ภาพยนตร์ของสหรัฐอเมริกา

ภาพยนตร์แห่งสหรัฐอเมริกา (ฮอลลีวูด)
ป้ายฮอลลีวูดในฮอลลีวูดฮิลส์ซึ่งมักถูกมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของอุตสาหกรรมภาพยนตร์อเมริกัน
จำนวนหน้าจอ	40,393 (2560) [1]
• ต่อหัว	14 ต่อ 100,000 (2017) [1]
ผู้จัดจำหน่ายหลัก	ดิสนีย์ วอลต์ ดิสนีย์ พิคเจอร์ส สตูดิโอศตวรรษที่ 20 พิกซาร์ โซนี่ โคลัมเบีย พิคเจอร์ส ไตรสตาร์พิคเจอร์ส คอมคาสท์ สากล พาราเมาท์ โกลบอล ยิ่งใหญ่ วอร์เนอร์ บราเธอร์ส ดิสคัฟเวอรี่ วอร์เนอร์ บราเธอร์ส พิกเจอร์ส นิวไลน์ซีเนม่า อเมซอน เอ็มจีเอ็ม
ผลิตภาพยนตร์สารคดี (2559) [2]
สวม	646 (98.5%)
เคลื่อนไหว	10 (1.5%)
จำนวนรับ (2560) [4]
ทั้งหมด	1,239,742,550
• ต่อหัว	3.9 (2553) [3]
รายได้รวมของบ็อกซ์ออฟฟิศ (2017) [4]
ทั้งหมด	11.1 พันล้านเหรียญสหรัฐ

บทความนี้เป็นส่วนหนึ่งของซีรีส์เรื่อง
วัฒนธรรมของ สหรัฐอเมริกา
สังคม
ประวัติศาสตร์ ภาษา ประชากร เชื้อชาติและเผ่าพันธุ์ ศาสนา
ศิลปะและวรรณคดี
สถาปัตยกรรม ศิลปะ เต้นรำ แฟชั่น วรรณกรรม การ์ตูน บทกวี ดนตรี ประติมากรรม โรงภาพยนตร์
อื่น
อาหาร เทศกาล นิทานพื้นบ้าน สื่อ หนังสือพิมพ์ วิทยุ โรงหนัง โทรทัศน์ อินเทอร์เน็ต ตำนาน กีฬา
สัญลักษณ์
ธง ตราประทับที่ดี อนุสาวรีย์ ภาษิต เพลงสรรเสริญพระบารมี นก แหล่งมรดกโลก
พอร์ทัลของสหรัฐอเมริกา
โวลต์ ที อี

โรงภาพยนตร์ของสหรัฐอเมริกาซึ่งประกอบด้วยสตูดิโอภาพยนตร์รายใหญ่ เป็นส่วนใหญ่ (หรือเรียกอีกอย่างว่าฮอลลีวูด ) พร้อมด้วยภาพยนตร์อิสระมีอิทธิพลอย่างมากต่ออุตสาหกรรมภาพยนตร์ทั่วโลกตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 รูปแบบที่โดดเด่นของภาพยนตร์อเมริกันคือภาพยนตร์ฮอลลีวูดคลาสสิกซึ่งพัฒนาตั้งแต่ปี 1913 ถึง 1969 และยังคงเป็นแบบฉบับของภาพยนตร์ส่วนใหญ่ที่สร้างที่นั่นมาจนถึงทุกวันนี้ ในขณะที่ชาวฝรั่งเศสAuguste และ Louis Lumièreมักให้เครดิตกับการกำเนิดของภาพยนตร์สมัยใหม่ แต่ ใน ^ไม่ช้า ภาพยนตร์อเมริกันก็เข้ามาเป็นกำลังสำคัญในอุตสาหกรรมเกิดใหม่ ตั้งแต่ปี 2560^[update]ผลิตภาพยนตร์มากเป็นอันดับสามของโรงภาพยนตร์ในประเทศรองจากอินเดียและจีนโดยมีภาพยนตร์ภาษาอังกฤษมากกว่า 600 เรื่องออกฉายทุกปีโดยเฉลี่ย ^[6]แม้ว่าโรงภาพยนตร์แห่งชาติของสหราชอาณาจักรแคนาดาออสเตรเลียและนิวซีแลนด์จะผลิตภาพยนตร์ในภาษาเดียวกัน แต่ก็ไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของระบบฮอลลีวูด ด้วยเหตุนี้ ฮอลลีวูดจึงถูกมองว่าเป็นภาพยนตร์ข้ามชาติ^[7]และได้สร้างชื่อเรื่องหลายภาษา ซึ่งมักจะเป็นภาษาสเปนหรือฝรั่งเศส ฮอลลีวูดร่วมสมัยมักจ้างงานการผลิตจากภายนอกไปยังแคนาดา ออสเตรเลีย และนิวซีแลนด์

ฮอลลีวูดถือเป็นอุตสาหกรรมภาพยนตร์ที่เก่าแก่ที่สุดในแง่ของการเป็นสถานที่ซึ่งสตูดิโอภาพยนตร์และ บริษัท ผลิตภาพยนตร์แห่งแรก ๆ ถือกำเนิดขึ้น เป็นจุดกำเนิดของภาพยนตร์ประเภทต่างๆ ได้แก่ ตลก ดราม่า แอ็คชั่น มิวสิคัลโรแมนติก สยองขวัญ นิยายวิทยาศาสตร์และมหากาพย์สงครามและได้สร้างตัวอย่างให้กับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ของชาติอื่นๆ

ในปี 1878 Eadweard Muybridgeได้แสดงพลังของการถ่ายภาพเพื่อจับการเคลื่อนไหว ใน ปีพ.ศ. 2437 นิทรรศการภาพยนตร์เชิงพาณิชย์ครั้งแรกของโลกจัดขึ้นที่นครนิวยอร์ก โดยใช้ไค เนโทสโคป ของโธมัส เอดิสัน ในทศวรรษต่อมา การผลิตภาพยนตร์เงียบขยายตัวอย่างมาก สตูดิโอได้ก่อตั้งและย้ายถิ่นฐานไปยังแคลิฟอร์เนีย ภาพยนตร์และเรื่องราวที่พวกเขาเล่ามีความยาวมากขึ้น สหรัฐอเมริกาผลิตภาพยนตร์เพลงแนวประสานเสียง เรื่องแรกของโลก เรื่องThe Jazz Singerในปี พ.ศ. 2470 ^[8] และเป็นผู้นำในการพัฒนาภาพยนตร์เสียงในทศวรรษต่อมา ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 อุตสาหกรรมภาพยนตร์ของสหรัฐอเมริกาส่วนใหญ่ตั้งอยู่ในและรอบๆโซน 30 ไมล์ใน เขต ฮอลลีวูดของ ลอส แองเจลีสเคาน์ตี้ รัฐแคลิฟอร์เนีย ผู้กำกับDW Griffithเป็นศูนย์กลางในการพัฒนาไวยากรณ์ภาพยนตร์ Citizen Kane (1941) ของOrson Welles มักถูกอ้างถึงใน การสำรวจความคิดเห็นของนักวิจารณ์ว่าเป็นภาพยนตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล ^[9]

สตูดิโอภาพยนตร์รายใหญ่ของฮอลลีวูดเป็นแหล่งหลักของ ภาพยนตร์ ที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์และจำหน่ายตั๋วมากที่สุดในโลก ^{[10] [11]}ภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดของฮอลลีวูดหลายเรื่องสร้างรายได้จากบ็อกซ์ออฟฟิศและการขายตั๋วนอกสหรัฐอเมริกามากกว่าภาพยนตร์ที่สร้างจากที่อื่น สหรัฐอเมริกาเป็นผู้บุกเบิกด้าน วิศวกรรมและ เทคโนโลยี ภาพยนตร์ ชั้นนำ

ประวัติ

ต้นกำเนิดและฟอร์ทลี

ตัวอย่างแรกของภาพถ่ายที่จับภาพและสร้างการเคลื่อนไหวซ้ำคือชุดภาพถ่ายม้าวิ่งโดยEadweard Muybridgeซึ่งเขาถ่ายในพาโลอัลโต แคลิฟอร์เนียโดยใช้ชุดกล้องถ่ายภาพนิ่งวางเรียงกัน ความสำเร็จของ Muybridge ทำให้นักประดิษฐ์ทุกหนทุกแห่งพยายามสร้างอุปกรณ์ที่คล้ายกัน ในสหรัฐอเมริกาโทมัส เอดิสันเป็นหนึ่งในกลุ่มแรกๆ ที่ผลิตอุปกรณ์ดังกล่าว นั่นคือไคเนโทสโคป ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ในสหรัฐอเมริกาสามารถสืบย้อนไปถึงชายฝั่งตะวันออกที่ซึ่งครั้งหนึ่งฟอร์ตลี รัฐนิวเจอร์ซีย์เคยเป็นเมืองหลวงแห่งภาพยนตร์ของอเมริกา อุตสาหกรรมนี้เริ่มต้นขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ด้วยการสร้าง " Black Maria " ของโธมัส เอดิสัน ซึ่งเป็น สตูดิโอภาพยนตร์แห่งแรกในเวสต์ออเรนจ์ รัฐนิวเจอร์ซีย์ เมืองต่างๆ บนแม่น้ำฮัดสันและHudson Palisadesเสนอที่ดินในราคาที่ถูกกว่าเมืองนิวยอร์กที่อยู่อีกฟากฝั่งแม่น้ำมาก และได้รับประโยชน์อย่างมากจากการเติบโตอย่างน่าอัศจรรย์ของอุตสาหกรรมภาพยนตร์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20 ^{[12] [13] [14]}

อุตสาหกรรมเริ่มดึงดูดทั้งเงินทุนและแรงงานที่มีนวัตกรรม ในปี 1907 เมื่อบริษัท Kalemเริ่มใช้ Fort Lee เป็นสถานที่ถ่ายทำในพื้นที่ ผู้สร้างภาพยนตร์คนอื่นๆ ก็ทำตามอย่างรวดเร็ว ในปี 1909 Champion Film Companyซึ่งเป็นบรรพบุรุษของUniversal Studiosได้สร้างสตูดิโอแห่งแรกขึ้น ^[15]คนอื่นๆ ตามมาอย่างรวดเร็วและสร้างสตูดิโอใหม่หรือสิ่งอำนวยความสะดวกให้เช่าในฟอร์ตลี ในช่วงปี 1910 และ1920บริษัทภาพยนตร์ เช่นIndependent Moving Pictures Company, Peerless Studios , The Solax Company , Éclair Studios , Goldwyn Picture Corporation , American Méliès(Star Films), World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Pathé Frères , Metro Pictures Corporation , Victor Film CompanyและSelznick Pictures Corporationต่างก็สร้างภาพใน Fort Lee ผู้มีชื่อเสียงเช่นMary Pickfordเริ่มต้นที่ Biograph Studios ^{[16] [17] [18]}

ในนิวยอร์กKaufman Astoria Studiosในควีนส์ซึ่งสร้างขึ้นในยุคภาพยนตร์เงียบถูกใช้โดยMarx BrothersและWC Fields Edison Studiosตั้งอยู่ในบรองซ์ เชลซี แมนฮัตตันก็ใช้บ่อยเช่นกัน เมืองทางตะวันออกอื่นๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งชิคาโกและคลีฟแลนด์ยังเคยเป็นศูนย์กลางการผลิตภาพยนตร์ในยุคแรกๆ อีกด้วย ^{[19] [20]}ทางตะวันตกแคลิฟอร์เนียได้กลายเป็นศูนย์กลางการผลิตภาพยนตร์ที่สำคัญอย่างรวดเร็ว ในโคโลราโดเดนเวอร์เป็นที่ตั้งของ Art- O -Grafบริษัทภาพยนตร์ และ สตูดิ โอแอนิเมชัน Laugh- O -Gramในยุคแรกๆ ของวอลต์ ดิสนีย์ตั้งอยู่ในแคนซัสซิตี รัฐมิสซูรี Picture Cityรัฐฟลอริดาเป็นสถานที่ที่วางแผนไว้สำหรับศูนย์การผลิตภาพยนตร์ในช่วงทศวรรษที่ 1920 แต่เนื่องจากพายุเฮอริเคนโอคีโชบีในปี 1928ความคิดดังกล่าวจึงพังทลายลง และPicture Cityกลับไปใช้ชื่อเดิมคือHobe Sound ความพยายามที่จะจัดตั้งศูนย์การผลิตภาพยนตร์ในเมืองดีทรอยต์ก็ไม่ประสบผลสำเร็จเช่นกัน ^[21]

สงครามสิทธิบัตรภาพยนตร์ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ช่วยอำนวยความสะดวกในการแพร่กระจายของบริษัทภาพยนตร์ไปยังส่วนอื่นๆ ของสหรัฐฯ นอกนิวยอร์ก ผู้สร้างภาพยนตร์หลายคนทำงานกับอุปกรณ์ที่พวกเขาไม่มีสิทธิ์ใช้ ดังนั้น การถ่ายทำในนิวยอร์กจึงอาจเป็นอันตรายได้ เนื่องจากอยู่ใกล้กับสำนักงานใหญ่ของบริษัทเอดิสัน และใกล้กับเจ้าหน้าที่ที่บริษัทตั้งใจจะยึดกล้อง ภายในปี 1912 บริษัทภาพยนตร์รายใหญ่ส่วนใหญ่ได้ตั้งโรงงานผลิตในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ใกล้กับหรือในลอสแองเจลิสเนื่องจากสภาพอากาศที่เอื้ออำนวยตลอดทั้งปีของภูมิภาคนี้ ^[22]

กำเนิดฮอลลีวูด

บริษัทเซลิกโพลีสโคปผลิตเรื่องThe Count of Monte Cristoในปี 1908 ที่กำกับโดยฟรานซิส บ็อกส์และนำแสดงโดยโฮบาร์ต บอสเวิร์ธโดยอ้างว่าเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกที่ถ่ายทำในลอสแองเจลิส ในปี 1907 โดยมีการเปิดตัวแผ่นประกาศโดยเมืองในปี 1957 ที่ร้านเรือธงของเดียร์เดนที่มุมถนนสายหลักและถนนสายที่ 7 เพื่อทำเครื่องหมายการถ่ายทำบนเว็บไซต์เมื่อเคยเป็นร้านซักรีดของจีน ^{ภรรยา ม่าย}ของบอสเวิร์ธแนะนำว่าเมืองนี้ระบุวันที่และสถานที่ผิด และภาพยนตร์เรื่องนี้ถ่ายทำในบริเวณใกล้เคียงเวนิสซึ่งขณะนั้นเป็นเมืองอิสระ ^[24]บ็อกส์ใน Sultan's Power for Selig Polyscope ซึ่งนำแสดงโดยบอสเวิร์ธด้วย ถือเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกที่ถ่ายทำในลอสแองเจลิสทั้งหมด โดยถ่ายทำที่ 7th และ Olive Streets ในปี 1909 [ ^{25] [24]}

ในช่วงต้นปี 1910 ผู้กำกับDW Griffithถูกส่งโดยBiograph Companyไปยังชายฝั่งตะวันตกพร้อมกับคณะการแสดงของเขา ซึ่งประกอบด้วยนักแสดงอย่างBlanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymoreและคนอื่นๆ พวกเขาเริ่มถ่ายทำในที่ดินว่างใกล้ถนนจอร์เจียในดาวน์ทาวน์ลอสแองเจลิส ขณะอยู่ที่นั่น บริษัทตัดสินใจสำรวจดินแดนใหม่ เดินทางหลายไมล์ทางเหนือไปยังฮอลลีวูด หมู่บ้านเล็กๆ ที่เป็นมิตรและสนุกกับการถ่ายทำของบริษัทภาพยนตร์ที่นั่น จากนั้นกริฟฟิธได้ถ่ายทำภาพยนตร์เรื่องแรกในฮอลลีวูดเรื่องIn Old Californiaชีวประวัติประโลมโลกเกี่ยวกับแคลิฟอร์เนียในศตวรรษที่ 19 เมื่อเป็นของเม็กซิโก กริฟฟิธอยู่ที่นั่นหลายเดือนและสร้างภาพยนตร์หลายเรื่องก่อนจะกลับไปนิวยอร์ก นอกจากนี้ ในปี พ.ศ. 2453 เซลิกโพลีสโคปแห่งชิคาโกได้ก่อตั้งสตูดิโอภาพยนตร์แห่งแรกในพื้นที่ลอสแองเจลิสในอีเดนเดล^[23]และสตูดิโอแห่งแรกในฮอลลีวูดเปิดทำการในปี พ.ศ. 2455 ^{[26] : 447}หลังจากได้ยินเกี่ยวกับความสำเร็จของกริฟฟิธในฮอลลีวูดในปี พ.ศ. 2456 หลายคน ผู้ผลิตภาพยนตร์มุ่งหน้าไปทางตะวันตกเพื่อหลีกเลี่ยงค่าธรรมเนียมที่โทมัส เอดิสัน กำหนด ซึ่งเป็นเจ้าของสิทธิบัตรในกระบวนการสร้างภาพยนตร์ ^[27] Nestor Studios of Bayonne รัฐนิวเจอร์ซีย์สร้างสตูดิโอแห่งแรกในย่านฮอลลีวูดในปี พ.ศ. 2454 ^{[ น่าสงสัย – สนทนา ]}Nestor Studios ซึ่งเป็นเจ้าของโดย David และ William Horsley ต่อมาได้รวมเข้ากับ Universal Studios และบริษัทอื่นของวิลเลียม ฮอร์สลีย์ คือ Hollywood Film Laboratory ปัจจุบันเป็นบริษัทที่เก่าแก่ที่สุดในฮอลลีวูด ปัจจุบันเรียกว่า Hollywood Digital Laboratory สภาพภูมิอากาศที่เป็นมิตรและคุ้มค่ากว่าของ แคลิฟอร์เนียทำให้การสร้างภาพยนตร์แทบทั้งหมดเปลี่ยนไปที่ชายฝั่งตะวันตกในทศวรรษที่ 1930 ในเวลานั้นโทมัส เอดิสันเป็นเจ้าของสิทธิบัตรเกือบทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับการผลิตภาพยนตร์และผู้ผลิตภาพยนตร์บนชายฝั่งตะวันออกที่ทำหน้าที่โดยไม่ขึ้นกับ Edison's Motion Picture Patents Company มักถูกฟ้องร้องหรือสั่งการโดยเอดิสันและตัวแทนของเขา ในขณะที่ผู้ผลิตภาพยนตร์ที่ทำงานบนชายฝั่งตะวันตกสามารถทำงานได้โดยอิสระจากการควบคุมของเอดิสัน ^[28]

ในลอสแองเจลิส สตูดิโอและฮอลลีวูดเติบโตขึ้น ก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1ภาพยนตร์ถูกสร้างขึ้นในหลายเมืองของอเมริกา แต่ผู้สร้างภาพยนตร์มักจะหันไปทางตอนใต้ของแคลิฟอร์เนียในขณะที่อุตสาหกรรมพัฒนาขึ้น พวกเขาถูกดึงดูดด้วยสภาพอากาศที่อบอุ่นและแสงแดดที่เชื่อถือได้ ซึ่งทำให้สามารถถ่ายทำภาพยนตร์ของพวกเขากลางแจ้งได้ตลอดทั้งปีและด้วยทิวทัศน์ที่หลากหลายที่มีอยู่ ^{[ ต้องการอ้างอิง ]}ความเสียหายจากสงครามมีส่วนทำให้อุตสาหกรรมภาพยนตร์ในยุโรปที่มีอำนาจเหนือกว่าในขณะนั้นเสื่อมถอยลง เพื่อสนับสนุนสหรัฐอเมริกา ซึ่งโครงสร้างพื้นฐานยังคงไม่บุบสลาย ^[29]การตอบสนองด้านสาธารณสุขในระยะแรกที่แข็งแกร่งขึ้นต่อ การแพร่ระบาดของ ไข้หวัดใหญ่ในปี 1918โดยลอสแองเจลิส^[30]เมื่อเทียบกับเมืองอื่นๆ ของอเมริกา จำนวนผู้ป่วยที่นั่นลดลงและส่งผลให้ฟื้นตัวเร็วขึ้น ส่งผลให้ฮอลลีวูดมีอำนาจเหนือนครนิวยอร์กเพิ่มขึ้น ในช่วงที่เกิดโรคระบาด เจ้าหน้าที่สาธารณสุขได้ปิดโรงภาพยนตร์ชั่วคราวในบางเขตอำนาจศาล สตูดิโอขนาดใหญ่ระงับการผลิตครั้งละหลายสัปดาห์ และนักแสดงบางคนป่วยด้วย^{ไข้หวัด} สิ่งนี้ทำให้เกิดความ สูญเสียทางการเงินครั้งใหญ่และความยากลำบากอย่างมากสำหรับสตูดิโอขนาดเล็ก แต่อุตสาหกรรมโดยรวมฟื้นตัวได้มากกว่าในช่วงRoaring Twenties ^[31]

มีจุดเริ่มต้นมากมายสำหรับภาพยนตร์ (โดยเฉพาะภาพยนตร์อเมริกัน) แต่มันคือมหากาพย์ The Birth of a Nation ซึ่ง เป็นที่ถกเถียงกันในปี 1915 ของ Griffith ซึ่งเป็นผู้บุกเบิกคำศัพท์การถ่ายทำทั่วโลกที่ยังคงครองเซลลูลอยด์มาจนถึงทุกวันนี้ ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 เมื่อสื่อยังใหม่อยู่ ผู้อพยพชาวยิวจำนวนมากได้งานทำในอุตสาหกรรมภาพยนตร์ของสหรัฐฯ พวกเขาสามารถสร้างชื่อเสียงในธุรกิจใหม่ล่าสุดได้ นั่นคือการจัดแสดงภาพยนตร์สั้นในโรงภาพยนตร์หน้าร้านที่เรียกว่านิคเคโลเดียนหลังจากค่าเข้าชมของพวกเขาเป็นนิกเกิล (ห้าเซ็นต์) ภายในเวลาไม่กี่ปี ชายผู้ทะเยอทะยานอย่างSamuel Goldwyn , William Fox , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. MayerและWarner Brothers (Harry, Albert, Samuel และ Jack) ได้เปลี่ยนมาทำธุรกิจด้านการผลิต ในไม่ช้าพวกเขาก็เป็นหัวหน้าขององค์กรประเภทใหม่: สตูดิโอภาพยนตร์. สหรัฐอเมริกามีผู้กำกับ โปรดิวเซอร์ และหัวหน้าสตูดิโอหญิงอย่างน้อยสองคนในช่วงปีแรกๆ นี้: โลอิส เวเบอร์ และอลิซ กาย-บลาเช่ที่เกิดในฝรั่งเศส พวกเขายังเป็นเวทีสำหรับความเป็นสากลของอุตสาหกรรม อุตสาหกรรมนี้มักถูกกล่าวหาว่าเป็นพวก Amerocentric Provincialism

ผู้สร้างภาพยนตร์คนอื่นๆ มาจากยุโรปหลังสงครามโลกครั้งที่ 1: ผู้กำกับอย่างErnst Lubitsch , Alfred Hitchcock , Fritz LangและJean Renoir ; และนักแสดงอย่างRudolph Valentino , Marlene Dietrich , Ronald ColmanและCharles Boyer พวกเขาเข้าร่วมกับกลุ่มนักแสดงท้องถิ่น ซึ่งล่อให้ไปทางตะวันตกจากเวทีในนครนิวยอร์กหลังจากเปิดตัวภาพยนตร์เสียง เพื่อสร้างอุตสาหกรรมการเติบโตที่โดดเด่นที่สุดแห่งหนึ่งของศตวรรษที่ 20 ในช่วงที่ภาพยนตร์ได้รับความนิยมสูงสุดในช่วงกลางทศวรรษที่ 1940 สตูดิโอต่างผลิตภาพยนตร์ทั้งหมดประมาณ 400 เรื่องต่อปี โดยมีผู้ชมชาวอเมริกัน 90 ล้านคนต่อสัปดาห์ ^[32]

เสียงยังใช้กันอย่างแพร่หลายในฮอลลีวูดในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 ^[33]หลังจากThe Jazz Singerภาพยนตร์เรื่องแรกที่มีเสียงซิงโครไนซ์ได้รับการปล่อยตัวในฐานะเครื่องส่งรับวิทยุ Vitaphone ในปี 1927 บริษัทภาพยนตร์ฮอลลีวูดจะตอบสนองต่อ Warner Bros. และเริ่มใช้เสียง Vitaphone ซึ่ง Warner Bros. เป็นเจ้าของจนถึงปี 1928 ในอนาคต ภาพยนตร์ ภายในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2471 Electrical Research Product Incorporated (ERPI) ซึ่งเป็นบริษัทในเครือของ Western Electric ได้ผูกขาดการจัดจำหน่ายเสียงภาพยนตร์ ^[32]

ผลข้างเคียงของ "นักพูด" คือนักแสดงหลายคนที่ประกอบอาชีพในภาพยนตร์เงียบจู่ๆ ก็ตกงาน เนื่องจากพวกเขามักมีเสียงไม่ดีหรือจำบทพูดไม่ได้ ในขณะเดียวกัน ในปี พ.ศ. 2465 วิล เอช. เฮย์ ส นักการเมืองสหรัฐฯ ได้ออกจากการเมืองและก่อตั้งองค์กรใหญ่ของสตูดิโอภาพยนตร์ที่รู้จักกันในชื่อ Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA) ^[34]องค์กรกลายเป็นสมาคมภาพยนตร์แห่งอเมริกาหลังจากเฮย์สเกษียณในปี พ.ศ. 2488

ในช่วงแรก ๆ ของการพูดคุยสตูดิโอในอเมริกาพบว่าการผลิตเสียงของพวกเขาถูกปฏิเสธในตลาดภาษาต่างประเทศและแม้แต่ในหมู่ผู้พูดภาษาอังกฤษสำเนียงอื่น ๆ เทคโนโลยีการซิงโครไนซ์ยังล้าสมัยเกินไปสำหรับการพากย์เสียง หนึ่งในวิธีแก้ปัญหาคือการสร้างภาพยนตร์ฮอลลีวูดเวอร์ชันภาษาต่างประเทศคู่ขนาน ประมาณปี พ.ศ. 2473 บริษัทอเมริกัน^{[ ซึ่ง? ]}เปิดสตูดิโอในJoinville-le-Pontประเทศฝรั่งเศส ซึ่งมีการใช้ฉากและเสื้อผ้าชุดเดียวกันและแม้แต่ฉากจำนวนมากสำหรับทีมงาน ที่แบ่งเวลา ต่างกัน

นอกจากนี้ ยังมีการคัดเลือกนักแสดง ผู้ว่างงาน นักเขียนบทละคร และผู้ชนะการประกวด photogenia ชาวต่างชาติไปยังฮอลลีวูด ซึ่งพวกเขาได้ถ่ายทำภาพยนตร์ภาษาอังกฤษในเวอร์ชันคู่ขนานกัน เวอร์ชันคู่ขนานเหล่านี้มีงบประมาณต่ำกว่า ถ่ายทำในเวลากลางคืน และกำกับโดยผู้กำกับชาวอเมริกันลำดับที่สองที่ไม่ได้พูดภาษาต่างประเทศ ทีมงานที่พูดภาษาสเปนรวมถึงบุคคลเช่นLuis Buñuel , Enrique Jardiel Poncela , Xavier CugatและEdgar Neville การผลิตไม่ประสบความสำเร็จอย่างมากในตลาดเป้าหมายเนื่องจากเหตุผลดังต่อไปนี้:

• งบประมาณที่ต่ำกว่านั้นชัดเจน
• นักแสดงละครหลายคนไม่มีประสบการณ์ในโรงภาพยนตร์มาก่อน
• ภาพยนตร์ต้นฉบับมักจะเป็นภาพยนตร์เรทสอง เนื่องจากสตูดิโอคาดหวังว่าโปรดักชั่นชั้นนำจะขายได้ด้วยตัวเอง
• การผสมผสานของสำเนียงต่างชาติ (เช่น Castilian, Mexican และ Chilean ในกรณีของสเปน) เป็นเรื่องแปลกสำหรับผู้ชม
• ตลาดบางแห่งไม่มีโรงภาพยนตร์ที่ติดตั้งระบบเสียง

อย่างไรก็ตาม โปรดักชั่นบางอย่างเช่นDracula เวอร์ชั่นภาษาสเปน เปรียบเทียบได้ดีกับต้นฉบับ ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1930 การซิงโครไนซ์ได้ก้าวหน้ามากพอที่จะทำให้การพากย์กลายเป็นเรื่องปกติ

ภาพยนตร์คลาสสิกของฮอลลีวูดและยุคทองของฮอลลีวูด (พ.ศ. 2456–2512)

ภาพยนตร์ฮอลลีวูดคลาสสิกหรือยุคทองของฮอลลีวูดถูกกำหนดให้เป็นลักษณะทางเทคนิคและการเล่าเรื่องของภาพยนตร์อเมริกันในช่วงปี 1913 ถึง 1969 ซึ่งเป็นช่วงที่ภาพยนตร์หลายพันเรื่องออกจากสตูดิโอฮอลลีวูด สไตล์คลาสสิกเริ่มปรากฏในปี 1913 เร่งขึ้นในปี 1917 หลังจากสหรัฐฯ เข้าสู่สงครามโลกครั้งที่ 1และในที่สุดก็แข็งแกร่งขึ้นเมื่อภาพยนตร์เรื่องThe Jazz Singerออกฉายในปี 1927 สิ้นสุดยุคภาพยนตร์เงียบและเพิ่มผลกำไรจากบ็อกซ์ออฟฟิศให้กับอุตสาหกรรมภาพยนตร์โดย แนะนำเสียงให้กับภาพยนตร์สารคดี

ภาพฮอลลีวูดส่วนใหญ่ยึดติดกับสูตรสำเร็จ - ตะวันตก , หนังตลกขบขัน , ดนตรี , การ์ตูนแอนิเมชัน , ภาพยนตร์ชีวประวัติ (ภาพชีวประวัติ) - และทีมสร้างสรรค์ชุดเดียวกันมักทำงานในภาพยนตร์ที่สร้างโดยสตูดิโอเดียวกัน ตัวอย่างเช่นCedric GibbonsและHerbert Stothartมักจะทำงานในภาพยนตร์ของ MGM , Alfred Newmanทำงานที่20th Century Foxเป็นเวลา 20 ปี, ภาพยนตร์ของ Cecil B. De Milleเกือบทั้งหมดสร้างที่Paramountและภาพยนตร์ของ ผู้กำกับ Henry King ถูกสร้างขึ้นเป็นส่วนใหญ่ สำหรับ20th Century Fox

ในขณะเดียวกัน เรามักจะเดาได้ว่าสตูดิโอใดสร้างภาพยนตร์เรื่องใด ส่วนใหญ่เป็นเพราะนักแสดงที่ปรากฏตัวในนั้น ตัวอย่างเช่น MGMอ้างว่าได้ทำสัญญา "ดาวมากกว่าที่มีในสวรรค์" สตูดิโอแต่ละแห่งมีสไตล์และลักษณะเฉพาะของตัวเองซึ่งทำให้สามารถทราบได้ว่านี่เป็นลักษณะที่ไม่ค่อยมีอยู่ในปัจจุบัน

ตัวอย่างเช่นTo Have and Have Not (1944) ไม่เพียงโดดเด่นในการจับคู่ครั้งแรกของนักแสดงHumphrey Bogart (1899–1957) และLauren Bacall (1924–2014) เท่านั้น แต่ยังเป็นเพราะเขียนบทโดยผู้ชนะรางวัลโนเบล ในอนาคตอีกสองคน ในสาขาวรรณกรรม : เออร์เนสต์ เฮมิงเวย์ (พ.ศ. 2442-2504) ผู้แต่งนวนิยายซึ่งบทนี้ใช้ชื่อตามชื่อ และวิลเลียม ฟอล์คเนอร์ (พ.ศ. 2440-2505) ผู้ดัดแปลงบทภาพยนตร์

หลังจากThe Jazz Singerออกฉายในปี 2470 Warner Bros.ก็ประสบความสำเร็จอย่างมากและสามารถครอบครองโรงภาพยนตร์ของตนเองได้ หลังจากซื้อ Stanley Theatres และFirst National Productions ในปี 2471 ในทางตรงกันข้ามโรงภาพยนตร์ Loewsเป็นเจ้าของMGMตั้งแต่ก่อตั้งในปี 2467 ในขณะที่ Fox Film Corporation เป็นเจ้าของFox Theatre RKO (การควบรวมกิจการระหว่างKeith-Orpheum TheatresและRadio Corporation of America ^ใน ปี 1928 ) ก็ตอบสนองต่อการผูกขาดเสียงในภาพยนตร์ของ Western Electric/ERPI และพัฒนาวิธีการของตนเองที่เรียกว่าโฟโต้โฟนเพื่อใส่เสียงในภาพยนตร์^[32]

Paramount ซึ่งซื้อกิจการ Balaban และ Katz ในปี 1926 จะตอบรับความสำเร็จของ Warner Bros. และ RKO และซื้อโรงภาพยนตร์จำนวนหนึ่งในช่วงปลายทศวรรษ 1920 เช่นกัน และจะถือครองการ ผูกขาดโรงภาพยนตร์ในเมืองดีทรอยต์ รัฐมิชิแกน ^[36]ในช่วงทศวรรษที่ 1930 โรงภาพยนตร์ในมหานครที่เปิดดำเนินการแห่งแรกเกือบทั้งหมดในสหรัฐอเมริกาเป็นของสตูดิโอ Big Five ได้แก่MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros.และ20th Century Fox ^[37]

ระบบสตูดิโอ

บริษัทภาพยนตร์ดำเนินการภายใต้ระบบสตูดิโอ สตูดิโอใหญ่ๆ จ้างคนเป็นพันๆ พวกเขาเป็นเจ้าของหรือเช่าMovie Ranchesในชนบททางตอนใต้ของแคลิฟอร์เนียสำหรับสถานที่ถ่ายทำภาพยนตร์ตะวันตกและภาพยนตร์ประเภทขนาดใหญ่อื่นๆ และสตูดิโอใหญ่ๆ เป็นเจ้าของโรงภาพยนตร์หลายร้อยแห่งในเมืองต่างๆ ทั่วประเทศในปี 1920 โรงภาพยนตร์ที่ฉายภาพยนตร์ของพวกเขาและนั่นก็เป็นเช่นนั้นเสมอ ต้องการวัตถุดิบสดใหม่

ในปี 1930 ประธาน MPPDA Will Hays ได้สร้างHays (Production) Codeซึ่งปฏิบัติตามแนวทางการเซ็นเซอร์และมีผลบังคับใช้หลังจากการคุกคามของการเซ็นเซอร์ของรัฐบาลที่ขยายตัวในปี 1930 ^[38]อย่างไรก็ตาม โค้ดดังกล่าวไม่เคยถูกบังคับใช้จนกระทั่งปี 1934 หลังจากที่องค์กรเฝ้าระวังคาทอลิกThe Legion of Decency — ตกใจกับภาพยนตร์ที่ยั่วยุและโฆษณาน่ากลัวในยุคต่อมาที่จัดอยู่ในประเภทPre-Code Hollywood - ขู่ว่าจะคว่ำบาตรภาพยนตร์หากไม่มีผลบังคับใช้ ^[39]ภาพยนตร์ที่ไม่ได้รับตรารับรองจาก Production Code Administration ต้องจ่ายค่าปรับ 25,000 ดอลลาร์และไม่สามารถทำกำไรในโรงภาพยนตร์ได้ เนื่องจาก MPPDA ควบคุมโรงภาพยนตร์ทุกแห่งในประเทศผ่านสตูดิโอ Big Five

ตลอดทศวรรษที่ 1930 รวมถึงยุคทองส่วนใหญ่MGMครองจอภาพยนตร์และมีดาราชั้นนำในฮอลลีวูด และพวกเขายังได้รับเครดิตในการสร้างระบบดาราฮอลลีวูดด้วย ^[40] ดารา MGMบางคนรวมถึง "King of Hollywood" Clark Gable , Lionel Barrymore , Jean Harlow , Norma Shearer , Greta Garbo , Joan Crawford , Jeanette MacDonald , Gene Raymond , Spencer Tracy , Judy GarlandและGene Kelly ^[40]แต่ MGM ไม่ได้ยืนอยู่คนเดียว

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่อีกประการหนึ่งของภาพยนตร์สหรัฐฯ ในยุค นี้มาจากบริษัทแอนิเมชัน ของ Walt Disney ในปี 1937 ดิสนีย์ได้สร้างภาพยนตร์ที่ ประสบความสำเร็จมากที่สุดในยุคนั้นSnow White and the Seven Dwarfs ^{ความแตกต่างนี้เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วในปี พ.ศ. 2482}เมื่อเซลซ์นิค อินเตอร์เนชั่นแนลสร้างภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จสูงสุดตลอดกาลในภาพยนตร์เรื่องGone with the Wind ซึ่งเมื่อปรับตามอัตราเงินเฟ้อ แล้ว ^[42]

นักประวัติศาสตร์ภาพยนตร์หลายคนได้กล่าวถึงผลงานภาพยนตร์ที่ยอดเยี่ยมมากมายที่ถือกำเนิดขึ้นจากช่วงเวลาแห่งการสร้างภาพยนตร์ที่มีการควบคุมดูแลอย่างเข้มงวดนี้ เหตุผลหนึ่งที่เป็นไปได้คือ การที่เรามีการสร้างภาพยนตร์จำนวนมาก ไม่ใช่ทุกเรื่องที่ต้องได้รับความนิยมอย่างมาก สตูดิโอสามารถเดิมพันด้วยคุณลักษณะงบประมาณปานกลางที่มีสคริปต์ที่ดีและนักแสดงที่ค่อนข้างไม่รู้จัก: Citizen KaneกำกับโดยOrson Welles (1915–1985) และมักถูกมองว่าเป็นภาพยนตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาลเหมาะกับคำอธิบายนี้ ในกรณีอื่นๆ ผู้กำกับที่มีความมุ่งมั่นอย่างฮาวเวิร์ด ฮอว์กส์ (พ.ศ. 2439-2520), อัลเฟรด ฮิตช์ค็อก (พ.ศ. 2442-2523) และแฟรงก์ คาปรา (พ.ศ. 2440-2534) ต่อสู้กับสตูดิโอเพื่อให้บรรลุวิสัยทัศน์ทางศิลปะของพวกเขา

จุดสุดยอดของระบบสตูดิโออาจเป็นปี 1939 ซึ่งมีการเปิดตัวภาพยนตร์คลาสสิกอย่างThe Wizard of Oz , Gone with the Wind , Stagecoach , Mr. Smith Goes to Washington , Wuthering Heights , Only Angels Have Wings , Ninotchkaและเที่ยงคืน ในบรรดาภาพยนตร์อื่น ๆ จากยุคทองที่ตอนนี้ถือว่าเป็นคลาสสิก: Casablanca , It's a Wonderful Life , It Happened One Night , King Kongดั้งเดิม, Mutiny on the Bounty , Top Hat , City Lights, Red River , Lady from Shanghai , Rear Window , On the Waterfront , Rebel Without a Cause , Some Like It Hotและ The Manchurian Candidate

การเสื่อมถอยของระบบสตูดิโอ (ปลายทศวรรษ 1940)

ระบบสตูดิโอและยุคทองของฮอลลีวูดต้องยอมจำนนต่อพลังสองประการที่พัฒนาขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940:

• การดำเนินการต่อต้านการผูกขาดของรัฐบาลกลางที่แยกการผลิตภาพยนตร์ออกจากนิทรรศการ และ
• การกำเนิดของโทรทัศน์

ในปีพ.ศ. 2481 Snow White and the Seven Dwarfs ของวอลต์ ดิสนีย์ ออกฉายในช่วงที่ภาพยนตร์ขาดความดแจ่มใสจากสตูดิโอใหญ่ๆ และกลายเป็นภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดอย่างรวดเร็วจนถึงจุดนั้น น่าอายสำหรับสตูดิโอ มันเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่ผลิตโดยอิสระซึ่งไม่มีดาราจากสตูดิโอ ^สิ่งนี้สร้างความไม่พอใจอย่างกว้างขวางอยู่แล้วในแนวทางปฏิบัติของการจองแบบบล็อกซึ่งสตูดิโอจะขายตารางภาพยนตร์ทั้งปีให้กับโรงภาพยนตร์ครั้งละหนึ่งโรงเท่านั้น และใช้การล็อคอินเพื่อปกปิดการเผยแพร่ที่มีคุณภาพปานกลาง

ผู้ช่วยอัยการสูงสุดเธอร์แมน อาร์โนลด์ซึ่งเป็น " ผู้ทำลายความไว้วางใจ " ของฝ่ายบริหารรูสเวลต์ ใช้โอกาสนี้เพื่อเริ่มการดำเนินคดีกับสตูดิโอฮอลลีวูดที่ใหญ่ที่สุดแปดแห่งในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2481 เนื่องจากละเมิดกฎหมายต่อต้านการผูกขาดของเชอร์แมน ^{[44] [45]}คดีของรัฐบาลกลางส่งผลให้ห้าในแปดสตูดิโอ ("บิ๊กไฟว์": Warner Bros. , MGM , Fox , RKOและParamount ) ประนีประนอมกับ Arnold ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2483 และลงนามในกฤษฎีกายินยอมตกลงที่จะ ภายในสามปี:

• กำจัดการปิดกั้นการจองเนื้อหาของภาพยนตร์สั้น ในรูปแบบที่เรียกว่า "one shot" หรือ "full force" block-booking
• กำจัดการจองบล็อกของฟีเจอร์มากกว่าห้ารายการในโรงภาพยนตร์ของพวกเขา
• ไม่มีส่วนร่วมในการซื้อแบบตาบอด อีกต่อไป (หรือการซื้อภาพยนตร์ตามเขตโรงภาพยนตร์โดยไม่ได้ดูภาพยนตร์ล่วงหน้า) และจัดงานแสดงสินค้า แทน ซึ่งเขตโรงภาพยนตร์ทั้ง 31 แห่งในสหรัฐฯ จะดูภาพยนตร์ทุกสองสัปดาห์ก่อนฉายภาพยนตร์ในโรงภาพยนตร์
• ตั้งคณะกรรมการบริหารในแต่ละเขตโรงละครเพื่อบังคับใช้ข้อกำหนดเหล่านี้ ^[44]

"Little Three" ( Universal Studios , United ArtistsและColumbia Pictures ) ซึ่งไม่ได้เป็นเจ้าของโรงภาพยนตร์ใดๆ ปฏิเสธที่จะเข้าร่วมในกฤษฎีกายินยอม ผู้ผลิตภาพยนตร์อิสระจำนวนหนึ่งไม่พอใจกับการประนีประนอมและก่อตั้งสหภาพที่รู้จักกันในชื่อสมาคมผู้ผลิตภาพยนตร์อิสระและฟ้อง Paramount สำหรับการผูกขาดที่พวกเขายังคงมีอยู่ในโรงละครดีทรอยต์ ในขณะที่ Paramount ก็ได้รับ^{เช่นกัน}การครอบงำผ่านนักแสดงเช่น Bob Hope, Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, นักร้องนำ Bing Crosby, Alan Ladd และนักแสดงเก่าแก่ของสตูดิโอGary Cooperเช่นกันภายในปี 1942 สตูดิโอ Big Five ไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของพระราชกฤษฎีกายินยอมในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง โดยไม่มีผลกระทบร้ายแรง แต่หลังจากสงครามสิ้นสุดลง พวกเขาเข้าร่วม Paramount ในฐานะจำเลยในคดีต่อต้านการผูกขาดของฮอลลีวูด เช่นเดียวกับสตูดิโอ Little Three ^[46]

ในที่สุดศาลฎีกาตัดสินว่าการเป็นเจ้าของโรงภาพยนตร์และการจัดจำหน่ายภาพยนตร์ของสตูดิโอใหญ่ๆ เป็นการละเมิดกฎหมายต่อต้านการผูกขาดของเชอร์แมน เป็นผลให้สตูดิโอเริ่มปลดนักแสดงและเจ้าหน้าที่ด้านเทคนิคออกจากสัญญากับสตูดิโอ สิ่งนี้ได้เปลี่ยนกระบวนทัศน์ของการสร้างภาพยนตร์โดยสตูดิโอฮอลลีวูดรายใหญ่ เนื่องจากแต่ละแห่งอาจมีทีมนักแสดงและทีมสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง

การตัดสินใจดังกล่าวส่งผลให้คุณลักษณะของ Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures และ 20th Century Fox สามารถระบุตัวตนได้ในทันที คนในวงการภาพยนตร์บางคน เช่นเซซิล บี. เดอมิลล์ยังคงเป็นศิลปินที่มีสัญญาอยู่จนกระทั่งสิ้นสุดอาชีพการงาน หรือใช้ทีมครีเอทีฟชุดเดิมในภาพยนตร์ของพวกเขา เพื่อให้ภาพยนตร์ของเดอมิลล์ยังคงดูเหมือนภาพยนตร์ ไม่ว่าจะสร้างในปี 1932 หรือ 1956

ภาพยนตร์ฮอลลีวูดยุคใหม่และยุคหลังคลาสสิก (พ.ศ. 2503-2533)

ภาพยนตร์ยุคหลังคลาสสิกคือวิธีการเล่าเรื่องที่เปลี่ยนแปลงไปในฮอลลีวูดยุคใหม่ เป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่าวิธีการใหม่ๆ ในการแสดงละครและการสร้างตัวละครขึ้นอยู่กับความคาดหวังของผู้ชมที่ได้รับในยุคคลาสสิก: ลำดับเหตุการณ์อาจมีสัญญาณรบกวน โครงเรื่องอาจมี "ตอนจบที่บิดเบี้ยว" และเส้นแบ่งระหว่างตัวเอกและตัวเอกอาจเบลอ รากเหง้าของการเล่าเรื่องยุคหลังคลาสสิกอาจเห็นได้จากฟิล์ม นัวร์ในRebel Without a Cause (1955) และในPsycho ที่ทำลายโครงเรื่องของฮิตช์ค็อก

The New Hollywoodคือการปรากฏตัวของผู้กำกับรุ่นใหม่ที่ได้รับการฝึกอบรมจากโรงเรียนภาพยนตร์ซึ่งได้ซึมซับเทคนิคที่พัฒนาขึ้นในยุโรปในทศวรรษที่ 1960 อันเป็นผลมาจากคลื่นลูกใหม่ของฝรั่งเศสหลังการปฏิวัติอเมริกา ภาพยนตร์เรื่องBonnie and Clyde ในปี พ.ศ. 2510 เป็นจุดเริ่มต้นของการฟื้นตัวของภาพยนตร์อเมริกันเช่นกัน เนื่องจากภาพยนตร์ยุคใหม่จะประสบความสำเร็จในบ็อกซ์ออฟฟิศเช่นกัน ^[47]ผู้สร้างภาพยนตร์อย่างFrancis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Brian De Palma , Stanley Kubrick , Martin Scorsese , Roman PolanskiและWilliam Friedkinมาผลิตภาพยนตร์ที่แสดงความเคารพต่อประวัติศาสตร์ของภาพยนตร์และพัฒนาจากแนวเพลงและเทคนิคที่มีอยู่ เปิดตัวโดยAndy Warhol 's Blue Movie ในปี 1969 ปรากฏการณ์ของภาพยนตร์อีโรติกสำหรับผู้ใหญ่ที่คนดังพูดถึงในที่สาธารณะ (เช่นJohnny CarsonและBob Hope ) ^[48]และถูกวิจารณ์อย่างจริงจังโดยนักวิจารณ์ (เช่นRoger Ebert ) ^{[49] [50]}การพัฒนาที่อ้างถึงโดย Ralph Blumenthal จากThe New York Timesว่า " โป๊สุดเก๋ " และต่อมารู้จักกันในชื่อยุคทองของสื่อลามกเริ่มขึ้นเป็นครั้งแรกในวัฒนธรรมอเมริกันสมัยใหม่^{[48] ​​[51] [52]} ตามที่ผู้ เขียนที่ได้รับรางวัลโทนี เบนท์ลีย์ภาพยนตร์เรื่อง The Opening of Misty BeethovenของRadley Metzger ในปี 1976 ซึ่งสร้างจากบทละคร Pygmalionโดย George Bernard Shaw (และดัดแปลงจากเรื่อง My Fair Lady ) และ เนื่องจากการบรรลุระดับกระแสหลักในโครงเรื่องและฉาก ^[53]ถือเป็น "มงกุฎเพชร" ของ 'ยุคทอง '^{[54] [55]}

ในช่วงที่ชื่อเสียงของเขาโด่งดังถึงขีดสุดในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ชาร์ลส์ บรอนสันเป็นที่ดึงดูดใจของบ็อกซ์ออฟฟิศอันดับ 1 ของโลก โดยทำเงินได้ 1 ล้านเหรียญต่อเรื่อง ^[56]ในปี 1970 ภาพยนตร์ของผู้สร้างภาพยนตร์นิวฮอลลีวูดมักได้รับเสียงวิจารณ์ชื่นชมและประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ ในขณะที่ภาพยนตร์ฮอลลีวูดเรื่องใหม่ในยุคแรกๆ อย่างBonnie and ClydeและEasy Riderเป็นหนังเกี่ยวกับวีรบุรุษที่ผิดศีลธรรมและมีงบประมาณค่อนข้างต่ำ และเพิ่มเรื่องเพศและความรุนแรง แต่ Friedkin กับThe Exorcist , Spielberg with Jaws , Coppola กับThe GodfatherและApocalypse Now ก็ประสบความสำเร็จอย่างมาก , สกอร์เซซีกับคนขับแท็กซี่ , คูบริกกับ2001: A Space Odyssey , Polanski กับ Chinatownและ Lucas กับ American Graffitiและ Star Warsตามลำดับ ช่วยสร้าง "บล็อกบัสเตอร์ " สมัยใหม่ และชักนำสตูดิโอให้ทุ่มเทอย่างหนักในการพยายามสร้างผลงานฮิตมหาศาล ^[57]

การตามใจที่เพิ่มขึ้นของผู้กำกับรุ่นเยาว์เหล่านี้ไม่ได้ช่วยอะไร ^{[ ต้องการอ้างอิง ]}บ่อยครั้ง พวกเขามักจะทำงานเกินกำหนดและใช้เงินเกินงบ จึงทำให้ตัวเองหรือสตูดิโอล้มละลาย ^{ตัวอย่าง ที่โดดเด่นที่สุดสามตัวอย่างนี้คือ} Apocalypse Nowของ Coppola และOne From The Heart^และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Heaven 's Gateของ^Michael Cimino ซึ่งทำให้ United Artistsล้มละลายเพียงลำพัง อย่างไรก็ตาม ในที่สุด Apocalypse Now ก็สามารถทำ เงินกลับคืนมาได้และได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางว่าเป็นผลงานชิ้นเอก โดยได้รับรางวัล Palme d'Or ที่เมืองคานส์ ^[58]

ผู้ผลิต ภาพยนตร์ ในปี 1990 สามารถเข้าถึงนวัตกรรมทางเทคโนโลยี การเมือง และเศรษฐกิจที่ไม่มีในทศวรรษก่อนหน้านี้ Dick Tracy (1990) กลายเป็น ภาพยนตร์สารคดี35 มม.เรื่องแรก ที่มี เพลงประกอบดิจิทัล Batman Returns (1992) เป็นภาพยนตร์เรื่องแรกที่ใช้เสียงสเตอริโอ 6 แชนแนลของDolby Digital ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นมาตรฐานอุตสาหกรรม ภาพที่สร้างจากคอมพิวเตอร์ได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากเมื่อสามารถถ่ายโอนภาพฟิล์มไปยังคอมพิวเตอร์และจัดการแบบดิจิทัลได้ ความเป็นไปได้ปรากฏชัดในTerminator 2: Judgment Day (1991) ของ ผู้กำกับ เจมส์ คาเมรอนในภาพของตัวละครที่เปลี่ยนรูปร่างที-1000 . คอมพิวเตอร์กราฟิกหรือ CG ก้าวไปสู่จุดที่Jurassic Park (1993) สามารถใช้เทคนิคในการสร้างสัตว์ที่ดูสมจริง Jackpot (2001) กลายเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกที่ถ่ายทำในระบบดิจิตอลทั้งหมด ^[59]ในภาพยนตร์เรื่อง Titanicคาเมรอนต้องการผลักดันขอบเขตของสเปเชียลเอฟเฟ็กต์ด้วยภาพยนตร์ของเขา และเกณฑ์Digital DomainและPacific Data Imagesเพื่อดำเนินการพัฒนาเทคโนโลยีดิจิทัลที่ผู้กำกับเป็นผู้บุกเบิกในขณะที่ทำงานในThe AbyssและTerminator 2: Judgment วัน . ภาพยนตร์เรื่องก่อนหน้าหลายเรื่องเกี่ยวกับ RMS Titanicยิงน้ำเข้าเคลื่อนไหวช้าซึ่งดูไม่น่าเชื่อเลย ^[60]คาเมรอนกระตุ้นให้ลูกเรือของเขายิงเรือ ขนาดเล็ก ยาว 45 ฟุต (14 ม.) ราวกับว่า "เรากำลังทำโฆษณาให้กับ White Star Line"

แม้แต่The Blair Witch Project (1999) ภาพยนตร์สยองขวัญอินดี้ราคาประหยัดโดยEduardo SanchezและDaniel Myrickก็ประสบความสำเร็จทางการเงินอย่างมาก ถ่ายทำด้วยงบประมาณเพียง 35,000 ดอลลาร์ โดยไม่มีดาราใหญ่หรือเทคนิคพิเศษใดๆ เลย ภาพยนตร์เรื่องนี้ทำรายได้ 248 ล้านดอลลาร์ด้วยการใช้เทคนิคการตลาดสมัยใหม่และการโปรโมตทางออนไลน์ แม้ว่าจะไม่ได้อยู่ในระดับเดียวกับ รายได้ 1 พันล้านเหรียญของ จอร์จ ลูคัสในภาคก่อนของStar Wars Trilogyแต่The Blair Witch Projectก็ได้รับความแตกต่างจากการเป็นภาพยนตร์ที่ทำกำไรได้มากที่สุดตลอดกาลในแง่ของเปอร์เซ็นต์รายได้ ^[59]

ความสำเร็จของBlair Witchในฐานะโปรเจ็กต์อินดี้ยังคงอยู่ในข้อยกเว้นบางประการ และการควบคุม สตูดิโอ The Big Fiveเหนือ การสร้างภาพยนตร์ยังคงเพิ่มขึ้นตลอดช่วงปี 1990 บริษัท Big Six ล้วนมีช่วงเวลาแห่งการขยายตัวในช่วงปี 1990 พวกเขาแต่ละคนพัฒนาวิธีต่างๆ เพื่อปรับตัวให้เข้ากับต้นทุนที่สูงขึ้นในอุตสาหกรรมภาพยนตร์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเงินเดือนที่เพิ่มขึ้นของดาราภาพยนตร์ ซึ่งขับเคลื่อนโดยตัวแทนที่มีอำนาจ ดาราดังอย่างSylvester Stallone , Russell Crowe , Tom Cruise , Nicole Kidman , Sandra Bullock , Arnold Schwarzenegger , Mel GibsonและJulia Robertsได้รับระหว่าง 15-20 ล้านเหรียญสหรัฐต่อเรื่อง และในบางกรณียังได้รับส่วนแบ่งจากผลกำไรของภาพยนตร์เรื่องนี้ด้วยซ้ำ ^[59]

ในทางกลับกันนักเขียนบท มักได้รับค่าจ้างน้อยกว่านักแสดงหรือผู้กำกับชั้นนำ ซึ่งโดยปกติจะต่ำกว่า 1 ล้านเหรียญต่อเรื่อง อย่างไรก็ตาม ปัจจัยเดียวที่ใหญ่ที่สุดที่ทำให้ต้นทุนสูงขึ้นคือเทคนิคพิเศษ ในปี 1999 ต้นทุนเฉลี่ยของภาพยนตร์บล็อกบัสเตอร์อยู่ที่ 60 ล้านดอลลาร์ก่อนทำการตลาดและการโปรโมต ซึ่งมีค่าใช้จ่ายอีก 80 ล้านดอลลาร์ ^[59]

ต้นศตวรรษที่ 21

อุตสาหกรรมภาพยนตร์อเมริกัน (พ.ศ. 2538–2560)
มูลค่าทั้งหมดเป็นพันล้าน

ปี	ตั๋ว	รายได้
2538	1.22	$5.31
2539	1.31 น	$5.79
2540	1.39 น	$6.36
2541	1.44	6.77 ดอลลาร์
2542	1.44	7.34 ดอลลาร์
2543	1.40 น	7.54 ดอลลาร์
2544	1.48	8.36 ดอลลาร์
2545	1.58	$9.16
2546	1.52	$9.20
2547	1.50 น	$9.29
2548	1.37	8.80 ดอลลาร์
2549	1.40 น	$9.16
2550	1.42	9.77 ดอลลาร์
2551	1.36 น	$9.75
2552	1.42	$10.64
2553	1.33 น	$10.48
2554	1.28	$10.17
2555	1.40 น	$11.16
2556	1.34	$10.89
2557	1.26	$10.27
2558	1.32	$11.16
2559	1.30 น	$11.26
2560	1.23	$10.99
รวบรวมโดยThe Numbers [61]

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 21 ตลาดโรงละครถูกครอบงำโดยประเภทซูเปอร์ฮีโร่ ในปี 2022 ^[update]พวกเขาเป็นผลงานการผลิตสำหรับนักแสดงที่ทำเงินได้ดีที่สุด เนื่องจากรายได้ในประเภทอื่นๆ ลดลงแม้แต่นักแสดงชั้นนำ ^[62]ทศวรรษแห่งการพัฒนาที่สำคัญหลายอย่างในอุตสาหกรรมภาพยนตร์ทั่วโลก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านเทคโนโลยีที่ใช้ จากการพัฒนาในปี 1990 คอมพิวเตอร์ถูกนำมาใช้เพื่อสร้างเอฟเฟ็กต์ที่ก่อนหน้านี้มีราคาแพงกว่า ตั้งแต่การลบเกาะรอบๆ อย่างละเอียดอ่อนในCast Away (ปล่อยให้ ตัวละครของ Tom Hanksติดอยู่โดยไม่มีแผ่นดินอื่นให้เห็น) ไปจนถึงฉากการต่อสู้ที่กว้างใหญ่ เช่นในThe Matrixภาคต่อและ300 . ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ยุค 2000 เห็นการฟื้นตัวของหลายประเภท แฟรนไช ส์ภาพยนตร์แฟนตาซีครองตำแหน่งบ็อกซ์ออฟฟิศด้วยThe Lord of the Rings , Harry Potter , Pirates of the Caribbean , Star Warsไตรภาคพรีเควล (เริ่มในปี 1999) The Chronicles of Narniaฯลฯภาพยนตร์ซูเปอร์ฮีโร่ ใน หนังสือการ์ตูน กลายเป็นประเภทบล็อกบัสเตอร์กระแสหลักดังต่อไปนี้ การออกฉายของX-Men , UnbreakableและSpider- Man ในทำนองเดียวกัน Gladiatorเป็นผู้จุดประกายการคืนชีพของภาพยนตร์มหากาพย์ในขณะที่ Moulin Rouge ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากบอลลีวูด!ทำเช่นเดียวกันกับภาพยนตร์มิวสิคัล คอมพิวเตอร์แอนิเมชันเข้ามาแทนที่แอนิเมชันแบบดั้งเดิมในฐานะสื่อหลักสำหรับภาพยนตร์แอนิเมชันในภาพยนตร์อเมริกัน แม้ว่าฮอลลีวูดจะยังคงสร้างภาพยนตร์บางเรื่องสำหรับผู้ชมในครอบครัว โดยเฉพาะแอนิเมชัน แต่ภาพยนตร์ส่วนใหญ่ได้รับการออกแบบมาสำหรับผู้ชมวัยหนุ่มสาว เป็นหลัก ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ภาพยนตร์ร่วมสมัย

ในปี 2020 ภาพยนตร์แฟนตาซีFrozen II ในปี 2019 มีแผนจะออกฉายทางDisney+ในวันที่ 26 มิถุนายน 2020 ก่อนที่จะเลื่อนฉายไปเป็นวันที่ 15 มีนาคมBob Chapek CEO ของ Disney อธิบายว่าเป็นเพราะภาพยนตร์เรื่องนี้ "ธีมที่ทรงพลังของความเพียรพยายาม และความสำคัญของครอบครัว ข้อความที่เกี่ยวข้องอย่างเหลือเชื่อ" ^{[63] [64]}ในวันที่ 16 มีนาคม 2020 ยูนิเวอร์แซลประกาศว่าThe Invisible Man , The HuntและEmma - ภาพยนตร์ทุกเรื่องในโรงภาพยนตร์ ณ เวลานั้น - จะรับชมได้ผ่านวิดีโอพรีเมียมออนดีมานด์เร็วที่สุดในวันที่ 20 มีนาคมในราคาแนะนำ คนละ19.99 เหรียญสหรัฐ ^[65]หลังจากประสบปัญหาบ็อกซ์ออฟฟิศไม่ดีตั้งแต่เปิดตัวเมื่อต้นเดือนมีนาคมOnwardก็เปิดให้ซื้อแบบดิจิทัลในวันที่ 21 มีนาคม และเพิ่มลงใน Disney+ ในวันที่ 3 เมษายน^[66] Paramount ประกาศเมื่อวันที่ 20 มีนาคมSonic the Hedgehogก็วางแผนที่จะ มีการเผยแพร่วิดีโอออนดีมานด์ก่อนกำหนดในวันที่ 31 มีนาคม^{[67] [68]}ในวันที่ 16 มีนาคม วอร์เนอร์บราเธอร์สประกาศว่าBirds of Preyจะเผยแพร่ก่อนเวลาสำหรับวิดีโอออนดีมานด์ในวันที่ 24 มีนาคม^[69]ในวันที่ 3 เมษายน ดิสนีย์ประกาศว่าArtemis Fowlซึ่งเป็นภาพยนตร์ที่ดัดแปลงจากหนังสือชื่อเดียวกันในปี 2544 จะย้ายไปที่ Disney+ ในวันที่ 12 มิถุนายน โดยไม่ต้องเข้าฉายในโรงภาพยนตร์ทั้งหมด ^[70][71]

ในปี 2021 แม้จะมีการแพร่ระบาดของ COVID-19 ในสหรัฐอเมริกาสตูดิโอที่ผลิตภาพยนตร์หลายเรื่อง เช่นBlack Widow , F9 , Death on the NileและWest Side Storyถูกบังคับให้เลื่อนหรือเลื่อนฉายออกไปเป็นหลังปี 2020 ^[72]

สตูดิโอหลายแห่งได้ตอบสนองต่อวิกฤตด้วยการตัดสินใจที่เป็นที่ถกเถียงในการละทิ้งหน้าต่างการแสดงละครและกำหนดวันและวันที่เผยแพร่ ภาพยนตร์ของพวก เขา NBCUniversalเปิดตัวTrolls World Tourโดยตรงเพื่อ เช่า วิดีโอตามต้องการในวันที่ 10 เมษายน^[65]ในขณะเดียวกันก็ได้รับการฉายละครในประเทศแบบจำกัดผ่านโรงภาพยนตร์แบบไดรฟ์อิน เจฟฟ์เชลล์ซี^อีโออ้างว่าภาพยนตร์เรื่องนี้มีรายได้เกือบ 100 ล้านดอลลาร์ภายในสามสัปดาห์แรก ^{[76] [77]}การตัดสินใจถูกคัดค้านโดยAMC Theatresซึ่งจากนั้นประกาศว่าการฉายภาพยนตร์ของ Universal Pictures จะหยุดลงทันที แม้ว่าทั้งสองบริษัทจะตกลงให้ฉายละครเป็นเวลา 2 สัปดาห์ในที่สุด ^{[78] [79] [80] [81] [82]}ภายในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2563 Warner Bros. Picturesได้ประกาศการตัดสินใจที่จะฉายภาพยนตร์ในปี 2564 พร้อมกันทั้งในโรงภาพยนตร์และเว็บไซต์สตรีมมิ่งHBO Maxเป็นระยะเวลาหนึ่งเดือนใน เพื่อเพิ่มยอดคนดู ^{การเคลื่อนไหว ดังกล่าว}ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงจากบุคคลในอุตสาหกรรมต่างๆ ซึ่งหลายคนมีรายงานว่าไม่ทราบการตัดสินใจก่อนที่จะมีการประกาศและรู้สึกว่าถูกหลอกโดยสตูดิโอ ^[84]

นักวิจารณ์ในอุตสาหกรรมได้กล่าวถึงการปฏิบัติต่อภาพยนตร์ในฐานะ " เนื้อหา " ที่เพิ่มขึ้นโดยบริษัทที่เกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นของแพลตฟอร์มสตรีมมิ่ง เช่นNetflix , Disney+ , Paramount+และApple TV + ^{[85] [86]}สิ่งนี้เกี่ยวข้องกับการเบลอของขอบเขตระหว่างภาพยนตร์ โทรทัศน์ และสื่อในรูปแบบอื่นๆ เนื่องจากผู้คนจำนวนมากขึ้นบริโภคร่วมกันในรูปแบบต่างๆ โดยภาพยนตร์แต่ละเรื่องถูกกำหนดโดยเอกลักษณ์ของแบรนด์และศักยภาพเชิงพาณิชย์มากกว่าสื่อ เรื่องราวและศิลปะ ^{[86] [87]}นักวิจารณ์Matt Zoller Seitzได้อธิบายถึงการเปิดตัวของAvengers: Endgameในปี 2019 ในฐานะ "ตัวแทน [ing] ความพ่ายแพ้อย่างเด็ดขาดของ 'ภาพยนตร์' ด้วย 'เนื้อหา'" เนื่องจากความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ในฐานะ "ชิ้นส่วนของความบันเทิง" ที่กำหนดโดยแบรนด์ Marvel ที่นำเสนอซีรีส์ภาพยนตร์บล็อกบัสเตอร์ที่มีลักษณะของโทรทัศน์แบบอนุกรม . ภาพยนตร์เรื่องSpace Jam: A New LegacyและRed Noticeได้รับการอ้างถึงเป็นตัวอย่างของการรักษานี้ โดยก่อนหน้านี้ได้รับการอธิบายโดยนักวิจารณ์หลายคนว่าเป็น "รายการโฆษณาที่มีความยาวสำหรับ HBO Max" ซึ่งมีฉากและตัวละคร^{ต่างๆ}คุณสมบัติเช่นCasablanca , The MatrixและAustin Powers , ^{[88] [89] [90] [91]}ในขณะที่เรื่องหลังเป็นภาพยนตร์ปล้นมูลค่า 200 ล้านดอลลาร์จาก Netflix ที่นักวิจารณ์อธิบายว่า ^{[92] [93] [94]}บางคนแสดงว่าSpace Jamแสดงให้เห็นถึงการปฏิบัติต่อภาพยนตร์อย่างเหยียดหยามมากขึ้นเรื่อยๆ ของอุตสาหกรรมว่าเป็นเพียงทรัพย์สินทางปัญญา (IP) ที่จะถูกนำไปใช้ แนวทางที่นักวิจารณ์ Scott Mendelson เรียกว่า "IP for the sake of IP" ^{[89] [95] [96] [90]}

ฮอลลีวูดกับการเมือง

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 พรรคเดโมแครตและพรรครีพับลิกันเห็นเงินในฮอลลีวูด ประธานาธิบดีแฟรงกลิน รูสเวลต์เห็นความร่วมมือครั้งใหญ่กับฮอลลีวูด เขาใช้ศักยภาพที่แท้จริงของดาราฮอลลีวูดเป็นครั้งแรกในการรณรงค์ระดับชาติ Melvyn Douglasไปเที่ยววอชิงตันในปี 1939 และได้พบกับ New Dealers รายสำคัญๆ ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

การรับรองทางการเมือง

มีการลงนามในจดหมายรับรองจากนักแสดงนำ การปรากฏตัวทางวิทยุและการพิมพ์โฆษณา ดาราภาพยนตร์ถูกใช้เพื่อดึงผู้ชมจำนวนมากเข้าสู่มุมมองทางการเมืองของพรรค ในช่วงทศวรรษที่ 1960 จอห์น เอฟ. เคนเนดีเป็นคนรุ่นใหม่สำหรับวอชิงตัน และมิตรภาพอันแน่นแฟ้นของเขากับแฟรงก์ ซินาตราเป็นตัวอย่างของความเย้ายวนใจยุคใหม่นี้ เจ้าพ่อฮอลลีวูดคนสุดท้ายจากไปและอายุน้อยกว่า ผู้บริหารและโปรดิวเซอร์รุ่นใหม่เริ่มผลักดันแนวคิดเสรีนิยม มากขึ้น ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

คนดังและเงินดึงดูดนักการเมืองให้เข้าสู่วิถีชีวิตแบบฮอลลีวูดที่มีระดับและหรูหรา ดังที่รอน บราวน์สไตน์เขียนไว้ในหนังสือของเขาเรื่อง The Power and the Glitterโทรทัศน์ในทศวรรษที่ 1970 และ 1980 เป็นสื่อใหม่ที่มีความสำคัญอย่างมากในการเมือง และฮอลลีวูดได้ช่วยสื่อนั้นด้วยการแสดงสุนทรพจน์เกี่ยวกับความเชื่อทางการเมืองของพวกเขา เช่นเจน ฟอนดาต่อต้านสงครามเวียดนาม ^[97]แม้ว่าคนดังและโปรดิวเซอร์ส่วนใหญ่จะเอนเอียงไปทางซ้ายและมีแนวโน้มที่จะสนับสนุนพรรคประชาธิปัตย์^{[98] [99]}ยุคนี้ได้สร้างนักแสดงและโปรดิวเซอร์จากพรรครีพับลิกัน อดีตนักแสดงโรนัลด์ เรแกนขึ้นดำรงตำแหน่งผู้ว่าการรัฐแคลิฟอร์เนียและต่อมาได้เป็นประธานาธิบดีคนที่ 40 ของสหรัฐอเมริกา มันดำเนินต่อไปโดยมีArnold Schwarzeneggerเป็นผู้ว่าการรัฐแคลิฟอร์เนียในปี 2546 ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

การบริจาคทางการเมือง

วันนี้เงินบริจาคจากฮอลลีวูดช่วยสนับสนุนการเมืองของรัฐบาลกลาง ^[100]ตัวอย่างเช่น ในวันที่ 20 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2550 บารัค โอบามา ผู้สมัครชิงตำแหน่งประธานาธิบดีจากพรรคเดโมแครตได้จัดงานกาล่าฮอลลีวูด มูลค่า2,300 ดอลลาร์ต่อจาน ซึ่งจัดโดยผู้ก่อตั้งดรีมเวิร์คส์เดวิด เกฟเฟน เจฟฟรีย์ แคตเซนเบิร์กและสตีเวน สปีลเบิร์กที่เบเวอร์ลี ฮิลตัน ^[100]

คำติชม

โฆษณาแอบแฝง

โฆษณาเนทีฟเป็นข้อมูลที่ออกแบบมาเพื่อโน้มน้าวใจด้วยวิธีที่ละเอียดอ่อนกว่าการโฆษณาชวนเชื่อ แบบ ดั้งเดิม ตัวอย่างสมัยใหม่ที่พบได้ทั่วไปในสหรัฐอเมริกาคือโฆษณาชวนเชื่อซึ่งรายการทีวีแสดงภาพการบังคับใช้กฎหมายที่ดูไม่สมจริง โดยส่วนหนึ่งเป็นการขอยืมอุปกรณ์และรับความช่วยเหลือในการปิดกั้นถนนเพื่อให้ถ่ายทำในสถานที่ได้ง่ายขึ้น ^[101] ข้อกล่าวหา เรื่องการฟอกชื่อเสียงอื่น ๆได้รับการปรับระดับในวงการบันเทิง รวมถึงการทำลายภาพลักษณ์ของมาเฟีย ^[102]

การจัดวางผลิตภัณฑ์ยังเป็นประเด็นวิพากษ์วิจารณ์ โดยอุตสาหกรรมยาสูบส่งเสริมการสูบบุหรี่บนหน้าจอ ^[103]ศูนย์ควบคุมโรคอ้างว่า 18% ของวัยรุ่นที่สูบบุหรี่จะไม่เริ่มสูบบุหรี่หากภาพยนตร์ที่มีการสูบบุหรี่ได้รับเรต 'R' โดยอัตโนมัติ ซึ่งจะช่วยชีวิตคนได้ 1 ล้านคน ^[104]

การเซ็นเซอร์

ผู้ผลิตฮอลลีวูดมักพยายามปฏิบัติตาม ข้อกำหนดการเซ็นเซอร์ของ รัฐบาลจีนเพื่อพยายามเข้าถึงตลาดภาพยนตร์ที่มีข้อจำกัดและร่ำรวยของประเทศ [ ^105]โดยมีบ็อกซ์ออฟฟิศที่ใหญ่เป็นอันดับสองของโลกในปี 2559 ซึ่งรวมถึงการจัดลำดับความสำคัญของการแสดงภาพที่เห็นอกเห็นใจของ ตัวละครจีนในภาพยนตร์ เช่น การเปลี่ยนตัวร้ายในRed Dawnจากคนจีนเป็นชาวเกาหลีเหนือ เนื่องจากหลายหัวข้อถูกห้ามในประเทศจีน เช่น ดาไลลามะและวินนี-เดอะ-พูห์มีส่วนร่วมในตอน " Band in China " ^ของเซาท์พาร์กเซาท์พาร์กจึงถูกแบนโดยสิ้นเชิงในประเทศจีนหลังจากการออกอากาศตอนนี้ ^[106]ภาพยนตร์ปี 2018คริสโตเฟอร์ โรบินหนัง Winnie-the-Pooh ภาคใหม่ ถูกปฏิเสธไม่ให้ฉายในจีน ^[106]

แม้ว่า ก่อนหน้านี้ ทิเบตจะเคยเป็นต้นเหตุของ เซเลเบ รในฮอลลีวูด โดยมีการแสดงในภาพยนตร์ เช่นKundunและSeven Years in Tibetแต่ในศตวรรษที่ 21 นี่ไม่ใช่กรณีนี้อีกต่อไป ในปี 2559 ^Marvel Entertainmentได้รับการวิพากษ์วิจารณ์เกี่ยวกับการตัดสินใจเลือก Tilda Swinton เป็น "The Ancient One" ในภาพยนตร์ดัดแปลงเรื่องDoctor Strangeโดยใช้ผู้หญิงผิวขาวแสดงเป็นตัวละครทิเบตตามประเพณี ^ริชาร์ด เกียร์นักแสดงและผู้สนับสนุนชาวทิเบตที่มีชื่อเสียงโด่งดังกล่าวว่าเขาไม่ได้รับการต้อนรับให้เข้าร่วมในภาพยนตร์ฮอลลีวูดกระแสหลักอีกต่อไปหลังจากวิจารณ์รัฐบาลจีนและเรียกร้องให้คว่ำบาตรโอลิมปิกฤดูร้อน 2008ที่ปักกิ่ง ^{[107] [109]}

ตัวอย่างประวัติศาสตร์

ฮอลลีวูดยังเซ็นเซอร์ตัวเองในเชิงลบใดๆ เกี่ยวกับนาซีในช่วงทศวรรษ 1930 เพื่อรักษาการเข้าถึงผู้ชมชาวเยอรมัน ^[110]ในช่วงเวลานั้นการเซ็นเซอร์ทางเศรษฐกิจส่งผลให้มีการเซ็นเซอร์เนื้อหาด้วยตนเองเพื่อให้กลุ่มที่มีอิทธิพลทางเศรษฐกิจพึงพอใจ The Hays Code เป็นความพยายามของอุตสาหกรรมตั้งแต่ปี 1930-1967 ในการเซ็นเซอร์ตัวเองอย่าง ^{เข้มงวด}เพื่อระงับการคัดค้านทางศาสนาต่อเนื้อหาบางอย่างและป้องกันการเซ็นเซอร์ของรัฐบาลที่อาจเกิดขึ้น ^[110]

ฮอลลีวูดระดับโลก

เศรษฐศาสตร์การเมืองของนักวิจัยด้านการสื่อสารให้ความสนใจกับการปรากฏตัวในระดับสากลหรือระดับโลก อำนาจ ความสามารถในการทำกำไร และความนิยมของภาพยนตร์ฮอลลีวูด หนังสือเกี่ยวกับฮอลลีวูดระดับโลกโดย Toby Miller และ Richard Maxwell, ^[111] Janet Wasko และ Mary Erickson, ^[112] Kerry Segrave, ^[113] John Trumpbour ^[114]และ Tanner Mirrlees ^[115]ตรวจสอบเศรษฐกิจการเมืองระหว่างประเทศเกี่ยวกับอำนาจของฮอลลีวูด

จากข้อมูลของ Tanner Mirrlees ฮอลลีวูดอาศัยกลยุทธ์ทุนนิยมสี่ประการ "เพื่อดึงดูดและรวมผู้ผลิตภาพยนตร์ ผู้แสดงสินค้า และผู้ชมที่ไม่ได้อยู่ในสหรัฐฯ เข้าสู่ขอบเขตของมัน: ความเป็นเจ้าของ การผลิตข้ามพรมแดนกับผู้ให้บริการรอง ข้อตกลงลิขสิทธิ์เนื้อหากับผู้แสดงสินค้า ท่องโลก" ^[116]

ในปี พ.ศ. 2455 บริษัทภาพยนตร์อเมริกันส่วนใหญ่แข่งขันกันเพื่อตลาดภายในประเทศ เป็นการยากที่จะตอบสนองความต้องการจำนวนมากสำหรับภาพยนตร์ที่สร้างโดยตู้เพลงที่บูม สมาชิก บริษัทสิทธิบัตรภาพยนตร์เช่นEdison Studiosพยายามจำกัดการแข่งขันจากภาพยนตร์ฝรั่งเศส อิตาลี และภาพยนตร์นำเข้าอื่นๆ การส่งออกภาพยนตร์กลายเป็นผลกำไรสำหรับบริษัทเหล่านี้ Vitagraph Studiosเป็นบริษัทอเมริกันแห่งแรกที่เปิดสำนักงานกระจายสินค้าของตนเองในยุโรป โดยตั้งสาขาในลอนดอนในปี 2449 และสาขาที่สองในปารีสหลังจากนั้นไม่นาน ^[117]

บริษัทอเมริกันอื่นๆ กำลังย้ายเข้าสู่ตลาดต่างประเทศเช่นกัน และการจัดจำหน่ายในต่างประเทศของอเมริกายังคงขยายตัวต่อเนื่องจนถึงกลางทศวรรษที่ 1920 เดิมที บริษัทส่วนใหญ่ขายภาพยนตร์ทางอ้อม อย่างไรก็ตาม เนื่องจากพวกเขาไม่มีประสบการณ์ในการค้าในต่างประเทศ พวกเขาเพียงแค่ขายลิขสิทธิ์ต่างประเทศในภาพยนตร์ของพวกเขาให้กับบริษัทจัดจำหน่ายต่างประเทศหรือตัวแทนส่งออก ลอนดอนค่อย ๆ กลายเป็นศูนย์กลางของการเผยแพร่ภาพยนตร์สหรัฐในระดับนานาชาติ ^[117]

บริษัทอังกฤษหลายแห่งสร้างผลกำไรโดยทำหน้าที่เป็นตัวแทนของธุรกิจนี้ และด้วยการทำเช่นนั้น พวกเขาทำให้การผลิตของอังกฤษอ่อนแอลงโดยเปลี่ยนส่วนแบ่งตลาดใหญ่ของตลาดอังกฤษไปยังภาพยนตร์อเมริกัน ภายในปี 1911 ประมาณ 60 ถึง 70 เปอร์เซ็นต์ของภาพยนตร์ที่นำเข้ามาในบริเตนใหญ่เป็นภาพยนตร์อเมริกัน สหรัฐอเมริกาทำได้ดีเช่นกันในเยอรมนี ออสเตรเลีย และนิวซีแลนด์ ^[117]

เมื่อไม่นานมานี้ เมื่อโลกาภิวัตน์เริ่มทวีความรุนแรงมากขึ้น และรัฐบาลสหรัฐอเมริกาได้ส่งเสริมวาระการค้าเสรีและการค้าผลิตภัณฑ์ทางวัฒนธรรมอย่างแข็งขัน ฮอลลีวูดจึงกลายเป็นแหล่งวัฒนธรรมทั่วโลก ความสำเร็จในตลาดส่งออกของฮอลลีวูดไม่เพียงเป็นที่รู้จักจากความเฟื่องฟูของบริษัทสื่อข้ามชาติของอเมริกาทั่วโลกเท่านั้น แต่ยังมาจากความสามารถเฉพาะตัวในการสร้างภาพยนตร์ทุนสร้างมหาศาลที่ดึงดูดใจผู้นิยมชมชอบในหลายวัฒนธรรม ^[118]

ฮอลลีวูดได้รุกคืบเข้าสู่ตลาดจีนมากขึ้น แม้ว่าจะได้รับอิทธิพลจากการเซ็นเซอร์ของจีนก็ตาม ภาพยนตร์ที่สร้างในจีนจะถูกเซ็นเซอร์ โดยหลีกเลี่ยงเนื้อหาอย่างเช่น "ผี ความรุนแรง การฆาตกรรม ความสยองขวัญ และปีศาจ" องค์ประกอบพล็อตดังกล่าวเสี่ยงต่อการถูกตัดออก ฮอลลีวูดต้องสร้างภาพยนตร์ที่ "ได้รับการอนุมัติ" ซึ่งสอดคล้องกับมาตรฐานทางการของจีน แต่ด้วยมาตรฐานด้านสุนทรียภาพที่ต้องเสียสละเพื่อผลกำไรจากบ็อกซ์ออฟฟิศ แม้แต่ผู้ชมชาวจีนก็ยังพบว่ามันน่าเบื่อที่จะรอให้ภาพยนตร์อเมริกันเรื่องเยี่ยมออกฉายพร้อมเสียงพากย์ในภาษาของพวกเขาเอง ^[119]

บทบาทของสตรี

การเป็นตัวแทนของผู้หญิงในภาพยนตร์ได้รับการพิจารณาว่าเป็นปัญหาตราบเท่าที่ภาพยนตร์ยังเป็นอุตสาหกรรม การแสดงภาพผู้หญิงถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่าขึ้นอยู่กับตัวละครอื่น บุคคลที่เป็นแม่และคนในบ้านที่ต้องอยู่แต่ในบ้าน อารมณ์แปรปรวน และถูกจำกัดให้อยู่ในงานที่มีฐานะต่ำเมื่อเทียบกับตัวละครชายที่กล้าได้กล้าเสียและทะเยอทะยาน ด้วยสิ่งนี้ ผู้หญิงจึงถูกลดบทบาทและถูกทิ้งอย่างต่อเนื่องและติดอยู่กับแบบแผนทางเพศ ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ผู้หญิงมีสถิติต่ำกว่าตำแหน่งครีเอทีฟในศูนย์กลางอุตสาหกรรมภาพยนตร์ของสหรัฐอเมริกาอย่างฮอลลีวูด การเป็นตัวแทนที่ต่ำกว่านี้เรียกว่า " เพดานเซลลูลอยด์ " ซึ่งแตกต่างไปจาก คำว่า การเลือกปฏิบัติในการจ้างงาน " เพดานแก้ว " ในปี 2013 "นักแสดงที่มีรายได้สูงสุด ... ทำ2+1 ⁄ 2เท่าของนักแสดงหญิงที่มีรายได้สูงสุด" ^[120] "[O]นักแสดงที่มีอายุมากกว่า [ชาย] ทำเงินได้มากกว่าเพศหญิง" ตามอายุ โดย "ดาราภาพยนตร์หญิงทำเงินได้มากที่สุดใน เฉลี่ยต่อเรื่องเมื่ออายุ 34 ปี ในขณะที่ดาราชายทำรายได้สูงสุดที่ 51" ^[121]

รายงานเพดานเซลลูลอยด์ประจำปี 2013 จัดทำโดยศูนย์เพื่อการศึกษาสตรีในโทรทัศน์และภาพยนตร์แห่งมหาวิทยาลัยแห่งรัฐซานดิเอโกได้รวบรวมรายการสถิติที่รวบรวมจาก "บุคคล 2,813 คนที่ได้รับการว่าจ้างจากภาพยนตร์ที่ทำรายได้ในประเทศสูงสุด 250 เรื่องในปี 2012" ^[122]

ผู้หญิงเป็นเพียง 36 เปอร์เซ็นต์ของตัวละครหลักในภาพยนตร์ในปี 2018 ซึ่งลดลง 1 เปอร์เซ็นต์จาก 37 เปอร์เซ็นต์ที่บันทึกไว้ในปี 2017 ในปี 2019 เปอร์เซ็นต์นั้นเพิ่มขึ้นเป็น 40 เปอร์เซ็นต์ ผู้หญิงคิดเป็น 51 เปอร์เซ็นต์ของผู้ชมภาพยนตร์ อย่างไรก็ตาม เมื่อพูดถึงงานหลัก เช่น ผู้กำกับและผู้ถ่ายทำภาพยนตร์ ผู้ชายยังคงครองตำแหน่งต่อไป สำหรับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์ มีผู้หญิงเพียง 5 คนเท่านั้นที่เคยได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลผู้กำกับยอดเยี่ยม แต่ไม่มีใครเคยได้รับรางวัลในสาขานี้เลยตลอด 92 ปีที่ผ่านมา แม้ว่าการเป็นตัวแทนของผู้หญิงจะดีขึ้น แต่ก็ยังมีงานที่ต้องทำเกี่ยวกับความหลากหลายของผู้หญิงเหล่านั้น เปอร์เซ็นต์ของตัวละครหญิงผิวดำเพิ่มขึ้นจาก 16 เปอร์เซ็นต์ในปี 2017 เป็น 21 เปอร์เซ็นต์ในปี 2018 อย่างไรก็ตาม การเป็นตัวแทนของนักแสดงหญิงลาติน่าลดลงเหลือ 4 เปอร์เซ็นต์ในปีที่ผ่านมา ซึ่งต่ำกว่า 7 เปอร์เซ็นต์ที่ทำได้ในปี 2017 ถึง 3 เปอร์เซ็นต์^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ผู้หญิงคิดเป็น:

• "18% ของผู้กำกับ ผู้อำนวยการสร้าง โปรดิวเซอร์ นักเขียน นักถ่ายทำภาพยนตร์ และบรรณาธิการทั้งหมด ซึ่งสะท้อนว่าไม่มีการเปลี่ยนแปลงจากปี 2011 และเพิ่มขึ้นเพียง 1% จากปี 1998" ^[122]
• "9% ของกรรมการทั้งหมด" ^[122]
• "15% ของนักเขียน" ^[122]
• "25% ของผู้ผลิตทั้งหมด" ^[122]
• "20% ของบรรณาธิการทั้งหมด" ^[122]
• "2% ของช่างภาพทั้งหมด" ^[122]
• "38% ของภาพยนตร์จ้างผู้หญิง 0 หรือ 1 คนในบทบาทที่พิจารณา 23% จ้างผู้หญิง 2 คน 28% จ้างผู้หญิง 3 ถึง 5 คน และ 10% จ้างผู้หญิง 6 ถึง 9 คน" ^[122]

บทความของNew York Timesระบุว่ามีเพียง 15% ของภาพยนตร์ชั้นนำในปี 2013 เท่านั้นที่มีผู้หญิงเป็นนักแสดงนำ ^[123]ผู้เขียนงานวิจัยตั้งข้อสังเกตว่า "เปอร์เซ็นต์ของบทบาทในการพูดของผู้หญิงไม่ได้เพิ่มขึ้นมากนักตั้งแต่ทศวรรษที่ 1940 ที่พวกเขาวนเวียนอยู่ประมาณ 25 เปอร์เซ็นต์ถึง 28 เปอร์เซ็นต์" "ตั้งแต่ปี 1998 การเป็นตัวแทนของผู้หญิงในบทบาทเบื้องหลังนอกเหนือจากการกำกับเพิ่มขึ้นเพียง 1 เปอร์เซ็นต์" Women "กำกับภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุด 250 เรื่องในปี 2012 ในสัดส่วนที่เท่ากัน (9 เปอร์เซ็นต์) เช่นเดียวกับในปี 1998" ^[120]

เชื้อชาติและเผ่าพันธุ์

เมื่อวันที่ 10 พฤษภาคม 2021 NBC ประกาศว่าจะไม่ถ่ายทอดสดงานประกาศผลรางวัลลูกโลกทองคำครั้งที่ 79 ในปี 2022 เพื่อสนับสนุนการคว่ำบาตร HFPA โดยบริษัทสื่อหลายแห่งเนื่องจากความพยายามที่ไม่เพียงพอในการจัดการกับการขาดการเป็นตัวแทนที่หลากหลายภายในสมาชิกของสมาคมกับบุคคล ของสีแต่จะเปิดถ่ายทอดสดพิธีในปี 2566 หาก HFPA ประสบความสำเร็จในความพยายามในการปฏิรูป ^[124]

นับตั้งแต่ช่วงปลายของอุตสาหกรรมภาพยนตร์ เซลลูลอยด์เป็นตัวแทนของชาวไอริชอเมริกันมีมากมาย ภาพยนตร์ที่มีธีมไอริช-อเมริกัน ได้แก่ ละครสังคม เช่นLittle Nellie KellyและThe Cardinalมหากาพย์แรงงาน เช่นOn the Waterfront และ ภาพยนตร์อันธพาล เช่นAngels with Dirty Faces , The Friends of Eddie CoyleและThe Departed แม้ว่ายุคคลาสสิกของภาพยนตร์อเมริกันจะถูกครอบงำโดย คน คอเคเชียนทั้งต่อหน้าและลับหลังกล้อง แต่ชนกลุ่มน้อยและคนผิวสีก็สามารถสร้างเส้นทางของตนเองในการนำภาพยนตร์ของพวกเขาขึ้นจอได้ ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ภาพยนตร์อเมริกันมักสะท้อนและเผยแพร่แบบแผนเชิงลบที่มีต่อชาวต่างชาติและชนกลุ่มน้อยทางชาติพันธุ์ ^[125]ตัวอย่างเช่นชาวรัสเซียและชาวอเมริกันเชื้อสายรัสเซียมักจะถูกมองว่าเป็นอาชญากรที่โหดเหี้ยม สายลับที่โหดเหี้ยม และผู้ร้าย ^{[126] [127] [128]}ตามที่Nina L. Khrushcheva ศาสตราจารย์ชาวรัสเซีย ชาวอเมริกันกล่าวว่า "คุณไม่สามารถแม้แต่จะเปิดทีวีและไปดูหนังโดยไม่อ้างถึงชาวรัสเซียว่าน่ากลัว" ^[129] ชาวอิตาเลียนและชาวอเมริกันเชื้อสายอิตาลีมักจะเกี่ยวข้องกับองค์กรอาชญากรรมและมาเฟีย ^{[130] [131] [132]} ชาวอเมริกันเชื้อสายฮิสแปนิกและลาตินอเมริกันมักถูกมองว่าเป็นบุคคลทางเพศ เช่นผู้ชาย ลาติน หรือจิ้งจอก ลาติ นสมาชิกแก๊งผู้ อพยพ (ผิดกฎหมาย) หรือผู้ให้ความบันเทิง ^{อย่างไรก็ตาม}การเป็นตัวแทนในฮอลลีวูดได้เพิ่มขึ้นในช่วงหลังซึ่งได้รับแรงผลักดันที่เห็นได้ชัดเจนในทศวรรษที่ 1990 และไม่เน้นการกดขี่ การแสวงประโยชน์ หรือการต่อต้านเป็นประเด็นหลัก จากข้อมูลของรามิเรซ แบร์ก ภาพยนตร์แนวคลื่นลูกที่สาม "ไม่ได้เน้นย้ำถึงการกดขี่หรือการต่อต้านของชิคาโน ^[134]ผู้สร้างภาพยนตร์ชอบเอ็ดเวิร์ด เจมส์ โอลมอสและโรเบิร์ต โรดริเกซสามารถนำเสนอประสบการณ์ของชาวอเมริกันเชื้อสายฮิสแปนิกและละตินอเมริกา อย่างที่ไม่เคยมี มาก่อนบนหน้าจอ และนักแสดงอย่างฮิ ลารี สแวงก์ , จอร์ดาน่า บริวสเตอร์ , เจสสิก้า อัลบ้า , คามิลล่าเบลล์ , อัล มาดริกัล, อเล็กซิส บลีเดล , อเล็กซาเพนาเว ก้า , อนา เดอ อาร์มาสและRachel Zeglerก็ประสบความสำเร็จ ในทศวรรษที่ผ่านมา ผู้สร้างภาพยนตร์ชนกลุ่มน้อยอย่างChris Weitz , Alfonso Gomez-RejonและPatricia Riggenได้รับการเล่าเรื่องที่เกี่ยวข้อง การแสดงในภาพยนตร์ของพวกเขาในยุคแรกๆ ได้แก่La Bamba (1987), Selena (1997), The Mask of Zorro (1998), Goal II (2007), Overboard (2018), Father of the Bride (2022) และJosefina López 's Real Women Have Curvesเดิมเป็นละครที่ฉายในปี 1990 และต่อมาได้รับการปล่อยตัวเป็นภาพยนตร์ในปี 2002 ^[134]

การเป็นตัวแทนของชาวแอฟริกัน-อเมริกันในฮอลลีวูดดีขึ้นอย่างมากในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 หลังจากการล่มสลายของระบบสตูดิโอ เนื่องจากผู้สร้างภาพยนตร์อย่างสไปค์ ลีและจอห์น ซิงเกิลตันสามารถนำเสนอประสบการณ์ของชาวแอฟริกันอเมริกันได้อย่างที่ไม่เคยปรากฏบนจอภาพยนตร์มาก่อน ในขณะที่นักแสดงอย่างฮัลลี แบล็กเบอร์รีและวิล สมิธประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามในบ็อกซ์ออฟฟิศ ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา ผู้สร้างภาพยนตร์ชนกลุ่มน้อยอย่างRyan Coogler , Ava DuVernayและF Gary Greyได้รับหน้าที่สร้างสรรค์ในการผลิตสนับสนุนที่สำคัญ ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}ในฮอลลีวูดยุคเก่า เมื่อสังคมยอมรับ อคติทางเชื้อชาติได้ จึงไม่ใช่เรื่องแปลกที่นักแสดงผิวขาวจะทาหน้าดำ ใน^Moonlightความเป็นชายถูกมองว่าเข้มงวดและก้าวร้าวท่ามกลางพฤติกรรมของชายหนุ่มผิวดำในกลุ่มเพื่อนวัยรุ่นของChiron ^[136]การแสดงออกของความเป็นชายมากเกินไปในหมู่ชายผิวดำนั้นสัมพันธ์กับการยอมรับจากเพื่อนและชุมชน ^[๑๓๗]เป็นผู้รักร่วมเพศในทางกลับกัน ในชุมชนคนผิวดำนั้นมีความเกี่ยวข้องกับความแปลกแยกทางสังคมและการตัดสินที่เกลียดการปรักปรำโดยคนรอบข้าง เพราะเกย์ผิวดำถูกมองว่าอ่อนแอหรือเป็นผู้หญิง ในภาพยนตร์เรื่องนี้ Chiron ถูกจัดให้อยู่ในความแตกแยกนี้ในฐานะชายรักร่วมเพศผิวดำ และปรับเปลี่ยนการนำเสนอความเป็นชายเป็นกลยุทธ์เพื่อหลีกเลี่ยงการเยาะเย้ย เพราะการรักร่วมเพศถูกมองว่าขัดกับความคาดหวังของชายผิวดำ ในฐานะเด็กเล็ก เควินซ่อนเรื่องเพศของเขาเพื่อหลีกเลี่ยงการถูกแยกออกจากกลุ่มเหมือนที่ Chiron เป็น เมื่อ Chiron โตขึ้น เขาตระหนักถึงความจำเป็นในการปฏิบัติตามอุดมคติของความเป็นชายผิวดำในอุดมคติเพื่อหลีกเลี่ยงการล่วงละเมิดและหวั่นเกรงต่อคนรักร่วมเพศ เมื่อโตเป็นผู้ใหญ่ Chiron เลือกที่จะโอบรับการแสดงทางเพศของชายผิวสีแบบโปรเฟสเซอร์ด้วยการกลายเป็นนักกล้ามและพ่อค้ายา ^[136]

ตามที่นักแสดงชาวเกาหลี-อเมริกันแดเนียล แด คิม ผู้ชาย ชาวเอเชียและชาวอเมริกันเชื้อสายเอเชีย ^[132]ถูกมองว่าสุภาพและรวบรัดมาก Media Action Network สำหรับชาวอเมริกันเชื้อสายเอเชียกล่าวหาว่าผู้กำกับและสตูดิโอล้าง บาปให้กับ นักแสดงของภาพยนตร์เรื่องนี้Alohaและโครว์ขอโทษที่เอ็มมา สโตนถูกแคสผิดในฐานะตัวละครที่มีเชื้อสายจีน 1 ใน 4 และเชื้อสายฮาวาย 1 ใน 4 ^{[138] [139] [140]}ตลอดศตวรรษที่ 20 ภาพยนตร์บทบาทการแสดงมีค่อนข้างน้อย และบทบาทที่มีอยู่มากมายเป็นตัวละครที่แคบ ไม่นานมานี้ นักแสดงตลกและผู้สร้างภาพยนตร์ชาวอเมริกันเชื้อสายเอเชียอายุน้อยได้พบช่องทางบนYouTubeซึ่งทำให้พวกเขาได้รับฐานแฟนคลับที่เหนียวแน่นและภักดีในหมู่ชาวเอเชียอเมริกัน แม้ว่าเมื่อเร็ว ๆ นี้ภาพยนตร์เรื่อง^Crazy Rich Asiansจะได้รับการยกย่องในสหรัฐอเมริกาเนื่องจากมีนัก แสดง ^เป็นชาวเอเชียเป็น หลัก ภาพยนตร์เรื่องอื่นจะเป็นของฉันเสมอผู้ซึ่งได้รับการยกย่องเมื่อเร็วๆ นี้ นำจังหวะโรแมนติก-คอมที่คุ้นเคยมาผสมผสานเข้ากับการวิจารณ์ทางสังคมอย่างชาญฉลาดเพื่อค้นหาร่องที่ไพเราะของมันเอง" อ้างอิงจากRotten Tomatoes ^[143]

ก่อนเหตุการณ์ 9/11 ชาวอาหรับและชาวอเมริกันเชื้อสายอาหรับมักถูกมองว่าเป็นผู้ก่อการร้าย การตัดสินใจจ้างนาโอมิ สก็อตต์ใน ภาพยนตร์ อะลาดินลูกสาวของ บิดา ชาวอังกฤษและ มารดา ชาวคุชราตเชื้อสาย ยูกันดา -อินเดีย^มารับบทนำของเจ้าหญิงจัสมิน นำมาซึ่งคำวิจารณ์ เช่นเดียวกับข้อกล่าวหาเรื่องลัทธิสีนักวิจารณ์คาดว่าบทบาทนี้ควรเป็นของนักแสดงหญิงชาวอาหรับหรือตะวันออกกลาง ^[144] ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2561 มีรายงานว่ามีการใช้สีขาวเป็นพิเศษในการแต่งหน้าสีน้ำตาลในระหว่างการถ่ายทำเพื่อให้ "กลมกลืน" ซึ่งทำให้เกิดเสียงโวยวายและประณามในหมู่แฟน ๆ และนักวิจารณ์ โดยระบุว่าการกระทำดังกล่าวเป็น "การดูหมิ่นอุตสาหกรรมทั้งหมด" ในขณะที่กล่าวหาว่าผู้ผลิตไม่สรรหาผู้ที่มีมรดกทางตะวันออกกลางหรือแอฟริกาเหนือ ดิสนีย์ตอบโต้ข้อโต้แย้งดังกล่าวว่า "ความหลากหลายของนักแสดงและนักแสดงเบื้องหลังเป็นข้อกำหนด และในบางกรณีเป็นเรื่องของทักษะพิเศษ ความปลอดภัย และการควบคุม (อุปกรณ์เอฟเฟกต์พิเศษ นักแสดงผาดโผน และการจัดการสัตว์) เท่านั้น ลูกเรือสร้างขึ้นเพื่อผสมผสาน" ^{[145] [146]}สาขาตลกอเมริกันรวมถึงชาวยิว จำนวนมาก. มรดกนี้ยังรวมถึงนักแต่งเพลงและผู้แต่ง เช่น ผู้แต่งเพลง "Viva Las Vegas" Doc Pomus หรือนักแต่งเพลง Billy the Kid Aaron Copland ชาวยิวจำนวนมากเป็นแนวหน้าในประเด็นสตรี ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

ในศตวรรษที่ 20 การแสดงภาพชนพื้นเมืองอเมริกันยุคแรกในภาพยนตร์และ บทบาท ทางโทรทัศน์แสดงครั้งแรกโดยชาวอเมริกันเชื้อสายยุโรปที่แต่งกายด้วยชุดแบบดั้งเดิมจำลอง ตัวอย่าง ได้แก่The Last of the Mohicans (1920), Hawkeye and the Last of the Mohicans (1957) และF Troop (1965–67) ในทศวรรษต่อมา นักแสดงชาวอเมริกันพื้นเมือง เช่นเจย์ ซิลเวอร์ฮีลส์ใน ซีรีส์โทรทัศน์ เรื่อง The Lone Ranger (พ.ศ. 2492–57) เริ่มมีชื่อเสียง บทบาทของชนพื้นเมืองอเมริกันถูกจำกัดและไม่สะท้อนถึงวัฒนธรรมของชนพื้นเมืองอเมริกัน ในช่วงปี 1970 บทบาทภาพยนตร์ของชนพื้นเมืองอเมริกันบางเรื่องเริ่มแสดงความซับซ้อนมากขึ้น เช่น บทบาทในLittle Big Man (1970)Billy Jack (1971) และ The Outlaw Josey Wales (1976) ซึ่งแสดงภาพชนพื้นเมืองอเมริกันในบทบาทสนับสนุนเล็กน้อย ^{[ จำเป็นต้องอ้างอิง ]}

สภาพการทำงาน

ขั้นตอนการทำงานของฮอลลีวูดมีลักษณะเฉพาะตรงที่พนักงานส่วนใหญ่ไม่ได้รายงานตัวที่โรงงานแห่งเดียวกันทุกวัน หรือทำตามกิจวัตรเดิมๆ วันแล้ววันเล่า แต่จะถ่ายทำภาพยนตร์ในสถานที่ห่างไกลทั่วโลก โดยมีกำหนดการที่กำหนดโดยฉากต่างๆ ถ่ายทำมากกว่าสิ่งที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการผลิต ตัวอย่างเช่น ภาพยนตร์ในเมืองที่ถ่ายทำในสถานที่ทั้งหมดในเวลากลางคืนจะต้องใช้ทีมงานจำนวนมากเพื่อทำงานกะสุสาน ในขณะที่ซีรีส์ตลกตามสถานการณ์ที่ถ่ายทำบนเวทีเป็นหลักโดยใช้เวลาในสถานที่เพียงหนึ่งหรือสองวันต่อสัปดาห์จะใช้แบบดั้งเดิมมากกว่า ตารางงาน. ฉากตะวันตกมักจะถ่ายทำในสถานที่ทะเลทรายซึ่งห่างไกลจากบ้านของลูกเรือในพื้นที่ที่มีโรงแรมจำนวนจำกัดซึ่งจำเป็นต้องเดินทางไกลก่อนและหลังวันถ่ายทำ ซึ่งใช้ประโยชน์จากแสงแดดให้ได้มากที่สุด^{[147] [148]}

ในขณะที่บทบาทของแรงงานในอเมริกาลดลงในหลายส่วนของประเทศ สหภาพแรงงานยังคงยึดมั่นในฮอลลีวูดตั้งแต่เริ่มเกิดภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่เมื่อคนงานเข้าแถวหน้าโรงถ่ายภาพยนตร์ที่กำลังเฟื่องฟูเพื่อหางานเพียงแห่งเดียวในเมือง สภาพเลวร้ายกำลังรอคนงานเหล่านั้นอยู่ ในขณะที่สตูดิโอเอาเปรียบพนักงานที่กระตือรือร้นด้วยค่าจ้างที่น้อยนิด และการคุกคามของคนงานอีกหลายร้อยคนที่รออยู่นอกประตูเพื่อเข้ามาทำงานแทนหากพวกเขาส่งเสียงบ่นใดๆ ^[149]

เนื่องจาก ลักษณะการจ้างงาน ที่ไม่เป็นทางการในฮอลลีวูด มีเพียงการเจรจาต่อรองร่วมกันเท่านั้นที่พนักงานแต่ละคนจะสามารถแสดงสิทธิของตนในการค้ำประกันค่าจ้างขั้นต่ำและการเข้าถึงแผนเงินบำนาญและสุขภาพที่ส่งต่อจากภาพยนตร์สู่ภาพยนตร์หรือละครโทรทัศน์ไปจนถึงละครโทรทัศน์ และเสนอสตูดิโอ เข้าถึงบุคลากรที่ผ่านการฝึกอบรมซึ่งสามารถก้าวเข้าสู่ฉากในวันแรกด้วยความรู้และประสบการณ์ในการจัดการกับอุปกรณ์ทางเทคนิคขั้นสูงที่พวกเขาถูกขอให้ใช้งาน ^[150]

คนงานส่วนใหญ่ในฮอลลีวูดมีตัวแทนจากสหภาพแรงงานและสมาคมหลายแห่ง International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE) ที่มีสมาชิกกว่า 150,000 คนเป็นตัวแทนของงานฝีมือ ส่วนใหญ่ เช่น อุปกรณ์จับยึด ช่างไฟฟ้า และช่างกล้อง ตลอดจนบรรณาธิการ ซาวด์เอ็นจิเนียร์ และช่างทำผมและแต่งหน้า Screen Actors Guild (SAG) เป็นกลุ่มใหญ่รองลงมาจากนักแสดงและนักแสดงกว่า 130,000 คน, Director Guild of America (DGA) เป็นตัวแทนของผู้กำกับและผู้จัดการฝ่ายผลิต, Writers Guild of America (WGA) เป็นตัวแทนของนักเขียน และInternational Brotherhood of Teamsters (IBT) เป็นตัวแทนของไดรเวอร์ ^{[151] [152]}

สหภาพแรงงานและกิลด์ทำหน้าที่เป็น หน่วย ต่อรองร่วมสำหรับการเป็นสมาชิก โดยเจรจาเป็นระยะ (ส่วนใหญ่อยู่ในสัญญา 3 ปี) กับ Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTP) ซึ่งเป็นพันธมิตรทางการค้าที่เป็นตัวแทนของสตูดิโอภาพยนตร์และเครือข่ายโทรทัศน์ที่ จ้างทีมงานเพื่อสร้างเนื้อหาของพวกเขา

แม้ว่าความสัมพันธ์ระหว่างแรงงานและฝ่ายบริหารโดยทั่วไปจะเป็นไปด้วยดีตลอดหลายปีที่ผ่านมา การทำงานร่วมกับรัฐเพื่อพัฒนาโปรโตคอลที่ปลอดภัยเพื่อให้ทำงานต่อไปได้ในช่วงโควิด-19และวิ่งเต้นร่วมกันเพื่อสนับสนุนสิ่งจูงใจทางภาษีเป็นที่ทราบกันดีว่าการเจรจาสัญญาทำให้เกิดข้อโต้แย้งเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลง ในอุตสาหกรรมและเป็นการตอบสนองต่อ ความไม่เท่าเทียม กันของรายได้ ที่เพิ่มขึ้น ความสัมพันธ์ดังกล่าวกลายเป็นเรื่องนองเลือดในปี 1945 เมื่อการนัดหยุดงานหกเดือนโดยผู้ตกแต่งฉากกลายเป็นการชุลมุนนองเลือดในวันเดือนตุลาคมที่ร้อนระอุระหว่างผู้หยุดงาน คนสะเก็ด คนหยุดงาน และเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยในสตูดิโอ ^{[153] [154] [155] [156]}

ดูเพิ่มเติม

• หมวดหมู่:ภาพยนตร์สารคดีเกี่ยวกับฮอลลีวูด ลอสแองเจลิส
• หมวดหมู่:ภาพยนตร์สารคดีเกี่ยวกับภาพยนตร์ในสหรัฐอเมริกา
• หมวดหมู่:ภาพยนตร์เกี่ยวกับฮอลลีวูด ลอสแองเจลิส
• รายชื่อภาพยนตร์อเมริกัน
• ภาพยนตร์ตลกอเมริกัน
• สถาบันภาพยนตร์อเมริกัน
• ประวัติแอนิเมชั่นในสหรัฐอเมริกา
• รายชื่อภาพยนตร์ที่เป็นสาธารณสมบัติในสหรัฐอเมริกา
• ระบบการจัดเรตภาพยนตร์ของสมาคมภาพยนตร์แห่งอเมริกา
• ทะเบียนภาพยนตร์แห่งชาติ

ทั่วไป

• รายชื่อภาพยนตร์ของโลก
• การถ่ายภาพในสหรัฐอเมริกา
  • ภาพยนตร์แห่งอเมริกาเหนือ

อ้างอิง