรา และเพลงโซโล่ที่เผยแพร่จะถูกจัดเรียงสำหรับการจูนเดี่ยวหรือออเคสตรา โซโลและคอนแชร์ติยอดนิยมบางเพลง เช่นKoussevitsky Concertoมีทั้งแบบเดี่ยวและแบบออเคสตร้า สตริงการปรับจูนโซโลสามารถจูนโทนเสียงเพื่อเล่นในสนามออร์เคสตราได้ แต่สตริงมักจะขาดการฉายภาพในการจูนออเคสตราและระดับเสียงอาจไม่เสถียร

คีตกวีร่วมสมัยบางคนระบุscordatura ที่มีความเชี่ยวชาญสูง (ตั้งใจเปลี่ยนการปรับแต่งของสตริงที่เปิดอยู่) การเปลี่ยนระดับเสียงของสายเปิดทำให้มีโน้ตต่างๆ เป็นจุดเหยียบและฮาร์โมนิก ตัวอย่างเช่น Berioขอให้ผู้เล่นปรับสาย E ₁ –G ♯ ₁ –D ₂ –G ₂ในSequenza XIVbและScelsiขอทั้ง F ₁ –A ₁ –D ₂ –E ₂และ F ₁ –A ₁ – F ₂ –E ₂ในNuits. ^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}การปรับจูนเดี่ยวรูปแบบอื่นและรูปแบบที่ใช้กันน้อยกว่ามากที่ใช้ในประเทศยุโรปตะวันออกบางประเทศคือ (A ₁ –D ₂ –G ₂ –C ₃ ) ซึ่งละเว้นสตริง E ต่ำจากการปรับแต่งออร์เคสตราแล้วเพิ่ม สายซีสูง มือเบสที่มีเบสแบบห้าสายบางคนใช้สาย C ₃ สูง เป็นสายที่ห้า แทนที่จะใช้สาย B _{0 ต่ำ} การเพิ่มสตริง C สูงช่วยอำนวยความสะดวกในการแสดงละครเดี่ยวด้วย tessitura (ช่วง) สูง อีกทางเลือกหนึ่งคือใช้ทั้งนามสกุล C ต่ำ (หรือ B ต่ำ) และสตริง C สูง

ห้าสาย

เมื่อเลือกเบสที่มีสตริงที่ห้า ผู้เล่นอาจตัดสินใจเพิ่มสตริงที่มีเสียงสูง (สตริง C สูง) หรือสตริงที่มีระดับเสียงต่ำ (โดยทั่วไปคือ B ต่ำ) เครื่องดนตรีหกสายกำลังกลับมาเป็นที่นิยมอีกครั้งหลังจากการอัพเดทหลายครั้ง เพื่อรองรับสายที่ห้าเพิ่มเติม ฟิงเกอร์บอร์ดมักจะกว้างขึ้นเล็กน้อย และส่วนบนหนาขึ้นเล็กน้อย เพื่อรองรับความตึงเครียดที่เพิ่มขึ้น เบสห้าสายส่วนใหญ่จึงมีขนาดใหญ่กว่าเบสสี่สายมาตรฐาน เครื่องดนตรีห้าสายบางเครื่องถูกแปลงเป็นเครื่องสี่สาย เนื่องจากสิ่งเหล่านี้ไม่มีฟิงเกอร์บอร์ดที่กว้างกว่า ผู้เล่นบางคนจึงพบว่านิ้วและโค้งคำนับยากกว่า เบสสี่สายที่แปลงแล้วมักต้องการสายที่หนาขึ้นหรือเบากว่าเพื่อชดเชยความตึงเครียดที่เพิ่มขึ้น

หกสาย

ดับเบิลเบสแบบหกสายมีทั้งแบบ High C และแบบ Low B ทำให้มีประโยชน์มาก และใช้งานได้จริงมากขึ้นหลังจากอัปเดตหลายครั้ง เหมาะอย่างยิ่งสำหรับการเล่นเดี่ยวและออเคสตรา เพราะมีช่วงที่สามารถเล่นได้มากกว่า หลายคนทำสิ่งนี้สำเร็จด้วย ไวโอลินหกสายโดยวางสายด้วยสายดับเบิลเบสทำให้การจูนB ₀ –E ₁ –A ₁ –D ₂ –G ₂ –C ₃

การพิจารณาการเล่นและประสิทธิภาพ

ตำแหน่งลำตัวและมือ

มือเบสคู่จะยืนหรือนั่งเล่นเครื่องดนตรีก็ได้ ความสูงของเครื่องดนตรีถูกกำหนดโดยการปรับปลายพินเพื่อให้ผู้เล่นสามารถเข้าถึงโซนการเล่นที่ต้องการของสายด้วยธนูหรือมือดีด นักเล่นเบสที่ยืนและโค้งคำนับบางครั้งวางปลายเข็มโดยจัดนิ้วแรกให้อยู่ในตำแหน่งแรกหรือครึ่งเดียวกับระดับสายตา แม้ว่าจะมีมาตรฐานเพียงเล็กน้อยในเรื่องนี้ ผู้เล่นที่นั่งมักจะใช้เก้าอี้ประมาณความสูงของกางเกงของผู้เล่นความยาว inseam

ตามเนื้อผ้า มือเบสคู่จะยืนเล่นเดี่ยวและนั่งเล่นในวงออเคสตราหรือโอเปร่า ตอนนี้ เป็นเรื่องปกติที่ผู้เล่นจะเชี่ยวชาญทั้งสองตำแหน่งเท่ากัน ดังนั้นศิลปินเดี่ยวบางคนจึงนั่ง (เช่นเดียวกับJoel Quarrington , Jeff Bradetich , Thierry Barbé และคนอื่นๆ) และมือเบสออเคสตราบางคนก็ยืนขึ้น

เมื่อเล่นในช่วงบนของเครื่องดนตรี (เหนือ G ₃ , G ต่ำกว่า C กลาง) ผู้เล่นจะเลื่อนมือจากด้านหลังคอและทำให้แบนออก โดยใช้นิ้วโป้งกดสาย เทคนิคนี้-ใช้กับเชลโลด้วย-เรียกว่า ตำแหน่ง นิ้วหัวแม่มือ ขณะเล่นในตำแหน่งนิ้วโป้ง ผู้เล่นเพียงไม่กี่คนใช้นิ้วที่สี่ (นิ้วก้อย) เนื่องจากโดยปกติแล้วจะอ่อนเกินไปที่จะสร้างโทนเสียงที่เชื่อถือได้ (ซึ่งก็จริงสำหรับนักเล่นเชลโล่ด้วย) แม้ว่าอาจต้องใช้คอร์ดที่รุนแรงหรือเทคนิคที่ขยายออกไป โดยเฉพาะอย่างยิ่งในดนตรีร่วมสมัย การใช้งาน

การพิจารณาทางกายภาพ

สไตล์ร็อกอะบิลลีสามารถเรียกร้องได้มากในมือถอนขน เนื่องจากการใช้ "ตบ" ของอะบิลลีบนฟิงเกอร์บอร์ด การแสดงเสียงเบสอาจต้องใช้กำลังกาย เนื่องจากสายมีความตึงเครียดค่อนข้างสูง นอกจากนี้ ช่องว่างระหว่างโน้ตบนฟิงเกอร์บอร์ดมีขนาดใหญ่ เนื่องจากความยาวของสเกลและระยะห่างระหว่างสตริง ดังนั้นผู้เล่นต้องแยกนิ้วออกจากกันเพื่อให้โน้ตอยู่ในตำแหน่งด้านล่างและเปลี่ยนตำแหน่งบ่อยๆ เพื่อเล่นเบสไลน์ เช่นเดียวกับเครื่องสายแบบ ไม่มีเฟรตนักแสดงต้องเรียนรู้การวางนิ้วอย่างแม่นยำเพื่อสร้างระดับเสียงที่ถูกต้อง สำหรับมือเบสที่มีแขนสั้นหรือมือที่เล็กกว่า ช่องว่างขนาดใหญ่ระหว่างระดับเสียงอาจเป็นความท้าทายที่สำคัญ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงต่ำสุดที่ช่องว่างระหว่างโน้ตที่ใหญ่ที่สุด อย่างไรก็ตาม การใช้เทคนิคการเล่นที่เพิ่มขึ้น เช่น ตำแหน่งนิ้วโป้งและการดัดแปลงเบส เช่น การใช้สายวัดที่เบากว่าที่ระดับความตึงต่ำ ได้ช่วยลดความยากในการเล่นเครื่องดนตรี

ส่วนเสียงเบสมีทางผ่านที่ค่อนข้างเร็ว ดับเบิ้ลสต็อป หรือกระโดดได้มากในระยะ ชิ้นส่วนเหล่านี้มักจะมอบให้กับส่วนเชลโล เนื่องจากเชลโลเป็นเครื่องมือที่มีขนาดเล็กกว่าซึ่งเทคนิคเหล่านี้ทำได้ง่ายกว่า

จนถึงปี 1990 ดับเบิลเบสไซส์เด็กยังไม่มีจำหน่ายอย่างแพร่หลาย และเบสขนาดใหญ่ก็ป้องกันเด็กไม่ให้เล่นเครื่องดนตรีนี้จนโตจนมีส่วนสูงและขนาดมือที่อนุญาตให้เล่นโมเดลขนาด3 ⁄ 4 ขนาดได้ ( ขนาดทั่วไป) เริ่มตั้งแต่ปี 1990 เครื่องมือขนาดเล็กกว่า1 ⁄ 2 , 1 ⁄ 4 , 1 ⁄ 8และแม้แต่ ขนาด 1 ⁄ 16ก็มีจำหน่ายในวงกว้างมากขึ้น ดังนั้นเด็กๆ จึงเริ่มอายุน้อยกว่าได้

เล่ม

แม้จะมีขนาดของเครื่องดนตรี แต่ก็ไม่ดังเท่ากับเครื่องดนตรีอื่น ๆ เนื่องจากมีระดับเสียงต่ำ ในวงออเคสตราขนาดใหญ่ นักเล่นเบสระหว่างสี่ถึงแปดคนจะเล่นเบสไลน์เดียวกันโดยพร้อมเพรียงกันเพื่อให้ได้เสียงที่เพียงพอ ในวงออเคสตราที่ใหญ่ที่สุด ส่วนเบสอาจมีผู้เล่นมากถึงสิบหรือสิบสองคน แต่ข้อจำกัดด้านงบประมาณที่ทันสมัยทำให้ส่วนเบสมีขนาดใหญ่ผิดปกติ

เมื่อเขียนท่อนโซโลสำหรับเบสในดนตรีออร์เคสตราหรือแชมเบอร์ นักแต่งเพลงมักจะตรวจสอบให้แน่ใจว่าการเรียบเรียงนั้นเบา ดังนั้นจึงไม่บดบังเสียงเบส แม้ไม่ค่อยได้ใช้การขยายเสียงในดนตรีคลาสสิก ในบางกรณีที่นักเล่นเดี่ยวเบสแสดงคอนแชร์โตที่มีวงออเคสตราเต็มรูปแบบอาจใช้ การขยายเสียงแบบละเอียดที่เรียกว่า การเพิ่มประสิทธิภาพ ทางเสียง การใช้ไมโครโฟนและแอมพลิฟายเออร์ในสภาพแวดล้อมแบบคลาสสิกทำให้เกิดการโต้เถียงกันในชุมชนคลาสสิก เนื่องจาก "...นักปราชญ์ยืนยันว่าเสียงอะคูสติกที่เป็นธรรมชาติของเสียง [คลาสสิก] [หรือ] เครื่องมือในห้องโถงที่กำหนดไม่ควรเปลี่ยนแปลง" ^[24]

ในหลายประเภท เช่นแจ๊สและบลูส์ผู้เล่นใช้การขยายเสียงผ่านเครื่องขยายเสียงและลำโพงเฉพาะทาง ปิ๊กอัพแบบเพียโซอิเล็กทริกเชื่อมต่อกับแอมพลิฟายเออร์ด้วยสายแพตช์ขนาด1 ⁄ 4นิ้ว ผู้เล่นบลูแกรสและแจ๊สมักใช้การขยายเสียงน้อยกว่าผู้เล่นบลูส์, ไซโคบิลลี หรือแจมแบนด์ ในกรณีหลังนี้ ระดับเสียงโดยรวมที่สูงจากแอมพลิฟายเออร์และอุปกรณ์อื่นๆ อาจทำให้เกิด การ ตอบสนองทางเสียง ที่ไม่ต้องการ ซึ่งเป็นปัญหาที่เกิดขึ้นจากพื้นที่ผิวขนาดใหญ่และระดับเสียงภายในของเบส ปัญหาการป้อนกลับได้นำไปสู่การแก้ไขทางเทคโนโลยี เช่น อุปกรณ์กำจัดความคิดเห็นทางอิเล็กทรอนิกส์ (โดยพื้นฐานแล้วคือตัวกรองรอยบาก อัตโนมัติ)ที่ระบุและลดความถี่ที่เกิดการตอบสนอง) และเครื่องดนตรีต่างๆ เช่นเบสไฟฟ้าแบบตั้งตรงซึ่งมีลักษณะการเล่นเช่น ดับเบิลเบส แต่โดยปกติแล้วจะมีกล่องเสียงเพียงเล็กน้อยหรือไม่มีเลย ซึ่งทำให้การป้อนกลับมีโอกาสน้อยลง มือเบสบางคนลดปัญหาการป้อนกลับโดยลดระดับเสียงบนเวทีหรือเล่นให้ห่างจากลำโพงแอมป์เบส

ในเพลงร็อกอะบิลลีและโรคจิต การตบสายกระทบกับฟิงเกอร์บอร์ดเป็นส่วนสำคัญของสไตล์การเล่นเบส เนื่องจากปิ๊กอัพเพียโซอิเล็กทริกนั้นไม่สามารถสร้างเสียงของสายที่ตบกับฟิงเกอร์บอร์ดได้ดีนัก มือเบสในแนวเพลงเหล่านี้มักจะใช้ทั้งปิ๊กอัพเพียโซอิเล็กทริก (สำหรับโทนเสียงเบสต่ำ) และไมค์คอนเดนเซอร์ ขนาดเล็ก (เพื่อรับเสียงกระทบกระแทก) สัญญาณทั้งสองนี้จะผสมเข้าด้วยกันโดยใช้เครื่องผสม แบบธรรมดา ก่อนที่สัญญาณจะถูกส่งไปยังเครื่องขยายเสียงเบส

การคมนาคม

ขนาดที่ใหญ่ของดับเบิลเบสและความเปราะบางที่สัมพันธ์กันทำให้การจัดการและการขนส่งยุ่งยาก มือเบสส่วนใหญ่ใช้ซอฟเคสที่เรียกว่าถุงกิ๊กเพื่อปกป้องเครื่องดนตรีระหว่างการขนส่ง มีตั้งแต่เคสแบบบางและราคาไม่แพงที่นักเรียนใช้ (ซึ่งป้องกันเฉพาะรอยขีดข่วนและฝน) ไปจนถึงรุ่นบุนวมอย่างหนาสำหรับผู้เล่นมืออาชีพ ซึ่งยังป้องกันการกระแทกและแรงกระแทกอีกด้วย มือเบสบางคนถือคันธนูไว้ในกระเป๋าทรงแข็ง เคสเบสที่มีราคาแพงกว่าจะมีกระเป๋าขนาดใหญ่สำหรับใส่เคสโบว์ ผู้เล่นอาจใช้เกวียนขนาดเล็กและปลายล้อที่ติดหมุดเพื่อขยับเบส เคสบุนวมราคาสูงกว่าบางรุ่นมีล้อติดอยู่กับเคส อีกทางเลือกหนึ่งที่พบในกล่องบุนวมที่มีราคาสูงกว่าคือสายสะพายเป้ เพื่อให้ง่ายต่อการพกพาเครื่องมือ

เคสสำหรับเครื่องบินแบบแข็งมีการตกแต่งภายในที่กันกระแทกและด้านนอกที่แข็งแกร่งของคาร์บอนไฟเบอร์กราไฟต์ไฟเบอร์กลาสหรือเคฟลาร์ ค่าใช้จ่ายของเคสแข็งที่ดี - หลายพันดอลลาร์สหรัฐ - และค่าธรรมเนียมสายการบินที่สูงสำหรับการขนส่งมีแนวโน้มที่จะ จำกัด การใช้งานของพวกเขาสำหรับมืออาชีพด้านการเดินทาง

อุปกรณ์เสริม

ผู้เล่นดับเบิลเบสใช้อุปกรณ์เสริมต่างๆ เพื่อช่วยในการแสดงและฝึกซ้อม ดนตรีออร์ เคส ตราใช้ มิวท์ สามประเภท: มิวท์ไม้ที่เลื่อนขึ้นบนสะพาน, มิวท์ยางที่ยึดติดกับสะพาน และอุปกรณ์ลวดที่มีน้ำหนักทองเหลืองที่พอดีกับสะพาน ผู้เล่นใช้การปิดเสียงเมื่อคำสั่งภาษาอิตาลีcon sordino ("with mute") ปรากฏขึ้นในส่วนเบส และเอาออกเพื่อตอบสนองต่อคำสั่งsenza sordino ("ไม่มีการปิดเสียง") เมื่อปิดเสียง โทนเสียงเบสจะเบาลง เข้มขึ้น และมืดลง ส่วนเสียงเบสที่โค้งคำนับที่มีการปิดเสียงอาจมีเสียงจมูก ผู้เล่นใช้การปิดเสียงประเภทที่สาม ซึ่งเป็นการปิดเสียงแบบยางหนัก เพื่อฝึกซ้อมอย่างเงียบ ๆ โดยไม่รบกวนผู้อื่น (เช่น ในห้องของโรงแรม)

ด้ามธนูเป็นอุปกรณ์เสริมสำหรับจับคันธนู มักทำจากหนังและยึดติดกับสะพานและส่วนท้ายด้วยสายรัดหรือสายรัด ใช้สำหรับถือคันธนูในขณะที่ผู้เล่นเล่นชิ้นส่วนพิซซ่า

เครื่อง กำจัด โทนเสียงหมาป่าใช้เพื่อลดแรงสั่นสะเทือนที่ไม่ต้องการในส่วนของสตริงระหว่างสะพานและส่วนท้าย ซึ่งอาจทำให้เกิดปัญหาด้านเสียงสำหรับโน้ตบางตัว เป็นท่อยางตัดด้านข้างที่ใช้กับปลอกโลหะทรงกระบอกซึ่งมีช่องด้านข้างด้วย กระบอกโลหะมีสกรูและน็อตที่ยึดอุปกรณ์กับสาย ตำแหน่งต่าง ๆ ของกระบอกสูบตามอิทธิพลของสตริงหรือกำจัดความถี่ที่เกิดเสียงหมาป่า โดยพื้นฐานแล้วมันคือตัวลดทอนที่เปลี่ยนความถี่ธรรมชาติของสาย (และ/หรือตัวอุปกรณ์) เล็กน้อยเพื่อลดเสียงก้อง ^[25]เสียงหมาป่าเกิดขึ้นเพราะบางครั้งสตริงที่อยู่ด้านล่างสะพานจะสะท้อนที่ระดับเสียงใกล้กับโน้ตในส่วนที่เล่นของสตริง เมื่อโน้ตที่ตั้งใจทำให้สตริงด้านล่างสะพานสั่นอย่างเห็นอกเห็นใจ อาจเกิด "โน้ตหมาป่า" หรือ "เสียงหมาป่า" ที่ไม่ลงรอยกัน ในบางกรณี เสียงของหมาป่าก็แรงพอที่จะทำให้เกิดเสียง "ตี" ที่ได้ยินได้ โทนหมาป่ามักเกิดขึ้นกับโน้ต G ♯บนเบส ^{[26] [27]}

ในวงออเคสตรา เครื่องดนตรีจะปรับเป็น A ที่บรรเลงโดยโอบอย เนื่องจากช่องว่างสามอ็อกเทฟระหว่างการปรับจูน A ของ Oboist และสตริง A แบบเปิดบนเบส (เช่น ในวงออเคสตราที่ปรับเป็น440 Hzนักโอโบอิสต์จะเล่น A ₄ที่ 440 Hz และเปิด A ₁ของเสียงเบสคือ 55 Hz) การปรับเสียงเบสด้วยหูอาจทำได้ยากในช่วงเวลาสั้นๆ ที่โอบอยส์เล่นโน้ตจูน ในทางกลับกัน นักไวโอลินจะปรับสาย A ให้เป็นความถี่เดียวกับโน้ตปรับแต่งของ Oboist มีวิธีการที่ใช้กันทั่วไปในการปรับแต่งดับเบิลเบสในบริบทนี้โดยการเล่นฮาร์โมนิก A บนสตริง D (ซึ่งเป็นอ็อกเทฟที่อยู่ใต้โอโบ A เท่านั้น) จากนั้นจึงจับคู่ฮาร์โมนิกของสตริงอื่นๆ อย่างไรก็ตาม วิธีนี้ไม่สามารถป้องกันได้ เนื่องจากฮาร์โมนิกของเบสบางตัวไม่สอดคล้องกับสายเปิดอย่างสมบูรณ์ เพื่อให้แน่ใจว่าเสียงเบสอยู่ในแนวที่ถูกต้อง นักเล่นเบสบางคนใช้จูนเนอร์อิเล็กทรอนิกส์ที่ระบุระดับเสียงบนจอแสดงผลขนาดเล็ก มือเบสที่เล่นในสไตล์ที่ใช้แอมป์เบสเช่น บลูส์ ร็อกอะบิลลี หรือแจ๊ส อาจใช้ ก้อนสต็อมป์ บ็ อกซ์- ฟอร์แมตจูนเนอร์อิเล็กทรอนิกส์ซึ่งปิดเสียงปิ๊กอัพเบสในระหว่างการจูน

ขาตั้งดับเบิลเบสใช้เพื่อยึดเครื่องดนตรีให้เข้าที่และยกให้สูงจากพื้นไม่กี่นิ้ว มีขาตั้งให้เลือกหลากหลาย และไม่มีการออกแบบทั่วไป

ละครคลาสสิก

โซโลทำงานให้กับดับเบิ้ลเบส

ค.ศ. 1700

ดับเบิลเบสในฐานะเครื่องดนตรีโซโลได้รับความนิยมในช่วงศตวรรษที่ 18 และนักประพันธ์เพลงที่โด่งดังที่สุดหลายคนจากยุคนั้นได้แต่งเพลงสำหรับดับเบิลเบส ดับเบิลเบส ซึ่งมักเรียกกันว่าไวโอโลนใช้การปรับจูนที่แตกต่างกันไปในแต่ละภูมิภาค "การจูนแบบเวียนนา" (A ₁ –D ₂ –F ♯ ₂ –A ₂ ) ได้รับความนิยม และในบางกรณีก็มีการเพิ่มสตริงที่ห้าหรือสตริงที่หก (F ₁ –A ₁ –D ₂ –F ♯ ₂ –A ₂ ) ). ^[28]ความนิยมของเครื่องดนตรีได้รับการบันทึกไว้ในLeopold MozartViolinschule ฉบับที่ 2 ของเขา ซึ่งเขาเขียนว่า "ใครก็ตามสามารถนำเสนอข้อความที่ยากๆ ได้ง่ายขึ้นด้วยไวโอโลนห้าสาย และฉันได้ยินการแสดงที่สวยงามผิดปกติของคอนแชร์โต ทริโอ โซโล ฯลฯ"

คอนแชร์โต้ที่รู้จักกันเร็วที่สุดสำหรับดับเบิลเบสเขียนโดยJoseph Haydn c. พ.ศ. 2306 และสันนิษฐานว่าสูญหายในกองไฟที่ห้องสมุดไอเซนชตัดท์ คอนแชร์โตที่รู้จักกันเร็วที่สุดคือCarl Ditters von Dittersdorfผู้แต่งคอนแชร์โตสองรายการสำหรับดับเบิลเบสและSinfonia Concertanteสำหรับวิโอลาและดับเบิลเบส คีตกวีคนอื่นๆ ที่เขียนคอนแชร์โตจากยุคนี้ ได้แก่Johann Baptist Vanhal , Franz Anton Hoffmeister (3 concertos), Leopold Kozeluch , Anton Zimmermann , Antonio Capuzzi , Wenzel Pichl (2 concertos) และJohannes Matthias Sperger(18 คอนแชร์โต). แม้ว่าชื่อเหล่านี้หลายชื่อจะนำบุคคลที่มีชื่อเสียงมาสู่วงการเพลงในสมัยนั้น เพลง สำหรับแสดงคอนเสิร์ตของWolfgang Amadeus Mozart , Per Questa Bella Mano , K.612 สำหรับเบส, ดับเบิลเบสobbligatoและวงออเคสตรามีงานเขียนที่น่าประทับใจสำหรับโซโลดับเบิลเบสในยุคนั้น ยังคงได้รับความนิยมในหมู่ทั้งนักร้องและมือเบสในปัจจุบัน

ในที่สุดดับเบิ้ลเบสก็พัฒนาขึ้นเพื่อให้เหมาะกับความต้องการของวงออเคสตราที่ต้องการเสียงต่ำและเสียงที่ดังขึ้น มือเบสคู่ชั้นนำจากช่วงกลางถึงปลายศตวรรษที่ 18 เช่น Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger และ Johannes Mathias Sperger ใช้การจูนแบบ "เวียนนา" โยฮันน์ ฮินเดิล มือเบส (ค.ศ. 1792–ค.ศ. 1862) ผู้แต่งคอนแชร์โตสำหรับดับเบิลเบส เป็นผู้บุกเบิกการปรับเสียงเบสในสี่ส่วน ซึ่งเป็นจุดเปลี่ยนของดับเบิลเบสและบทบาทในการทำงานเดี่ยว มือเบสDomenico Dragonetti เป็นนักดนตรีที่มี ชื่อเสียงและรู้จัก Haydn และLudwig van Beethoven การเล่นของเขาเป็นที่รู้จักตั้งแต่บ้านเกิดในอิตาลีไปจนถึงซาร์ดอมของรัสเซีย และเขาได้พบกับสถานที่ที่โดดเด่นในการแสดงคอนเสิร์ตกับPhilharmonic Society of London. มิตรภาพระหว่าง Beethoven กับ Dragonetti อาจเป็นแรงบันดาลใจให้เขาเขียนเพลงที่ยากแยกส่วนสำหรับดับเบิลเบสในซิมโฟนีของเขา เช่น ท่อนที่ประทับใจในขบวนการที่สามของ Fifth Symphony, ขบวนที่สองของ Seventh Symphony และการเคลื่อนไหวสุดท้ายของ the Nine ซิมโฟนี. ส่วนเหล่านี้ไม่เพิ่มส่วนเชลโลเป็นสองเท่า

Dragonetti เขียนคอนแชร์โตสิบครั้งสำหรับดับเบิลเบสและงานโซโล่สำหรับเบสและเปียโนอีกจำนวนมาก ระหว่าง ที่ Rossiniอยู่ที่ลอนดอนในฤดูร้อนปี 1824 เขาได้แต่งเพลง Duetto ยอดนิยมสำหรับเชลโลและดับเบิลเบสสำหรับ Dragonetti และ David Salomons นักเชลโล่ Dragonetti มักเล่นด้วยดับเบิลเบสสามสายที่ปรับ G–D–A จากบนลงล่าง การใช้เพียงสามสายบนสุดเป็นที่นิยมสำหรับมือเบสโซโลและมือเบสหลักในวงออเคสตราในศตวรรษที่ 19 เพราะมันลดแรงกดบนท่อนไม้ของเบส ซึ่งคิดว่าจะสร้างเสียงที่ก้องกังวานมากขึ้น เช่นกัน สาย E ต่ำที่ใช้ในช่วงศตวรรษที่ 19 ก็เป็นสายหนาที่ทำจากไส้ใน ซึ่งยากต่อการปรับแต่งและเล่น

ค.ศ. 1800

ในศตวรรษที่ 19 โจวานนี บอตเตซินี วาทยกรโอเปร่า นักแต่งเพลง และมือเบสจิโอวานนี บอ ตเตซินี ได้รับการยกย่องให้เป็น " ปากา นินีแห่งดับเบิลเบส" ในยุคของเขา ซึ่งเป็นการอ้างอิงถึงนักไวโอลินผู้เก่งกาจและนักประพันธ์เพลง คอนแชร์โตเบสของบอ ตเตซินีเขียนขึ้นในรูปแบบ โอเปร่าอิตาลียอดนิยมของศตวรรษที่ 19 ซึ่งใช้ประโยชน์จากดับเบิลเบสในลักษณะที่ไม่เคยเห็นมาก่อน พวกเขาต้องการการวิ่งที่เก่งกาจและการก้าวกระโดดครั้งใหญ่ไปยังการลงทะเบียนสูงสุดของเครื่องดนตรี แม้กระทั่งในขอบเขตของฮาร์โมนิกธรรมชาติและฮาร์โมนิก นักเล่นเบสจากศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 หลายคนคิดว่าการประพันธ์เพลงเหล่านี้ไม่สามารถเล่นได้ แต่ในช่วงทศวรรษ 2000 มีการบรรเลงอยู่บ่อยครั้ง ในช่วงเวลาเดียวกัน โรงเรียนสอนเล่นเบสที่โดดเด่นในภูมิภาคเช็กเกิดขึ้น ซึ่งรวมถึงFranz Simandl , Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig ManolyและAdolf Mišek Simandl และ Hrabe ยังเป็นผู้สอนที่มีหนังสือวิธีการและการศึกษายังคงใช้อยู่ในยุค 2000

ทศวรรษ 1900–ปัจจุบัน

ผู้นำของดับเบิลเบสในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 คือSerge Koussevitzkyซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะวาทยกรของBoston Symphony Orchestraผู้ซึ่งนิยมให้ดับเบิลเบสในยุคปัจจุบันเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว เนื่องจากการปรับปรุงดับเบิลเบสด้วยสายเหล็กและการตั้งค่าที่ดีขึ้น ตอนนี้เบสจึงเล่นได้ในระดับที่สูงกว่าที่เคย และนักแต่งเพลงจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ ก็ได้เขียนงานสำหรับดับเบิลเบส ในช่วงกลางศตวรรษและในทศวรรษต่อมา คอนแชร์โต้ใหม่จำนวนมากถูกเขียนขึ้นสำหรับดับเบิลเบส รวมถึง คอนแชร์โต้ของ Nikos Skalkottas (1942), คอนแชร์โต้ของ Eduard Tubin (1948), คอนแชร์ติโนของLars-Erik Larsson (1957) , คอนแชร์โต้ของ กุนเธอร์ ชูลเลอร์ (1962),คอนแชร์โต้ของ Hans Werner Henze (1966) และ คอนแชร์โต้หมายเลข 1 ของ Frank Proto (1968)

Solo For Contrabassเป็นหนึ่งในส่วนต่างๆ ของJohn Cage 's Concert For Piano And Orchestraและสามารถเล่นเป็นโซโลหรือเล่นร่วมกับส่วนอื่นๆ ทั้งออร์เคสตราและ/หรือเปียโน ในทำนองเดียวกัน ท่อนกลองเดี่ยวของเขาสำหรับงานออเคสตราAtlas Eclipticalisก็สามารถแสดงเป็นโซโล่ได้เช่นกัน ผลงานที่ไม่แน่นอนของ Cage เช่นVariations I , Variations II , Fontana Mix , Cartridge Music et al สามารถจัดสำหรับ contrabassist เดี่ยว งานของเขา26.1.1499 สำหรับผู้เล่นเครื่องสายมักจะถูกรับรู้โดยผู้เล่นเดี่ยวเถื่อน แม้ว่าจะเล่นโดยนักไวโอลิน นักไวโอลิน หรือนักเล่นเชลโลก็ตาม

ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1960 จนถึงปลายศตวรรษที่Gary Karrเป็นผู้แสดงชั้นนำของดับเบิลเบสในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว และกระตือรือร้นในการว่าจ้างหรือมีผลงานใหม่และคอนแชร์ติหลายร้อยชิ้นที่เขียนขึ้นสำหรับเขาโดยเฉพาะ Olga Koussevitsky มอบดับเบิลเบสโซโล่เดี่ยวอันโด่งดังของ Koussevitzky และเล่นในคอนเสิร์ตทั่วโลกเป็นเวลา 40 ปีก่อน ในทางกลับกัน ได้มอบเครื่องดนตรีนี้ให้กับInternational Society of Bassistsสำหรับศิลปินเดี่ยวที่มีความสามารถเพื่อใช้ในคอนเสิร์ต นักแสดงคนสำคัญอีกคนหนึ่งในช่วงเวลานี้Bertram Turetzkyได้ว่าจ้างและเปิดตัวผลงานดับเบิลเบสมากกว่า 300 ชิ้น

ในปี 1970, 1980 และ 1990 คอนแชร์ติใหม่รวมถึงDivertimento for Double Bass and OrchestraของNino Rota (1973), คอนแชร์โตของ Alan Ridoutสำหรับดับเบิลเบสและสตริง (1974), คอนแชร์โต้ของ Jean Françaix (1975), Frank Protoคอนแชร์โต้หมายเลข 2, Einojuhani Rautavaara 's Angel of Dusk (1980), คอนแชร์โต้ของ Gian Carlo Menotti (1983), คอนแชร์โต้ของ Christopher Rouse (1985), Ghost Nets ของHenry Brant (1988) และ Frank Proto ' เรื่อง "Carmen Fantasy for Double Bass and Orchestra" (1991) และ "Four Scenes after Picasso" คอนแชร์โต้หมายเลข 3 (1997)ปีเตอร์ แม็กซ์เวลล์ เดวีส์' lyrical Strathclyde Concerto No. 7 สำหรับดับเบิลเบสและวงออเคสตรา เริ่มตั้งแต่ปี 1992

ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 คอนเสิร์ตเพลงใหม่ ได้แก่"Nine Variants on Paganini" ของFrank Proto (2002) คอนแชร์โต้ของ Kalevi Aho (2005) คอนแชร์โต้สำหรับ Bass ViolของJohn Harbison (2006) André Previn ' คอนแชร์โต้คู่สำหรับไวโอลิน ดับเบิลเบส และวงออเคสตรา (2007) และเพลงTo the Silver Bow ของ จอห์น วูลริชสำหรับดับเบิลเบส วิโอลา และสตริง (2014)

Reinhold Glièreเขียน Intermezzo และ Tarantella สำหรับดับเบิลเบสและเปียโน Op. 9, No. 1 และ No. 2 และ Praeludium และ Scherzo สำหรับดับเบิลเบสและเปียโน, Op. 32 No. 1 และ No. 2 Paul Hindemitเขียน Double Bass Sonata ที่ท้าทายจังหวะในปี 1949 Frank Protoเขียน Sonata "1963" สำหรับ Double Bass และ Piano ในสหภาพโซเวียตMieczysław Weinbergเขียน Sonata No. 1 สำหรับดับเบิลเบสโซโลในปี 1971 Giacinto Scelsiเขียนดับเบิลเบสสองชิ้นชื่อNuitsในปี 1972 และในปี 1976 เขาเขียนMaknonganซึ่งเป็นเพลงสำหรับเครื่องดนตรีเสียงต่ำใดๆ เช่น ดับเบิลเบส คอนทราบาสซูน หรือทูบา Vincent Persichettiได้เขียนงานเดี่ยวซึ่งท่านเรียกว่า "อุปมา" สำหรับเครื่องดนตรีหลายชิ้น เขาเขียน Parable XVII สำหรับ Double Bass, Op. 131 ในปี 1974 Sofia Gubaidulinaแต่งเพลง Sonata สำหรับดับเบิลเบสและเปียโนในปี 1975 ในปี 1976 นักแต่งเพลงชาวอเมริกันแนวมินิมอล ทอม จอห์นสันเขียนว่า "Failing – a very hard piece for solo string bass" ซึ่งผู้เล่นจะต้องแสดงโซโลที่เก่งกาจที่สุดบน เบสพร้อมๆ กับท่องข้อความที่บอกว่าเพลงนั้นยากเพียงใด และไม่น่าจะเป็นไปได้ที่เขาจะทำการแสดงให้สำเร็จโดยไม่ทำผิดพลาด

ในปี 1977 นักแต่งเพลงชาวดัตช์-ฮังการีGeza Fridได้เขียนเพลง The Elephant จากเพลงLe Carnaval des Animaux ของ Saint-Saënsสำหรับscordatura Double Bass และวงเครื่องสาย ในปี 1987 โลเวลล์ ลีเบอร์มันน์เขียนเพลง Sonata for Contrabass และ Piano Op. 24. Fernando Grillo เขียน "Suite No. 1" สำหรับดับเบิลเบส (1983/2005) Jacob Druckmanแต่งเพลงสำหรับโซโล่ดับเบิลเบสเรื่องValentine Bertram Turetzkyศิลปินเดี่ยวและนักแต่งเพลงดับเบิลเบสจากสหรัฐอเมริกา(เกิด พ.ศ. 2476) ได้แสดงและบันทึกงานมากกว่า 300 ชิ้นที่เขียนขึ้นโดยและสำหรับเขา เขาเขียนเพลงแชมเบอร์มิวสิค ดนตรีบาโรก คลาสสิก แจ๊ส ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดนตรีด้นสด และดนตรีโลก

Philip Glassนักแต่งเพลงแนวมินิมอ ลของสหรัฐฯ ได้เขียนโหมโรงโดยเน้นที่รีจิสเตอร์ด้านล่างซึ่งเขาทำคะแนนให้กับทิมปานีและดับเบิลเบส นักแต่งเพลงชาวอิตาลีซิลวาโน บุสซอตติซึ่งมีอาชีพการประพันธ์เพลงตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 1930 ถึงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 ได้เขียนงานเดี่ยวสำหรับเบสในปี 1983 ในหัวข้อNaked Angel Face per contrabbasso นักแต่งเพลงชาวอิตาลีFranco Donatoniได้เขียนงานชิ้นหนึ่งชื่อว่าLem for contrabbassoในปีเดียวกัน ในปี 1989 นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสPascal Dusapin (เกิดปี 1955) ได้แต่งเพลงเดี่ยวชื่อIn et Outสำหรับดับเบิลเบส ในปี 1996 Karim Haddadคีตกวีชาวเลบานอนที่ได้รับการฝึกฝนจาก Sorbonne ได้แต่งขึ้นCe qui dort dans l'ombre sacrée ("ผู้ที่หลับใหลในเงามืดอันศักดิ์สิทธิ์") สำหรับเทศกาลการแสดงตนของ Radio France Renaud Garcia-Fons (เกิดปี 1962) เป็นนักดนตรีและนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส มีชื่อเสียงในด้านการวาดดนตรีแจ๊ส โฟล์ค และเอเชียสำหรับการบันทึกเสียงเพลงของเขา เช่นOriental Bass (1997)

ผลงานสำคัญสองชิ้นล่าสุดที่เขียนขึ้นสำหรับเบสโซโล ได้แก่ Synchronisms No.11 ของ Mario Davidovskyสำหรับดับเบิลเบสและเสียงอิเล็กทรอนิกส์ และ Figment III ของ Elliott Carterสำหรับดับเบิลเบสโซโล นักแต่งเพลงชาวเยอรมันGerhard StäblerเขียนCo-wie Kobalt (1989–90), "...เพลงสำหรับโซโลดับเบิลเบสและแกรนด์ออร์เคสตรา" Charles Wuorinenได้เพิ่มผลงานที่สำคัญหลายชิ้นในละคร ได้แก่Spinoff trio สำหรับดับเบิลเบส ไวโอลิน และกลองคองก้า และTrio for Bass Instrumentsดับเบิลเบส ทูบา และทรอมโบนเบส และในปี 2007 Synaxisสำหรับดับเบิลเบส ฮอร์น โอโบ และคลาริเน็ตพร้อมทิมปานีและเครื่องสาย ชุด "Seven Screen Shots" สำหรับดับเบิลเบสและเปียโน (2005) โดยนักแต่งเพลงชาวยูเครนAlexander Shchetynskyมีส่วนโซโลเบสที่มีวิธีการเล่นที่แปลกใหม่มากมาย นักแต่งเพลงชาวเยอรมันClaus KühnlเขียนOffene Weite / Open Expanse (1998) และNachtschwarzes Meer, ringsum… (2005) สำหรับดับเบิลเบสและเปียโน ในปี 1997 Joel Quarrington มอบหมายให้ Raymond Luedekeนักแต่งเพลงชาวอเมริกัน/แคนาดาเขียน "Concerto for Double Bass and Orchestra" ซึ่งเป็นผลงานการแสดงร่วมกับThe Toronto Symphony Orchestraร่วมกับSaskatoon Symphony Orchestraและในเวอร์ชันสำหรับวงออเคสตรา ขนาดเล็กกับThe Nova Scotia Symphony Orchestra ^{นักแต่งเพลง Raymond Luedeke}ยังแต่งเพลงสำหรับดับเบิ้ลเบส ฟลุต และวิโอลาพร้อมคำบรรยาย "The Book of Questions" พร้อมข้อความโดยPablo Neruda ^[30]

ในปี พ.ศ. 2547 สเตฟาโน สโคดานิบบิโอ มือเบสและนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีได้ทำการจัดเรียงดับเบิลเบสของงานเชลโลเดี่ยวของลูเซียโน เบริโอ ในปี พ.ศ. 2545 Sequenza XIVด้วยชื่อใหม่ว่าSequenza XIVb

แชมเบอร์มิวสิคกับดับเบิ้ลเบส

เนื่องจากไม่มีวงดนตรีบรรเลงที่มีดับเบิลเบส การใช้งานในแชมเบอร์มิวสิคจึงไม่ได้ละเอียดถี่ถ้วนเท่ากับวรรณกรรมสำหรับตระการตา เช่นเครื่องสายหรือเปียโนทรีโอ อย่างไรก็ตาม มี งานแชมเบอร์จำนวนมากที่รวมดับเบิลเบสไว้ในตระการตาทั้งขนาดเล็กและขนาดใหญ่

มีงานชิ้นเล็กๆ ที่เขียนขึ้นสำหรับกลุ่มเปียโนด้วยเครื่องดนตรีเปียโน ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Piano Quintet ของ Franz Schubertในสาขาวิชา A หรือที่รู้จักในชื่อ "The Trout Quintet " สำหรับชุดของรูปแบบต่างๆ ในขบวนการที่สี่ของDie Forelleของ Schubert ผลงานอื่นๆ สำหรับเครื่องมือนี้ที่เขียนขึ้นในช่วงเวลาเดียวกันอย่างคร่าวๆ ได้แก่ ผลงานของJohann Nepomuk Hummel , George Onslow , Jan Ladislav Dussek , Louise Farrenc , Ferdinand Ries , Franz Limmer , Johann Baptist CramerและHermann Goetz. ต่อมานักแต่งเพลงที่เขียนแชมเบอร์สำหรับกลุ่มนี้ ได้แก่Ralph Vaughan Williams , Colin Matthews , Jon Deak , Frank ProtoและJohn Woolrich เซ็กเต็ทที่ใหญ่ขึ้นเล็กน้อยสำหรับเปียโน ควอร์เตต์เครื่องสาย และดับเบิลเบส แต่งโดยเฟลิกซ์ เมนเด ลโซห์ น, มิคาอิล กลินกา , ริชาร์ด เวอร์นิค และชาร์ลส์ ไอฟส์

ในประเภทเครื่องสาย มีผลงานสองสามชิ้นสำหรับเครื่องสายที่มีดับเบิลเบส String Quintet ของAntonín Dvořák ใน G major, Op.77 และ Serenade ของ Wolfgang Amadeus Mozartใน G major, K.525 (" Eine kleine Nachtmusik ") เป็นผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในละครเรื่องนี้ พร้อมด้วยผลงานของMiguel del Aguila ( Nostalgicaสำหรับเครื่องสายและเบส), Darius Milhaud , Luigi Boccerini (3 quintets), Harold ShaperoและPaul Hindemith. อีกตัวอย่างหนึ่งคือ String Quintet ของอลิสแตร์ ฮินตัน (1969–77) ซึ่งรวมถึงส่วนสำคัญของโซปราโนโซโลด้วย ด้วยระยะเวลาเกือบ 170 นาที เกือบจะแน่นอนว่าเป็นงานที่ใหญ่ที่สุดในละคร

เครื่องสายที่เล็กกว่าเล็กน้อยสำหรับดับเบิลเบส ได้แก่ โซนาต้าหกสายโดยGioachino Rossiniสำหรับไวโอลินสองตัว เชลโล และดับเบิลเบสที่เขียนเมื่ออายุสิบสองปีในช่วงสามวันในปี 1804 สิ่งเหล่านี้ยังคงเป็นผลงานบรรเลงที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาและยังมี ถูกดัดแปลงสำหรับวงลม Franz Anton Hoffmeisterเขียนเครื่องสายสี่เครื่องสำหรับ Solo Double Bass, Violin, Viola และ Cello ใน D Major Frank Protoแต่งเพลง Trio for Violin, Viola and Double Bass (1974), 2 Duos for Violin and Double Bass (1967 and 2005) และThe Games of October for Oboe/English Horn and Double Bass (1991)

ผลงานขนาดใหญ่ที่มีดับเบิลเบส ได้แก่Septet ของBeethoven ใน E ♭ major, Op. 20 หนึ่งในผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาในช่วงชีวิตของเขา ซึ่งประกอบด้วยคลาริเน็ต เขา บาสซูน ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และเบส เมื่อนักคลาริเน็ตต์ Ferdinand TroyerมอบหมายงานจากFranz Schubertสำหรับกองกำลังที่คล้ายกัน เขาได้เพิ่มไวโอลินอีกหนึ่งตัวสำหรับ Octet ของเขาใน F major, D.803 Paul Hindemithใช้เครื่องมือเดียวกันกับ Schubert สำหรับ Octet ของเขาเอง ในขอบเขตของผลงานที่ยิ่งใหญ่กว่านั้น Mozart ได้รวมดับเบิลเบสไว้นอกเหนือจากเครื่องดนตรีลม 12 ชนิดสำหรับ " Gran Partita " Serenade ของเขา K.361 และMartinů ใช้ดับเบิลเบสใน โนเนต์ของเขาสำหรับวินด์ควินเต็ต ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส

ตัวอย่างอื่นๆ ของงานแชมเบอร์ที่ใช้ดับเบิลเบสในชุดมิกซ์ ได้แก่Serge Prokofiev 's Quintet in G minor, Op. 39 สำหรับโอโบ คลาริเน็ต ไวโอลิน วิโอลา และดับเบิลเบส MalamboของMiguel del Aguilaสำหรับขลุ่ยเบสและเปียโน และสำหรับเครื่องสาย เบสและบาสซูน คอนแชร์ติโนของ Erwin Schulhoffสำหรับขลุ่ย/ปิคโคโล วิโอลา และดับเบิลเบส; Afro-American FragmentsของFrank Protoสำหรับเบสคลาริเน็ต เชลโล ดับเบิลเบส และผู้บรรยาย และ Sextet สำหรับคลาริเน็ตและเครื่องสาย; เพลง Waltzes ของ Fred Lerdahlสำหรับไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส Litany ของ Mohammed Fairouzสำหรับดับเบิลเบสและวินด์ควอเตต; Mario Davidovskyเฟสติโนสำหรับกีตาร์ วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส และ Morsima-Amorsima ของ Iannis Xenakisสำหรับเปียโน ไวโอลิน เชลโล และดับเบิลเบส นอกจากนี้ยังมีวงดนตรีใหม่ ๆ ที่ใช้ดับเบิ้ลเบส เช่น Time for Three และPROJECT Trio

ท่อนออร์เคสตราและโซโล่

ในยุคบาโรกและคลาสสิก คีตกวีมักจะใช้ดับเบิ้ลเบสเป็นสองเท่าของเชลโลในท่อนออร์เคสตรา ข้อยกเว้นที่น่าสังเกตคือ Haydn ผู้แต่งเพลงเดี่ยวสำหรับดับเบิลเบสใน Symphonies No. 6 Le Matin , No. 7 Le midi , No. 8 Le Soir , No. 31 Horn Signalและ No. 45 Farewell — แต่ใครล่ะ จัดกลุ่มเบสและเชลโลเข้าด้วยกัน เบโธเฟนปูทางแยกส่วนดับเบิลเบสซึ่งกลายเป็นเรื่องธรรมดามากขึ้นในยุคโรแมนติก scherzoและtrioจากBeethoven's Fifth Symphonyเป็น บทประพันธ์ ที่มีชื่อเสียงของวงออร์เคสตรา เช่นเดียวกับการท่องในช่วงเริ่มต้นของการเคลื่อนไหวที่สี่ของซิมโฟนีที่เก้าของเบโธเฟน ในการแสดงซิมโฟนีและคอนแชร์โตของศตวรรษที่ 19 หลายๆ วง ผลกระทบโดยทั่วไปของส่วนเบสและเชลโลที่แยกจากกันคือการที่ส่วนเบสนั้นเรียบง่ายขึ้น และส่วนเชลโลก็มีแนวที่ไพเราะและเนื้อเรื่องที่รวดเร็ว ^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}

ส่วนดับเบิลเบสของวงออร์เคสตรา สมัยใหม่ มักใช้สองเบสแปดตัว โดยปกติแล้วจะพร้อมเพรียงกัน ออร์เคสตราขนาดเล็กอาจมีดับเบิลเบสสี่ตัว และในกรณีพิเศษ ส่วนเบสอาจมีสมาชิกมากถึงสิบคน หากมือเบสคู่บางคนมีนามสกุล C ต่ำ และบางคนมีเบสปกติ (E ต่ำ) ผู้ที่มีนามสกุล C ต่ำอาจเล่นบางตอนได้ต่ำกว่าดับเบิลเบสปกติ นอกจากนี้ นักประพันธ์เพลงบางคนยังเขียนส่วนที่แบ่ง (แบ่ง) สำหรับเบส โดยที่ส่วนบนและส่วนล่างของดนตรีมักจะถูกกำหนดให้กับผู้เล่น "ภายนอก" (ใกล้ผู้ฟังมากขึ้น) และ "ภายใน" นักแต่งเพลงที่เขียนส่วนหารสำหรับเสียงเบสมักจะเขียนช่วงเวลาที่สมบูรณ์แบบเช่น อ็อกเทฟและห้าส่วน แต่ในบางกรณีใช้ส่วนที่สามและส่วนที่หก

ในกรณีที่การเรียบเรียงต้องใช้ส่วนเบสโซโล เบสหลักจะเล่นส่วนนั้นอย่างสม่ำเสมอ หัวหน้าส่วน (หรืออาจารย์ใหญ่) เป็นผู้กำหนดส่วนโค้งด้วย ซึ่งมักจะอิงจากการโค้งคำนับที่ผู้จัดคอนเสิร์ตกำหนดไว้ ในบางกรณี เบสหลักอาจใช้การโค้งคำนับที่แตกต่างจากมาสเตอร์คอนเสิร์ตเล็กน้อย เพื่อรองรับข้อกำหนดในการเล่นเบส เบสหลักยังนำไปสู่ทางเข้าสำหรับส่วนเบส โดยทั่วไปโดยการยกคันธนูหรือถอนมือก่อนถึงทางเข้าหรือระบุทางเข้าด้วยส่วนหัว เพื่อให้แน่ใจว่าส่วนเริ่มต้นพร้อมกัน วงออเคสตรามืออาชีพรายใหญ่มักมีผู้ช่วยผู้เล่นหลักเบส ซึ่งเล่นโซโลและเป็นผู้นำส่วนเบสถ้าครูใหญ่ไม่อยู่

แม้ว่าโซโลเบสออเคสตราจะค่อนข้างหายาก แต่ก็มีตัวอย่างที่โดดเด่นอยู่บ้าง Johannes Brahmsซึ่งบิดาเป็นผู้เล่นดับเบิลเบส ได้เขียนบทที่ยากและโดดเด่นมากมายสำหรับดับเบิลเบสในซิมโฟนีของเขา Richard Straussมอบหมายชิ้นส่วนที่ท้าทายของดับเบิลเบส และบทกวีและโอเปร่าไพเราะของเขาขยายเครื่องดนตรีไปถึงขีดจำกัด "ช้าง" จาก ภาพยนตร์ เรื่อง " The Carnival of the Animals " ของ Camille Saint-Saënsเป็นภาพเหมือนเสียดสีของดับเบิ้ลเบส และGary Karr อัจฉริยะชาวอเมริกัน ได้เปิดตัวรายการโทรทัศน์เรื่อง "The Swan" (แต่เดิมเขียนขึ้นสำหรับเชลโล) กับNew York Philharmonicดำเนินการโดยลีโอนาร์ด เบิร์นสตีน การเคลื่อนไหวที่สามของซิมโฟนีเพลงแรกของกุสตาฟ มาห์เลอร์นำเสนอโซโลสำหรับดับเบิลเบสที่อ้างอิงเพลงเด็กFrere Jacquesที่แปลงเป็นคีย์ย่อย Lieutenant Kijé SuiteของSergei Prokofievนำเสนอโซโลดับเบิลเบสที่ยากและสูงมากในการเคลื่อนไหว "Romance" Benjamin Britten 's The Young Person's Guide to the Orchestraมีเนื้อเรื่องที่โดดเด่นสำหรับส่วนดับเบิลเบส

วงดนตรีดับเบิ้ลเบส

วงดนตรีที่ประกอบด้วยดับเบิลเบสทั้งหมด แม้ว่าจะค่อนข้างหายาก แต่ก็มีอยู่เช่นกัน และนักประพันธ์เพลงหลายคนได้เขียนหรือเรียบเรียงสำหรับตระการตาดังกล่าว บรรเลงสำหรับดับเบิลเบสสี่ชนิด ได้แก่Gunther Schuller , Jacob Druckman , James Tenney , Claus Kühnl , Robert Ceely, Jan Alm , Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto , Joseph Lauber, Erich Hartmann , Colin Brumby , Miloslav Gajdos และ Theodore Albin Findeisen "ใครเป็นคนแรก" ของDavid A. Jaffe , ^[31]ซึ่งได้รับหน้าที่จาก Russian National Orchestra ได้คะแนนสำหรับดับเบิลเบสห้าตัว Bertold HummelเขียนSinfonia piccola ^[32]สำหรับแปดดับเบิลเบส ผลงานชุดใหญ่ ได้แก่ องค์ประกอบที่ 2 ของ Galina Ustvolskaya , "Dies Irae" (1973), สำหรับดับเบิลเบสแปดตัว, เปียโน และไม้คิวบ์, "George and Muriel" ของJosé Serebrier (1986) สำหรับโซโลเบส, ดับเบิล วงดนตรีเบส และคอรัส และ Gerhard Samuel's What of my music! (1979) สำหรับโซปราโน เพอร์คัชชัน และดับเบิลเบส 30 ตัว

ดับเบิลเบสตระการตา ได้แก่ L'Orchestre de Contrebasses (6 คน), ^[33] Bass Instinct (6 คน), ^[34] Bassiona Amorosa (6 คน), ^[35] the Chicago Bass Ensemble (สมาชิก 4 คนขึ้นไป), ^[36] Ludus Gravisก่อตั้งโดย Daniele Roccato และStefano Scodanibbio , The Bass Gang (สมาชิก 4 คน), [ ^37] London Double Bass Ensemble (6 คน) ก่อตั้งโดยสมาชิกของ Philharmonia Orchestra of London ซึ่งเป็นผู้ผลิต LP ^[38] Music Interludes by London Double Bass Ensembleในเพลง Bruton Music, Brno Double Bass Orchestra (สมาชิก 14 คน) ก่อตั้งโดยศาสตราจารย์ดับเบิ้ลเบสที่Janáček Academy of Music and Performing Artsและผู้เล่นดับเบิลเบสหลักที่Brno Philharmonic Orchestra – Miloslav Jelinek และวงดนตรีของBall State University (สมาชิก 12 คน), Shenandoah UniversityและHartt School of Music ที่เบสเบสอามาริ ลโลแห่ง อามาริลโล รัฐเท็กซัสเคยมีผู้เล่นเบสคู่ 52 คน^{[39] [40]}และเดอะลอนดอนดับเบิลเบสซาวด์ ผู้ออกซีดีในประวัติกาลา มีผู้เล่น 10 คน ^[41]

นอกจากนี้ ดับเบิลเบสของวงออเคสตราบางวงยังแสดงเป็นวงดนตรี เช่นLower Wacker Consort ของ Chicago Symphony Orchestra ^[42]มีการตีพิมพ์เรียงความและการเรียบเรียงสำหรับวงดนตรีดับเบิลเบสเพิ่มมากขึ้น และสมาคมนักเบสสากลมักนำเสนอวงดนตรีดับเบิลเบส (ทั้งตระการตาที่เล็กกว่าและ "แมสเบส" ตระการตาที่มีขนาดใหญ่มาก) ในการประชุมและผู้สนับสนุน การแข่งขันการประพันธ์เพลงของ David Walter ทุกสองปีซึ่งรวมถึงแผนกงานวงดนตรีดับเบิลเบส

ใช้ในแจ๊ส

เริ่มประมาณปี พ.ศ. 2433 วงดนตรี แจ๊ส นิวออร์ลีนส์ตอนต้น (ซึ่งเล่นส่วนผสมของมาร์ชแร็กไทม์และดิกซีแลนด์ ) เดิมเป็นวงดนตรีโยธวาทิตที่มีทูบาหรือโซซาโฟน (หรือบางครั้งเป็นเบสแซกโซโฟน ) ส่งสายเบส เมื่อดนตรีเคลื่อนเข้าสู่บาร์และซ่องโสเภณี เสียงเบสที่ตรงไปตรงมาก็ค่อยๆ เข้ามาแทนที่เครื่องดนตรีลมเหล่านี้ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ^[43]นักเล่นเบสในยุคแรกๆ หลายคนใช้ทั้งเบสทองเหลือง ( ทูบา )และสายเบสเป็นสองเท่า ในขณะที่เครื่องดนตรีเหล่านี้มักถูกอ้างถึง มือ เบสเล่นแนวเบส "เดิน"แบบด้นสด—เส้นที่อิงตามสเกลและอาร์เพจจิโอที่สรุป ความก้าวหน้า ของ คอร์ด

เนื่องจากเสียงเบสตั้งตรงที่ไม่มีแอมพลิฟายเออร์เป็นเครื่องดนตรีที่เงียบที่สุดในวงดนตรีแจ๊ส ผู้เล่นหลายคนในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 จึงใช้สไตล์ต บ การ ตบและดึงสายเพื่อสร้างเสียง "ตบ" เป็นจังหวะกับฟิงเกอร์บอร์ด สไตล์ตบตัดเสียงของวงดนตรีได้ดีกว่าการถอนสาย และทำให้เสียงเบสได้ยินง่ายขึ้นในการบันทึกเสียงช่วงแรกๆ เนื่องจากอุปกรณ์บันทึกในสมัยนั้นไม่ชอบความถี่ต่ำ ^[44]สำหรับข้อมูลเพิ่มเติมเกี่ยวกับสไตล์ตบ โปรดดูสไตล์การเล่นสมัยใหม่ด้านล่าง

ผู้เล่นแจ๊สเบสจะต้องด้นสดในแนวดนตรีหรือโซโลสำหรับความก้าวหน้าของคอร์ดที่กำหนด พวกเขายังคาดหวังให้รู้รูปแบบจังหวะที่เหมาะสมกับสไตล์ที่แตกต่างกัน (เช่น Afro-Cuban) นักเล่นเบสที่เล่นในวงดนตรีใหญ่จะต้องสามารถอ่านแนวเสียงเบสที่เขียนได้ เนื่องจากการเรียบเรียงบางอย่างได้เขียนส่วนของเบส

ผู้เล่นเบสแบบตั้งตรงหลายคนมีส่วนทำให้เกิดวิวัฒนาการของดนตรีแจ๊ส ตัวอย่าง ได้แก่ ผู้เล่นยุควงสวิง เช่นJimmy Blantonผู้เล่นกับDuke EllingtonและOscar Pettifordผู้บุกเบิกการใช้เครื่องดนตรีในเสียงบี๊บ Paul Chambers (ผู้ซึ่งร่วมงานกับMiles Davisใน อัลบั้ม Kind of Blue อัน โด่งดัง ) ประสบความสำเร็จในการเป็นหนึ่งในมือเบสแจ๊สกลุ่มแรกที่เล่น bebop โซโลด้วยธนู Terry Plumeriได้พัฒนาโซโลอาร์โก้ (โค้งคำนับ) ให้ก้าวหน้ายิ่งขึ้น โดยได้ให้อิสระทางเทคนิคเหมือนแตรและน้ำเสียงที่โค้งคำนับที่ชัดเจน ในขณะที่ชาร์ลี ฮาเดนเป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีจากผลงานของเขากับ ออร์ เนตต์ โคลแมนกำหนดบทบาทของเบสในFree Jazz

มือเบสคนอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง เช่นRay Brown , Slam StewartและNiels-Henning Ørsted Pedersenล้วนเป็นศูนย์กลางของประวัติศาสตร์แจ๊ส สจ๊วร์ตซึ่งเป็นที่นิยมในหมู่คนเป่าแตร เล่นโซโลด้วยธนูร่วมกับฮัมเพลงอ็อกเทฟ โดยเฉพาะอย่างยิ่งCharles Mingusเป็นนักประพันธ์เพลงที่ได้รับการยกย่องอย่างสูง รวมถึงมือเบสที่มีความสามารถด้านเทคนิคและเสียงอันทรงพลังของเขา ^[45] สกอตต์ ลาฟาโรมีอิทธิพลต่อนักดนตรีรุ่นหนึ่งโดยการปลดปล่อยเสียงเบสจาก "การเดิน" ที่ตรงกันข้ามกับศิลปินเดี่ยวแทนที่จะชื่นชอบการโต้ตอบ ท่วงทำนองการสนทนา ^[46]เนื่องจากแอมพลิฟายเออร์เบส มีจำหน่ายในเชิงพาณิชย์ในปี 1950 มือเบสแจ๊สได้ใช้การขยายเสียงเพื่อเพิ่มระดับเสียงที่เป็นธรรมชาติของเครื่องดนตรี

ในขณะที่กีตาร์เบสไฟฟ้าถูกใช้เป็นช่วงๆ ในดนตรีแจ๊สในช่วงต้นปี 1951 โดยเริ่มต้นในปี 1970 มือเบสBob Cranshawเล่นกับนักเป่าแซ็กโซโฟนSonny Rollinsและผู้บุกเบิกด้านฟิวชั่นJaco PastoriusและStanley Clarkeเริ่มเปลี่ยนกีตาร์เบสเป็นเสียงเบสที่ตรงไปตรงมา นอกเหนือจากสไตล์แจ๊สของแจ๊สฟิวชั่นและแจ๊สที่ได้รับอิทธิพลจากลาติน เบสแบบตั้งตรงยังคงเป็นเครื่องดนตรีเบสที่โดดเด่นในดนตรีแจ๊ส เสียงและโทนเสียงของเบสตรงที่ดึงออกมานั้นแตกต่างจากเสียงของกีตาร์เบสแบบเฟรต เบสตั้งตรงให้เสียงที่แตกต่างจากกีตาร์เบส เพราะสายกีตาร์ไม่ได้หยุดโดยเฟ รตโลหะแทนที่จะมีช่วงโทนสีต่อเนื่องบนฟิงเกอร์บอร์ดอย่างต่อเนื่อง เช่นกัน กีตาร์เบสมักจะมีตัวไม้ที่เป็นไม้เนื้อแข็ง ซึ่งหมายความว่าเสียงของพวกมันถูกสร้างขึ้นโดยการขยายเสียงแบบอิเล็กทรอนิกส์ของการสั่นของสาย แทนที่จะเป็นเสียงสะท้อนของเสียงเบสแบบตั้งตรง

ตัวอย่างที่สาธิตของเสียงโซโลดับเบิลเบสและการใช้เทคนิคในดนตรีแจ๊สสามารถได้ยินในการบันทึกเสียงโซโล่Emerald Tears (1978) โดยDave HollandหรือEmergence (1986) โดยMiroslav Vitous ฮอลแลนด์ยังบันทึกอัลบั้มที่มีชื่อแทนว่าMusic from Two Basses (1971) ซึ่งเขาเล่นกับBarre Phillipsในขณะที่บางครั้งเขาก็เปลี่ยนไปใช้เชลโล

ใช้ในบลูแกรสและประเทศ

สตริงเบสเป็นเครื่องดนตรีเบสที่ใช้บ่อยที่สุดในเพลงบลูแกรสและมักจะถูกดึงออกมา แม้ว่ามือเบสบลูแกรสสมัยใหม่บางคนก็เคยใช้ธนูด้วย มือเบสบลูแกรสเป็นส่วนหนึ่งของจังหวะและมีหน้าที่รักษาจังหวะให้คงที่ไม่ว่าจะเร็ว, ช้า, ใน⁴
₄,²
₄หรือ³
₄เวลา. เบสยังรักษาความก้าวหน้าของคอร์ดและความกลมกลืน แบรนด์ Engelhardt-Link (เดิมชื่อKay ) ของเบสไม้อัดลามิเนต เป็นตัวเลือกยอดนิยมสำหรับมือเบสบลูแกรสส์มาอย่างยาวนาน มือเบสบลูแกรสส่วนใหญ่ใช้ เบสขนาด 3 ⁄ 4แต่เบสขนาดเต็มและขนาด5 ⁄ 8ก็ใช้เช่นกัน

ดนตรีพื้นเมืองก่อนยุคบลูแกรสในยุคแรกมักมาพร้อมกับเชลโล นักเล่นเชลโล Natalie Haas ชี้ให้เห็นว่าในสหรัฐอเมริกา คุณสามารถหา "...ภาพถ่ายเก่าๆ หรือแม้แต่การบันทึกเก่าๆ ของวงเครื่องสายอเมริกันที่มีเชลโล" อย่างไรก็ตาม "เชลโลละสายตาจากดนตรีพื้นบ้านและเกี่ยวข้องกับวงออเคสตรา" ^[47]เชลโลไม่ปรากฏขึ้นอีกในบลูแกรสจนกระทั่งทศวรรษ 1990 และทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 วงดนตรีบลูแกรสร่วมสมัยบางวงชอบเบสไฟฟ้า เพราะง่ายต่อการขนย้ายมากกว่าเบสตั้งตรงขนาดใหญ่และค่อนข้างเปราะบาง อย่างไรก็ตาม กีตาร์เบสมีเสียงดนตรีที่แตกต่างกัน นักดนตรีหลายคนรู้สึกว่าการจู่โจมที่ช้ากว่าและเพอร์คัชชัน โทนเสียงไม้ของเบสตั้งตรง ให้เสียงที่ "เป็นธรรมชาติ" หรือ "เป็นธรรมชาติ" มากกว่าเบสไฟฟ้า

จังหวะทั่วไปในการเล่นเบสบลูแกรสส์นั้นเกี่ยวข้องกับ (มีข้อยกเว้นบางประการ) โดยการดึงบีตที่ 1 และ 3 ใน⁴
₄เวลา; เต้น 1 และ 2 ใน²
₄เวลาและในจังหวะที่ตกต่ำใน³
₄เวลา (เวลาวอลทซ์). แนวเบสของ Bluegrass มักจะเรียบง่าย โดยทั่วไปจะอยู่บนรากและที่ห้าของคอร์ดแต่ละคอร์ดตลอดทั้งเพลงเกือบทั้งหมด มีข้อยกเว้นหลักสองประการสำหรับกฎนี้ มือเบสของ Bluegrass มักจะทำ diatonic walkupหรือwalkdownโดยที่พวกเขาเล่นทุกจังหวะของบาร์สำหรับหนึ่งหรือสองแท่ง โดยปกติเมื่อมีการเปลี่ยนแปลงคอร์ด นอกจากนี้ หากเล่นเบสแบบโซโล พวกเขาอาจเล่น แนว เบสแบบเดินได้พร้อมโน้ตในทุกจังหวะหรือเล่นเบสไลน์ที่ได้รับอิทธิพลจากมาตราส่วนเพนทาโทนิก

มือเบสบลูแกรสในยุคแรกที่มีความโดดเด่นคือ Howard Watts (หรือที่รู้จักในชื่อ Cedric Rainwater) ซึ่งเล่นกับBlue Grass Boys ของBill Monroe เริ่มต้นในปี ค.ศ. 1944 ^[48] Edgar Meyerมือเบสคลาสสิกมักแยกออกเป็นnewgrassเก่า- เวลา แจ๊ส และแนวเพลงอื่นๆ "เพลงโปรดตลอดกาลของฉันคือท็อดด์ ฟิลลิปส์ " แบร์รี เบลส์ มือเบสของยูเนียนสเตชั่นประกาศเมื่อเดือนเมษายน พ.ศ. 2548 "เขานำวิธีคิดและการเล่นบลูแกรสส์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง^[49]

เบสตั้งตรงเป็นเครื่องดนตรีเบสมาตรฐานใน เพลงคัน ท รีแบบ ตะวันตก ในขณะที่เสียงเบสทุ้มยังคงใช้เป็นครั้งคราวในเพลงคันทรี่เบสไฟฟ้าได้เข้ามาแทนที่ลูกพี่ลูกน้องที่ใหญ่กว่าในดนตรีคันทรี โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแนวคันทรีที่มีป๊อปอินฟิวส์มากขึ้นในช่วงปี 1990 และ 2000 เช่น ประเทศใหม่

เบสแบบตบ

บางครั้งใช้เบสแบบตบในการเล่นเบสบลูแกรส เมื่อผู้เล่นเบสของบลูแกรสส์ตบสายโดยดึงสายจนกระทบกับฟิงเกอร์บอร์ดหรือตีสายกับฟิงเกอร์บอร์ด เสียง "กระทบ" หรือ "ตบ" แบบเพอร์คัชชันสูงจะเพิ่มให้กับโน้ตเบสที่มีเสียงต่ำซึ่งฟังดูเหมือน เสียงเคาะของนักเต้นแท็ป การตบเป็นเรื่องของการโต้เถียงเล็กน้อยในฉากบลูแกรสส์ แม้แต่ผู้เชี่ยวชาญตบอย่างMike Bubก็บอกว่า "อย่าตบทุกกิ๊ก" หรือในเพลงที่ไม่เหมาะสม เช่นกัน นักเบสบลูแกรสที่เล่นตบในการแสดงสดมักจะตบน้อยกว่าในบันทึก Bub และที่ปรึกษาของเขาJerry McCouryไม่ค่อยตบเบสในการบันทึกเสียง ในขณะที่มือเบสเช่น Jack Cook ตบเบสในเพลง "Clinch Mountain Boys" ที่เร็วขึ้นเป็นครั้งคราวMissy Raines , Jenny Keel และBarry Bales [ไม่ค่อย] ตบเบส ^[50]

Mark Schatz มือเบสของ Bluegrass ผู้สอน slap bass ใน ดีวีดี Intermediate Bluegrass Bass ของเขา ยอมรับว่า slap bass "... ไม่ได้มีความโดดเด่นมากนักในเพลงที่ฉันบันทึกไว้" เขาตั้งข้อสังเกตว่า "แม้แต่ในเบสแบบบลูแกรสส์แบบดั้งเดิมก็ปรากฏขึ้นเป็นระยะ ๆ และสิ่งที่ฉันได้ทำส่วนใหญ่อยู่ในด้านร่วมสมัยมากขึ้น (Tony Rice, Tim O'Brien)" Schatz กล่าวว่าเขาจะ "... มีแนวโน้มที่จะใช้มัน [ตบ] ในสถานการณ์สดมากกว่าในการบันทึกเสียง - สำหรับโซโลหรือเพื่อคั่นสถานที่เฉพาะในเพลงหรือปรับแต่งที่ฉันจะไม่ทำลายโซโลของใครบางคน ". ^[51]วิธีบลูแกรสอีกวิธีหนึ่งเรียนรู้การเล่นเบสบลูแกรสโดยเอิร์ลเกตลีย์ ยังสอนเทคนิคการตบเบสบลูแกรสด้วยเล่นตบ Triplet อย่างรวดเร็วดังที่แสดงในวิดีโอนี้ ^[52]

ใช้ในเพลงดัง

ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 อัพไรท์เบสเป็นเครื่องดนตรีเบสมาตรฐานในแนวเพลงร็อกแอนด์โรลที่เกิดขึ้นใหม่Marshall Lytle แห่ง Bill Haley & His Cometsเป็นเพียงตัวอย่างหนึ่ง ในช่วงทศวรรษที่ 1940 แนวเพลงแดนซ์รูปแบบใหม่ที่เรียกว่า ริ ทึมและบลูส์พัฒนาขึ้น โดยผสมผสานองค์ประกอบของสไตล์บลูส์และสวิงรุ่นก่อนๆ หลุยส์ จอร์แดนผู้ริเริ่มรูปแบบนี้คนแรก ได้นำเสนอเสียงเบสที่ตรงไปตรงมาในกลุ่มของเขา นั่นคือTympany Five ^[53]

เบสตั้งตรงยังคงเป็นส่วนสำคัญของรายการเพลงป็อปตลอดช่วงทศวรรษ 1950 เนื่องจากแนวเพลงร็อกแอนด์โรล แนวใหม่ สร้างขึ้นจากรูปแบบของริธึมและบลูส์เป็นหลัก โดยมีองค์ประกอบที่แข็งแกร่งมาจากแจ๊ส คันทรี และบลูกราส อย่างไรก็ตาม ผู้เล่นเบสตรงที่ใช้เครื่องมือในบริบทเหล่านี้ประสบปัญหาโดยธรรมชาติ พวกเขาถูกบังคับให้แข่งขันกับเครื่องดนตรีที่มีแตรที่ดังกว่า (และต่อมาก็ขยายกีตาร์ไฟฟ้า ) ทำให้ส่วนเบสได้ยินยาก เบสตรงนั้นขยายได้ยากในการตั้งค่าสถานที่จัดคอนเสิร์ตที่มีเสียงดัง เนื่องจากอาจมีแนวโน้มที่จะส่งเสียงหอนตอบ รับ ^[54]เช่นเดียวกัน เบสแบบตั้งตรงมีขนาดใหญ่และไม่สะดวกในการขนย้าย ซึ่งทำให้เกิดปัญหาในการขนส่งสำหรับวงดนตรีทัวร์ริ่งด้วย ในบางกลุ่ม ตบเบสใช้เป็นวงดนตรีแทนมือกลอง; เช่นกรณีของ Bill Haley & His Saddlemen (กลุ่มบรรพบุรุษของ Comets) ซึ่งไม่ได้ใช้มือกลองในการบันทึกและการแสดงสดจนถึงปลายปี 1952; ก่อนหน้านี้ สแลปเบสใช้สำหรับเพอร์คัชชัน รวมถึงการบันทึกเสียงอย่าง " Rock the Joint " เวอร์ชันของเฮลีย์และ " Rocket 88 " ^[55]

ในปี 1951 Leo Fenderได้เปิดตัวPrecision Bass ซึ่งเป็น กีตาร์เบสไฟฟ้าตัวแรกที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ ^[56]เบสไฟฟ้าขยายได้อย่างง่ายดายด้วยปิ๊กอัพแม่เหล็ก ในตัว พกพาสะดวก (ยาวกว่ากีตาร์ไฟฟ้าน้อยกว่า 1 ฟุต) และเล่นตามเสียงได้ง่ายกว่าเบสตั้งตรง ต้องขอบคุณเฟรตโลหะ ในทศวรรษที่ 1960 และ 1970 วงดนตรีเล่นในระดับเสียงที่ดังกว่าและแสดงในสถานที่ขนาดใหญ่ เบสไฟฟ้าสามารถให้เสียงเบสที่ใหญ่โตและเต็มอิ่มแบบสเตเดียม ซึ่งเพลงป๊อปและร็อคในยุคนี้ต้องการ และเสียงเบสที่ตรงไปตรงมาก็ลดระดับลงจากไฟแก็ซของวงการเพลงยอดนิยม

รูปถ่ายของมือเบสMiroslav Vitous :

• 
• 
• 

เบสแบบตั้งตรงเริ่มกลับมาได้รับความนิยมอีกครั้งในดนตรียอดนิยมในช่วงกลางทศวรรษ 1980 ส่วนหนึ่งเป็นเพราะความสนใจครั้งใหม่ในดนตรีโฟล์กและคันทรีในยุคก่อน ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของแนวร็อคและกระแสของอเมริกา นา ในปี 1990 การปรับปรุงการออกแบบปิ๊กอัพและแอมพลิฟายเออร์สำหรับเบสอิเล็กโทร-อะคูสติกแบบแนวนอนและแบบตั้งตรง ทำให้ผู้เล่นเบสได้โทนเสียงที่ดีและชัดเจนจากเครื่องดนตรีอะคูสติกได้ง่ายขึ้น วงดนตรียอดนิยมบางวงตัดสินใจยึดเสียงของพวกเขาด้วยเบสตั้งตรงแทนที่จะเป็นเบส ไฟฟ้าเช่นBarenaked Ladies แนวโน้มสำหรับการแสดง "unplugged" บนMTVซึ่งวงดนตรีร็อกแสดงโดยใช้เครื่องดนตรีอะคูสติกเพียงอย่างเดียว ช่วยเพิ่มความสนใจของสาธารณชนในเสียงเบสและกีตาร์เบสอคูสติก .

จิม ครีกแกนแห่งBarenaked Ladiesเล่นเบสแบบตรงไปตรงมาเป็นหลัก แม้ว่าเขาจะเล่นกีตาร์เบสมากขึ้นเรื่อยๆ ตลอดอาชีพของวง Chris Wyseแห่งวงอัลเทอร์เนทีฟร็อกOwlใช้การผสมผสานระหว่างเบสไฟฟ้าและดับเบิลเบส Athol Guyแห่งวงโฟล์ค/ป๊อปชาวออสเตรเลียThe Seekersเล่นเบสที่ตรงไปตรงมา แชนนอน เบอร์แชล วงร็อคพื้นบ้านของออสเตรเลียจอห์น บัตเลอร์ ทริโอ [ ^57]ใช้ประโยชน์จากเบสที่ตรงไปตรงมา การแสดงสดเดี่ยวในเพลงเช่น เบทเทอร์แมน ในอัลบั้มปี 2008 In Ear Parkโดยวงดนตรีอินดี้/ป๊อปDepartment of Eaglesเบสตั้งตรงโค้งคำนับมีจุดเด่นค่อนข้างเด่นชัดในเพลง "Teenagers" และ "In Ear Park" Kaizers Orchestra วง Ompa-rock ของนอร์เวย์ใช้เบสแบบเที่ยงตรงทั้งแบบสดและแบบบันทึก ^[58]

เพลงป๊อบร่วมสมัยของฝรั่งเศส "What a day" ใช้เทคนิค double bass Extended pizzicato พร้อมเสียงร้องและตัวเขียน^[59]

ผู้เล่นเบสของ Hank Williams III (Jason Brown, Joe Buckและ Zach Shedd ที่โดดเด่นที่สุด) ได้ใช้เบสแบบตั้งตรงสำหรับการบันทึกเสียงเช่นเดียวกับในประเทศและชุดการแสดงสดของ Hank III ของ Hellbilly ก่อนที่จะเปลี่ยนไปใช้เบสไฟฟ้าสำหรับชุด Assjack

แนวเพลงร็อกอะบิลลี-พังก์ช่วงปลายทศวรรษ 1970 ของPsychobillyยังคงดำเนินต่อไปและขยายออกไปตามประเพณีของดนตรีร็อกอะบิลลีของสแลปเบส มือเบสอย่างKim NekromanและGeoff Kresgeได้พัฒนาความสามารถในการเล่นเบสตบอย่างรวดเร็ว ซึ่งมีผลทำให้เบสกลายเป็นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน

รูปแบบการเล่นที่ทันสมัย

ในแนวเพลงยอดนิยม เครื่องดนตรีมักจะเล่นด้วยเครื่องขยายสัญญาณและเล่นโดยใช้นิ้วเท่านั้นpizzicatoสไตล์. สไตล์ pizzicato แตกต่างกันไปตามผู้เล่นและประเภทที่แตกต่างกัน ผู้เล่นบางคนใช้นิ้วข้างหนึ่ง สอง หรือสามนิ้ว โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับการเดินเบสไลน์และเพลงบัลลาดจังหวะช้าๆ ผู้เล่นบางคนใช้ปลายนิ้วที่ว่องไวกว่าในการเล่นโซโล่เดี่ยวที่เคลื่อนไหวเร็ว หรือดึงเบาๆ เพื่อท่วงทำนองที่เงียบ การใช้การขยายเสียงทำให้ผู้เล่นสามารถควบคุมโทนเสียงของเครื่องดนตรีได้มากขึ้น เนื่องจากเครื่องขยายเสียงมีการควบคุมอีควอไลเซอร์ที่ช่วยให้นักเล่นเบสสามารถเน้นความถี่บางอย่าง (มักจะเป็นความถี่เบส) ในขณะที่ลดความถี่บางส่วน (มักจะเป็นความถี่สูง ดังนั้น ว่ามีเสียงนิ้วน้อยลง)

โทนเสียงของอะคูสติกเบสที่ไม่มีแอมพลิฟายเออร์ถูกจำกัดด้วยการตอบสนองความถี่ของตัวเครื่องกลวงของเครื่องดนตรี ซึ่งหมายความว่าระดับเสียงต่ำมากอาจไม่ดังเท่ากับระดับเสียงสูง ด้วยอุปกรณ์แอมพลิฟายเออร์และอีควอไลเซอร์ เครื่องเล่นเบสสามารถเพิ่มความถี่ต่ำ ซึ่งจะเปลี่ยนการตอบสนองความถี่ นอกจากนี้ การใช้แอมพลิฟายเออร์สามารถเพิ่มความคงตัวของเครื่องดนตรีได้ ซึ่งเป็นประโยชน์อย่างยิ่งสำหรับการบรรเลงประกอบระหว่างเพลงบัลลาดและสำหรับโซโลที่ไพเราะพร้อมโน้ตที่ยึดไว้

ในดนตรีแจ๊สสวิง โพ ลก้าร็อกอะบิลลี และไซโซบิลลี บางครั้งเล่นในสไตล์ตบ นี่คือ pizzicato เวอร์ชันที่เข้มข้น โดยที่สายจะ "ตบ" กับฟิงเกอร์บอร์ดระหว่างโน้ตหลักของสายเบส ทำให้เกิดเสียงเพอร์คัชชันเหมือนกลองบ่วง โน้ตหลักสามารถเล่นตามปกติหรือโดยการดึงสายออกจากฟิงเกอร์บอร์ดแล้วปล่อยเพื่อให้กระดอนออกจากฟิงเกอร์บอร์ด ทำให้เกิดการโจมตีแบบเพอร์คัชชันที่โดดเด่นนอกเหนือจากระดับเสียงที่คาดไว้ ผู้เล่นเบสสไตล์ตบที่โดดเด่น ซึ่งใช้เทคนิคนี้มักจะซิงโครไนซ์สูงและเก่งกาจ บางครั้งก็สอดแทรกสอง สาม สี่ หรือมากกว่าตบระหว่างโน้ตของสายเบส

"สไตล์ตบ" อาจมีอิทธิพลต่อผู้เล่นกีตาร์เบสไฟฟ้า^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}ซึ่งตั้งแต่อายุหกสิบเศษ (โดยเฉพาะ Larry Graham จาก Sly และ Family Stone) ได้พัฒนาเทคนิคที่เรียกว่าslap and popที่ใช้นิ้วโป้งของมือดึงเพื่อ ตีสตริงทำเสียงตบแต่ยังคงปล่อยให้โน้ตดังขึ้น และนิ้วชี้หรือนิ้วกลางของมือที่ถอนออกดึงสายกลับเพื่อให้กระทบกับเฟรตบอร์ด เพื่อให้ได้เสียงป๊อปดังที่อธิบายไว้ข้างต้น James Jamersonผู้เล่นเบส ของ Motownใช้ดับเบิลเบสเป็นประจำเพื่อเพิ่มประสิทธิภาพของเบสไฟฟ้าในขั้นตอนหลังการผลิต ("การทำให้หวาน") ของแทร็กที่บันทึกไว้ และในทางกลับกันในหลายกรณี ^{[ ต้องการการอ้างอิง ]}

ดับเบิลเบส

ประวัติศาสตร์

• Domenico Dragonetti (1763–1846) อัจฉริยะนักแต่งเพลง ผู้ควบคุมวง
• Giovanni Bottesini (1821-1889) อัจฉริยะ นักแต่งเพลง ผู้ควบคุมวง
• Franz Simandl (1840–1912) อัจฉริยะ นักแต่งเพลง ผู้สอน
• เอดูอา ร์ด พี่เลี้ยง (1872–1943) อัจฉริยะ นักแต่งเพลง
• Serge Koussevitzky (1874–1951) อัจฉริยะ นักแต่งเพลง วาทยกร

สมัยใหม่

• François Rabbath (1931–) อัจฉริยะ, นักแต่งเพลง
• Gary Karr (1941– ) อัจฉริยะ
• เอ็ดการ์ เมเยอร์ (1960– ) อัจฉริยะ นักแต่งเพลง ครู

ร่วมสมัย (ค.ศ. 1900)

คลาสสิก

ผู้เล่นดับเบิลเบสคลาสสิกร่วมสมัยที่ทรงอิทธิพลที่สุดบางคนเป็นที่รู้จักในด้านผลงานการสอนเช่นเดียวกับทักษะการแสดง เช่น นักเบสชาวอเมริกันOscar G. Zimmerman (1910-1987) ซึ่งเป็นที่รู้จักจากการสอนของเขาที่Eastman School of Musicและ สำหรับ 44 ฤดูร้อนที่ค่ายดนตรีแห่งชาติInterlochen ใน รัฐมิชิแกนและมือเบสชาวฝรั่งเศสFrançois Rabbath (เกิดปี 1931) ผู้พัฒนาวิธีการเบสแบบใหม่ที่แบ่งฟิงเกอร์บอร์ดทั้งหมดออกเป็นหกตำแหน่ง มือเบสที่กล่าวถึงทักษะโซโลที่เก่งกาจของพวกเขา ได้แก่ นักสอนและนักแสดงชาวอเมริกันGary Karr (เกิดปี 1941) นักแต่งเพลงชาวฟินแลนด์Teppo Hauta-Aho(เกิด พ.ศ. 2484) นักแต่งเพลงชาวอิตาลี Fernando Grillo และนักประพันธ์เพลงชาวอเมริกันEdgar Meyer สำหรับรายการที่ยาวกว่านี้ โปรดดู รายชื่อผู้เล่นดับเบิลเบสคลาสสิ ก ร่วมสมัย

แจ๊ส

นักเล่นเบสแจ๊สที่มีชื่อเสียงในช่วงทศวรรษที่ 1940 ถึง 1950 รวมถึงมือเบสJimmy Blanton (1918–1942) ซึ่งดำรงตำแหน่งสั้นในวงDuke Ellington Swing (ตัดขาดจากการเสียชีวิตของเขาจากวัณโรค ) ได้นำเสนอแนวคิดเดี่ยวที่ไพเราะและกลมกลืนสำหรับเครื่องดนตรีชนิดนี้ มือเบสRay Brown (2469-2545) เป็นที่รู้จักจากการสนับสนุน Beboppers Dizzy Gillespie , Oscar Peterson , Art TatumและCharlie Parkerและก่อตั้งModern Jazz Quartet ; รอน คาร์เตอร์มือเบสฮาร์ดบ็อบ(เกิด พ.ศ. 2480) ซึ่งปรากฏใน 3,500 อัลบั้ม ทำให้เขาเป็นหนึ่งในมือเบสที่บันทึกมากที่สุดในประวัติศาสตร์แจ๊ส รวมทั้ง LPs ของThelonious MonkและWes Montgomeryและ ศิลปิน Blue Note Recordsหลายคน; และPaul Chambers (1935-1969) สมาชิกคนหนึ่งของMiles Davis Quintet (รวมถึงเพลงแจ๊สที่เป็นโมดอลที่ โด่งดังอย่าง Kind of Blue ) และจังหวะอื่นๆ อีกมากมายในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 เป็นที่รู้จักจากการแสดงด้นสด ที่เก่งกาจของ เขา

ยุคทดลองหลังยุค 60 และดนตรีแจ๊สและแจ๊สร็อคฟิวชั่นฟรี ทำให้เกิดมือเบสที่ทรงอิทธิพลหลายคน Charles Mingus (1922-1979) ซึ่งเป็นนักแต่งเพลงและหัวหน้าวงดนตรีด้วย ผลิตดนตรีที่ผสมผสานฮาร์ดบ็อบ เข้า กับดนตรีแบล็ กกอส เปลฟรีแจ๊สและดนตรีคลาสสิก ชาร์ลี ฮาเดนมือเบสฟรีแจ๊ส และโพสต์บ็อป (1937–2014) เป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีจากความสัมพันธ์อันยาวนานของเขากับนักแซ็กโซโฟนOrnette Coleman และสำหรับบทบาทของเขาใน Liberation Music Orchestraยุค 1970 ซึ่งเป็นกลุ่มทดลอง Eddie GómezและGeorge Mrazที่เล่นกับBill EvansและOscar Petersonตามลำดับ และต่างก็ยอมรับว่ามีความคาดหวังต่อความคล่องแคล่วของ pizzicato และการใช้ถ้อยคำไพเราะ ผู้เชี่ยวชาญ ด้าน ฟิวชั่นสแตนลีย์ คลาร์ก (เกิด พ.ศ. 2494) มีความโดดเด่นในด้านความคล่องแคล่วในเสียงเบสแบบตั้งตรงและเบสไฟฟ้า Terry Plumeriมีชื่อเสียงในด้านความคล่องแคล่วในการอาร์โก้และเสียงร้องของเขา

ในปี 1990 และทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 หนึ่งใน "สิงโตหนุ่ม" ตัวใหม่คือChristian McBride (เกิดปี 1972) ซึ่งได้แสดงร่วมกับทหารผ่านศึกมากมายตั้งแต่McCoy Tynerไปจนถึงผู้เชี่ยวชาญด้านฟิวชั่นHerbie HancockและChick Coreaและใคร ได้ออกอัลบั้มเช่นในปี 2003 Vertical Vision มือเบสรุ่นเยาว์อีกคนที่โด่งดังคือEsperanza Spalding (เกิดปี 1984) ซึ่งเมื่ออายุ 27 ปี ได้รับรางวัลแกรม มี สาขาศิลปินหน้าใหม่ยอดเยี่ยมไปแล้ว

ประเภทยอดนิยมอื่น ๆ

นอกเหนือจากการเป็นผู้เล่นคลาสสิกที่มีชื่อเสียงแล้วเอ็ดการ์ เมเยอร์ยังเป็นที่รู้จักกันดีในวงการเพลงบลูแกรสและนิ วกราสอีกด้วย Todd Phillipsเป็นอีกหนึ่งผู้เล่นบลูแกรสที่โดดเด่น มือเบสร็อกอะบิลลีที่รู้จักกันดี ได้แก่ Bill Black , Marshall Lytle (ร่วมกับBill Haley & His Comets ) และLee Rocker (ร่วมกับ Stray Catsผู้ฟื้นฟูอะบิลลีในยุค 1980 )

นักฟื้นฟูดนตรีร็อกอะบิลลีที่โดดเด่นและ นักแสดง โรคจิตจากทศวรรษ 1990 และทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 ได้แก่สก็อตต์ โอเว่น (จากวงดนตรีออสเตรเลียThe Living End ), จิมโบ วอลเลซ (จากวงดนตรีของสหรัฐฯสาธุคุณฮอร์ตัน ฮีต ), คิม เนโครมัน ( Nekromantix ), แพทริเซีย เดย์ ( HorrorPops ), Geoff Kresge ( Tiger ArmyอดีตAFI ) Willie Dixon (1915–1992) เป็นหนึ่งในบุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุดในประวัติศาสตร์ของจังหวะและบลูส์. นอกเหนือจากการเป็นมือเบสที่ตรงไปตรงมาแล้ว เขายังเขียนเพลงฮิต R&B หลายสิบเพลงและทำงานเป็นโปรดิวเซอร์ด้วย เขายังเล่นเบสในเพลงร็อกแอนด์โรลของChuck Berry มากมาย วงดนตรี ร็อกอะบิลลีอีกหลายวง เช่น El Rio Trio (จากเนเธอร์แลนด์) ก็ใช้เครื่องมือนี้ในการทำงานเช่นกัน ดูรายชื่อมือเบสคู่ในเพลงป็อปด้วย

การสอนและการฝึกอบรม

การสอนและการฝึกฝนสำหรับดับเบิลเบสนั้นแตกต่างกันไปตามประเภทและประเทศ ดับเบิลเบสคลาสสิกมีประวัติของการสอนมาหลายศตวรรษ รวมถึงคู่มือการสอน การศึกษา และการออกกำลังกายแบบก้าวหน้าที่ช่วยให้นักเรียนพัฒนาความอดทนและความแม่นยำของมือซ้าย และการควบคุมสำหรับมือที่โค้งคำนับ วิธีการฝึกอบรมแบบคลาสสิกแตกต่างกันไปในแต่ละประเทศ: ประเทศในยุโรปหลักๆ หลายแห่งมีความเกี่ยวข้องกับวิธีการเฉพาะ (เช่น วิธีEdouard Nannyในฝรั่งเศสหรือวิธีFranz Simandlในเยอรมนี) ในการฝึกแบบคลาสสิก คำแนะนำส่วนใหญ่สำหรับมือขวาจะเน้นที่การสร้างเสียงคำนับ ใช้เวลาเพียงเล็กน้อยในการศึกษาความหลากหลายของโทนเสียง pizzicato

ในทางตรงกันข้าม ในแนวเพลงที่ใช้ pizzicato เป็นหลักหรือเฉพาะ (plucking) เช่น แจ๊สและบลูส์ เวลาและความพยายามอย่างมากจะเน้นไปที่การเรียนรู้รูปแบบต่างๆ ของ pizzicato แบบต่างๆ ที่ใช้สำหรับดนตรีในสไตล์ต่างๆ ของเทมปี ตัวอย่างเช่น ในดนตรีแจ๊ส นักเล่นเบสที่ต้องการเล่นเบสจะต้องเรียนรู้วิธีเล่นโทนพิซซิกาโตที่หลากหลาย รวมถึงการใช้นิ้วด้านข้างเพื่อสร้างเสียงบัลลาดที่เต็มอิ่มและลุ่มลึก การใช้ปลายนิ้วสำหรับเบสไลน์หรือโซโลที่เดินเร็ว และการแสดง ghost noteแบบเพอร์คัชซีฟต่างๆโดยการขจัดสตริงที่ปิดเสียงหรือปิดเสียงบางส่วน

การฝึกอบรมอย่างเป็นทางการ

ทุกประเภท คลาสสิกและแจ๊สมีระบบการสอนและการฝึกอบรมที่ครอบคลุมและเป็นที่ยอมรับมากที่สุด ในสภาพแวดล้อมแบบคลาสสิก เด็ก ๆ สามารถเริ่มเรียนเครื่องดนตรีแบบตัวต่อตัวและแสดงในวงออเคสตราสำหรับเด็กหรือเยาวชน วัยรุ่นที่ใฝ่ฝันที่จะเป็นนักเล่นเบสคลาสสิกมืออาชีพสามารถศึกษาต่อในสถานที่ฝึกซ้อมอย่างเป็นทางการที่หลากหลาย รวมถึงวิทยาลัย เรือนกระจก และมหาวิทยาลัย วิทยาลัยเสนอประกาศนียบัตรและอนุปริญญาด้านการแสดงเบส

Conservatoriesซึ่งเป็นระบบการฝึกดนตรีมาตรฐานในฝรั่งเศสและในควิเบก (แคนาดา) ให้บทเรียนและประสบการณ์การเล่นออเคสตรามือสมัครเล่นสำหรับผู้เล่นดับเบิลเบส มหาวิทยาลัยเปิดสอนหลักสูตรดับเบิลเบส ซึ่งรวมถึงระดับปริญญาตรี ปริญญาโทสาขาดนตรี และปริญญาดุษฎีบัณฑิต นอกจากนี้ยังมีโปรแกรมการฝึกอบรมอื่นๆ อีกหลากหลาย เช่น ค่ายฤดูร้อนคลาสสิกและเทศกาลฝึกซ้อมดนตรีออร์เคสตรา โอเปร่า หรือแชมเบอร์มิวสิค ซึ่งเปิดโอกาสให้นักศึกษาได้เล่นดนตรีหลากหลายประเภท

ปริญญาตรีสาขาการแสดงเสียงเบส (เรียกว่าB.Mus.หรือ BM) เป็นโปรแกรมสี่ปีที่รวมบทเรียนเบสแบบตัวต่อตัว ประสบการณ์วงออเคสตรามือสมัครเล่น และลำดับของหลักสูตรในประวัติศาสตร์ดนตรี ทฤษฎีดนตรี และหลักสูตรศิลปศาสตร์ (เช่น วรรณคดีอังกฤษ) ซึ่งทำให้นักเรียนมีการศึกษารอบด้านมากขึ้น โดยปกติ นักเรียนเล่นเบสจะแสดงเดี่ยวของดนตรีดับเบิลเบสเดี่ยว เช่น คอนแชร์โต โซนาตา และห้องชุดบาโรก

ปริญญาโทสาขาดนตรี ( M.mus. ) การแสดงดับเบิลเบสประกอบด้วยบทเรียนส่วนตัว, ประสบการณ์วงดนตรี, การฝึกเล่นบทดับเบิลเบสออเคสตรา และหลักสูตรบัณฑิตศึกษาด้านประวัติศาสตร์ดนตรีและทฤษฎีดนตรี พร้อมด้วยการแสดงเดี่ยวหนึ่งหรือสองบท ปริญญาโทด้านดนตรี (เรียกว่าM.Mus.หรือ MM) มักเป็นข้อมูลประจำตัวที่จำเป็นสำหรับผู้ที่ต้องการเป็นศาสตราจารย์ด้านดับเบิลเบสในมหาวิทยาลัยหรือเรือนกระจก

ศิลปศาสตรดุษฎีบัณฑิต (เรียกว่า DMA, DMA, D.Mus.A. หรือ A.Mus.D. ) ในการแสดงดับเบิลเบสเปิดโอกาสให้ศึกษาขั้นสูงในระดับศิลปะและการสอนขั้นสูงสุด โดยปกติต้องเพิ่ม 54 + หน่วยกิตเกินกว่าปริญญาโท (ซึ่งมีหน่วยกิตมากกว่าปริญญาตรีประมาณ 30+ หน่วย) ด้วยเหตุผลนี้ การรับเข้าเรียนจึงได้รับการคัดเลือกอย่างสูง จำเป็นต้องมีการสอบประวัติศาสตร์ดนตรี ทฤษฎีดนตรี การฝึกหู/การเขียนตามคำบอก และการสอบเข้า-บรรยาย นักเรียนแสดงการบรรยายจำนวนหนึ่ง (ประมาณหกครั้ง) รวมถึงการบรรยาย-บรรยายพร้อมวิทยานิพนธ์ระดับปริญญาเอกควบคู่ไปกับหลักสูตรขั้นสูง และค่าเฉลี่ย B ขั้นต่ำเป็นข้อกำหนดทั่วไปอื่นๆ ของโปรแกรม DMA

ตลอดประวัติศาสตร์ช่วงต้นของดนตรีแจ๊ส ผู้เล่นดับเบิลเบสอาจเรียนรู้เครื่องดนตรีอย่างไม่เป็นทางการ หรือจากการฝึกคลาสสิกตั้งแต่เนิ่นๆ เช่นในกรณีของ Ron Carter และ Charles Mingus ในช่วงทศวรรษ 1980 และ 1990 วิทยาลัยและมหาวิทยาลัยต่างๆ เริ่มแนะนำอนุปริญญาและปริญญาด้านการแสดงดนตรีแจ๊ส นักเรียนในหลักสูตรแจ๊สระดับอนุปริญญาหรือปริญญาตรีสาขาดนตรีต้องเรียนเบสแบบตัวต่อตัว รับประสบการณ์ในการเล่นแจ๊สคอมโบขนาดเล็กพร้อมการฝึกสอนจากผู้เล่นที่มีประสบการณ์ และเล่นในวงดนตรีแจ๊สขนาดใหญ่ เช่นเดียวกับโปรแกรมการฝึกอบรมคลาสสิก โปรแกรมแจ๊สยังรวมถึงหลักสูตรในชั้นเรียนในประวัติศาสตร์ดนตรีและทฤษฎีดนตรี ในรายการแจ๊ส หลักสูตรเหล่านี้จะเน้นที่ยุคต่างๆ ของประวัติศาสตร์แจ๊ส เช่น Swing, Bebop และ Fusion หลักสูตรภาคทฤษฎีมุ่งเน้นไปที่ทักษะทางดนตรีที่ใช้ในการอิมโพรไวส์แจ๊สและในการแต่งเพลงแจ๊ส (ประกอบ) และการแต่งเพลงแจ๊ส นอกจากนี้ยังมีค่ายฤดูร้อนแจ๊สและเทศกาลฝึกอบรม/สัมมนา ซึ่งเปิดโอกาสให้นักเรียนได้เรียนรู้ทักษะและรูปแบบใหม่ๆ

การอบรมอย่างไม่เป็นทางการ

ในแนวเพลงอื่นๆ เช่น บลูส์ ร็อกอะบิลลี และโรคจิต ระบบการสอนและลำดับการฝึกอบรมไม่ได้ทำให้เป็นทางการและเป็นระเบียบ ไม่มีระดับในการแสดงเบสบลูส์หรือโรงเรียนสอนดนตรีที่ให้ประกาศนียบัตรหลายปีในเบสอะบิลลี อย่างไรก็ตาม มีหนังสือหลายเล่ม วิธีการเล่น และตั้งแต่ช่วงทศวรรษ 1990 เป็นต้นมา ดีวีดีการสอน (เช่น วิธีการเล่นเบสตบสไตล์อะบิลลี) ด้วยเหตุนี้ นักแสดงในประเภทอื่นๆ เหล่านี้จึงมักจะมาจากหลากหลายเส้นทาง รวมถึงการเรียนรู้แบบไม่เป็นทางการโดยใช้หนังสือหรือดีวีดีวิธีการเล่นเบส การเรียนและการฝึกสอนแบบตัวต่อตัว และการเรียนรู้จากแผ่นเสียงและซีดี ในบางกรณี มือเบสบลูส์หรือร็อกอะบิลลีอาจได้รับการฝึกอบรมเบื้องต้นผ่านระบบการสอนแบบคลาสสิกหรือแจ๊ส (เช่น วงออเคสตราสำหรับเยาวชนหรือวงดนตรีระดับไฮสคูล) ในประเภทเช่นแทงโก้

อาชีพ

อาชีพในดับเบิลเบสแตกต่างกันไปตามประเภทและตามภูมิภาคหรือประเทศ มือเบสส่วนใหญ่หาเลี้ยงชีพด้วยการผสมผสานระหว่างการแสดงและงานสอน ขั้นตอนแรกในการได้งานที่มีการแสดงมากที่สุดคือการเล่นในการออดิชั่น ในบางรูปแบบของดนตรี เช่น วงดนตรีแจ๊สแนวเวที นักเล่นเบสอาจถูกขอให้อ่านเพลงที่พิมพ์ออกมาหรือแสดงดนตรีมาตรฐาน (เช่นมาตรฐานแจ๊สเช่นNow's the Time ) ร่วมกับวงดนตรี ในทำนองเดียวกัน ในวงดนตรีร็อกหรือบลูส์ ผู้ทดสอบอาจถูกขอให้เล่นมาตรฐานร็อกหรือบลูส์แบบต่างๆ การคัดเลือกมือเบสที่ตรงไปตรงมาสำหรับวงดนตรีบลูส์อาจถูกขอให้เล่นในเบสไลน์ เดินแบบสวิง "ตบ"สไตล์อะบิลลีเบสไลน์ (ซึ่งสายถูกกระทบกับฟิงเกอร์บอร์ด) และเพลงบัลลาดจากทศวรรษ 1950 พร้อมโน้ตที่ถือยาว การคัดเลือกบุคคลที่คัดเลือกเพื่อเล่นเป็นมือเบสในแนวเพลงป๊อปหรือร็อคบางรูปแบบ อาจถูกคาดหวังให้แสดงความสามารถในการร้องประสานเสียงในฐานะนักร้องสำรอง ในบางกลุ่มป๊อปและร็อค นักเล่นเบสอาจถูกขอให้เล่นเครื่องดนตรีอื่นเป็นครั้งคราว เช่น เบสไฟฟ้า คีย์บอร์ด หรือกีตาร์โปร่ง ความสามารถในการเล่นเบสไฟฟ้าเป็นที่คาดหวังกันอย่างแพร่หลายในกลุ่มประเทศ ในกรณีที่วงดนตรีกำลังเล่นดนตรีร็อคคลาสสิคหรือเพลงคันทรี่ใหม่

ดนตรีคลาสสิก

ในดนตรีคลาสสิก นักเล่นเบสคัดเลือกเพื่อเล่นงานในวงออเคสตราและเพื่อเข้าศึกษาต่อในมหาวิทยาลัยหรือหลักสูตรหรือปริญญาในโรงเรียนสอนดนตรี ในการออดิชั่นเบสแบบคลาสสิก นักแสดงมักจะเล่นการเคลื่อนไหวจากชุดJS Bach สำหรับเชลโลเดี่ยวหรือการเคลื่อนไหวจากคอนแชร์โตเบสและข้อความที่ตัดตอนมาที่หลากหลายจากวรรณกรรมออเคสตรา ข้อความที่ตัดตอนมามักจะเป็นส่วนที่ท้าทายทางเทคนิคที่สุดของส่วนเบสและโซโลเบสจากวรรณกรรมออเคสตรา บางส่วนของเพลงออเคสตราที่ได้รับการร้องขอมากที่สุดในการออดิชั่นเบสมาจากSymphonies Nos. 5, 7 และ 9 ของBeethoven ; Ein HeldenlebenและDon Juan แห่ง สเตราส์ ; โมสาร์ทซิมโฟนีหมายเลข 35, 39 และ 40; Brahms ' Symphonies หมายเลข 1 และ 2; Pulcinella ของStravinsky ; Symphony No. 5 ของShostakovich ; Variaciones ConcertanteของGinastera ; ซิมโฟนีหมายเลข 4 ของไชคอฟสกี ; ซิมโฟนีหมายเลข 2 ของมาห์เลอร์ ; J. S. Bach's Suite No. 2 ใน B; Symphonie FantastiqueของBerlioz , Symphony No. 4 ของMendelssohn ; และโซโลเบสจากโอเปร่าOtello ของ Verdi , Symphony No. 1 ของMahler , The Young Person's Guide to the OrchestraของBrittenและร้อย โทKije SuiteของProkofiev ^[60]

ดูเพิ่มเติม

• Bach: การแสดงเชลโล่สวีทโดยลำพังบนดับเบิลเบส
• ดับเบิลเบสคอนแชร์โต้
• เบสไฟฟ้าตั้งตรง
• รายชื่อผู้เล่นดับเบิ้ลเบสคลาสสิกในอดีต
• ออคโตบาส
• การละเมิดลิขสิทธิ์สามเส้า
• พิคโคโล่เบส
• โทโลโลเช่

อ้างอิง

ลิงค์ภายนอก

• เบสที่Curlie
• EarlyBass.com โดย Jerry Fuller เก็บถาวร 19 พฤศจิกายน 2546 ที่Wayback Machine
• รายชื่อผลงานเพลงแชมเบอร์ที่มีดับเบิลเบส
• ดนตรีพื้นบ้านโปแลนด์ดับเบิ้ลเบส

อ่านเพิ่มเติม

ทั่วไป

• Grodner, Murray, แคตตาล็อกหนังสือ บันทึก และวิดีโอที่ครอบคลุมสำหรับดับเบิลเบส Bloomington IN, เมอร์เรย์ กรอดเนอร์, 2000.
• Praetorius, Michael, Syntagma Musicum, Band II , Kassel, Bärenreiter, 2001. (พิมพ์ซ้ำของฉบับพิมพ์ครั้งแรกในปี 1619) ไอ 978-3-76181527-4

ประวัติ

• Billė, Isaia, Gli strumenti ad arco ei loro culturi. โรม, ออโซเนีย. พ.ศ. 2471 ดู PDF ได้ที่: https://www.vitoliuzzi.com/news-for-a-new-and-authentic-history-of-the-classic-bass/
• Boyden, David B., et al, The Violin Family , The New Grove Musical Instruments Series, London, Macmillan, 1989. ISBN 0-393-30517-1 . 
• Brun, Paul, ประวัติศาสตร์ใหม่ของ Double Bass , Seillons source d'Argens, Paul Brun Productions, 2018. ISBN 2-9514461-0-1 
• Elgar, Raymond, Introduction to the Double Bassเผยแพร่โดยผู้เขียน St Leonards on Sea, 1960
• Elgar, Raymond, More About the Double Bassเผยแพร่โดยผู้เขียน St Leonards on Sea, 1963
• Elgar, Raymomd, Looking at the Double Bass , จัดพิมพ์โดยผู้เขียน, St Leonards on Sea, 1967.
• Lohse, Jonas, Das Kontrabass-Buch , Friedberg, Jonas Lohse Verlag, 2020. ISBN 978-3-9822602-0-4 . 
• มาร์ติน, โธมัส, มาร์ติน ลอว์เรนซ์ และ จอร์จ มาร์ติน, The English Double Bass . Banbury, สำนักพิมพ์ Arpeggio, 2018
• พาลเมอร์, ฟิโอน่า เอ็ม. (1997). Domenico Dragonetti ในอังกฤษ (พ.ศ. 2337-2489) : อาชีพนักเล่นเบสแบบดับเบิ้ลเบส . อ็อกซ์ฟอร์ด, Clarendon Press, 1997. ISBN 0-19-816591-9
• Planyavsky, Alfred , Geschichte des Kontrabasses , Tutzing, Verlag Hans Schneider, 1984.
• สแตนตัน, เดวิด เอช. , เดอะ สตริง (ดับเบิล) เบส . Evanston IL, The Instrumentalist Company, 1982.

วิธีการสอนและประสิทธิภาพ

• แบรดดิช, เจฟฟ์. ดับเบิลเบส: ความท้าทายขั้นสูงสุด Denton, TX: ดนตรีสำหรับทุกคน, 2016.
• Cruft, Eugene, The Eugene Cruft School แห่งการเล่น Double Bass: วิธีการกับละคร อ็อกซ์ฟอร์ด สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ด พ.ศ. 2509
• Goïlav, Yoan, La contrebasse: Une philosophie du jeu, histoire, pédagogie, เทคนิค / The Double Bass: ปรัชญาการเล่น ประวัติศาสตร์ การสอน เทคนิค เลวิส ควิเบก: Doberman-Yppan, 2003.
• โกลด์สบี้, จอห์น, หนังสือเบสแจ๊ส: เทคนิคและประเพณี . ซานฟรานซิสโก, Backbeat Books, 2002
• โอไบรอัน, โอริน. โน้ตบุ๊ก Double-Bass: แนวคิด เคล็ดลับ และคำแนะนำสำหรับมืออาชีพที่สมบูรณ์ นิวยอร์ก: Carl Fisher, 2016. ISBN 978-0825888830 . 
• Simandl, Franz, วิธีการ ใหม่สำหรับดับเบิลเบส คาร์ล ฟิชเชอร์, 1984.
• ทัมโบรนี, ปีเตอร์, บทนำสู่การเล่นดับเบิลเบส . Oak Park IL, www.MostlyBass.com, 2014
• ทูเร็ตซกี้, เบอร์แทรม. คอนทราแบส ร่วมสมัย . เบิร์กลีย์ สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยแคลิฟอร์เนีย 2532