ยุคคลาสสิก (ดนตรี)

ประวัติ ดนตรีคลาสสิกตะวันตก
เพลงยุคต้น
ยุคกลาง ค.  500–1400  • Ars โบราณ ค.  1170–1310  • อาสโนวา ค.  1310–1377  • Ars subtilior ค.  1360–1420 เรเนซองส์ ค.  1400–1600  • การเปลี่ยนผ่านสู่ยุคบาโรก
ระยะเวลาปฏิบัติทั่วไป
บาร็อค ค.  1580-1750  • กาแลนท์ มิวสิค ค.  1720–1770  • Empfindsamkeit ค.  1740s–1780 คลาสสิก ค.  1750–1820  • โรงเรียนมันไฮม์ ค.  1740s–1780  • สตืมและแดรง ค.  1770s  • การเปลี่ยนผ่านไปสู่ความโรแมนติก โรแมนติก ค.  1800–1910
ปลายศตวรรษที่ 19, 20และ21
ความทันสมัย ค.  พ.ศ. 2433-2518  • อิมเพรสชั่นนิสม์ ค.  พ.ศ. 2433-2473  • การแสดงออก ค.  1900–1930  • นีโอคลาสซิซิสซึ่ม ค.  1920–1950  • ความต่อเนื่อง ค.  1920–1975 ร่วมสมัย จากค.  1950  • มินิมอล จากค.  1960  • ลัทธิหลังสมัยใหม่ จากค.  ทศวรรษ 1960  • ลัทธิหลังมินิมอล จากค.  1980
วี t อี

ยุคคลาสสิกเป็นยุคของดนตรีคลาสสิกระหว่างปี ค.ศ. 1730 ถึง พ.ศ. 2363 ^[1]

ยุคคลาสสิกอยู่ระหว่างยุคบาโรกและยุคโรแมนติก ดนตรีคลาสสิกมีพื้นผิวที่สว่างกว่าและชัดเจนกว่าดนตรีบาโรก แต่มีการใช้รูปแบบที่ซับซ้อนกว่า ส่วนใหญ่เป็นแบบโฮโมโฟ นิก โดยใช้แนว ทำนองที่ชัดเจนทับคอร์ดรองรอง[ ^2]แต่จุดหักเหไม่เคยลืม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเพลงประกอบพิธีกรรม และต่อมาในช่วงเวลานั้น ดนตรีบรรเลงทางโลก นอกจากนี้ยังใช้ กาแลนท์ สไตล์ที่เน้นความสง่างามเบา ๆ แทนที่ความจริงจังสง่างามและความยิ่งใหญ่ที่น่าประทับใจแบบบาโรก ความหลากหลายและความเปรียบต่างภายในชิ้นมีความชัดเจนมากขึ้นกว่าเดิมและวงออเคสตราเพิ่มขนาด ช่วง และพลัง

ฮาร์ป ซิคอร์ดถูกแทนที่เป็นเครื่องมือคีย์บอร์ดหลักโดยเปียโน (หรือfortepiano ) ซึ่งแตกต่างจากฮาร์ปซิคอร์ดที่ดึงสายด้วยปากกาขนนก เปียโนจะตีสายด้วยค้อนที่หุ้มด้วยหนังเมื่อกดแป้น ซึ่งช่วยให้ผู้แสดงเล่นดังหรือเบาขึ้นได้ (ด้วยเหตุนี้ชื่อเดิมว่า "ฟอร์เทเปียโน" แปลว่า "ดังเบา") และ เล่นด้วยการแสดงออกมากขึ้น ในทางตรงกันข้าม แรงที่นักแสดงเล่นคีย์ฮาร์ปซิคอร์ดไม่เปลี่ยนเสียง ดนตรีบรรเลงถือเป็นสิ่งสำคัญโดยนักประพันธ์เพลงยุคคลาสสิก ดนตรีบรรเลงหลัก ได้แก่โซนาต้าทรีโอเครื่องสาย ควินเท็ตซิมโฟนี(แสดงโดยวงออเคสตรา) และโซโลคอนแชร์โต้ซึ่งมีนักแสดงเดี่ยวที่มีพรสวรรค์ในการเล่นเดี่ยวสำหรับไวโอลิน เปียโน ฟลุต หรือเครื่องดนตรีอื่นๆ พร้อมด้วยวงออเคสตรา เพลงแกนนำ เช่นเพลงสำหรับนักร้องและเปียโน (โดยเฉพาะงานของ Schubert) งานร้องประสานเสียงและโอเปร่า (การแสดงละครสำหรับนักร้องและวงออเคสตรา) ก็มีความสำคัญเช่นกันในช่วงเวลานี้

คีตกวีที่โด่งดังที่สุดในยุคนี้คือโจเซฟ ไฮ เดน , โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท , ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนและฟรานซ์ ชูเบิร์ต ; ชื่อที่โดดเด่นอื่น ๆได้แก่Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Le LertsdorfGiovanni Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François-André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Georg Christoph Wagenseil , Georg Matthias Monn , Johann Georg Albrechtsberger , Mauro Giuliani , Christian CannabichและChe . เบโธเฟนถือได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกหรือนักแต่งเพลงยุคคลาสสิกซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของการเปลี่ยนผ่านสู่ยุคโรแมนติก ชูเบิร์ตยังเป็นบุคคลในช่วงเปลี่ยนผ่านเช่นเดียวกับJohann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontiniโจ อาชีโน รอสซินี , คาร์ล มาเรีย ฟอน เวเบอร์ , ยาน ลา ดิสลาฟ ดุ สเซก และ นิกโกโล ปากา นินี ช่วงเวลานี้บางครั้งเรียกว่ายุคคลาสสิกของเวียนนา (เยอรมัน: Wiener Klassik ) เนื่องจาก Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven และ Schubert ทำงานในกรุง เวียนนา

คลาสสิค

ส่วนหนึ่งของซีรีส์เรื่อง
ความคลาสสิค
สมัยโบราณ
โลกกรีก-โรมัน
ยุคแห่งการตรัสรู้
นีโอคลาสซิซิสซึ่ม เศรษฐศาสตร์ ดนตรี ฟิสิกส์
นีโอคลาสซิซิสซึ่มในศตวรรษที่ 20
ระหว่างสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและครั้งที่สอง บัลเล่ต์ เศรษฐศาสตร์ ดนตรี ปรัชญา
วี t อี

ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 ยุโรปเริ่มเคลื่อนไปสู่รูปแบบใหม่ในด้านสถาปัตยกรรมวรรณกรรม และศิลปะ หรือที่รู้จักกันทั่วไปในชื่อคลาสสิก รูปแบบนี้พยายามเลียนแบบอุดมคติของยุคคลาสสิกโบราณโดยเฉพาะอย่างยิ่ง อุดมคติของ กรีกคลาสสิก ^[3]ดนตรีคลาสสิกใช้ความเป็นทางการและเน้นที่ระเบียบและลำดับชั้น และรูปแบบที่ "ชัดเจน" "สะอาดกว่า" ที่ใช้การแบ่งส่วนที่ชัดเจนระหว่างส่วนต่างๆ (โดยเฉพาะทำนองที่ชัดเจน ทำนองเดียวพร้อมด้วยคอร์ด) คอนทราสต์ที่สว่างกว่า และ "โทนสี" ( ทำได้โดยการใช้การเปลี่ยนแปลงและการมอดูเลต แบบไดนามิกเพื่อคีย์เพิ่มเติม) ตรงกันข้ามกับดนตรีชั้นสูงในยุคบาโรก ดนตรีคลาสสิกได้เปลี่ยนไปสู่ความเรียบง่ายมากกว่าความซับซ้อน นอกจากนี้ ขนาดปกติของวงออเคสตราก็เริ่มเพิ่มขึ้น^[3]ทำให้ออเคสตรามีพลังเสียงมากขึ้น

การพัฒนาความคิดที่โดดเด่นใน " ปรัชญาธรรมชาติ " ได้สถาปนาตัวเองในจิตสำนึกสาธารณะแล้ว โดยเฉพาะอย่างยิ่งฟิสิกส์ของนิวตัน ถูกมองว่าเป็นกระบวนทัศน์: โครงสร้างควรมีรากฐานที่ดีในสัจพจน์และมีความชัดเจนและเป็นระเบียบเรียบร้อย รสนิยมของความชัดเจนของโครงสร้างนี้เริ่มส่งผลต่อดนตรี ซึ่งเปลี่ยนจากโพลีโฟ นีแบบหลายชั้น ของยุคบาโรกไปสู่รูปแบบที่เรียกว่าโฮโม โฟ นี ซึ่งเมโลดี้จะบรรเลงด้วยความประสานเสียงรอง ^[3]ท่านี้หมายความว่าคอร์ดกลายเป็นคุณลักษณะที่แพร่หลายมากขึ้นของดนตรี แม้ว่าพวกเขาจะขัดจังหวะความไพเราะอันไพเราะของส่วนเดียว ด้วยเหตุนี้ โครงสร้าง โทนเสียงของเพลงจึงน่าฟังมากขึ้น

รูปแบบใหม่ยังได้รับการสนับสนุนโดยการเปลี่ยนแปลงในระเบียบเศรษฐกิจและโครงสร้างทางสังคม เมื่อศตวรรษที่ 18 ก้าวหน้า ชนชั้นสูงก็กลายเป็นผู้อุปถัมภ์หลักของดนตรีบรรเลง ในขณะที่รสนิยมของสาธารณชนชอบการแสดงโอเปร่า ที่ตลกและเบากว่ามาก ขึ้น สิ่งนี้นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในวิธีการแสดงดนตรี สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการย้ายไปยังกลุ่มเครื่องดนตรีมาตรฐานและการลดความสำคัญของคอน ติเนน โต — พื้นฐานจังหวะและฮาร์โมนิกของเพลงที่ปกติจะเล่นโดยคีย์บอร์ด ( ฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกน ) และมักจะมาพร้อมกับเครื่องดนตรีประเภทเบสที่หลากหลาย ได้แก่เชลโลดับเบิลเบสเบสวิโอล และธีออร์ โบ วิธีหนึ่งในการติดตามความเสื่อมของคอนติเนนโตและ คอร์ดที่ คิดขึ้นคือการตรวจสอบการหายตัวไปของคำว่าobbligatoซึ่งหมายถึงส่วนที่จำเป็นของเครื่องมือในงานของ แช มเบอร์มิวสิค ในการประพันธ์เพลงแบบบาโรก คุณสามารถเพิ่มเครื่องดนตรีอื่นๆ ในกลุ่มคอนติเนนโตได้ตามความชอบของกลุ่มหรือผู้นำ ในการประพันธ์เพลงคลาสสิก ทุกส่วนมีการระบุไว้โดยเฉพาะ แม้ว่าจะไม่ได้ระบุไว้เสมอดังนั้น คำว่า "obbligato" จึงกลายเป็นคำซ้ำซ้อน จนถึงปี ค.ศ. 1800 บาสโซคอนติเนนโตเกือบสูญพันธุ์ ยกเว้นการใช้ไปป์ออร์แกนคอน ติเนนโอใน พิธีมิสซา ใน ศาสนาเป็น ครั้งคราว ในช่วงต้นปี ค.ศ. 1800

การเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจยังส่งผลต่อความสมดุลของความพร้อมและคุณภาพของนักดนตรีอีกด้วย ในช่วงปลายยุคบาโรก นักแต่งเพลงคนสำคัญจะมีทรัพยากรทางดนตรีทั้งหมดของเมืองที่จะนำมาใช้ กองกำลังทางดนตรีที่มีอยู่ในกระท่อมล่าสัตว์ของชนชั้นสูงหรือศาลขนาดเล็กมีขนาดเล็กลงและคงที่มากขึ้นในระดับความสามารถของพวกเขา นี่เป็นการกระตุ้นให้มีชิ้นส่วนที่ง่ายกว่าสำหรับนักดนตรีทั้งมวลที่จะเล่น และในกรณีของกลุ่มผู้มีพรสวรรค์ในถิ่นนั้น การกระตุ้นให้เกิดการเขียนส่วนที่งดงามและมีสำนวนสำหรับเครื่องดนตรีบางประเภท เช่นในกรณีของวง Mannheim Orchestraหรือผลงานเดี่ยวสำหรับนักไวโอลินหรือนักไวโอลินที่มีทักษะโดยเฉพาะ นอกจากนี้ ความกระหายของผู้ชมในการจัดหาเพลงใหม่อย่างต่อเนื่องจากยุคบาโรก ซึ่งหมายความว่างานจะต้องสามารถทำได้ด้วยการซ้อมหนึ่งหรือสองครั้งอย่างดีที่สุด แม้หลังจากปี ค.ศ. 1790 โมสาร์ทเขียนเกี่ยวกับ "การซ้อม" โดยมีความหมายว่าคอนเสิร์ตของเขาจะมีการซ้อมเพียงครั้งเดียว

เนื่องจากมีการเน้นที่บทเพลงไพเราะเพียงท่อนเดียว จึงมีการเน้นย้ำที่บรรทัดนั้นสำหรับไดนามิกและการใช้ถ้อยคำมากขึ้น สิ่งนี้แตกต่างกับยุคบาโรก เมื่อโดยทั่วไปแล้วท่วงทำนองจะเขียนโดยไม่มีพลวัต ถ้อยคำหรือเครื่องประดับ เนื่องจากสันนิษฐานว่านักแสดงจะด้นสดองค์ประกอบเหล่านี้ทันที ในยุคคลาสสิก นักประพันธ์เพลงมักจะระบุตำแหน่งที่ต้องการให้นักแสดงเล่นเครื่องประดับ เช่น เสียงทริลล์หรือการหมุนรอบ การทำให้พื้นผิวเรียบง่ายขึ้นทำให้รายละเอียดเครื่องดนตรีดังกล่าวมีความสำคัญมากขึ้น และยังทำให้การใช้จังหวะที่เป็นลักษณะเฉพาะ เช่น การประโคมเรียกความสนใจ จังหวะการเดินขบวนในงานศพ หรือประเภทมินูเอต มีความสำคัญมากขึ้นในการสร้างและรวมโทนเสียงของการเคลื่อนไหวเดียว .

ยุคคลาสสิกยังเห็นการพัฒนาแบบค่อยเป็นค่อยไปของรูปแบบโซนาตาซึ่งเป็นชุดของหลักการทางโครงสร้างสำหรับดนตรีที่ปรับให้เข้ากับความชอบคลาสสิกสำหรับเนื้อหาที่ไพเราะด้วยการพัฒนาแบบฮาร์มอนิก ซึ่งสามารถนำไปใช้กับแนวดนตรีได้ โซนาตาเองยังคงเป็นรูปแบบหลักสำหรับโซโลและแชมเบอร์มิวสิก ในขณะที่ต่อมาในยุคคลาสสิก ควอเตตเครื่องสายก็กลายเป็นแนวเพลงที่โดดเด่น รูป แบบ ซิมโฟนีสำหรับวงออเคสตราถูกสร้างขึ้นในช่วงเวลานี้ คอนแชร์โตกรอสโซ (คอนแชร์โต้สำหรับนักดนตรีมากกว่าหนึ่งราย) ซึ่งเป็นรูปแบบที่ได้รับความนิยมอย่างมากในยุคบาโรกเริ่มถูกแทนที่ด้วยคอนแชร์โตเดี่ยวโดยมีศิลปินเดี่ยวเพียงคนเดียว นักแต่งเพลงเริ่มให้ความสำคัญกับความสามารถของศิลปินเดี่ยวในการแสดงทักษะอัจฉริยะมากขึ้น ด้วยการวิ่งที่ท้าทาย รวดเร็ว และอาร์เพจจิโอ อย่างไรก็ตามคอนแชร์ติ กรอสซี บางส่วน ยังคงอยู่ ที่โด่งดังที่สุดคือSinfonia Concertante ของ Mozart สำหรับไวโอลินและวิโอลาใน E-flat major

ลักษณะสำคัญ

ในยุคคลาสสิกธีมประกอบด้วยวลี ที่มีท่วงทำนองและ จังหวะ ที่ ไพเราะตัดกัน วลีเหล่านี้ค่อนข้างสั้น โดยทั่วไปแล้วจะมีความยาวสี่แถบ และบางครั้งอาจดูเหมือนเบาบางหรือสั้น พื้นผิวส่วนใหญ่เป็นแบบโฮโมโฟนิก^[2]ด้วยท่วงทำนองที่ชัดเจนเหนือการบรรเลง ประสาน รองเช่นเบส Alberti ซึ่งขัดกับการปฏิบัติในดนตรีบาโรกซึ่งโดยทั่วไปแล้วชิ้นส่วนหรือการเคลื่อนไหวจะมีหัวข้อทางดนตรีเพียงเรื่องเดียว ซึ่งจะทำออกมาเป็นเสียงต่างๆ ตามหลักการของความแตกต่างในขณะที่รักษาจังหวะหรือมิเตอร์ให้สม่ำเสมอตลอด ด้วยเหตุนี้ ดนตรีคลาสสิกจึงมีพื้นผิวที่สว่างกว่าและชัดเจนกว่าดนตรีบาโรก สไตล์คลาสสิกดึงเอาสไตล์กาแลนท์ ซึ่งเป็นสไตล์ดนตรีที่เน้นความสง่างามแบบเบา แทนที่ความจริงจังอย่างสง่างามของบาโรกและความยิ่งใหญ่ที่น่าประทับใจ

โครงสร้าง ดนตรีคลาสสิกโดยทั่วไปมีรูปแบบดนตรี ที่ชัดเจน โดยมีความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างยาชูกำลังและที่โดดเด่นนำเสนอโดยจังหวะ ที่ ชัดเจน ไดนามิกใช้เพื่อเน้นลักษณะโครงสร้างของชิ้นงาน โดยเฉพาะรูปโซนาต้าและรูปแบบต่าง ๆ ได้รับการพัฒนาในช่วงยุคคลาสสิกตอนต้นและมีการใช้บ่อย วิธีการจัดโครงสร้างแบบคลาสสิกนั้นแตกต่างกับสไตล์บาโรกอีกครั้ง โดยที่องค์ประกอบปกติจะย้ายไปมาระหว่างยาชูกำลังและส่วนที่โดดเด่นและกลับมาใหม่อีกครั้ง แต่ด้วยการเปลี่ยนแปลงคอร์ดอย่างต่อเนื่องและไม่รู้สึก "มาถึง" ที่คีย์ใหม่ แม้ว่าจุดหักเหน้อยกว่าในยุคคลาสสิก แต่ก็ไม่เคยถูกลืมโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงต่อมาและผู้แต่งยังคงใช้จุดหักเหในงานที่ "จริงจัง" เช่นซิมโฟนีและเครื่องสายตลอดจนงานทางศาสนาเช่น Masses

สไตล์ดนตรีคลาสสิกได้รับการสนับสนุนโดยการพัฒนาทางเทคนิคในเครื่องดนตรี การใช้ อารมณ์ที่เท่าเทียมกันอย่างกว้างขวางทำให้โครงสร้างดนตรีคลาสสิกเป็นไปได้ โดยทำให้แน่ใจว่าจังหวะในคีย์ทั้งหมดฟังดูคล้ายกัน ฟ อร์เท เปียโนและเปีย โนฟอร์เตเข้า มาแทนที่ ฮา ร์ปซิคอร์ดทำให้คอนทราสต์ไดนามิกมากขึ้นและท่วงทำนองที่ยั่งยืนยิ่งขึ้น ในยุคคลาสสิก เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดมีความสมบูรณ์ยิ่งขึ้น มีเสียงดังขึ้น และมีพลังมากขึ้น

วงออเคสตรามีขนาดและระยะเพิ่มขึ้น และได้รับมาตรฐานมากขึ้น ฮาร์ป ซิคอร์ดหรือไปป์ออร์แกน เบสคอนติเน นโต บทบาทในวงออเคสตราหลุดออกจากการใช้งานระหว่างปี ค.ศ. 1750 ถึง ค.ศ. 1775 ปล่อยให้ส่วนเครื่องสายลมไม้กลายเป็นส่วนที่อยู่ในตัวเอง ซึ่งประกอบด้วยคลาริเน็ตโอโบฟลุต และปี่

ในขณะที่เพลงแกนนำ เช่นคอมมิคโอเปร่าได้รับความนิยม ดนตรีบรรเลงมีความสำคัญอย่างยิ่ง ดนตรีบรรเลงประเภทหลัก ได้แก่โซนาตาทรีโอเครื่องสาย ควินเท็ตซิมโฟนีคอนแชร์โต้ (ปกติแล้วสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวที่มีพรสวรรค์ร่วมกับวงออเคสตรา) และเพลงเบา เช่นเซเรเนด ส์ และไดเวอร์ติเมนโตส รูปแบบโซนาต้าพัฒนาและกลายเป็นรูปแบบที่สำคัญที่สุด มันถูกใช้เพื่อสร้างการเคลื่อนไหวครั้งแรกของงานขนาดใหญ่ส่วนใหญ่ในซิมโฟนีและเครื่องสาย. รูปแบบโซนาตายังถูกใช้ในการเคลื่อนไหวอื่นๆ และในท่อนเดี่ยว เช่นการ ทาบทาม

ประวัติ

การเปลี่ยนผ่านแบบบาโรก/คลาสสิก ค. 1730–1760

ในหนังสือของเขาThe Classical StyleนักเขียนและนักเปียโนCharles Rosenอ้างว่าตั้งแต่ปี ค.ศ. 1755 ถึงปี ค.ศ. 1775 นักประพันธ์เพลงต่างคลำหารูปแบบใหม่ที่มีประสิทธิภาพมากขึ้น ในยุคบาโรกสูง การแสดงละครจำกัดแค่การแสดงความรู้สึกของแต่ละบุคคล( "หลักคำสอนเรื่องความรักใคร่" หรือสิ่งที่โรเซนเรียกว่า "ความรู้สึกทางอารมณ์") ตัวอย่างเช่น ใน oratorio Jephtha . ของ Handelนักแต่งเพลงแสดงอารมณ์สี่อย่างแยกกัน หนึ่งอารมณ์สำหรับตัวละครแต่ละตัว ในสี่ "O ไว้ชีวิตลูกสาวของคุณ" ในที่สุดการพรรณนาถึงอารมณ์ส่วนบุคคลนี้ถูกมองว่าเรียบง่ายและไม่สมจริง คีตกวีพยายามที่จะพรรณนาถึงอารมณ์หลายอารมณ์ พร้อมกันหรือทีละขั้น ภายในตัวละครหรือการเคลื่อนไหวเดียว ("การแสดงละคร") ดังนั้นในตอนจบขององก์ที่ 2 ของDie Entführung aus dem Serail ของ Mozart คู่รักจึงย้าย "จากความสุขผ่านความสงสัยและความขุ่นเคืองไปสู่การประนีประนอมครั้งสุดท้าย" ^[4]

ในทางดนตรี "การแสดงละคร" นี้ต้องการความหลากหลายทางดนตรีมากขึ้น ในขณะที่ดนตรีบาโรกมีลักษณะเฉพาะที่ไหลลื่นภายในการเคลื่อนไหวส่วนบุคคลและพื้นผิวที่สม่ำเสมอเป็นส่วนใหญ่ ผู้แต่งหลังจากไฮบาโรกพยายามขัดขวางการไหลนี้ด้วยการเปลี่ยนแปลงอย่างกะทันหันของพื้นผิว ไดนามิก ความกลมกลืน หรือจังหวะ ในบรรดาการพัฒนาโวหารที่เกิดขึ้นตามไฮบาโรก ละครที่ดราม่าที่สุดคือEmpfindsamkeit (ประมาณ " สไตล์ที่ละเอียดอ่อน ") และผู้ฝึกที่มีชื่อเสียงที่สุดคือCarl Philipp Emanuel Bach ผู้แต่งเพลงแนวนี้ใช้การขัดจังหวะที่กล่าวถึงข้างต้นในลักษณะที่ฉับพลันที่สุด และดนตรีอาจฟังดูไร้เหตุผลในบางครั้ง นักแต่งเพลงชาวอิตาลีDomenico Scarlattiนำการพัฒนาเหล่านี้ต่อไป โซนาตาคีย์บอร์ดแบบเคลื่อนไหวเดียวมากกว่าห้าร้อยของเขายังมีการเปลี่ยนแปลงพื้นผิวอย่างกะทันหัน แต่การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ถูกจัดเป็นช่วงเวลา วลีที่สมดุลซึ่งกลายเป็นจุดเด่นของสไตล์คลาสสิก อย่างไรก็ตาม การเปลี่ยนแปลงพื้นผิวของ Scarlatti ยังคงฟังดูกะทันหันและไม่ได้เตรียมตัวไว้ ความสำเร็จที่โดดเด่นของนักประพันธ์เพลงคลาสสิกผู้ยิ่งใหญ่ (Haydn, Mozart และ Beethoven) คือความสามารถของพวกเขาในการสร้างความประหลาดใจอันน่าทึ่งเหล่านี้ให้ฟังดูมีเหตุมีผล ดังนั้น "ผู้ที่แสดงออกและสง่างามสามารถร่วมมือกันได้" ^[4]

ระหว่างการเสียชีวิตของ เจ.เอส. บาค กับความเป็นผู้ใหญ่ของไฮเดินและโมสาร์ท (ราว ค.ศ. 1750–1770) นักประพันธ์เพลงได้ทดลองกับแนวคิดใหม่เหล่านี้ ซึ่งสามารถเห็นได้ในดนตรีของบุตรของบาค Johann Christian ได้พัฒนารูปแบบซึ่งตอนนี้เราเรียกว่าRoccocoซึ่งประกอบด้วยพื้นผิวและความกลมกลืนที่เรียบง่ายกว่า ซึ่ง "มีเสน่ห์ ไม่ดราม่า และว่างเปล่าเล็กน้อย" ดังที่ได้กล่าวไว้ก่อนหน้านี้ คาร์ล ฟิลิปป์ เอ็มมานูเอลพยายามที่จะเพิ่มการแสดง และดนตรีของเขานั้น "รุนแรง แสดงออก เฉียบแหลม แปลกใจอย่างต่อเนื่อง และไม่สอดคล้องกันบ่อยครั้ง" และในที่สุด วิลเฮล์ม ฟรีดมันน์ ลูกชายคนโตของ เจ.เอส. บาค ได้ขยายประเพณีแบบบาโรกในลักษณะที่ไม่ธรรมดา ^[5]

ในตอนแรกรูปแบบใหม่เข้ามาแทนที่รูปแบบบาโรก - ternary da capo aria , sinfoniaและคอนแชร์โต้ - แต่ประกอบด้วยส่วนที่เรียบง่ายกว่า การประดับประดาด้วยสัญลักษณ์มากกว่าเครื่องประดับชั่วคราวที่พบได้ทั่วไปในยุคบาโรก และการแบ่งแยกที่เด่นชัดกว่า ชิ้นเป็นส่วน ๆ อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป ความงามแบบใหม่ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างมากในการประกอบชิ้นส่วน และเลย์เอาต์ที่เป็นทางการขั้นพื้นฐานก็เปลี่ยนไป นักประพันธ์เพลงจากยุคนี้แสวงหาเอฟเฟกต์อันน่าทึ่ง ท่วงทำนองที่โดดเด่น และพื้นผิวที่ชัดเจนยิ่งขึ้น การเปลี่ยนแปลงทางเนื้อสัมผัสครั้งใหญ่อย่างหนึ่งคือการเปลี่ยนจาก รูปแบบ โพลีโฟนิก ที่หนาแน่นและซับซ้อน ของบาโรกซึ่งมีการเล่นทำนองไพเราะหลายเส้นพร้อมกันและมุ่งไปสู่ความคล้ายคลึงกัน, เนื้อสัมผัสที่เบากว่าซึ่งใช้เส้นเมโลดี้เดี่ยวที่ชัดเจนพร้อมกับคอร์ด

ดนตรีบาโรกโดยทั่วไปใช้ความเพ้อฝันแบบฮาร์โมนิกและส่วนโพลีโฟนิกหลายส่วนซึ่งเน้นที่โครงสร้างของชิ้นดนตรีน้อยลง และเน้นวลีทางดนตรีที่ชัดเจนน้อยกว่า ในยุคคลาสสิก ความสามัคคีก็ง่ายขึ้น อย่างไรก็ตาม โครงสร้างของงานชิ้นนี้ วลี และแรงจูงใจที่ไพเราะหรือเป็นจังหวะเล็กๆ น้อยๆ มีความสำคัญมากกว่าในสมัยบาโรก

การหยุดชะงักที่สำคัญอีกประการหนึ่งในอดีตคือการยกเครื่องโอเปร่า ครั้งใหญ่ โดยChristoph Willibald Gluckผู้ซึ่งตัดขาดการตกแต่งแบบฝังรากลึกและแบบด้นสด และมุ่งเน้นไปที่ประเด็นของการปรับและการเปลี่ยนภาพ ด้วยการทำให้ช่วงเวลาเหล่านี้ที่ความกลมกลืนเปลี่ยนจุดสนใจมากขึ้น เขาได้ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างมากในอารมณ์ของดนตรี เพื่อเน้นช่วงการเปลี่ยนภาพเหล่านี้ เขาใช้การเปลี่ยนแปลงในเครื่องมือวัด ( orchestration ) เมโลดี้และโหมด ในบรรดานักประพันธ์เพลงที่ประสบความสำเร็จที่สุดในยุคของเขา Gluck ได้สร้างอีมูเลเตอร์มากมาย รวมถึงAntonio Salieri. การเน้นที่การเข้าถึงได้ทำให้ประสบความสำเร็จอย่างมากในโอเปร่า และในเพลงแกนนำอื่นๆ เช่น เพลง ออราทอริโอ และคอรัส สิ่งเหล่านี้ถือเป็นดนตรีประเภทที่สำคัญที่สุดสำหรับการแสดงและด้วยเหตุนี้จึงประสบความสำเร็จอย่างสูงต่อสาธารณชน

ระยะระหว่างยุคบาโรกและการเพิ่มขึ้นของดนตรีคลาสสิก (ราวปี ค.ศ. 1730) เป็นที่ตั้งของรูปแบบดนตรีที่แข่งขันกันหลากหลายรูปแบบ ความหลากหลายของเส้นทางศิลปะแสดงอยู่ในบุตรชายของโยฮันน์ เซบาสเตียน บาค : วิลเฮล์ม ฟรีดมันน์ บาค ผู้ซึ่งสานต่อประเพณีบาโรกในแบบส่วนตัว Johann Christian Bachผู้ทำให้พื้นผิวของ Baroque เรียบง่ายและมีอิทธิพลต่อ Mozart อย่างชัดเจนที่สุด และCarl Philipp Emanuel Bachผู้แต่งเพลงEmpfindsamkeit ที่หลงใหลและแปลกประหลาดในบางครั้งความเคลื่อนไหว. วัฒนธรรมทางดนตรีติดอยู่ที่ทางแยก: ผู้เชี่ยวชาญของรูปแบบเก่ามีเทคนิค แต่ประชาชนต่างก็กระหายหาสิ่งใหม่ นี่เป็นหนึ่งในเหตุผลที่ CPE Bach ได้รับการยกย่องอย่างสูง: เขาเข้าใจรูปแบบเก่า ๆ ค่อนข้างดีและรู้วิธีนำเสนอพวกเขาในชุดใหม่ด้วยรูปแบบที่หลากหลายที่เพิ่มขึ้น

1750–1775

ในช่วงปลายทศวรรษ 1750 มีศูนย์กลางรูปแบบใหม่เฟื่องฟูในอิตาลี เวียนนา มานไฮม์และปารีส มีการแต่งซิมโฟนีหลายสิบรายการและมีวงดนตรีที่เกี่ยวข้องกับโรงละครดนตรี โอเปร่าหรือเพลงแกนนำอื่นๆ ที่มาพร้อมกับวงออเคสตราเป็นคุณลักษณะของงานดนตรีส่วนใหญ่ โดยมีคอนแชร์โตและซิมโฟนี (เกิดขึ้นจากการทาบทาม ) ทำหน้าที่เป็นบทนำและบทนำสำหรับโอเปร่าและบริการในโบสถ์ ในช่วงเวลาคลาสสิก ซิมโฟนีและคอนแชร์โตได้พัฒนาขึ้นและนำเสนอโดยไม่ขึ้นกับเสียงร้อง

วงดนตรีออร์เคสตรา "ปกติ" ซึ่งเป็นเครื่องสายที่เสริมด้วยลม และการเคลื่อนไหวของลักษณะจังหวะเฉพาะถูกสร้างขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1750 ในกรุงเวียนนา อย่างไรก็ตาม ความยาวและน้ำหนักของชิ้นงานยังคงมีลักษณะแบบบาโรกอยู่บ้าง: การเคลื่อนไหวแต่ละรายการยังคงเน้นที่ "ผลกระทบ" เพียงอย่างเดียว (อารมณ์ทางดนตรี) หรือมีส่วนตรงกลางที่ตัดกันอย่างชัดเจนเพียงส่วนเดียว และความยาวของพวกมันไม่ได้มากกว่าการเคลื่อนไหวแบบบาโรกอย่างมีนัยสำคัญ ยังไม่มีทฤษฎีที่ชัดเจนเกี่ยวกับวิธีการเขียนในรูปแบบใหม่ มันเป็นช่วงเวลาที่สุกงอมสำหรับการพัฒนา

ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนแรกของสไตล์นี้คือนักแต่งเพลงJoseph Haydn ในช่วงปลายทศวรรษ 1750 เขาเริ่มแต่งเพลงซิมโฟนี และในปี ค.ศ. 1761 เขาได้ประพันธ์อันมีค่า ( เช้าเที่ยงและเย็น ) อย่างแน่นหนา ในโหมดร่วมสมัย ในฐานะรองKapellmeisterและต่อมา Kapellmeister ผลงานของเขาขยายออกไป: เขาแต่งเพลงซิมโฟนีมากกว่าสี่สิบรายการในปี 1760 เพียงอย่างเดียว และในขณะที่ชื่อเสียงของเขาเติบโตขึ้น เมื่อวงออเคสตราของเขาถูกขยายออกไป และการประพันธ์เพลงของเขาก็ถูกคัดลอกและเผยแพร่ เสียงของเขาเป็นเพียงหนึ่งในหลาย ๆ เสียง

ในขณะที่นักวิชาการบางคนแนะนำว่า Haydn ถูกบดบังโดย Mozart และ Beethoven มันคงเป็นเรื่องยากที่จะพูดเกินจริงถึงความเป็นศูนย์กลางของ Haydn ที่มีต่อรูปแบบใหม่ และด้วยเหตุนี้อนาคตของดนตรีศิลปะตะวันตกโดยรวม ในช่วงเวลานั้น ก่อนที่โมสาร์ทหรือเบโธเฟนจะมีชื่อเสียงโด่งดัง และโยฮันน์ เซบาสเตียน บาคเป็นที่รู้จักในฐานะผู้ชื่นชอบดนตรีคีย์บอร์ดเป็นหลัก Haydn ได้ก้าวขึ้นมาสู่ตำแหน่งในด้านดนตรีที่ทำให้เขาอยู่เหนือนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ทั้งหมด ยกเว้นGeorge Frideric Handel แห่งยุคบาโร ก ไฮเดนรับเอาความคิดที่มีอยู่และเปลี่ยนแปลงวิธีการทำงานอย่างสิ้นเชิง ทำให้เขาได้รับตำแหน่ง "บิดาแห่งซิมโฟนี " และ "บิดาของวงเครื่องสาย "

แรงขับเคลื่อนหนึ่งที่ทำงานเป็นแรงผลักดันสำหรับการรุกไปข้างหน้าของเขาคือการกระตุ้นครั้งแรกของสิ่งที่ต่อมาเรียกว่าแนวจินตนิยม — ระยะ Sturm und Drangหรือ "พายุและความเครียด" ในงานศิลปะ ซึ่งเป็นช่วงเวลาสั้น ๆ ที่อารมณ์รุนแรงและชัดเจน การตั้งค่าโวหาร ดังนั้น Haydn จึงต้องการความเปรียบต่างที่น่าทึ่งและท่วงทำนองที่ดึงดูดอารมณ์มากขึ้น โดยมีบุคลิกที่เฉียบคมและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในผลงานของเขา ช่วงเวลานี้จางหายไปในดนตรีและวรรณกรรม อย่างไรก็ตาม มันมีอิทธิพลต่อสิ่งที่เกิดขึ้นในภายหลังและในที่สุดก็จะเป็นส่วนหนึ่งของรสนิยมทางสุนทรียะในทศวรรษต่อมา

The Farewell Symphonyหมายเลข 45 ใน F ♯ minor แสดงให้เห็นถึงการผสมผสานของ Haydn กับความต้องการที่แตกต่างกันของรูปแบบใหม่ ด้วยการเลี้ยวที่เฉียบคมอย่างน่าประหลาดใจและความคิดที่ช้าเป็นเวลานานเพื่อจบงาน ในปี ค.ศ. 1772 Haydn ได้จัดทำ Opus 20 ชุดที่มีเครื่องสายสี่สตริงหกชุด ซึ่งเขาได้ใช้เทคนิคโพลีโฟนิกที่เขารวบรวมมาจากยุคบาโรกก่อนหน้านี้เพื่อให้เกิดความเชื่อมโยงทางโครงสร้างที่สามารถรวบรวมความคิดอันไพเราะของเขาไว้ได้ สำหรับบางคน นี่เป็นจุดเริ่มต้นของรูปแบบคลาสสิกที่ "เป็นผู้ใหญ่" ซึ่งช่วงเวลาของการตอบสนองต่อความซับซ้อนแบบบาโรกตอนปลายทำให้เกิดช่วงเวลาของการผสมผสานองค์ประกอบแบบบาโรกและคลาสสิก

พ.ศ. 2318-2533

Haydn ซึ่งทำงานเป็นผู้กำกับเพลงให้กับเจ้าชายมากว่าทศวรรษ มีทรัพยากรและขอบเขตในการแต่งมากกว่านักประพันธ์เพลงอื่นๆ ส่วนใหญ่ ตำแหน่งของเขายังทำให้เขาสามารถกำหนดพลังที่จะเล่นดนตรีของเขาได้ เนื่องจากเขาสามารถเลือกนักดนตรีที่มีทักษะได้ โอกาสนี้ไม่สูญเปล่าในขณะที่ Haydn เริ่มต้นอาชีพของเขาค่อนข้างเร็ว พยายามผลักดันเทคนิคการสร้างและพัฒนาแนวคิดในดนตรีของเขา ความก้าวหน้าครั้งสำคัญครั้งต่อไปของเขาคือในเครื่องสาย Opus 33(1781) ซึ่งไพเราะและบทบาทประสานกันระหว่างเครื่องดนตรี: มักจะไม่ชัดเจนชั่วขณะหนึ่งว่าอะไรคือทำนองและอะไรคือความกลมกลืน สิ่งนี้เปลี่ยนวิธีที่วงดนตรีทำงานระหว่างช่วงเวลาอันน่าทึ่งของการเปลี่ยนแปลงและส่วนยอด: ดนตรีไหลอย่างราบรื่นและไม่มีการหยุดชะงักอย่างเห็นได้ชัด จากนั้นเขาก็นำสไตล์ที่ผสมผสานนี้มาใช้และเริ่มนำไปใช้กับดนตรีออร์เคสตราและแกนนำ

พรสวรรค์ด้านดนตรีของ Haydn คือวิธีการแต่งเพลง ซึ่งเป็นวิธีการจัดโครงสร้างงาน ซึ่งในขณะเดียวกันก็สอดคล้องกับสุนทรียศาสตร์ในการปกครองของรูปแบบใหม่ อย่างไรก็ตามโวล์ฟกัง อะมาดิอุส โมสาร์ท วัยหนุ่มร่วมสมัยนำอัจฉริยะของเขามาสู่ความคิดของ Haydn และนำไปใช้กับสองประเภทหลัก ๆ ของวัน: โอเปร่าและคอนแชร์โต้อัจฉริยะ ในขณะที่ Haydn ใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตการทำงานของเขาในฐานะนักแต่งเพลงในราชสำนัก Mozart ต้องการความสำเร็จในที่สาธารณะในชีวิตการแสดงคอนเสิร์ตของเมืองต่างๆ เพื่อเล่นให้กับประชาชนทั่วไป นี่หมายความว่าเขาจำเป็นต้องเขียนโอเปร่าและเขียนและแสดงความสามารถพิเศษ Haydn ไม่ได้เป็นอัจฉริยะในระดับการท่องเที่ยวระหว่างประเทศ และไม่แสวงหาที่จะสร้างผลงานโอเปร่าที่สามารถเล่นได้หลายคืนต่อหน้าผู้ชมจำนวนมาก โมสาร์ทต้องการบรรลุทั้งสองอย่าง นอกจากนี้ โมสาร์ทยังมีรสนิยมในคอร์ดที่มีสีมากขึ้น (และโดยทั่วไปแล้วจะมีความแตกต่างกันมากขึ้นในภาษาฮาร์โมนิก) ความรักที่มากขึ้นในการสร้างท่วงทำนองที่ไพเราะในงานชิ้นเดียว และความอ่อนไหวทางดนตรีในภาพรวมของอิตาลีมากขึ้น เขาพบใน Haydn'JS Bachวิธีในการฝึกฝนและเพิ่มพูนพรสวรรค์ทางศิลปะของเขา

Mozart ได้รับความสนใจอย่างรวดเร็วจาก Haydn ผู้ซึ่งยกย่องนักแต่งเพลงคนใหม่ ศึกษาผลงานของเขา และถือว่าชายหนุ่มคนนี้เป็นเพื่อนทางดนตรีที่แท้จริงเพียงคนเดียวของเขา ใน Mozart Haydn ได้ค้นพบเครื่องมือที่หลากหลาย เอฟเฟกต์อันน่าทึ่ง และทรัพยากรที่ไพเราะ ความสัมพันธ์การเรียนรู้เคลื่อนไปทั้งสองทิศทาง โมสาร์ทยังมีความเคารพอย่างสูงต่อนักประพันธ์เพลงที่มีอายุมากกว่าและมากประสบการณ์ และพยายามเรียนรู้จากเขา

การมาถึงของ Mozart ในกรุงเวียนนาในปี ค.ศ. 1780 ทำให้เกิดความเร่งในการพัฒนารูปแบบคลาสสิก ที่นั่น โมสาร์ทซึมซับการผสมผสานของความฉลาดแบบอิตาลีและความเหนียวแน่นแบบเยอรมันซึ่งเกิดขึ้นในช่วง 20 ปีที่ผ่านมา รสนิยมของตัวเองสำหรับความฉูดฉาดฉูดฉาด, ท่วงทำนองและตัวเลขที่ซับซ้อนเป็นจังหวะ, cantilena ยาวท่วงทำนองและพรสวรรค์ที่เฟื่องฟูถูกผสานเข้ากับความซาบซึ้งในการเชื่อมโยงกันอย่างเป็นทางการและความเชื่อมโยงภายใน เมื่อถึงจุดนี้ สงครามและอัตราเงินเฟ้อทางเศรษฐกิจได้หยุดยั้งแนวโน้มของวงออเคสตราขนาดใหญ่ และบังคับให้วงออเคสตราโรงละครจำนวนมากต้องยุบวงหรือลดลง สิ่งนี้กดดันสไตล์คลาสสิกเข้าด้านใน: เพื่อค้นหาวงดนตรีและความท้าทายทางเทคนิคที่มากขึ้น—เช่น กระจายทำนองไปตามลมไม้ หรือใช้ทำนองที่กลมกลืนกันเป็นสามส่วน กระบวนการนี้สร้างความพิเศษให้กับดนตรีชุดเล็กที่เรียกว่าแชมเบอร์มิวสิก นอกจากนี้ยังนำไปสู่แนวโน้มสำหรับการแสดงต่อสาธารณะมากขึ้น โดยช่วยส่งเสริมเครื่องสายและกลุ่มวงดนตรีขนาดเล็กอื่นๆ เพิ่มเติม

ในช่วงทศวรรษนี้เองที่รสนิยมของสาธารณชนเริ่มมากขึ้นเรื่อยๆ เพื่อตระหนักว่า Haydn และ Mozart ได้บรรลุมาตรฐานระดับสูงในการจัดองค์ประกอบภาพ เมื่อถึงเวลาที่โมสาร์ทมาถึงเมื่ออายุได้ 25 ปี ในปี ค.ศ. 1781 รูปแบบที่โดดเด่นของเวียนนาก็เชื่อมโยงกับการเกิดขึ้นในยุค 1750 ของสไตล์คลาสสิกตอนต้นอย่างเห็นได้ชัด ในช่วงปลายยุค 1780 การเปลี่ยนแปลงในการปฏิบัติการแสดง สถานะของดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง ความต้องการด้านเทคนิคของนักดนตรี ในช่วงทศวรรษนี้ โมสาร์ทแต่งเพลงโอเปร่าที่โด่งดังที่สุดของเขา ซิมโฟนีหกเพลงของเขาที่ช่วยกำหนดแนวเพลงใหม่ และเปียโนคอนแชร์ติจำนวนหนึ่งที่ยังคงยืนอยู่ที่จุดสูงสุดของรูปแบบเหล่านี้

นักแต่งเพลงคนหนึ่งที่มีอิทธิพลในการเผยแพร่สไตล์ที่จริงจังมากขึ้นที่ Mozart และ Haydn สร้างขึ้นคือMuzio Clementiนักเปียโนที่มีพรสวรรค์ซึ่งผูกติดกับ Mozart ใน "การต่อสู้" ทางดนตรีต่อหน้าจักรพรรดิซึ่งพวกเขาแต่ละคนได้เล่นเปียโนและบรรเลงเพลงของพวกเขา . โซนาตาสำหรับเปียโนของ Clementi แพร่หลายไปทั่ว และเขาก็กลายเป็นนักแต่งเพลงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในลอนดอนในช่วงทศวรรษ 1780 นอกจากนี้ ในลอนดอน ณ เวลานี้แจน ลาดิสลาฟ ดุสเซก ผู้ซึ่งเช่นเดียวกับ Clementi ได้สนับสนุนให้ผู้ผลิตเปียโนขยายช่วงและคุณสมบัติอื่นๆ ของเครื่องดนตรีของตน จากนั้นจึงใช้ประโยชน์จากความเป็นไปได้ที่เพิ่งเปิดใหม่อย่างเต็มที่ ความสำคัญของลอนดอนในยุคคลาสสิกมักถูกมองข้าม แต่ก็เป็นบ้านของBroadwood'sโรงงานสำหรับการผลิตเปียโนและเป็นฐานสำหรับนักประพันธ์เพลงที่แม้จะมีชื่อเสียงน้อยกว่า "โรงเรียนเวียนนา" แต่ก็มีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่อสิ่งที่เกิดขึ้นในภายหลัง พวกเขาเป็นนักประพันธ์เพลงที่มีผลงานดี ๆ มากมาย โดดเด่นในสิทธิของตนเอง รสนิยมในคุณธรรมของลอนดอนอาจสนับสนุนการทำงานของข้อความที่ซับซ้อนและข้อความเพิ่มเติมเกี่ยวกับยาชูกำลังและความโดดเด่น

ราวปี พ.ศ. 2333-2563

เมื่อไฮเดินและโมสาร์ทเริ่มแต่งเพลง ซิมโฟนีเล่นเป็นการเคลื่อนไหวเดียว—ก่อน ระหว่าง หรือเป็นการสลับฉากในงานอื่น—และหลายคนใช้เวลาเพียงสิบหรือสิบสองนาที กลุ่มเครื่องดนตรีมีมาตรฐานการเล่นที่แตกต่างกัน และความต่อเนื่องเป็นส่วนสำคัญของการทำดนตรี

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา โลกโซเชียลของดนตรีมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมาก สิ่งพิมพ์ระหว่างประเทศและการท่องเที่ยวเติบโตขึ้นอย่างรวดเร็ว และสมาคมคอนเสิร์ตก็ก่อตัวขึ้น สัญกรณ์มีความเฉพาะเจาะจงมากขึ้น อธิบายได้มากขึ้น—และแผนผังสำหรับงานก็ง่ายขึ้น (แต่ก็มีความหลากหลายมากขึ้นในการทำงานที่แน่นอน) ในปี ค.ศ. 1790 ก่อนการเสียชีวิตของ Mozart ด้วยชื่อเสียงของเขาที่แพร่หลายอย่างรวดเร็ว Haydn ก็พร้อมสำหรับความสำเร็จมากมาย โดยเฉพาะอย่างยิ่ง oratorios ที่ล่วงลับไปแล้วและซิมโฟนีในลอนดอน นักประพันธ์เพลงในปารีส โรม และทั่วเยอรมนีหันไปหา Haydn และ Mozart สำหรับแนวคิดในรูปแบบต่างๆ

ในยุค 1790 นักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่ซึ่งเกิดเมื่อราวปี 1770 ได้ถือกำเนิดขึ้น ในขณะที่พวกเขาเติบโตขึ้นมาพร้อมกับรูปแบบก่อนหน้านี้ พวกเขาได้ยินในผลงานล่าสุดของ Haydn และ Mozart ว่าเป็นพาหนะสำหรับการแสดงออกที่ดียิ่งขึ้น ในปี ค.ศ. 1788 ลุยจิ เชรูบิ นี ตั้งรกรากอยู่ในปารีส และในปี ค.ศ. 1791 ได้แต่งโลดอยสกาซึ่งเป็นโอเปร่าที่ทำให้เขามีชื่อเสียง สไตล์ของมันสะท้อนให้เห็นถึงความเป็นผู้ใหญ่ของ Haydn และ Mozart ได้อย่างชัดเจน และเครื่องมือวัดทำให้น้ำหนักที่ยังไม่เคยสัมผัสได้ใน แกรนด์ โอเปร่า Étienne Méhulร่วมสมัยของเขาได้ขยายผลเครื่องดนตรีด้วยโอเปร่าEuphrosine et Coradin ในปี ค.ศ. 1790 ซึ่งตามมาด้วยความสำเร็จหลายครั้ง แรงผลักดันสุดท้ายสู่การเปลี่ยนแปลงมาจากGaspare Spontiniผู้ซึ่งได้รับการยกย่องอย่างลึกซึ้งจากนักประพันธ์เพลงโรแมนติกในอนาคตเช่น Weber, Berlioz และ Wagner ภาษาฮาร์โมนิกที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของโอเปร่าของเขา เครื่องมือที่ได้รับการขัดเกลาและตัวเลขปิด "พันธนาการ" (รูปแบบโครงสร้างซึ่งต่อมาใช้โดย Weber ใน Euryanthe และส่งต่อจากเขาผ่าน Marschner ถึง Wagner) เป็นพื้นฐานที่ภาษาฝรั่งเศสและ โอเปร่าโรแมนติกของเยอรมันมีจุดเริ่มต้น

ชะตากรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของคนรุ่นใหม่คือลุดวิก ฟาน เบโธเฟนซึ่งเปิดตัวผลงานที่มีหมายเลขของเขาในปี ค.ศ. 1794 ด้วยชุดเปียโนทรีโอสามชุด ซึ่งยังคงอยู่ในละคร Johann Nepomuk Hummel อายุน้อยกว่าคนอื่นๆ แม้จะประสบความสำเร็จพอๆ กันเพราะการศึกษาในวัยหนุ่มของเขาภายใต้การดูแลของ Mozart และความมีคุณธรรมของเขาเองก็ตามJohann Nepomuk Hummel ฮุมเมิลศึกษาภายใต้ไฮเดนเช่นกัน เขาเป็นเพื่อนกับเบโธเฟนและฟรานซ์ ชูเบิร์ต. เขาจดจ่ออยู่กับเปียโนมากกว่าเครื่องดนตรีอื่น ๆ และเวลาของเขาในลอนดอนในปี ค.ศ. 1791 และ ค.ศ. 1792 ได้สร้างการประพันธ์และการตีพิมพ์ในปี ค.ศ. 1793 จากสามเปียโนโซนาตา opus 2 ซึ่งใช้เทคนิคของโมสาร์ทในการหลีกเลี่ยงจังหวะที่คาดหวัง และบางครั้งก็เป็นกิริยาช่วยของเคลเมนติ ร่างอัจฉริยะที่ไม่แน่นอน เมื่อนำมารวมกัน นักแต่งเพลงเหล่านี้สามารถมองได้ว่าเป็นแนวหน้าของการเปลี่ยนแปลงในวงกว้างในด้านสไตล์และศูนย์กลางของดนตรี พวกเขาศึกษางานของกันและกัน เลียนแบบท่าทางของกันและกันในดนตรี และบางครั้งก็ทำตัวเหมือนเป็นคู่แข่งกันที่ทะเลาะกัน

ความแตกต่างที่สำคัญกับคลื่นลูกที่แล้วสามารถเห็นได้ในการเปลี่ยนแปลงท่วงทำนอง, ระยะเวลาของการเคลื่อนไหวที่เพิ่มขึ้น, การยอมรับของ Mozart และ Haydn เป็นกระบวนทัศน์, การใช้ทรัพยากรคีย์บอร์ดมากขึ้น, การเปลี่ยนจากการเขียน "แกนนำ" เป็นการเขียน "เปียโน" แรงดึงดูดที่เพิ่มขึ้นของผู้เยาว์และความกำกวมของกิริยา และความสำคัญที่เพิ่มขึ้นของตัวเลขประกอบที่แตกต่างกันเพื่อนำ "เนื้อสัมผัส" ไปข้างหน้าในฐานะองค์ประกอบในดนตรี ในระยะสั้นดนตรีคลาสสิกตอนปลายกำลังมองหาดนตรีที่มีความซับซ้อนมากขึ้นภายใน การเติบโตของสมาคมคอนเสิร์ตและวงออเคสตรามือสมัครเล่น ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความสำคัญของดนตรีในฐานะส่วนหนึ่งของชีวิตชนชั้นกลาง มีส่วนทำให้ตลาดเปียโน ดนตรีเปียโน และผู้เชี่ยวชาญกลายเป็นตัวอย่างที่เฟื่องฟู Hummel, Beethoven และ Clementi ล้วนมีชื่อเสียงในด้านการแสดงด้นสด

อิทธิพลโดยตรงของบาโรกยังคงจางหายไป: เบสที่มีรูปทรงมีความโดดเด่นน้อยลงเนื่องจากเป็นการรวมการแสดงเข้าด้วยกัน การฝึกฝนการแสดงในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ยังคงหายไป อย่างไรก็ตาม ในเวลาเดียวกัน ปรมาจารย์บาโรกฉบับสมบูรณ์เริ่มมีให้เห็น และอิทธิพลของสไตล์บาโรกยังคงเติบโต โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการใช้ทองเหลืองอย่างกว้างขวางมากขึ้น คุณลักษณะอื่นของยุคนี้คือจำนวนการแสดงที่เพิ่มขึ้นโดยที่ผู้แต่งไม่อยู่ สิ่งนี้นำไปสู่รายละเอียดและความจำเพาะที่เพิ่มขึ้นในสัญกรณ์ ตัวอย่างเช่น มีชิ้นส่วน "ทางเลือก" ที่แยกจากคะแนนหลักน้อยกว่า

พลังของการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้เริ่มปรากฏชัดในซิมโฟนีที่ 3 ของเบโธเฟน ซึ่งผู้แต่งได้ใช้ชื่อนี้ว่าEroicaซึ่งมีความหมายว่า "วีรบุรุษ" ในภาษาอิตาลี เช่นเดียวกับThe Rite of Spring ของ Stravinsky มันอาจจะไม่ใช่นวัตกรรมแรกในนวัตกรรมทั้งหมด แต่การใช้สไตล์คลาสสิกอย่างก้าวร้าวทำให้มันแตกต่างจากงานร่วมสมัย ทั้งในด้านความยาว ความทะเยอทะยาน และทรัพยากรที่กลมกลืนกัน .

โรงเรียนเวียนนาแห่งแรก

โรงเรียนเวียนนาแห่งแรกเป็น ชื่อที่ส่วนใหญ่ใช้เพื่ออ้างถึงนักประพันธ์เพลงสามคนในยุคคลาสสิกใน เวียนนาช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ได้แก่ ไฮเดน โมสาร์ท และเบโธเฟน Franz Schubertถูกเพิ่มในรายการเป็นครั้งคราว

ในประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมัน จะใช้คำว่าWiener Klassik ( ยุคคลาสสิก/ศิลปะแบบเวียนนา ) คำนี้มักใช้กับดนตรีในยุคคลาสสิกอย่างกว้างๆ มากกว่า โดยเป็นวิธีการแยกแยะความแตกต่างจากยุคอื่นๆ ที่เรียกขานว่าคลาสสิกคือ ดนตรี บาร็อคและ โร แมน ติก

คำว่า "โรงเรียนเวียนนา" ถูกใช้ครั้งแรกโดยนักดนตรีชาวออสเตรีย Raphael Georg Kiesewetter ในปี 1834 แม้ว่าเขาจะนับแค่ Haydn และ Mozart เป็นสมาชิกของโรงเรียนก็ตาม นักเขียนคนอื่นๆ ทำตาม และในที่สุดบีโธเฟนก็ถูกเพิ่มเข้าไปในรายชื่อ ^[6]วันนี้มีการเพิ่มการกำหนด "ที่หนึ่ง" เพื่อหลีกเลี่ยงความสับสนกับโรงเรียนเวียนนาแห่งที่สอง

ในขณะที่ชูเบิร์ตแยกจากกัน นักแต่งเพลงเหล่านี้รู้จักกันเป็นอย่างดี (โดยที่ Haydn และ Mozart เป็นคู่หูแชมเบอร์มิวสิกเป็นครั้งคราว) ไม่สมเหตุสมผลเลยที่พวกเขามีส่วนร่วมในความพยายามร่วมกันในแง่ที่ว่าจะเชื่อมโยงกับโรงเรียนในศตวรรษที่ 20 เช่น Second Viennese School หรือLes Six และไม่มีความหมายใดๆ ที่นักประพันธ์เพลงคนหนึ่งได้รับ "การศึกษา" จากอีกคนหนึ่ง (ในแบบที่เชินเบิร์กสอนแบร์กและเวเบิร์น) แม้ว่าเบโธเฟนจะได้รับบทเรียนจากเฮย์เดนในระยะเวลาหนึ่งก็ตาม

ความพยายามที่จะขยายโรงเรียนเวียนนาแห่งแรกให้ครอบคลุมบุคคลในยุคหลัง เช่นแอนทอน บรัคเนอร์โยฮันเนส บราห์มส์และกุสตาฟ มาห์เลอร์เป็นเพียงการสื่อสารมวลชน และไม่เคยพบเห็นในวิชาดนตรีเชิงวิชาการ

อิทธิพลคลาสสิกต่อนักแต่งเพลงในภายหลัง

ยุคดนตรีและรูปแบบ รูปทรง และเครื่องดนตรีที่แพร่หลายนั้นแทบจะหายไปในทันที แต่คุณลักษณะต่างๆ จะถูกแทนที่เมื่อเวลาผ่านไป จนกว่าวิธีการแบบเก่าจะรู้สึกว่า "ล้าสมัย" เพียงอย่างเดียว สไตล์คลาสสิกไม่ "ตาย" กะทันหัน ค่อนข้างจะค่อย ๆ ค่อย ๆ หายไปภายใต้น้ำหนักของการเปลี่ยนแปลง ขอยกตัวอย่างเพียงตัวอย่างเดียว แม้ว่าโดยทั่วไปจะกล่าวไว้ว่ายุคคลาสสิกเลิกใช้ ฮา ร์ปซิคอร์ดในวงออร์เคสตรา เรื่องนี้ไม่ได้เกิดขึ้นกะทันหันในช่วงเริ่มต้นของยุคคลาสสิกในปี 1750 แต่วงออร์เคสตราก็ค่อยๆ หยุดใช้ฮาร์ปซิคอร์ดในการเล่น บาส โซ คอนติเน นโต จนกระทั่งการฝึกซ้อมหยุดลงในช่วงปลายทศวรรษ 1700

การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญอย่างหนึ่งคือการเปลี่ยนไปสู่ความสามัคคีที่มีศูนย์กลางที่ปุ่ม "แนวราบ": การเปลี่ยนแปลงในทิศทาง ที่ เหนือ กว่า ^{[ จำเป็นต้องชี้แจง ]}. ในสไตล์คลาสสิก คีย์เมเจอร์พบได้บ่อยกว่าไมเนอร์ โครมาติซึมถูกกลั่นกรองโดยใช้มอดูเลตที่ "คมชัด" (เช่น ชิ้นส่วนในซีเมเจอร์ปรับเป็น G เมเจอร์, ดีเมเจอร์ หรือเอเมเจอร์ ซึ่งทั้งหมดเป็นคีย์ ที่มีความคมชัดมากขึ้น) ส่วนต่างๆ ในโหมดรองมักใช้เพื่อคอนทราสต์เช่นกัน เริ่มต้นด้วย Mozart และ Clementi เริ่มการล่าอาณานิคมของภูมิภาคย่อย (คอร์ด ii หรือ IV ซึ่งในคีย์ของ C major จะเป็นคีย์ของ d minor หรือ F major) กับชูเบิร์ต การมอดูเลชั่นที่เหนือกว่านั้นเฟื่องฟูหลังจากถูกนำมาใช้ในบริบทที่ผู้แต่งเพลงรุ่นก่อน ๆ จะต้องจำกัดตัวเองให้อยู่เฉพาะในการเปลี่ยนแปลงที่ครอบงำ (การปรับให้เข้ากับคอร์ดที่เด่นเช่น ในคีย์ของ C major การปรับเป็น G major) วิธีนี้ทำให้เพลงมีสีเข้มขึ้น เสริมความแข็งแกร่งให้กับโหมดรอง และทำให้โครงสร้างดูแลรักษายากขึ้น เบโธเฟนสนับสนุนเรื่องนี้โดยการใช้ส่วนที่สี่เป็นความสอดคล้อง และความคลุมเครือของกิริยาช่วย เช่น การเปิด ซิมโฟนีหมายเลข 9 ใน D minor

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน , ฟรานซ์ ชูเบิร์ต , คาร์ล มาเรีย ฟอน เวเบอร์และจอห์น ฟิลด์เป็นหนึ่งในบุคคลที่มีความโดดเด่นที่สุดใน "Proto-Romantics" รุ่นนี้ ร่วมกับเฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น ในวัยหนุ่ม ความรู้สึกของรูปแบบได้รับอิทธิพลอย่างมากจากสไตล์คลาสสิก แม้ว่าพวกเขาจะยังไม่ได้ "เรียนรู้" นักแต่งเพลง (เลียนแบบกฎที่ผู้อื่นเป็นผู้เรียบเรียง) พวกเขาตอบสนองโดยตรงต่องานของ Haydn, Mozart, Clementi และคนอื่นๆ เมื่อพวกเขาพบกับพวกเขา เครื่องดนตรีที่ใช้ในวงออร์เคสตรายังมีจำนวนและความหลากหลายที่ค่อนข้าง "คลาสสิก" ซึ่งทำให้เกิดความคล้ายคลึงกันกับงานคลาสสิก

อย่างไรก็ตาม กองกำลังที่ถูกกำหนดให้ยุติการยึดสไตล์คลาสสิกไว้ได้รวบรวมกำลังในผลงานของนักประพันธ์เพลงข้างต้นหลายคน โดยเฉพาะเบโธเฟน ที่อ้างถึงกันมากที่สุดคือนวัตกรรมฮาร์มอนิก สิ่งสำคัญอีกประการหนึ่งคือการมุ่งเน้นที่การมีรูปร่างที่สม่ำเสมอและเป็นจังหวะมากขึ้น: Moonlight Sonata ของเบโธเฟนเป็นต้นแบบของผลงานชิ้นต่อๆ มาหลายร้อยชิ้น—ซึ่งการขยับตัวของฟิกเกอร์ลีลาทำให้ละครและความสนใจของงานเป็นส่วนใหญ่ ในขณะที่ท่วงทำนองลอยอยู่เหนือมัน ความรู้ในงานที่มากขึ้น ความเชี่ยวชาญด้านเครื่องดนตรีที่มากขึ้น ความหลากหลายของเครื่องดนตรีที่เพิ่มขึ้น การเติบโตของสังคมคอนเสิร์ต และการครอบงำเปียโนที่มีพลังมากขึ้นอย่างไม่หยุดยั้ง (ซึ่งให้โทนเสียงที่เข้มขึ้นและดังขึ้นจากการพัฒนาทางเทคโนโลยี เช่น การใช้สายเหล็ก โครงเหล็กหล่อหนักและสายที่สั่นสะเทือนอย่างเห็นอกเห็นใจ) ล้วนสร้างผู้ฟังจำนวนมากสำหรับเพลงที่มีความซับซ้อน เทรนด์ทั้งหมดเหล่านี้มีส่วนทำให้เกิดการเปลี่ยนไปใช้สไตล์ "โรแมนติก "

การวาดเส้นแบ่งระหว่างสองสไตล์นี้เป็นเรื่องยากมาก: ผลงานบางช่วงของ Mozart ในยุคหลังๆ ที่ถ่ายเพียงลำพัง แยกไม่ออกจากความกลมกลืนและการเรียบเรียงจากดนตรีที่เขียนขึ้นในอีก 80 ปีต่อมา และนักประพันธ์เพลงบางคนยังคงเขียนในสไตล์คลาสสิกเชิงบรรทัดฐานจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 แม้กระทั่งก่อนการเสียชีวิตของเบโธเฟน คีตกวีเช่นหลุยส์ สปอ ร์ ต่างก็เป็นแนวโรแมนติกที่อธิบายตัวเอง เช่น การ ผสม สีที่ฟุ่มเฟือยในงานของพวกเขา ในทางกลับกัน ผลงานเช่นSymphony No. 5 ของ Schubert ที่เขียนขึ้นในช่วงรุ่งอรุณตามลำดับเวลาของRomanticยุค แสดงกระบวนทัศน์ศิลปะที่ผิดเวลาโดยจงใจ ย้อนกลับไปถึงรูปแบบการประพันธ์เมื่อหลายสิบปีก่อน

อย่างไรก็ตาม การล่มสลายของเวียนนาในฐานะศูนย์กลางดนตรีที่สำคัญที่สุดสำหรับการแต่งเพลงออร์เคสตราในช่วงปลายทศวรรษที่ 1820 อันเนื่องมาจากการเสียชีวิตของเบโธเฟนและชูเบิร์ตทำให้เกิดคราสครั้งสุดท้ายของรูปแบบคลาสสิก และเป็นจุดสิ้นสุดของการพัฒนาออร์แกนิกอย่างต่อเนื่องของการเรียนรู้ของนักประพันธ์เพลงคนเดียวในระยะประชิด คนอื่น. Franz LisztและFrédéric Chopinเดินทางไปเวียนนาเมื่อพวกเขายังเด็ก แต่พวกเขาก็ย้ายไปเมืองอื่น นักประพันธ์เพลงเช่นCarl Czernyซึ่งได้รับอิทธิพลจากเบโธเฟนอย่างลึกซึ้ง ต่างก็ค้นหาแนวคิดและรูปแบบใหม่ๆ เพื่อให้มีโลกกว้างขึ้นของการแสดงออกทางดนตรีและการแสดงที่พวกเขาอาศัยอยู่

ความสนใจครั้งใหม่ในเรื่องความสมดุลที่เป็นทางการและการยับยั้งชั่งใจของดนตรีคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 นำไปสู่การพัฒนารูปแบบที่เรียกว่านีโอคลาส สิกในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีหมายเลขStravinskyและProkofievอยู่ในกลุ่มผู้สนับสนุน อย่างน้อยก็ในบางช่วงเวลาในอาชีพการงานของพวกเขา

เครื่องดนตรียุคคลาสสิก

กีต้าร์

กีต้าร์บาโรกที่มีสายคู่หรือ "คอร์ส" สี่หรือห้าชุดและช่องเสียงที่ตกแต่งอย่างวิจิตรบรรจง เป็นเครื่องดนตรีที่แตกต่างจากกีตาร์คลาสสิก ยุคแรก มาก ซึ่งคล้ายกับเครื่องดนตรีสมัยใหม่ที่มีสายหกสายมาตรฐานมาก พิจารณาจากจำนวนคู่มือการสอนที่ตีพิมพ์สำหรับเครื่องดนตรี - กว่าสามร้อยข้อความที่ตีพิมพ์โดยผู้แต่งมากกว่าสองร้อยคนระหว่างปี 1760 และ 1860 - ยุคคลาสสิกเป็นยุคทองของกีตาร์ ^[7]

สตริง

ในยุคบาโรก เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายแบบโค้งคำนับที่ใช้ในวงดนตรีมีความหลากหลายมากขึ้น โดยมีการใช้เครื่องดนตรีต่างๆ เช่นวิโอลา ดามอร์และ วิโอลประเภทเฟรตที่มี การใช้ตั้งแต่ไวโอลินขนาดเล็กไปจนถึงเบสไวโอลินขนาดใหญ่ ในยุคคลาสสิกส่วนเครื่องสายของวงออเคสตราได้รับการกำหนดมาตรฐานให้เป็นเพียงเครื่องดนตรีสี่ชิ้น:

• ไวโอลิน (ในวงออเคสตราและแชมเบอร์มิวสิก ปกติแล้วจะมีไวโอลินตัวแรกและตัวที่ 2 โดยที่ตัวก่อนจะเล่นทำนองและ/หรือท่อนที่สูงกว่า และตัวหลังเล่นทวนทำนอง ส่วนประสาน ส่วนที่อยู่ใต้แนวไวโอลินตัวแรกในสนาม หรือสายเสริม)
• วิโอลา (เสียงอัลโตของวงเครื่องสายออร์เคสตราและวงเครื่องสาย มักใช้ร้อง "เสียงภายใน" ซึ่งเป็นเสียงประกอบที่เติมเต็มความกลมกลืนของบทเพลง)
• เชลโล (เชลโลเล่นสองบทบาทในดนตรียุคคลาสสิก บางครั้งก็ใช้เพื่อเล่นเบสไลน์ของเพลง โดยปกติแล้วจะใช้ดับเบิลเบส เป็นสองเท่า [หมายเหตุ: เมื่อเชลโลและดับเบิลเบสอ่านเบสไลน์เดียวกัน เบสจะเล่นเป็นอ็อกเทฟด้านล่าง เชลโลเพราะเบสเป็นเครื่องดนตรีประเภทเปลี่ยนเสียง] และในบางครั้งจะใช้ท่วงทำนองและโซโลในรีจิสเตอร์ล่าง)
• ดับเบิลเบส (เบสมักจะทำเสียงต่ำที่สุดในส่วนของสตริงเพื่อให้เบสไลน์สำหรับชิ้นนี้)

ในยุคบาโรก ปกติผู้เล่นดับเบิลเบสจะไม่ได้แยกส่วน ในทางกลับกัน พวกเขามักจะเล่นเบส ไลน์เบส แบบคอนติเนนโตแบบเดียวกัน กับเชลโลและเครื่องดนตรีเสียงต่ำอื่นๆ (เช่นทฤษฎีออร์ โบ เครื่องดนตรีประเภทเป่างูไวโอลิน ) แม้ว่าจะอยู่ต่ำกว่าเชลโลอ็อกเทฟก็ตาม เนื่องจากดับเบิลเบสเป็นเครื่องดนตรีประเภทเปลี่ยนเสียงที่ส่งเสียงหนึ่งอ็อกเทฟ ต่ำกว่าที่เขียนไว้ ในยุคคลาสสิก คีตกวีบางคนยังคงเขียนเบสเพียงส่วนเดียวสำหรับซิมโฟนีของพวกเขา ซึ่งมีชื่อว่า "เบส"; ส่วนเบสนี้เล่นโดยนักเล่นเชลโล่และมือเบสคู่ ในช่วงยุคคลาสสิก คีตกวีบางคนเริ่มที่จะให้ดับเบิลเบสในส่วนของตน

กังหันลม

• บาสเซทคลาริเน็ต
• บาสเซทฮอร์น
• Clarinette d'amour
• คลาริเน็ตคลาสสิก
• ชาลูโม
• ขลุ่ย
• โอโบ
• บาสซูน

เพอร์คัสชั่น

• ทิมปานี
• " เพลงตุรกี ":
  • เบสกลอง
  • ฉาบ
  • สามเหลี่ยม

คีย์บอร์ด

• Clavichord
• Fortepiano (ผู้บุกเบิกเปียโนสมัยใหม่)
• เปียโน
• ฮาร์ ปซิคอร์ด ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด เบส แบบคอน ติเนนโตของยุคบาโรกแบบมาตรฐานถูกใช้จนถึงปี 1750 หลังจากนั้นก็ค่อยๆ เลิกใช้ และแทนที่ด้วย ฟอร์เท เปียโนและเปียโน ในช่วงต้นปี 1800 ฮาร์ปซิคอร์ดไม่ได้ใช้อีกต่อไป

ทองเหลือง

• Buccin
• Ophicleide – แทน " พญานาค " เครื่องดนตรีเบสที่เป็นต้นกำเนิดของทูบา
• ฮอร์นฝรั่งเศส
• ทรัมเป็ต
• ทรอมโบน

ดูเพิ่มเติม

• รายชื่อนักประพันธ์เพลงยุคคลาสสิก

หมายเหตุ

อ่านเพิ่มเติม

• ดาวน์ส์, ฟิลิป จี. (1992). ดนตรีคลาสสิก: ยุคของ Haydn, Mozart และ Beethovenเล่มที่ 4 ของNorton Introduction to Music History ดับเบิลยู นอร์ตัน. ISBN 0-393-95191-X (ปกแข็ง) 
• ยาแนว, โดนัลด์ เจ ; ปาลิสกา, คลอดด์ วี. (1996). ประวัติดนตรีตะวันตกครั้งที่ 5 ดับเบิลยู นอร์ตัน. ISBN 0-393-96904-5 (ปกแข็ง) 
• Hanning, บาร์บาร่า รุสซาโน ; Grout, Donald Jay (1998 rev. 2006). ประวัติโดยย่อของดนตรีตะวันตก ดับเบิลยู นอร์ตัน. ISBN 0-393-92803-9 (ปกแข็ง) 
• Kennedy, Michael (2006), The Oxford Dictionary of Music , 985 หน้า, ISBN 0-19-861459-4 
• ลิฮอโร, ทิม; ฟราย, สตีเฟน (2004). ประวัติดนตรีคลาสสิ กที่ไม่สมบูรณ์และที่สุดของ Stephen Fry บ็อกซ์ทรี ไอ978-0-7522-2534-0 
• Rosen, Charles (1972 ขยาย 1997) สไตล์คลาสสิก . นิวยอร์ก: WW นอร์ตัน. ISBN 978-0-393-04020-3 (ฉบับขยายพร้อมซีดี 1997) 
• Taruskin, Richard (2005, rev. ฉบับปกอ่อน 2552) ประวัติดนตรีตะวันตกของอ็อกซ์ฟอร์ด สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ด (สหรัฐอเมริกา) ISBN 978-0-19-516979-9 (ปกแข็ง), ISBN 978-0-19-538630-1 (ปกอ่อน)  

ลิงค์ภายนอก

• Classical Net  – เว็บไซต์อ้างอิงเพลงคลาสสิก
• ให้คะแนนฟรีโดยนักประพันธ์เพลงคลาสสิกต่างๆในโครงการห้องสมุดคะแนนดนตรีสากล (IMSLP)