แชมเบอร์มิวสิค

เชมเบอร์มิวสิค เป็น ดนตรีคลาสสิกรูปแบบหนึ่งที่แต่งขึ้นสำหรับเครื่องดนตรี กลุ่มเล็กๆ ซึ่งแต่เดิมเป็นดนตรีที่สามารถบรรเลงในห้องโถงของพระราชวังหรือห้องขนาดใหญ่ได้ โดยกว้างที่สุด มันรวมถึงดนตรีศิลปะ ใด ๆที่แสดงโดยนักแสดงจำนวนน้อย โดยมีผู้บรรเลงหนึ่งคนต่อหนึ่งท่อน อย่างไรก็ตาม ตามแบบแผน มักจะไม่รวมถึงการแสดงเครื่องดนตรีเดี่ยว

เนื่องจากลักษณะที่ใกล้ชิด ดนตรีเชมเบอร์จึงได้รับการอธิบายว่าเป็น "ดนตรีของเพื่อน" ^[1]เป็นเวลากว่า 100 ปีที่แชมเบอร์มิวสิคเล่นโดยนักดนตรีสมัครเล่นในบ้านเป็นหลัก และแม้กระทั่งทุกวันนี้ เมื่อการแสดงแชมเบอร์มิวสิคย้ายจากบ้านไปที่คอนเสิร์ตฮอลล์ นักดนตรีหลายคนทั้งมือสมัครเล่นและมืออาชีพยังคงเล่นเชมเบอร์มิวสิค เพื่อความสุขของตนเอง การเล่นแชมเบอร์มิวสิคต้องใช้ทักษะพิเศษทั้งทางดนตรีและทางสังคม ซึ่งแตกต่างจากทักษะที่จำเป็นสำหรับการเล่นเดี่ยวหรืองานซิมโฟนิก ^[2]

Johann Wolfgang von Goetheอธิบายถึงดนตรีเชมเบอร์ (โดยเฉพาะ ดนตรีเครื่องสายวงเครื่องสาย) ว่า "สี่คนที่มีเหตุผลสนทนากัน" ^[3]กระบวนทัศน์เชิงสนทนานี้ – ซึ่งหมายถึงวิธีที่เครื่องดนตรีเครื่องหนึ่งแนะนำทำนองหรือบรรทัดฐาน จากนั้นเครื่องดนตรีอื่น ๆ ก็ “ตอบสนอง” ด้วยบรรทัดฐานที่คล้ายคลึงกันในภายหลัง – ได้รับการถักทอผ่านประวัติศาสตร์ของการประพันธ์เพลงแชมเบอร์ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ศตวรรษจนถึงปัจจุบัน ความคล้ายคลึงกับการสนทนาเกิดขึ้นอีกในคำอธิบายและการวิเคราะห์การประพันธ์ดนตรีแชมเบอร์

ประวัติ

จากจุดเริ่มต้นแรกสุดในยุคกลางจนถึงปัจจุบัน ดนตรีแชมเบอร์เป็นภาพสะท้อนของการเปลี่ยนแปลงของเทคโนโลยีและสังคมที่ก่อให้เกิดสิ่งนี้

จุดเริ่มต้น

ในช่วงยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตอนต้น เครื่องดนตรีส่วนใหญ่ถูกใช้เป็นดนตรีประกอบสำหรับนักร้อง ^[4]ผู้เล่นเครื่องสายจะเล่นไปพร้อมกับแนวเมโลดี้ที่ร้องโดยนักร้อง นอกจากนี้ยังมีวงเครื่องดนตรีล้วน ๆ ซึ่งมักเป็นเครื่องสายของตระกูลไวโอลินเรียกว่าconsorts ^[5]

นักวิเคราะห์บางคนคิดว่าต้นกำเนิดของเครื่องดนตรีคลาสสิกคือsonata da camera (chamber sonata) และsonata da chiesa (church sonata) ^[6]สิ่งเหล่านี้เป็นการประพันธ์สำหรับเครื่องดนตรีหนึ่งถึงห้าชิ้นหรือมากกว่านั้น กล้องโซนาตาดาเป็นชุดของการเคลื่อนไหวที่ช้าและเร็ว สลับกับเพลงเต้นรำ sonata da chiesa เหมือนกัน แต่การเต้นรำถูกละไว้ รูปแบบเหล่านี้ค่อย ๆ พัฒนาเป็นโซนาตาสามแบบของบาโรก - เครื่องดนตรีเสียงแหลมสองชิ้นและเครื่องดนตรีเบส หนึ่งชิ้น มักจะมีคีย์บอร์ด หรือเครื่องดนตรีคอร์ดอื่น ๆ ( ฮาร์ปซิคอร์ด ออร์แกนพิณหรือลูตตัวอย่างเช่น) เติมความสามัคคี ^[7]ทั้งเครื่องดนตรีเบสและเครื่องดนตรีประสานเสียงจะเล่นส่วน ต่อเนื่องของเบสโซ

ในช่วงยุคบาโรก ดนตรีเชมเบอร์เป็นประเภทที่ไม่ชัดเจน บ่อยครั้งที่งานสามารถเล่นด้วยเครื่องดนตรีชนิดใดก็ได้ ในวงออร์เคสตราหรือวงแชมเบอร์ ตัวอย่างเช่น The Art of FugueโดยJohann Sebastian Bachสามารถเล่นด้วยเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด (ฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกน) หรือโดยวงเครื่องสายหรือวงเครื่องสาย เครื่องดนตรีของทรีโอโซนาตามักจะระบุอย่างยืดหยุ่นเช่นกัน โซนาตาของฮันเดลบางเพลงใช้ " ขลุ่ยเยอรมัน โฮบอย [โอโบ] หรือไวโอลิน" ^[8]ไลน์เบสสามารถเล่นด้วยไวโอโลน เชลโล ธีออร์โบหรือบาสซูนและบางครั้งเครื่องดนตรี 3 หรือ 4 ชิ้นจะร่วมเล่นเบสพร้อมเพรียงกัน บางครั้งนักแต่งเพลงผสมผสานการเคลื่อนไหวสำหรับวงแชมเบอร์กับการเคลื่อนไหวแบบออเคสตร้า ตัวอย่างเช่น 'Tafelmusik' ของ Telemann (1733) มีการเคลื่อนไหวห้าชุดสำหรับการผสมผสานเครื่องดนตรีต่างๆ ลงท้ายด้วยส่วนออเคสตร้าเต็มรูปแบบ ^[9]

ดนตรีเชมเบอร์สไตล์บาโรกมักจะขัดแย้งกัน นั่นคือเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นเล่นเพลงที่มีทำนองเดียวกันในเวลาต่างๆ กัน ทำให้เกิดเสียงที่ซับซ้อนและสอดประสานกัน เนื่องจากเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นเล่นทำนองเดียวกัน เครื่องดนตรีทั้งหมดจึงมีความเท่าเทียมกัน ในโซนาตาทรีโอ มักไม่มีเครื่องดนตรีแอสเซนเดนต์หรือโซโล แต่เครื่องดนตรีทั้งสามมีความสำคัญเท่าเทียมกัน

บทบาทฮาร์มอนิกที่เล่นโดยคีย์บอร์ดหรือเครื่องดนตรีคอร์ดอื่นๆ เป็นส่วนย่อย และโดยปกติแล้วส่วนของคีย์บอร์ดจะไม่ได้เขียนออกมาด้วยซ้ำ ค่อนข้าง โครงสร้างคอร์ดของชิ้นส่วนถูกระบุด้วยรหัสตัวเลขบนสายเสียงเบส ซึ่งเรียกว่าฟิกเกอร์เบส

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 รสนิยมเริ่มเปลี่ยนไป: นักแต่งเพลงหลายคนชอบสไตล์ใหม่ของGalant ที่เบากว่า โดยมี "พื้นผิวที่บางลง ... และทำนองและเสียงเบสที่ชัดเจน" กับความซับซ้อนของความแตกต่าง ^[11]ตอนนี้มีประเพณีใหม่เกิดขึ้นซึ่งให้กำเนิดรูปแบบใหม่ของดนตรีแชมเบอร์: เซเร เนด ผู้มีพระคุณเชิญนักดนตรีข้างถนนมาเล่นคอนเสิร์ตยามเย็นใต้ระเบียงบ้าน เพื่อน ๆ และคนรักของพวกเขา ผู้อุปถัมภ์และนักดนตรีมอบหมายให้นักแต่งเพลงเขียนชุดการเต้นรำและเพลงที่เหมาะสมสำหรับกลุ่มที่มีผู้เล่นสองถึงห้าหรือหกคน งานเหล่านี้เรียกว่าเซเรเนด น็อคเทิร์น ไดเวอร์ติเมนติ หรือคาสเซชั่น (จากคำว่า กัส = ถนน) โจเซฟ ไฮเดินในวัยเยาว์ได้รับมอบหมายให้เขียนหลายสิ่งเหล่านี้^[12]

ไฮเดิน โมสาร์ท และสไตล์คลาสสิก

โจเซฟ ไฮเดินโดยทั่วไปให้เครดิตกับการสร้างรูปแบบสมัยใหม่ของแชมเบอร์มิวสิคตามที่เราทราบ^[13]แม้ว่านักวิชาการในปัจจุบัน เช่น โรเจอร์ ฮิคแมนจะโต้แย้งว่า ความคิดที่คลุมเครือเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ที่แท้จริงของประเภทในศตวรรษที่ 18" ^[14]วงเครื่องสายทั่วไปในยุคนั้นจะประกอบด้วย

• การเคลื่อนไหวเปิดในรูปแบบโซนาตามักจะมีสองธีมที่ตัดกัน ตามด้วยส่วนการพัฒนาซึ่งเนื้อหาธีมจะถูกแปลงและเปลี่ยน และจบลงด้วยการสรุปของสองธีมเริ่มต้น
• การเคลื่อนไหวแบบโคลงสั้น ๆในจังหวะช้าหรือปานกลาง บางครั้งสร้างขึ้นจากสามส่วนที่ซ้ำกันตามลำดับ A–B–C–A–B–C และบางครั้งก็เป็นชุดของรูปแบบต่างๆ
• มินินูเอตหรือเชอร์โซการเคลื่อนไหวเบา ๆ ในสามส่วนสี่ของเวลา โดยมีส่วนหลัก ส่วนสามส่วนที่ตัดกัน และการทำซ้ำของส่วนหลัก
• ส่วนสุดท้ายที่รวดเร็วใน รูปแบบ rondoชุดของส่วนตัดกันที่มีส่วนการละเว้นหลักเปิดและปิดการเคลื่อนไหว และทำซ้ำระหว่างแต่ละส่วน

ไฮเดินไม่ได้เป็นนักแต่งเพลงคนเดียวที่พัฒนาโหมดใหม่ของแชมเบอร์มิวสิค แม้กระทั่งก่อนหน้า Haydn นักแต่งเพลงหลายคนก็ได้ทดลองกับรูปแบบใหม่ๆ แล้ว Giovanni Battista Sammartini , Ignaz HolzbauerและFranz Xaver Richterเขียนคำนำของวงเครื่องสาย Franz Ignaz von Beecke (1733-1803) ร่วมกับ Piano Quintet ใน A minor (1770) และ 17 string quartets เป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกดนตรีแชมเบอร์ในยุคคลาสสิก

นักแต่งเพลงเชมเบอร์มิวสิคที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งในยุคนั้นคือโวล์ฟกัง อะมาเดอุสโมสาร์ท เปียโนสามเครื่องของโมซาร์ทเจ็ดเครื่องและควอเต็ตเปียโนสองเครื่องเป็นวงแรกที่ใช้หลักการสนทนากับดนตรีแชมเบอร์ร่วมกับเปียโน เปียโนทั้งสามของ Haydn เป็นเปียโนโซนาตาโดยพื้นฐานแล้ว โดยไวโอลินและเชลโลเล่นเป็นตัวประกอบเป็นส่วนใหญ่ เพิ่มไลน์เสียงแหลมและเบสของโน้ตเปียโนเป็นสองเท่า แต่โมสาร์ทมอบบทบาทอิสระให้กับเครื่องสาย โดยใช้เป็นเครื่องสวนทางกับเปียโน และเพิ่มเสียงของแต่ละคนในบทสนทนาของเชมเบอร์มิวสิค ^[15]

โมสาร์ทแนะนำคลาริเน็ตที่ประดิษฐ์ขึ้นใหม่เข้าสู่คลังแสงดนตรีแชมเบอร์ ด้วยKegelstatt Trioสำหรับวิโอลา คลาริเน็ต และเปียโน K. 498 และ Quintet สำหรับคลาริเน็ตและสตริงควอเตต K. 581 นอกจากนี้ เขายังได้ลองวงดนตรีแนวสร้างสรรค์อื่นๆ รวมถึงควินเต็ต สำหรับไวโอลิน วิโอลาสองตัว เชลโล และฮอร์น K.407 ควอเต็ตสำหรับฟลุตและเครื่องสาย และเครื่องลมต่างๆ เขาเขียนเครื่องสาย 6 ชุดสำหรับไวโอลิน 2 ตัว วิโอลา 2 ตัวและเชลโล ซึ่งสำรวจโทนเสียงที่หนักแน่นของวิโอลา เพิ่มมิติใหม่ให้กับการสนทนาวงเครื่องสาย

วงเครื่องสายของ Mozart ถือเป็นจุดสุดยอดของศิลปะคลาสสิก วงเครื่องสายทั้ง 6 วงที่เขาอุทิศให้กับ Haydnเพื่อนและที่ปรึกษาของเขา เป็นแรงบันดาลใจให้นักแต่งเพลงอาวุโสพูดกับพ่อของ Mozart ว่า "ฉันขอบอกคุณต่อหน้าพระเจ้าในฐานะคนซื่อสัตย์ว่าลูกชายของคุณเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่ฉันรู้จักไม่ว่าจะต่อหน้าหรือโดย ชื่อเสียง เขามีรสนิยม และยิ่งไปกว่านั้นคือมีความรู้อย่างลึกซึ้งที่สุดเกี่ยวกับองค์ประกอบ" ^[16]

นักแต่งเพลงคนอื่น ๆ หลายคนเขียนเพลงประกอบห้องในช่วงเวลานี้ซึ่งเป็นที่นิยมในเวลานั้นและยังคงเล่นอยู่ในปัจจุบัน Luigi Boccheriniนักแต่งเพลงและนักเล่นเชลโลชาวอิตาลี เขียนวงเครื่องสายเกือบร้อยชุด และมากกว่าหนึ่งร้อยชุดสำหรับไวโอลิน 2 คัน วิโอลาและเชลโล 2 คัน ในวงดนตรีที่เป็นนวัตกรรมใหม่นี้ ซึ่งต่อมา ชูเบิร์ตใช้Boccherini บรรเลงโซโลที่ฉูดฉาดและมีไหวพริบให้กับเชลโลหลัก เพื่อเป็นการแสดงสำหรับการเล่นของเขาเอง นักไวโอลินCarl Ditters von Dittersdorfและนักเล่นเชลโลJohann Baptist Wanhalซึ่งทั้งคู่เล่นปิ๊กอัพควอร์เต็ตกับ Haydn ในไวโอลินตัวที่สอง และ Mozart เล่นไวโอลิน เป็นนักแต่งเพลงแชมเบอร์มิวสิคที่ได้รับความนิยมในยุคนั้น

จากบ้านสู่ห้องโถง

ช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 19 มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมากในสังคมและเทคโนโลยีดนตรี ซึ่งมีผลอย่างมากต่อวิธีการแต่งและเล่นดนตรีแชมเบอร์

การล่มสลายของระบบชนชั้นสูง

ตลอดศตวรรษที่ 18 นักแต่งเพลงมักเป็นลูกจ้างของชนชั้นสูง และดนตรีแชมเบอร์ที่เขาหรือเธอแต่งก็เพื่อความบันเทิงของผู้เล่นและผู้ฟังที่เป็นชนชั้นสูง ^{ตัวอย่าง}เช่น Haydn เป็นพนักงานของNikolaus I, Prince Esterházyคนรักดนตรีและ นักเล่น baryton สมัครเล่น ซึ่ง Haydn ได้เขียนเครื่องสายสามเครื่องของเขาให้หลายชุด โมสาร์ทเขียนเครื่องสายสามวงให้กับกษัตริย์แห่งปรัสเซียเฟรดเดอริก วิลเลียมที่ 2นักเล่นเชลโล ควอเต็ตหลายชิ้นของเบโธเฟนแสดงครั้งแรกร่วมกับเคานต์อันเดรย์ ราซูมอฟสกี้ ผู้มีพระคุณ บนไวโอลินตัวที่สอง Boccherini แต่งให้กับกษัตริย์แห่งสเปน

ด้วยความเสื่อมโทรมของชนชั้นสูงและระเบียบสังคมใหม่ ๆ ที่เพิ่มขึ้นทั่วยุโรป นักแต่งเพลงจึงต้องหาเงินมากขึ้นด้วยการขายผลงานเพลงและการแสดงคอนเสิร์ต พวกเขามักจะจัดคอนเสิร์ตแบบสมัครสมาชิก ซึ่งเกี่ยวข้องกับการเช่าห้องโถงและรวบรวมใบเสร็จรับเงินจากการแสดง พวกเขาเขียนแชมเบอร์มิวสิคมากขึ้นเรื่อยๆ ไม่เพียงแต่สำหรับผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักดนตรีมืออาชีพที่เล่นให้กับผู้ชมที่จ่ายเงินด้วย

การเปลี่ยนแปลงโครงสร้างของเครื่องสาย

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ช่างกลึงได้พัฒนาวิธีการใหม่ๆ ในการสร้างไวโอลินวิโอลาและเชลโลซึ่งทำให้เครื่องดนตรีเหล่านี้มีโทนเสียงที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น มีระดับเสียงมากขึ้น และมีกำลังขับมากขึ้น ^[18]นอกจากนี้ ในเวลานี้ ช่างทำคันชักได้ทำให้คันชักไวโอลินยาวขึ้น โดยมีผมเป็นริบบิ้นหนาขึ้นภายใต้แรงตึงที่สูงขึ้น การฉายภาพที่ดีขึ้นนี้ และทำให้เทคนิคการโค้งคำนับใหม่ๆ เป็นไปได้ด้วย ในปี 1820 Louis Spohrได้ประดิษฐ์ที่พักคางซึ่งทำให้นักไวโอลินสามารถเคลื่อนไหวมือซ้ายได้อย่างอิสระมากขึ้น เพื่อเทคนิคที่ว่องไวยิ่งขึ้น การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้มีส่วนทำให้การแสดงสาธารณะในห้องโถงขนาดใหญ่มีประสิทธิภาพ และขยายขอบเขตของเทคนิคที่มีให้สำหรับนักแต่งเพลงแชมเบอร์มิวสิค

การประดิษฐ์เปียโนฟอร์เต้

ตลอดยุคบาโรกฮาร์ปซิคอร์ดเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีหลักที่ใช้ในดนตรีแชมเบอร์ ฮาร์ปซิคอร์ดใช้ปากกาขนนกดีดสาย และมีเสียงที่ละเอียดอ่อน เนื่องจากการออกแบบของฮาร์ปซิคอร์ด การโจมตีหรือน้ำหนักที่นักแสดงเล่นคีย์บอร์ดไม่ได้เปลี่ยนระดับเสียงหรือโทนเสียง ระหว่างประมาณปี 1750 ถึงปลายทศวรรษ 1700 ฮาร์ปซิคอร์ดก็เลิกใช้ไปทีละน้อย ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1700 เปียโนฟอร์เต้ได้รับความนิยมมากขึ้นในฐานะเครื่องดนตรีสำหรับการแสดง แม้ว่าเปียโนฟอร์เต้จะถูกคิดค้นโดยBartolomeo Cristoforiในตอนต้นของทศวรรษที่ 1700 มันไม่ได้ถูกใช้อย่างแพร่หลายจนถึงสิ้นศตวรรษนั้น เมื่อการปรับปรุงทางเทคนิคในการสร้างทำให้มันเป็นเครื่องมือที่มีประสิทธิภาพมากขึ้น ซึ่งแตกต่างจากฮาร์ปซิคอร์ด เปียโนฟอร์เตสามารถเล่นไดนามิกที่เบาหรือดังและ การโจมตี แบบสฟอร์ซานโด ที่เฉียบคม ขึ้น อยู่กับว่าผู้บรรเลงเล่นคีย์หนักหรือเบาเพียงใด ^{โมสาร์ทและคีตกวีคนอื่นๆ ได้นำเปียโนฟอร์เตที่ได้รับการปรับปรุงมา ใช้}โดยเริ่มแต่งวงดนตรีแชมเบอร์โดยมีเปียโนเป็นตัวนำ เปียโนจะมีความโดดเด่นมากขึ้นเรื่อย ๆ จนถึงศตวรรษที่ 19 มากเสียจนนักแต่งเพลงหลายคน เช่นFranz LisztและFrédéric Chopinเขียนขึ้นสำหรับเปียโนเดี่ยวโดยเฉพาะ (หรือเปียโนเดี่ยวกับวงออเคสตรา )

เบโธเฟน

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนคร่อมช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงนี้ในฐานะยักษ์ใหญ่แห่งวงการดนตรีตะวันตก เบโธเฟนได้เปลี่ยนแปลงเชมเบอร์มิวสิค ยกระดับไปสู่ระนาบใหม่ ทั้งในแง่ของเนื้อหาและในแง่ของความต้องการทางเทคนิคสำหรับนักแสดงและผู้ชม ผลงานของเขาในคำพูดของMaynard Solomonคือ "... แบบจำลองที่แนวโรแมนติกในศตวรรษที่สิบเก้าวัดความสำเร็จและความล้มเหลว" ^[20]วงควอร์เต็ตช่วงปลายของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ถือว่าเป็นความสำเร็จที่น่าหวาดหวั่นจนนักแต่งเพลงหลายคนหลังจากเขากลัวที่จะลองแต่งควอร์เต็ต Johannes Brahmsแต่งและฉีกวงเครื่องสาย 20 ชิ้น ก่อนที่เขาจะกล้าตีพิมพ์งานที่เขารู้สึกว่าคู่ควรกับ "ยักษ์ที่เดินตามหลัง" ^[21]

เบโธเฟนเปิดตัวอย่างเป็นทางการในฐานะนักแต่งเพลงด้วยPiano Trios, Op. 3 เพลง 1 . แม้แต่งานในยุคแรก ๆ เหล่านี้ที่เขียนขึ้นเมื่อเบโธเฟนอายุเพียง 22 ปี ในขณะที่ยังคงยึดถือแบบแผนคลาสสิกอย่างเคร่งครัด ก็แสดงให้เห็นร่องรอยของเส้นทางใหม่ที่เบโธเฟนจะต้องสร้างในอีกไม่กี่ปีข้างหน้า เมื่อเขาแสดงต้นฉบับของทั้งสามคนให้ Haydn ครูของเขาดูก่อนที่จะตีพิมพ์ Haydn อนุมัติสองคนแรก แต่เตือนไม่ให้เผยแพร่ทั้งสามคนใน C minor ซึ่งรุนแรงเกินไป โดยเตือนว่าจะไม่ "...เป็น เข้าใจและได้รับความชื่นชอบจากประชาชน” ^[22]

ไฮเดินคิดผิด—สมาชิกสามคนที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในฉาก และการวิจารณ์ของไฮเดินทำให้เกิดความขัดแย้งระหว่างเขากับเบโธเฟนผู้อ่อนไหว ทั้งสามคนออกจากแม่พิมพ์ที่ Haydn และ Mozart สร้างขึ้น เบโธเฟนทำการเบี่ยงเบนจังหวะอย่างมากภายในวลีและภายในการเคลื่อนไหว เขาเพิ่มความเป็นอิสระของสายอย่างมาก โดยเฉพาะเชลโล ทำให้มันอยู่เหนือเปียโนและบางครั้งแม้แต่ไวโอลิน

ถ้า Op. ของเขา 1 สามคนได้แนะนำผลงานของเบโธเฟนสู่สาธารณะ ได้แก่Septet, Op. 20ทำให้เขาเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของยุโรป เซปเตตที่ทำคะแนนให้กับไวโอลิน วิโอลา เชลโล คอนทราเบส คลาริเน็ต ฮอร์น และบาสซูน ได้รับความนิยมอย่างมาก มันถูกเล่นในคอนเสิร์ตครั้งแล้วครั้งเล่า ปรากฏอยู่ในการถอดความสำหรับชุดค่าผสมหลายชุด ซึ่งหนึ่งในนั้นสำหรับคลาริเน็ต เชลโล และเปียโน เขียนโดยเบโธเฟนเอง และได้รับความนิยมอย่างมากจนเบโธเฟนกลัวว่าจะทำให้งานอื่น ๆ ของเขาบดบัง มากถึงขนาดที่ในปี 1815 Carl Czernyเขียนว่า Beethoven "ไม่สามารถอดทนกับห้องเก็บศพของเขาได้และเริ่มโกรธเพราะเสียงปรบมือที่ได้รับจากทั่วโลก" ^[23]เซปเตตเขียนเป็นไดเวอร์ติเมนโตแบบคลาสสิกในหกอิริยาบถ รวมทั้งมินูเอ็ต 2 ตัว และชุดของการแปรผัน เต็มไปด้วยเพลงที่ติดหู มีโซโลสำหรับทุกคน รวมถึงคอเบสด้วย

ใน 17 วงเครื่องสายของเขาที่แต่งขึ้นในช่วงเวลา 37 ปีจาก 56 ปีของเขา เบโธเฟนเปลี่ยนจากนักแต่งเพลงคลาสสิกที่ยอดเยี่ยมมาเป็นผู้สร้างแนวโรแมนติกทางดนตรี และในที่สุด ด้วยวงเครื่องสายยุคหลังของเขา เขาได้ก้าวข้ามแนวคลาสสิกและแนวโรแมนติกเพื่อสร้างแนวเพลงที่ท้าทายความสามารถ การจัดหมวดหมู่ สตราวินสกีกล่าวถึงGroße Fugeของควอร์เทตยุคปลายว่า "...ดนตรีร่วมสมัยชิ้นนี้จะร่วมสมัยตลอดไป" ^[24]

วงเครื่องสาย 1–6, Op. 18เขียนในสไตล์คลาสสิกในปีเดียวกับที่ Haydn เขียนOp ของเขา 76 วงเครื่องสาย แม้แต่ที่นี่ เบโธเฟนก็ได้ยืดโครงสร้างที่เป็นทางการซึ่งบุกเบิกโดยไฮเดินและโมสาร์ท ในสี่วง Op. 18, No. 1, ใน F major เช่น มีการโซโลที่ยาวและเป็นโคลงสั้น ๆ สำหรับเชลโลในการเคลื่อนไหวครั้งที่สอง ทำให้เชลโลมีเสียงรูปแบบใหม่ในการสนทนาควอเตต และความเคลื่อนไหวล่าสุดของออป. 18, No. 6, "La Malincolia" สร้างโครงสร้างที่เป็นทางการรูปแบบใหม่ สอดแทรกส่วนที่เศร้าโศกช้าๆ เข้ากับการเต้นรำแบบคลั่งไคล้ เบโธเฟนจะใช้รูปแบบนี้ในควอเตอร์ต่อมา และบรามส์และคนอื่นๆ ก็นำรูปแบบนี้ไปใช้เช่นกัน

ในปี พ.ศ. 2348 ถึง พ.ศ. 2349 เบโธเฟนได้แต่งเพลงOp 3 เพลง 59ควอร์เต็ตเป็นค่าคอมมิชชั่นจากเคานต์ ราซูมอฟสกี้ ซึ่งเล่นไวโอลินตัวที่สองในการแสดงครั้งแรก ควอเต็ตเหล่านี้จากช่วงกลางของเบโธเฟนเป็นผู้บุกเบิกแนวโรแมนติก นอกเหนือจากการนำเสนอนวัตกรรมเชิงโครงสร้างและสไตล์มากมายแล้ว วงควอเต็ตเหล่านี้ยังแสดงได้ยากกว่ามากในทางเทคนิค มากจนเกินความสามารถที่นักเล่นเครื่องสายสมัครเล่นหลายคนจะเข้าถึงได้ เมื่อนักไวโอลินคนแรกIgnaz Schuppanzighบ่นถึงความยากลำบากของพวกเขา Beethoven โต้กลับว่า "คุณคิดว่าฉันสนใจไวโอลินตัวร้ายของคุณตอนที่วิญญาณทำให้ฉันเคลื่อนไหวไหม" ^[25]ท่ามกลางความยากลำบากคือการซิงค์ ที่ซับซ้อนและจังหวะข้าม; โน้ตตัวที่สิบหก สามสิบวินาที และหกสิบสี่ที่ซิงโครไนซ์ และการมอดูเลตอย่างกะทันหันซึ่งต้องให้ความสนใจเป็นพิเศษกับน้ำเสียง นอกจาก อปท. 59 ควอเต็ต เบโธเฟนเขียนอีก 2 ควอเต็ตในช่วงกลางของเขา - Op. 74วง "Harp" ได้รับการตั้งชื่อตามลักษณะพิเศษของพิณที่เบโธเฟนสร้างขึ้นด้วยทางเดินของปิซซิกาโตในการเคลื่อนไหวครั้งแรก และOp. 95 , "เซริโอโซ"

Serioso เป็นงานช่วงเปลี่ยนผ่านที่นำเข้าสู่ช่วงปลายของเบโธเฟน ซึ่งเป็นช่วงของการประพันธ์ที่ชวนให้คิดใคร่ครวญอย่างมาก โจเซฟ เคอร์แมนเขียน "ลักษณะเฉพาะของสไตล์ช่วงสุดท้ายของเบโธเฟน" ให้ความรู้สึกหนึ่งว่า ^[26]ในช่วงปลายวง การสนทนาของวงสี่มักจะไม่ปะติดปะต่อ ดำเนินไปเหมือนกระแสแห่งสติ ทำนองขาดตอนหรือผ่านช่วงกลางของแนวทำนองจากเครื่องดนตรีหนึ่งไปยังอีกเครื่องดนตรีหนึ่ง เบโธเฟนใช้เอฟเฟ็กต์ใหม่ที่ไม่เคยมีมาก่อนในวรรณกรรมวงเครื่องสาย: เอฟเฟ็กต์ที่ไม่มีตัวตนเหมือนฝันของช่วงเปิดระหว่างสตริง E สูงและสตริง A เปิดในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของควอเตต Op 132; การใช้sul ponticello (เล่นบนสะพานของไวโอลิน) สำหรับเสียงที่เปราะและแตกร้าวในการเคลื่อนไหวแบบ Presto ของ Op 131; การใช้โหมด Lydianซึ่งไม่ค่อยได้ยินในดนตรีตะวันตกเป็นเวลา 200 ปีใน Op. 132; เมโลดี้ของเชลโลเล่นสูงเหนือเครื่องสายอื่นๆ ในตอนจบของ Op 132. ^[27]แต่ด้วยความไม่ปะติดปะต่อทั้งหมดนี้ แต่ละวงจึงได้รับการออกแบบอย่างรัดกุม โดยมีโครงสร้างที่ครอบคลุมซึ่งเชื่อมโยงการทำงานเข้าด้วยกัน

เบโธเฟนเขียนเปียโนสามเครื่องแปดเครื่อง เครื่องสายสามเครื่องห้าเครื่อง เครื่องสายสองชุด และอีกหลายชิ้นสำหรับเครื่องเป่า เขายังเขียนโซนาตาสิบตัวสำหรับไวโอลินและเปียโน และโซนาตาห้าตัวสำหรับเชลโลและเปียโน

ฟรานซ์ ชูเบิร์ต

เมื่อเบโธเฟนในควอเตอร์สุดท้ายของเขาเดินไปตามทิศทางของเขาเองFranz Schubertก็สานต่อและสร้างสไตล์โรแมนติกขึ้นมาใหม่ ในช่วงอายุ 31 ปี ชูเบิร์ตอุทิศชีวิตส่วนใหญ่ให้กับดนตรีแชมเบอร์แต่งเพลงสตริงควอร์เต็ต 15 ชุด เปียโนทรีโอ 2 เครื่อง เครื่องสายทรีโอ เปียโนควินเต็ตที่รู้จักกันทั่วไปในชื่อTrout Quintetอ็อกเตตสำหรับเครื่องสายและลมและควินเต็ตสำหรับสองคนที่มีชื่อเสียงของเขา ไวโอลิน วิโอลา และเชลโลสองตัว

ดนตรีของชูเบิร์ตเป็นเหมือนชีวิตของเขา เป็นตัวอย่างให้เห็นถึงความแตกต่างและความขัดแย้งของยุคสมัยของเขา ในแง่หนึ่ง เขาเป็นที่รักของสังคมเวียนนา เขาแสดงใน soirées ซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อSchubertiadenที่ซึ่งเขาเล่นบทประพันธ์ที่ไพเราะและมีมารยาทซึ่งแสดงออกถึงอัญมณีแห่งเวียนนาในช่วงทศวรรษที่ 1820 ในทางกลับกัน ชีวิตที่แสนสั้นของเขาถูกปกคลุมไปด้วยโศกนาฏกรรม ความยากจนและความเจ็บป่วย เชมเบอร์มิวสิคเป็นสื่อในอุดมคติในการแสดงความขัดแย้งนี้ "เพื่อกระทบยอดเนื้อร้องที่เป็นเนื้อร้องเป็นหลักกับความรู้สึกของเขาที่มีต่อการเปล่งเสียงที่น่าทึ่งในรูปแบบที่ให้ความเป็นไปได้ของสีที่ตัดกันอย่างมาก" ^[28]กลุ่มสตริงใน C, D.956เป็นตัวอย่างของการแสดงความขัดแย้งในดนตรี หลังจากบทนำอย่างช้าๆ ธีมแรกของการเคลื่อนไหวชุดแรก ร้อนแรงและน่าทึ่ง นำไปสู่สะพานแห่งความตึงเครียดที่เพิ่มสูงขึ้น จุดสูงสุดอย่างกะทันหันและบุกเข้าสู่ธีมที่สอง ซึ่งเป็นเพลงคู่ที่ไพเราะในเสียงต่ำ ^[29] Sturm und Drangสลับกันและการผ่อนคลายดำเนินต่อไปตลอดการเคลื่อนไหว

กองกำลังที่แข่งขันกันเหล่านี้แสดงออกมาในผลงานอื่นๆ ของชูเบิร์ต: ในวงDeath and the Maiden , กลุ่ม Rosamundeและในวง Quartettsatz ที่มีพายุ, D. 703 ^[30]

เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น

Felix Mendelssohnต่างจากชูเบิร์ตตรงที่มีชีวิตที่สงบสุขและเจริญรุ่งเรือง Mendelssohn เกิดในครอบครัวชาวยิวที่ร่ำรวยในฮัมบูร์ก พิสูจน์ตัวเองว่าเป็นเด็กอัจฉริยะ เมื่ออายุได้ 16 ปี เขาได้เขียนงานชิ้นสำคัญชิ้นแรกของเขาที่ชื่อว่าString Octet, Op. 20 . ในงานนี้ Mendelssohn ได้แสดงสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์บางอย่างซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานในภายหลังของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เนื้อสัมผัสบางเบาของท่วงท่า scherzo ของเขา ซึ่งแสดงตัวอย่างโดย ท่วงท่า Canzonettaของวงเครื่องสาย, Op. 12 , และ scherzo ของPiano Trio No. 1 ใน D minor, Op. 49 .

ลักษณะเฉพาะอีกประการหนึ่งที่ Mendelssohn เป็นผู้บุกเบิกคือ รูป แบบวงจรในโครงสร้างโดยรวม ซึ่งหมายถึงการนำเนื้อหาใจความกลับมาใช้ซ้ำจากการเคลื่อนไหวครั้งหนึ่งไปยังอีกการเคลื่อนไหวหนึ่ง เพื่อให้ชิ้นส่วนทั้งหมดมีความสอดคล้องกัน ในวงเครื่องสายที่สอง ของเขา เขาเปิดท่อนนี้ด้วยท่อน adagio ที่เงียบสงบใน A major ซึ่งตรงกันข้ามกับท่อนแรกที่มีพายุใน A minor หลังจากการเคลื่อนไหว Presto ครั้งสุดท้ายที่มีพลัง เขากลับไปที่ adagio เปิดเพื่อสรุปผลงานชิ้นนี้ วงเครื่องสายนี้ยังเป็นการแสดงความเคารพของ Mendelssohn ต่อเบโธเฟนอีกด้วย งานนี้เต็มไปด้วยคำพูดจากช่วงกลางและปลายของเบโธเฟน

ในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเขา Mendelssohn เขียนเปียโนสามชุดสองชุด งานเจ็ดชิ้นสำหรับวงเครื่องสาย สองวงเครื่องสาย วงเครื่องสาย วงเครื่องสายสำหรับเปียโนและเครื่องสาย และโซนาตามากมายสำหรับเปียโนกับไวโอลิน เชลโล และคลาริเน็ต

โรเบิร์ต ชูมันน์

Robert Schumannพัฒนาโครงสร้างวงจรอย่างต่อเนื่อง ในPiano Quintet ของเขาใน E flat, Op [44] , ^[31]แมนน์เขียนความทรงจำสองครั้งในตอนจบโดยใช้หัวข้อของการเคลื่อนไหวครั้งแรกและรูปแบบของการเคลื่อนไหวครั้งสุดท้าย ทั้งชูมันน์และเมนเดลโซห์นทำตามตัวอย่างที่กำหนดโดยเบโธเฟน รื้อฟื้นความทรงจำซึ่งไม่เป็นที่นิยมมาตั้งแต่สมัยบาโรก อย่างไรก็ตาม แทนที่จะเขียนเรื่อง ยาวอย่างเคร่งเครียด พวกเขาใช้ความแตกต่างเป็นอีกรูปแบบหนึ่งของการสนทนาระหว่างเครื่องดนตรีประเภทแชมเบอร์มิวสิค ผลงานแชมเบอร์หลายชิ้นของชูมันน์ รวมทั้ง เครื่องสายสามเครื่องและเครื่องสายเปียโนสี่เครื่องของเขามีส่วนที่ขัดแย้งกันผสมผสานอย่างลงตัวในพื้นผิวองค์ประกอบโดยรวม ^[32]

นักแต่งเพลงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ตระหนักดีถึงกระบวนทัศน์การสนทนาที่กำหนดขึ้นโดยไฮเดินและโมสาร์ท แมนน์เขียนว่าในวงควอเตตจริง "ทุกคนมีเรื่องจะพูด... บทสนทนา มักจะสวยงามจริงๆ มักจะถักทออย่างแปลกประหลาดและขุ่นมัวในหมู่คนสี่คน" ^[33]การรับรู้ของพวกเขาเป็นตัวอย่างโดยนักแต่งเพลงและนักไวโอลินฝีมือดีLouis Spohr Spohr แบ่งวงเครื่องสาย 36 ชิ้นของเขาออกเป็นสองประเภท: ควอทูออร์บริลแลนต์โดยหลักแล้วคือไวโอลินคอนแชร์โตที่มีเครื่องสายทรีโอคลอ; และการสนทนาแบบ quatuorในประเพณีการสนทนา ^[34]

เชมเบอร์มิวสิคกับสังคมในศตวรรษที่ 19

ในช่วงศตวรรษที่ 19 ด้วยเทคโนโลยีใหม่ที่เพิ่มขึ้นซึ่งขับเคลื่อนโดยการปฏิวัติอุตสาหกรรมเพลงสิ่งพิมพ์จึงมีราคาถูกลงและเข้าถึงได้มากขึ้น ในขณะที่การผลิตเพลงในประเทศได้รับความนิยมอย่างแพร่หลาย นักแต่งเพลงเริ่มผสมผสานองค์ประกอบและเทคนิคใหม่ๆ เข้ากับผลงานของพวกเขาเพื่อดึงดูดตลาดที่เปิดกว้างนี้ เนื่องจากมีความต้องการของผู้บริโภคที่เพิ่มขึ้นสำหรับดนตรีแชมเบอร์ ^[35]ในขณะที่การปรับปรุงเครื่องดนตรีนำไปสู่การแสดงดนตรีแชมเบอร์มิวสิกในที่สาธารณะมากขึ้น แต่ก็ยังคงเป็นดนตรีประเภทหนึ่งที่จะเล่นได้มากเท่าที่มีการแสดง สมาคมวงควอเตตสมัครเล่นเกิดขึ้นทั่วยุโรป และไม่มีเมืองขนาดกลางในเยอรมนีหรือฝรั่งเศสขาดเมืองใดเลย สังคมเหล่านี้สนับสนุนการจัดคอนเสิร์ตในบ้านรวบรวมคลังเพลง และสนับสนุนการเล่นควอเต็ตและวงดนตรีอื่นๆ ^[36]ในประเทศแถบยุโรป โดยเฉพาะอย่างยิ่งเยอรมนีและฝรั่งเศส นักดนตรีที่มีใจเดียวกันได้ถูกนำมารวมกันและเริ่มพัฒนาสายสัมพันธ์อันแน่นแฟ้นกับชุมชน นักแต่งเพลงชื่นชอบผลงานออเคสตร้าและผลงานเดี่ยวของนักประพันธ์เพลงมาก ซึ่งเป็นส่วนที่ใหญ่ที่สุดของการแสดงคอนเสิร์ตสาธารณะ ^[37] คีตกวีชาวฝรั่งเศสยุค แรกได้แก่Camille Saint-SaënsและCésar Franck ^[38]

นอกเหนือจากประเทศออสโตร-เจอร์แมนิก "ศูนย์กลาง" แล้ว ยังมีการเกิดขึ้นของวัฒนธรรมย่อยของแชมเบอร์มิวสิคในภูมิภาคอื่นๆ เช่น สหราชอาณาจักร ดนตรีเชมเบอร์มักแสดงโดยชายชนชั้นสูงและชนชั้นกลางที่มีทักษะทางดนตรีไม่สูงนักในสภาพแวดล้อมที่คาดไม่ถึง เช่น วงดนตรีที่ไม่เป็นทางการในที่พักส่วนตัวซึ่งมีผู้ชมไม่กี่คน ^[39]ในบริเตน รูปแบบของการประพันธ์ดนตรีแชมเบอร์ที่พบมากที่สุดคือ วงสตริงควอเต็ตเพลงที่ซาบซึ้ง และงานเปียโนแชมเบอร์เหมือนกับเปียโนทรีโอในลักษณะที่แสดงให้เห็นถึงแนวคิดมาตรฐานของ "การสร้างดนตรีแบบวิกตอเรียน" ^[40]ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 19 ด้วยการเพิ่มขึ้นของขบวนการสตรีนิยม ผู้หญิงก็เริ่มได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมในแชมเบอร์มิวสิค

วงควอร์เต็ตหลายพันวงได้รับการตีพิมพ์โดยนักแต่งเพลงหลายร้อยคน ระหว่างปี พ.ศ. 2313 ถึง พ.ศ. 2343 มีการตีพิมพ์มากกว่า 2,000 ควอเต็ต^[41]และอัตราการก้าวก็ไม่ได้ลดลงในศตวรรษหน้า ตลอดศตวรรษที่ 19 นักแต่งเพลงได้ตีพิมพ์วงเครื่องสายซึ่งปัจจุบันถูกละเลยไปนานแล้ว: George Onslowเขียน 36 quartets และ 35 quintets; Gaetano Donizettiเขียนควอร์เต็ตหลายสิบอันอันโตนิโอ บาซซินี , แอนตัน ไรชา , คาร์ล ไรสซิเกอร์ , โจเซฟ ซุกและคนอื่นๆ เขียนเพื่อเติมเต็มความต้องการที่ไม่รู้จักพอสำหรับควอเตต นอกจากนี้ ยังมีตลาดที่มีชีวิตชีวาสำหรับการจัดเตรียมวงเครื่องสายของเพลงยอดนิยมและเพลงพื้นบ้านงานเปียโน ซิมโฟนี และโอเปร่าอาเรีย. ^[42]

แต่กองกำลังฝ่ายตรงข้ามกำลังทำงานอยู่ ช่วงกลางศตวรรษที่ 19 มีศิลปินระดับซูเปอร์สตาร์จำนวนมากขึ้น ซึ่งดึงความสนใจจากดนตรีแชมเบอร์ไปสู่การแสดงเดี่ยว เปียโนซึ่งผลิตขึ้นเป็นจำนวนมากได้กลายมาเป็นเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยม และนักแต่งเพลงหลายคน เช่น โชแปงและลิซท์ แต่งเพลงเป็นหลักหากไม่ใช่สำหรับเปียโนโดยเฉพาะ ^[43]

ความสูงของเปียโนและการประพันธ์ดนตรีไพเราะ ไม่ใช่แค่เรื่องของความชอบเท่านั้น มันเป็นเรื่องของอุดมการณ์ด้วย ในช่วงทศวรรษที่ 1860 ความแตกแยกเกิดขึ้นในหมู่นักดนตรีแนวโรแมนติกเกี่ยวกับทิศทางของดนตรี นักแต่งเพลงหลายคนมักจะแสดงออกถึงความโรแมนติกผ่านผลงานของพวกเขา เมื่อถึงเวลา งานในห้องเหล่านี้ไม่จำเป็นต้องอุทิศให้กับผู้อุทิศคนใดคนหนึ่งโดยเฉพาะ ผลงานแชมเบอร์ที่มีชื่อเสียง เช่นFanny Mendelssohn D minor Piano Trio, Trio ของ Ludwig van Beethovenใน E-flat major และ Piano Quintet ของ Franz Schubertใน A major ล้วนมีความเป็นส่วนตัวสูง ^ลิซท์และริชาร์ด วากเนอร์เป็นผู้นำการเคลื่อนไหวที่โต้แย้งว่า "ดนตรีที่บริสุทธิ์" ได้ดำเนินการร่วมกับเบโธเฟนแล้ว และใหม่นั้นรูปแบบโปรแกรมของดนตรีซึ่งดนตรีสร้าง "ภาพ" ด้วยท่วงทำนอง - คืออนาคตของศิลปะ นักแต่งเพลงของโรงเรียนนี้ไม่มีประโยชน์สำหรับเชมเบอร์มิวสิค โยฮันเนส บราห์ม ส์และเพื่อนร่วมงานของเขาคัดค้านมุมมองนี้ โดยเฉพาะเอดูอาร์ด แฮนสลิกนักวิจารณ์ดนตรี ผู้ทรงอิทธิพล สงครามโรแมนติกครั้งนี้เขย่าโลกศิลปะในยุคนั้น ด้วยการแลกเปลี่ยนความคิดเห็นระหว่างสองค่าย การคว่ำบาตรคอนเสิร์ต และการยื่นคำร้อง

แม้ว่าการเล่นแบบมือสมัครเล่นจะรุ่งเรืองตลอดศตวรรษที่ 19 แต่นี่ก็เป็นช่วงเวลาของการเพิ่มความเป็นมืออาชีพของการแสดงดนตรีแชมเบอร์ ควอเต็ตมืออาชีพเริ่มครองเวทีคอนเสิร์ตแชมเบอร์มิวสิค วงHellmesberger QuartetนำโดยJoseph HellmesbergerและวงJoachim QuartetนำโดยJoseph Joachimได้เปิดตัววงเครื่องสายใหม่หลายวงโดย Brahms และผู้ประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ผู้เล่นวงควอเตตที่มีชื่อเสียงอีกคนคือวิเลมินา นอร์แมน เนรูดาหรือที่รู้จักในชื่อเลดี้ฮัลเล ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ผ่านมานักแสดงหญิงเริ่มเข้ามามีบทบาทบนเวทีคอนเสิร์ต: วงเครื่องสายหญิงล้วนที่นำโดยEmily Shinnerและลูคัสสี่คนซึ่งเป็นผู้หญิงทั้งหมดก็เป็นสองตัวอย่างที่โดดเด่น ^[44]

สู่ศตวรรษที่ 20

Johannes Brahmsเป็นผู้จุดไฟแห่งดนตรีโรแมนติกในศตวรรษที่ 20 โรเบิร์ต ชูมันน์เป็นผู้ริเริ่ม "แนวทางใหม่" ในดนตรีดนตรีของบราห์มส์เป็นสะพานเชื่อมจากคลาสสิกสู่^{สมัยใหม่} ในแง่หนึ่ง บราห์มส์เป็นนักอนุรักษนิยม อนุรักษ์ประเพณีทางดนตรีของบาคและโมสาร์ท ^{ตลอด ทั้ง}ดนตรีแชมเบอร์ของเขา เขาใช้เทคนิคแบบดั้งเดิมของความแตกต่าง ในทางกลับกัน Brahms ได้ขยายโครงสร้างและคำศัพท์ฮาร์มอนิกของแชมเบอร์มิวสิค โดยท้าทายแนวคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับโทนเสียง ตัวอย่างนี้อยู่ในBrahms นักร้องประสานเสียงอันดับสอง, Op. 36 . ^[47]

ตามเนื้อผ้า นักแต่งเพลงจะเขียนธีมแรกของท่อนในคีย์ของท่อน โดยกำหนดให้คีย์นั้นเป็นโทนิกหรือคีย์หลักของท่อน กระทู้เปิดตัวของออป. 36 เริ่มต้นในโทนิก (G major) แต่ด้วยมาตรการที่สามได้ปรับไปยังคีย์ที่ไม่เกี่ยวข้องของ E-flat major แล้ว เมื่อธีมพัฒนาขึ้น ธีมจะขยายไปตามคีย์ต่างๆ ก่อนจะกลับมาที่โทนิค G เมเจอร์ "ความกล้าทางฮาร์มอนิก" นี้ ดังที่สวาฟฟอร์ดอธิบายไว้^[48]เปิดทางให้การทดลองที่โดดเด่นยิ่งขึ้นเกิดขึ้น

ไม่เพียงแต่ความกลมกลืนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโครงสร้างดนตรีโดยรวมอีกด้วย Brahms เป็นผู้ริเริ่ม เขาพัฒนาเทคนิคที่Arnold Schoenbergอธิบายว่าเป็น "การพัฒนารูปแบบ" ^[49]แทนที่จะนิยามวลีที่ชัดเจน Brahms มักจะใช้วลีเป็นวลี และผสมแรงจูงใจที่ไพเราะเพื่อสร้างโครงสร้างของทำนองที่ต่อเนื่องกัน Schoenberg ผู้สร้าง ระบบ การประพันธ์เพลงแบบ12 โทน ได้ย้อนรอยรากเหง้าของลัทธิสมัยใหม่ของเขาถึงบราห์มส์ในบทความของเขาเรื่อง "Brahms the Progressive" ^[50]

อย่างที่ทราบกันดีว่า Brahms ตีพิมพ์ผลงานแชมเบอร์มิวสิค 24 ชิ้น รวมถึงวงเครื่องสายสามวง เปียโนสามวงห้าวง กลุ่มควินเต็ตสำหรับเปียโนและเครื่องสาย Op. 34 , และผลงานอื่นๆ. ผลงานชิ้นสุดท้ายของเขา ได้แก่กลุ่มคลาริเน็ต Op. 115และสามคนสำหรับคลาริเน็ต เชลโล และเปียโน เขาเขียนเพลงสามเพลงสำหรับการผสมผสานระหว่างเปียโน ไวโอลิน และฮอร์น ที่ไม่ธรรมดา , Op. 40. เขายังเขียนเพลงสองเพลงให้กับนักร้องอัลโต วิโอลา และเปียโน , Op 91, ฟื้นฟูรูปแบบของเสียงด้วยเครื่องสายobbligatoที่ถูกละทิ้งตั้งแต่ยุคบาโรก

การสำรวจโทนเสียงและโครงสร้างเริ่มต้นโดย Brahms ดำเนินการต่อโดยนักแต่งเพลงของโรงเรียนภาษาฝรั่งเศส กลุ่มเปียโนของCésar Franck ใน F minor ซึ่งแต่งขึ้นในปี พ.ศ. 2422 ได้สร้างรูปแบบวงรอบที่สำรวจครั้งแรกโดย Schumann และ Mendelssohn โดยใช้เนื้อหาที่เป็นใจความเดียวกันซ้ำในแต่ละการเคลื่อนไหวทั้งสาม วงเครื่องสายของClaude Debussy , Op. 10ถือเป็นต้นน้ำในประวัติศาสตร์ของเชมเบอร์มิวสิค วงสี่วงใช้โครงสร้างแบบวนรอบ และถือเป็นการหย่าร้างครั้งสุดท้ายจากกฎของความกลมกลืนแบบคลาสสิก "เสียงใด ๆ ที่รวมกันและต่อเนื่องกันใด ๆ ต่อจากนี้ไปสามารถใช้ได้ฟรีในความต่อเนื่องทางดนตรี" Debussy เขียน ^[51] ปิแอร์ บูเลซกล่าวว่า Debussy ปลดปล่อยเชมเบอร์มิวสิคจาก "โครงสร้างที่ตายตัว วาทศิลป์เยือกแข็ง ^[51]

วงควอเต็ตของ Debussy เช่นเดียวกับวงเครื่องสายของMaurice RavelและของGabriel Fauréได้สร้างโทนสีใหม่สำหรับดนตรีแชมเบอร์ ซึ่งเป็นสีและเนื้อสัมผัสที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวของอิมเพรสชั่นนิสต์ ^[52]นักไวโอลิน James Dunham จาก Cleveland และ Sequoia Quartets เขียนถึงRavel quartetว่า "ฉันรู้สึกท่วมท้นไปด้วยเสียงที่ดังสนั่น ความรู้สึกของสีสันที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ..." ^[53]สำหรับนักแต่งเพลงเหล่านี้ วงดนตรีแชมเบอร์ เป็นยานพาหนะในอุดมคติสำหรับการถ่ายทอดความรู้สึกในบรรยากาศนี้ และงานในห้องจัดแสดงถือเป็นผลงานส่วนใหญ่ของพวกเขา

ชาตินิยมในเชมเบอร์มิวสิค

ควบคู่ไปกับแนวโน้มที่จะแสวงหาโทนเสียงและเนื้อสัมผัสแบบใหม่ เป็นอีกหนึ่งพัฒนาการใหม่ในดนตรีแชมเบอร์: การเพิ่มขึ้นของลัทธิชาตินิยม นักแต่งเพลงหันมาใช้จังหวะและโทนเสียงของดินแดนบ้านเกิดมากขึ้นเรื่อย ๆ เพื่อหาแรงบันดาลใจและเนื้อหา อัลเฟรด ไอน์สไตน์ เขียนไว้ว่า "ยุโรปถูกกระตุ้นโดย แนวโน้มโรแมนติกที่จะกำหนดเขตแดนของประเทศในเรื่องดนตรีมากขึ้นและรุนแรงขึ้น" อัลเฟรด ไอน์สไตน์ เขียน "การรวบรวมและกลั่นกรองสมบัติทำนองเพลงเก่าแก่ดั้งเดิม ... เป็นพื้นฐานสำหรับศิลปะและดนตรีที่สร้างสรรค์" สำหรับนักแต่งเพลงเหล่านี้หลายคน ดนตรีเชมเบอร์เป็นสื่อธรรมชาติในการแสดงลักษณะประจำชาติของพวก ^เขา

Antonín Dvořákนักแต่งเพลงชาวเช็กได้สร้างเสียงใหม่สำหรับดนตรีพื้นเมืองของชาวโบฮีเมียในดนตรีเชมเบอร์ของเขา ในวงเครื่องสาย 14 ชุด วงเครื่องสาย 3 ชุด วงเปียโน 2 ชุด วงเครื่องสาย 1 ชุด เปียโน 3 ชุด 4 ชุด และการประพันธ์เพลงแบบแชมเบอร์อื่นๆ อีกมากมาย Dvořák ได้รวมเอาดนตรีพื้นบ้านและรูปแบบต่างๆ ตัวอย่างเช่น ในกลุ่มเปียโนใน A major, Op 81 , การเคลื่อนไหวช้าคือDumka , เพลงบัลลาดพื้นบ้านของชาวสลาฟที่สลับระหว่างเพลงที่แสดงออกอย่างช้าๆและการเต้นที่เร็ว ชื่อเสียงของ Dvořák ในการก่อตั้งดนตรีศิลปะประจำชาตินั้นยิ่งใหญ่มากเสียจน Jeannette Thurberผู้ใจบุญและนักเลงดนตรีชาวนิวยอร์กได้เชิญเขาไปที่อเมริกาเพื่อเป็นหัวหน้าเรือนกระจกที่จะสร้างดนตรีสไตล์อเมริกัน^[55]ที่นั่น Dvořák เขียนวงเครื่องสายใน F major, Op 96มีชื่อเล่นว่า "The American" ในขณะที่แต่งผลงาน Dvořák ได้รับความบันเทิงจากกลุ่มชาวอินเดียนแดง Kickapoo ซึ่งแสดงการเต้นรำและเพลงพื้นเมือง และเพลงเหล่านี้อาจรวมอยู่ในวง ^[56]

Bedřich Smetanaชาวเช็กอีกคนหนึ่งเขียนเปียโนทรีโอและสตริงควอเตต ซึ่งทั้งสองอย่างนี้ผสมผสานจังหวะและท่วงทำนองพื้นเมืองของเช็กเข้าด้วยกัน ในรัสเซีย ดนตรีพื้นบ้านของรัสเซียได้แทรกซึมอยู่ในผลงานของนักแต่งเพลงในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 Pyotr Ilyich Tchaikovskyใช้การเต้นรำพื้นเมืองของรัสเซียในท่วงท่าสุดท้ายของการบรรเลงเครื่องสายSouvenir de Florence , Op. 70. วงเครื่องสายที่สองของAlexander Borodinมีการอ้างอิงถึงดนตรีพื้นบ้าน และการเคลื่อนไหวแบบ Nocturne ช้าๆ ของวงเครื่องสายวงนั้นทำให้นึกถึงโหมดตะวันออกกลางที่มีอยู่ในปัจจุบันในส่วนของชาวมุสลิมทางตอนใต้ของรัสเซีย Edvard Griegใช้สไตล์ดนตรีของประเทศนอร์เวย์ในวงเครื่องสายของเขาใน G minor, Op. 27และของเขาไวโอลินโซนาตาส .

ในฮังการี นักแต่งเพลงZoltán KodályและBéla Bartókเป็นผู้บุกเบิกศาสตร์แห่งดนตรีชาติพันธุ์วิทยาโดยทำการศึกษาเกี่ยวกับดนตรีพื้นบ้านอย่างครอบคลุมเป็นครั้งแรก พวกเขาถ่ายทอด บันทึก และจัดประเภทท่วงทำนองพื้นบ้านหลายหมื่นเพลงที่กระจายไปทั่ว จังหวัด Magyar พวกเขาใช้เพลงเหล่านี้ในการแต่งเพลง ซึ่งมีลักษณะพิเศษคือจังหวะอสมมาตรและเสียงประสานของดนตรี^นั้น การประพันธ์ดนตรีเชมเบอร์ของพวกเขา และของนักแต่งเพลงชาวเช็กLeoš Janáčekรวมกระแสชาตินิยมเข้ากับการค้นหาโทนสีใหม่ในศตวรรษที่ 20 วงเครื่องสายของ Janáček ไม่เพียงผสมผสานโทนเสียงของดนตรีพื้นบ้านของเช็กเท่านั้น แต่ยังสะท้อนถึงจังหวะการพูดในภาษาเช็กอีกด้วย

เสียงใหม่สำหรับโลกใหม่

การสิ้นสุดของโทนเสียงแบบตะวันตกซึ่งเริ่มขึ้นอย่างละเอียดโดย Brahms และทำให้ชัดเจนโดย Debussy ทำให้เกิดวิกฤตสำหรับนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 20 ไม่ใช่แค่ปัญหาของการค้นหาฮาร์โมนีและระบบทำนองใหม่เพื่อแทนที่สเกลไดอะโทนิกซึ่งเป็นพื้นฐานของการประสานเสียงแบบตะวันตกเท่านั้น โครงสร้างทั้งหมดของดนตรีตะวันตก - ความสัมพันธ์ระหว่างการเคลื่อนไหวและระหว่างองค์ประกอบโครงสร้างภายในการเคลื่อนไหว - ขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์ระหว่างคีย์ต่างๆ ^{นักแต่งเพลง จึง}ถูกท้าทายด้วยการสร้างโครงสร้างใหม่ทั้งหมดสำหรับดนตรี

ควบคู่กับความรู้สึกที่ว่าในยุคที่การประดิษฐ์รถยนต์ โทรศัพท์ ไฟฟ้าแสงสว่าง และสงครามโลกจำเป็นต้องมีรูปแบบการแสดงออกใหม่ๆ "ศตวรรษแห่งเครื่องบินสมควรได้รับเสียงเพลง" เดอบุสซี่เขียน ^[59]

แรงบันดาลใจจากดนตรีพื้นบ้าน

การค้นหาเพลงใหม่มีหลายทิศทาง กลุ่มแรกนำโดยBartókมุ่งไปที่การสร้างเสียงวรรณยุกต์และจังหวะของดนตรีพื้นบ้าน การวิจัยของ Bartók เกี่ยวกับดนตรีพื้นบ้านของฮังการีและยุโรปตะวันออกและตะวันออกกลางอื่น ๆ เปิดเผยให้เขาเห็นโลกดนตรีที่สร้างขึ้นจากสเกลดนตรีที่ไม่สำคัญหรือเล็กน้อย และจังหวะที่ซับซ้อนซึ่งแตกต่างจากคอนเสิร์ตฮอลล์ ตัวอย่างเช่นในควอเตตที่ห้าของเขา Bartók ใช้ลายเซ็นเวลาของ^3+2+2+3
₈, "น่าตกใจสำหรับนักดนตรีคลาสสิกที่ได้รับการฝึกฝน แต่เป็นธรรมชาติที่สองสำหรับนักดนตรีโฟล์ค" ^[60]ตามโครงสร้างแล้ว Bartók มักจะประดิษฐ์หรือยืมมาจากโหมดพื้นบ้าน ตัวอย่างเช่น ในวงเครื่องสายที่หก Bartók เริ่มต้นการเคลื่อนไหวแต่ละครั้งด้วยท่วงทำนองที่เนิบช้าและสง่างาม ตามด้วยเนื้อหา หลักที่ไพเราะของการเคลื่อนไหว และจบวงด้วยการเคลื่อนไหวช้าๆ ที่สร้างจากความสง่างามนี้ทั้งหมด นี่เป็นรูปแบบทั่วไปในวัฒนธรรมดนตรีพื้นบ้านหลายแห่ง

วงเครื่องสาย 6 วงของ Bartók มักจะถูกนำมาเปรียบเทียบกับวงเครื่องสายของ Beethoven ^[61]ในนั้น Bartók สร้างโครงสร้างดนตรีใหม่ สำรวจเสียงที่ไม่เคยมีมาก่อนในดนตรีคลาสสิก (เช่น snap pizzicato ที่ผู้เล่นยกสายและปล่อยให้มันดีดกลับบนฟิงเกอร์บอร์ดพร้อมเสียงฉวัดเฉวียน) และสร้าง รูปแบบการแสดงออกที่ทำให้งานเหล่านี้แตกต่างจากงานอื่นๆ "สองวงสุดท้ายของบาร์ทอคประกาศความศักดิ์สิทธิ์ของชีวิต ความก้าวหน้า และชัยชนะของมนุษยชาติ แม้จะมีอันตรายจากการต่อต้านมนุษยนิยมในยุคนั้น" นักวิเคราะห์เขียน จอห์น เฮอร์เชล บารอน ^[62]ควอเทตสุดท้ายเขียนเมื่อBartókกำลังเตรียมหนีพวกนาซีการบุกครองฮังการีเพื่อชีวิตใหม่ที่ไม่แน่นอนในสหรัฐอเมริกามักถูกมองว่าเป็นคำบอกเล่าเกี่ยวกับอัตชีวประวัติของโศกนาฏกรรมในสมัยของเขา

Bartókไม่ได้อยู่คนเดียวในการสำรวจดนตรีพื้นบ้านของเขา Three Pieces for String QuartetของIgor Stravinskyมีโครงสร้างเป็นเพลงพื้นบ้านรัสเซียสามเพลง แทนที่จะเป็นวงเครื่องสายคลาสสิก Stravinsky เช่น Bartók ใช้จังหวะอสมมาตรตลอดดนตรีแชมเบอร์ของเขา Histoire du soldatในการจัดเรียงของ Stravinsky สำหรับคลาริเน็ต ไวโอลิน และเปียโน จะเลื่อนลายเซ็นเวลาระหว่างจังหวะสอง สาม สี่ และห้าไปที่บาร์อย่างต่อเนื่อง ในสหราชอาณาจักร นักแต่งเพลงRalph Vaughan Williams , William WaltonและBenjamin Brittenดึงเอาดนตรีพื้นบ้านของอังกฤษมาใช้ในดนตรีแชมเบอร์มิวสิคส่วนใหญ่ของพวกเขา: วอห์น วิลเลียมส์ผสมผสานเพลงพื้นบ้านและการเล่นซอคันทรี่ในวงเครื่องสายวงแรกของเขา นักแต่งเพลงชาวอเมริกันCharles Ivesเขียนเพลงที่มีความเป็นอเมริกันอย่างชัดเจน อีฟส์ให้ชื่อแบบเป็นโปรแกรมแก่แชมเบอร์มิวสิคส่วนใหญ่ของเขา ตัวอย่างเช่นวงเครื่องสายวงแรกของเขาเรียกว่า "From the Salvation Army" และอ้างถึงเพลงสวดของโปรเตสแตนต์อเมริกันในหลายแห่ง

ซีเรียลลิสม์ โพลิโทนัลลิตี และโพลิริธึม

ทิศทางที่สองในการค้นหาโทนเสียงใหม่คืออนุกรมสิบสองโทน Arnold Schoenbergได้พัฒนาวิธีการจัดองค์ประกอบเสียงแบบ 12 โทนเป็นทางเลือกแทนโครงสร้างที่จัดทำโดยระบบไดอาโทนิก วิธีการของเขาเกี่ยวข้องกับการสร้างชิ้นงานโดยใช้โน้ต 12 ตัวของสเกลสี เรียงสับเปลี่ยนและซ้อนทับบนตัวมันเองเพื่อสร้างองค์ประกอบ

Schoenberg ไม่ได้มาถึงวิธีการอนุกรมทันที งานเครื่องสายชิ้นแรกของเขาคือเครื่องสายVerklärte Nachtส่วนใหญ่เป็นงานแนวโรแมนติกของเยอรมันช่วงปลาย แม้ว่าการใช้การมอดูเลตจะค่อนข้างกล้าได้กล้าเสีย งานแรกที่ตรงไปตรงมาคือวงเครื่องสายที่สอง ; การเคลื่อนไหวครั้งสุดท้ายของวงนี้ซึ่งรวมถึงเสียงโซปราโนไม่มีคีย์ซิกเนเจอร์ Schoenberg สำรวจเพิ่มเติมเกี่ยวกับโทนเสียงกับPierrot Lunaireสำหรับนักร้อง ฟลุตหรือปิคโคโล คลาริเน็ต ไวโอลิน เชลโล และเปียโน นักร้องใช้เทคนิคที่เรียกว่าSprechstimmeซึ่งอยู่กึ่งกลางระหว่างคำพูดและเพลง

หลังจากพัฒนาเทคนิค 12 โทน Schoenberg ได้เขียนผลงานแชมเบอร์หลายชิ้น รวมถึงวงเครื่องสายอีกสองวง เครื่องสายสามวง และวงเครื่องสาย ตามมาด้วยนักแต่งเพลง 12 โทนอีกหลายคน ซึ่งโดดเด่นที่สุดคือนักเรียนของเขาAlban Bergผู้เขียนLyric Suiteสำหรับวงเครื่องสาย และAnton Webernผู้เขียนFive Movements สำหรับ String Quartet , op. 5.

เทคนิค 12 โทนไม่ได้เป็นเพียงการทดลองใหม่ในด้านโทนเสียงเท่านั้น Darius Milhaudพัฒนาการใช้polytonalityนั่นคือดนตรีที่เครื่องดนตรีต่าง ๆ เล่นในคีย์ต่าง ๆ ในเวลาเดียวกัน Milhaud เขียน 18 วงเครื่องสาย; ควอร์เต็ตหมายเลข 14 และ 15 เขียนขึ้นเพื่อให้แต่ละควอเตอร์สามารถเล่นได้ด้วยตัวเอง หรือสามารถเล่นควอร์เต็ตทั้งสองพร้อมกันเป็นออคเต็ต Milhaud ยังใช้ สำนวน แจ๊สเช่นเดียวกับในชุดสำหรับคลาริเน็ต ไวโอลิน และเปียโน

Charles Ivesนักแต่งเพลงชาวอเมริกันไม่เพียงใช้polytonalityในงาน Chamber ของเขาเท่านั้น แต่ยังใช้ polymeter อีกด้วย ในวงเครื่องสายวงแรก ของเขา เขาเขียนส่วนที่ไวโอลินและวิโอลาเครื่องแรกเล่น${\displaystyle {\tfrac {3}{4}}}$เวลาขณะที่ไวโอลินและเชลโลตัวที่สองเล่นอยู่${\displaystyle {\tfrac {4}{4}}}$.

นีโอคลาสซิซิสซึ่ม

แนวทางมากมายที่ดนตรีใช้ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 นำไปสู่ปฏิกิริยาของนักแต่งเพลงหลายคน นำโดยสตราวินสกีนักแต่งเพลงเหล่านี้มองหาแรงบันดาลใจและความมั่นคงจากดนตรีพรีคลาสสิกของยุโรป แม้ว่าผลงานนีโอคลาสสิกของสตราวินสกี เช่นDouble Canon สำหรับเครื่องสายเครื่องสายจะฟังดูร่วมสมัย แต่ผลงานเหล่านี้มีต้นแบบมาจากรูปแบบบาโรกและคลาสสิกยุคแรก เช่น แคนนอน ฟิวก์ และโซนาตาสไตล์บาโรก

Paul Hindemithเป็นนักนีโอคลาสสิกอีกคนหนึ่ง งานหลายชิ้นในห้องของเขาเน้นเสียงเป็นหลัก แม้ว่าพวกเขาจะใช้เสียงประสานที่ไม่ลงรอยกันมากมายก็ตาม ฮินเดมิธเขียนเครื่องสาย 7 เครื่องและเครื่องสาย 3 เครื่อง 2 เครื่อง รวมถึงผลงานอื่นๆ ของห้องแชมเบอร์ ในเวลาที่นักแต่งเพลงกำลังเขียนงานที่ซับซ้อนขึ้นจนเกินเอื้อมของนักดนตรีสมัครเล่น Hindemith ตระหนักอย่างชัดเจนถึงความสำคัญของการทำดนตรีสมัครเล่น และจงใจเขียนผลงานที่อยู่ในความสามารถของผู้เล่นที่ไม่ใช่มืออาชีพ ^[63]

ผลงานที่นักแต่งเพลงสรุปว่าเป็นKammermusikซึ่งเป็นชุดของบทประพันธ์เพิ่มเติม 8 บท ประกอบด้วยงานคอนแชร์เตนเต เป็นส่วนใหญ่ เปรียบได้กับแบรนเดนบูร์กคอนแชร์โตส ของบา ค

Dmitri Shostakovichเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงแชมเบอร์มิวสิคที่มีผลงานมากที่สุดในศตวรรษที่ 20 โดยเขียนวงเครื่องสาย 15 ชิ้น เปียโนทรีโอ 2 ชิ้น กลุ่มเปียโนควินเต็ต และผลงานแชมเบอร์อื่นๆ อีกมากมาย ดนตรีของ Shostakovich ถูกห้ามในสหภาพโซเวียตเป็นเวลานาน และ Shostakovich เองก็ตกอยู่ในอันตรายจากการถูกเนรเทศไปยังไซบีเรีย ควอเตตที่แปดของเขาเป็นงานเกี่ยวกับอัตชีวประวัติ ซึ่งแสดงออกถึงความหดหู่ใจจากการถูกเหยียดหยาม การฆ่าตัวตาย: ^[64]มันอ้างอิงจากบทประพันธ์ก่อนหน้านี้ และใช้บรรทัดฐานสี่โน้ตDSCHซึ่งเป็นชื่อย่อของผู้แต่ง

การยืดขีดจำกัด

เมื่อศตวรรษผ่านไป นักแต่งเพลงหลายคนได้สร้างสรรค์ผลงานสำหรับวงดนตรีวงเล็กๆ ซึ่งแม้ว่าพวกเขาอาจถูกพิจารณาอย่างเป็นทางการว่าเป็นดนตรีเชมเบอร์ แต่ก็ท้าทายลักษณะพื้นฐานหลายอย่างที่กำหนดแนวเพลงในช่วง 150 ปีที่ผ่านมา

เพลงของเพื่อน

แนวคิดในการแต่งเพลงที่สามารถเล่นได้ที่บ้านนั้นถูกละทิ้งไปอย่างมาก Bartókเป็นคนกลุ่มแรกที่เข้าร่วมกับแนวคิดนี้ "Bartók ไม่เคยคิดว่าวงนี้ใช้สำหรับการแสดงส่วนตัว แต่สำหรับคอนเสิร์ตขนาดใหญ่ในที่สาธารณะ" ^[62]นอกเหนือจากความยุ่งยากทางเทคนิคที่เกือบจะผ่านไม่ได้ของชิ้นงานสมัยใหม่หลายชิ้นแล้ว บางชิ้นก็แทบไม่เหมาะกับการแสดงในห้องเล็กๆ ตัวอย่างเช่นเพลง Different TrainsของSteve Reichได้รับคะแนนสำหรับวงสตริงควอเตตสดและเทปที่บันทึกไว้ ซึ่งรวมเอาเสียงปะติดประสานเสียงที่เรียบเรียงอย่างระมัดระวัง เสียงรถไฟที่บันทึกไว้ และวงเครื่องสายสามวงเข้าด้วยกัน ^[65]

ความสัมพันธ์ของผู้แต่งและผู้แสดง

ตามเนื้อผ้า นักแต่งเพลงเขียนโน้ตและนักแสดงตีความ แต่นี่ไม่ใช่กรณีในดนตรีสมัยใหม่อีกต่อไป ในFür kommende Zeiten (For Times to Come) Stockhausenเขียนคำแนะนำด้วยวาจาโดยอธิบายว่านักแสดงจะเล่นอะไร ตัวอย่าง "กลุ่มดาว/มีจุดร่วม/และดาวร่วง ... จุดจบ" เป็นตัวอย่าง ^[66]

นักแต่งเพลงTerry Rileyอธิบายถึงวิธีที่เขาทำงานร่วมกับKronos Quartetซึ่งเป็นวงดนตรีที่อุทิศให้กับดนตรีร่วมสมัย: "เมื่อฉันเขียนโน้ตให้พวกเขา มันเป็นโน้ตเพลงที่ยังไม่ได้ตัดต่อ ฉันใส่ไดนามิกและเครื่องหมายถ้อยคำเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ...เราใช้จ่าย หลายครั้งที่ลองคิดหาไอเดียต่างๆ เพื่อกำหนดรูปแบบของดนตรี ในตอนท้ายของกระบวนการ มันทำให้นักแสดงเป็นเจ้าของเพลงอย่างแท้จริง สำหรับผมแล้วเป็นวิธีที่ดีที่สุดสำหรับนักแต่งเพลงและนักดนตรีในการโต้ตอบ" ^[67]

เสียงใหม่

นักแต่งเพลงต่างแสวงหาเสียงทิมเบอร์ใหม่ๆ ซึ่งห่างไกลจากการผสมผสานแบบดั้งเดิมของเครื่องสาย เปียโน และเครื่องลมไม้ที่เป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแชมเบอร์ในศตวรรษที่ 19 การค้นหานี้นำไปสู่การผสมผสานเครื่องดนตรีใหม่ๆ ในศตวรรษที่ 20 เช่นแดมินและซินธิไซเซอร์ในการประพันธ์เพลงแชมเบอร์

นักแต่งเพลงหลายคนค้นหาเสียงต่ำใหม่ภายใต้กรอบของเครื่องดนตรีดั้งเดิม "นักแต่งเพลงเริ่มได้ยินเสียงทิมเบรลใหม่และการผสมเสียงทิมบราลใหม่ ซึ่งมีความสำคัญต่อดนตรีใหม่ของศตวรรษที่ 20 พอๆ กับที่เรียกว่าการแบ่งโทนเสียงตามหน้าที่" เจมส์ แมคคัลลา นักประวัติศาสตร์ดนตรีเขียน ^{ตัวอย่างมี มากมาย} : Sonata ของ Bartók สำหรับเปียโนสองเครื่องและเครื่องเพอร์คัชชัน (พ.ศ. 2480), Pierrot lunaireของ Schoenberg , Quartertone Piecesของ Charles Ives สำหรับเปียโนสองเครื่องที่ปรับเสียงควอเตอร์โทนออกจากกัน นักแต่งเพลงคนอื่นใช้อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์และเทคนิคเพิ่มเติมเพื่อสร้างเสียงใหม่ ตัวอย่างคือBlack AngelsของGeorge Crumb, สำหรับวงเครื่องสายไฟฟ้า (พ.ศ. 2513). ผู้เล่นไม่เพียงแค่ก้มเครื่องดนตรีที่มีแอมพลิฟายเออร์เท่านั้น พวกเขายังทุบด้วยปลอกมือ ดึงด้วยคลิปหนีบกระดาษ และเล่นผิดด้านของสะพานหรือระหว่างนิ้วกับน็อต ^[69]ยังมีนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ พยายามที่จะสำรวจเสียงต่ำที่สร้างขึ้นโดยรวมเครื่องดนตรีซึ่งมักไม่เกี่ยวข้องกับวงดนตรีออเคสตร้าทั่วไป ตัวอย่างเช่นRobert Davineสำรวจเสียงต่ำของออร์เคสตราของหีบเพลงเมื่อมันถูกรวมไว้ในเครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าสามชิ้นแบบดั้งเดิมใน Divertimento ของเขาสำหรับหีบเพลง ฟลุต คลาริเน็ต และบาสซูน ^[70]และKarlheinz StockhausenเขียนHelicopter String Quartet ^[71]

การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้มีความหมายอย่างไรต่ออนาคตของเชมเบอร์มิวสิค "ด้วยความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีทำให้เกิดคำถามเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และการเปลี่ยนแปลงทางสังคมวิทยาของดนตรี" นักวิเคราะห์บารอนเขียน ^[72] "การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้มักส่งผลให้เกิดข้อกล่าวหาว่าเทคโนโลยีได้ทำลายเชมเบอร์มิวสิค และความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีนั้นแปรผกผันกับคุณค่าทางดนตรี ความดุร้ายของการโจมตีเหล่านี้เป็นเพียงการตอกย้ำว่าการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้มีพื้นฐานอย่างไร และเวลาเท่านั้นที่จะบอกได้ว่ามนุษยชาติจะ ได้รับประโยชน์จากพวกเขา"

ในสังคมร่วมสมัย

นักวิเคราะห์ยอมรับว่าบทบาทของเชมเบอร์มิวสิคในสังคมเปลี่ยนไปอย่างมากในช่วง 50 ปีที่ผ่านมา; ยังมีข้อตกลงเล็กน้อยว่าการเปลี่ยนแปลงนั้นคืออะไร ในแง่หนึ่ง บารอนเชื่อว่า "ห้องดนตรีในบ้าน ... ยังคงมีความสำคัญมากในยุโรปและอเมริกาจนกระทั่งสงครามโลกครั้งที่สอง หลังจากนั้นการรุกรานของวิทยุและการบันทึกที่เพิ่มขึ้นก็ลดขอบเขตลงอย่างมาก" ^[73]มุมมองนี้รองรับโดยการแสดงผลตามอัตวิสัย “ปัจจุบันนี้มีคนหลายล้านคนฟังเพลงมากขึ้น แต่จำนวนที่น้อยลงมาก ที่เล่นแชมเบอร์มิวสิคเพียงเพื่อความสนุก” แดเนียล บาเรนโบอิม วาทยกรและนักเปียโนกล่าว ^[74]

อย่างไรก็ตาม การสำรวจเมื่อเร็วๆ นี้ชี้ให้เห็นว่า ในทางตรงกันข้าม การกลับมาของการทำเพลงที่บ้าน ในรายการวิทยุ "Amateurs Help Keep Chamber Music Alive" จากปี 2005 นักข่าว Theresa Schiavone อ้างถึงแบบสำรวจความคิดเห็นของ Gallupซึ่งแสดงให้เห็นยอดขายเครื่องสายที่เพิ่มขึ้นในอเมริกา Joe Lamond ประธานสมาคมผู้ผลิตเพลงแห่งชาติ (NAMM) ระบุว่าการเพิ่มขึ้นของการทำเพลงที่บ้านโดยผู้ใหญ่ที่ใกล้เกษียณ "ฉันจะดูข้อมูลประชากรของ [baby] boomers" เขากล่าวในการให้สัมภาษณ์ คนเหล่านี้ "เริ่มมองหาสิ่งที่สำคัญสำหรับพวกเขา ... ไม่มีอะไรทำให้พวกเขารู้สึกดีไปกว่าการเล่นดนตรี" ^[75]

การศึกษาของ European Music Office ในปี 1996 ชี้ให้เห็นว่าไม่เพียงแต่ผู้สูงอายุเท่านั้นที่เล่นดนตรีได้ "จำนวนวัยรุ่นในปัจจุบันที่ทำดนตรีได้เพิ่มขึ้นเกือบสองเท่าเมื่อเทียบกับผู้ที่เกิดก่อนปี 1960" การศึกษาแสดงให้เห็น ^[76]ในขณะที่การเติบโตส่วนใหญ่อยู่ในดนตรีป็อป บางส่วนก็อยู่ในแชมเบอร์มิวสิคและอาร์ตมิวสิค ตามการศึกษา

แม้ว่าจะไม่มีข้อตกลงเกี่ยวกับจำนวนผู้เล่นแชมเบอร์มิวสิค แต่โอกาสสำหรับมือสมัครเล่นก็เพิ่มขึ้นอย่างแน่นอน จำนวนค่ายเพลงแชมเบอร์และรีทรีตที่มือสมัครเล่นสามารถพบปะสังสรรค์ในช่วงสุดสัปดาห์หรือหนึ่งเดือนเพื่อเล่นด้วยกันได้เพิ่มขึ้น Music for the Love of Itซึ่งเป็นองค์กรส่งเสริมการเล่นมือสมัครเล่น เผยแพร่ไดเรกทอรีของเวิร์กช็อปดนตรีที่มีรายชื่อเวิร์กช็อปมากกว่า 500 แห่งใน 24 ประเทศสำหรับมือสมัครเล่นในปี 2551 [77] The Associated Chamber ^Music Players (ACMP) นำเสนอไดเรกทอรีมากกว่า 5,000 รายการ ผู้เล่นมือสมัครเล่นทั่วโลกที่ต้อนรับพันธมิตรสำหรับเซสชันดนตรีแชมเบอร์ ^[78]

ไม่ว่าจำนวนผู้เล่นมือสมัครเล่นจะเพิ่มขึ้นหรือลดลง จำนวนคอนเสิร์ตแชมเบอร์มิวสิคในตะวันตกก็เพิ่มขึ้นอย่างมากในช่วง 20 ปีที่ผ่านมา ห้องแสดงคอนเสิร์ตได้เข้ามาแทนที่บ้านเป็นสถานที่จัดคอนเสิร์ตเป็นส่วนใหญ่ บารอนแนะนำว่าเหตุผลประการหนึ่งของการเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วนี้คือ "ค่าใช้จ่ายที่เพิ่มขึ้นของคอนเสิร์ตออเคสตร้าและค่าธรรมเนียมทางดาราศาสตร์ที่ศิลปินเดี่ยวที่มีชื่อเสียงเรียกร้อง ซึ่งมีราคาสูงเกินขอบเขตของผู้ชมส่วนใหญ่" ละครในคอนเสิร์ตเหล่านี้เกือบจะเป็นเพลงคลาสสิกของศตวรรษที่¹⁹ อย่างไรก็ตาม งานสมัยใหม่รวมอยู่ในรายการต่างๆ มากขึ้น และบางกลุ่ม เช่นKronos Quartetอุทิศตนให้กับดนตรีร่วมสมัยและการเรียบเรียงใหม่เกือบทั้งหมด และวงดนตรีอย่างTurtle Island String Quartetที่ผสมผสานสไตล์คลาสสิก แจ๊ส ร็อค และรูปแบบอื่นๆ เพื่อสร้างดนตรีแบบครอสโอเวอร์ Cello FuryและProject Trioเสนอการหมุนครั้งใหม่ให้กับวงแชมเบอร์มาตรฐาน Cello Fury ประกอบด้วยนักเล่นเชลโลสามคนและมือกลองหนึ่งคน และ Project Trio ประกอบด้วยนักเล่นฟลุต นักเล่นเบส และนักเล่นเชลโล

หลายกลุ่มเช่นClassical Revolutionและ Simple Measures ได้นำดนตรีแชมเบอร์คลาสสิกออกจากคอนเสิร์ตฮอลล์และออกสู่ท้องถนน Simple Measures กลุ่มนักดนตรีแชมเบอร์ในซีแอตเทิล (วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา) จัดคอนเสิร์ตในศูนย์การค้า ร้านกาแฟ และรถราง ^[80] The Providence (Rhode Island, USA) String Quartet ได้เริ่มโปรแกรม "Storefront Strings" โดยนำเสนอคอนเสิร์ตและบทเรียนอย่างกะทันหันจากหน้าร้านในย่านที่ยากจนกว่าของ Providence Rajan Krishnaswami นักเล่นเชลโลและผู้ก่อตั้ง Simple Measures กล่าวว่า "สิ่งที่ทำให้สิ่งนี้เป็นจริงสำหรับฉัน" "คือปฏิกิริยาของผู้ชม ... คุณจะได้รับความคิดเห็นจากผู้ชมจริงๆ^{" [82]}

ประสิทธิภาพ

การแสดงแชมเบอร์มิวสิคเป็นสาขาเฉพาะทาง และต้องใช้ทักษะหลายอย่างที่ปกติแล้วไม่จำเป็นสำหรับการแสดงดนตรีซิมโฟนิกหรือเพลงเดี่ยว นักแสดงและนักประพันธ์หลายคนเขียนเกี่ยวกับเทคนิคพิเศษที่จำเป็นสำหรับนักดนตรีแชมเบอร์ที่ประสบความสำเร็จ การเล่นแชมเบอร์มิวสิคเขียนโดย นพ. เฮอร์เตอร์ นอร์ตัน กำหนดให้ "ปัจเจกชน...สร้างส่วนรวมที่เป็นอันหนึ่งอันเดียวกันแต่ยังคงเป็นปัจเจกบุคคล ศิลปินเดี่ยวเป็นทั้งส่วนสำหรับตัวเขาเอง ^[83]

"เพลงของเพื่อน"

นักแสดงหลายคนยืนยันว่าธรรมชาติที่ใกล้ชิดของการเล่นดนตรีแชมเบอร์ต้องมีลักษณะบุคลิกภาพบางอย่าง

David Waterman นักเชลโลแห่งวง Endellion Quartet เขียนว่าแชมเบอร์มิวสิค "จำเป็นต้องรักษาสมดุลระหว่างความกล้าแสดงออกและความยืดหยุ่น" ^[84]ความสามัคคีที่ดีเป็นสิ่งสำคัญ Arnold Steinhardtนักไวโอลินคนแรกของ Guarneri Quartet ตั้งข้อสังเกตว่า quartet มืออาชีพหลายคนต้องทนทุกข์ทรมานจากการเปลี่ยนผู้เล่นบ่อยครั้ง "นักดนตรีหลายคนไม่สามารถเครียดกับการมโนแล้วมโนกับคนสามคนเดิมซ้ำแล้วซ้ำเล่า" ^[85]

แมรี่ นอร์ตัน นักไวโอลินที่ศึกษาการเล่นควอเตตร่วมกับ Kneisel Quartet เมื่อต้นศตวรรษที่ผ่านมา ไปไกลถึงขนาดที่ผู้เล่นจากส่วนต่างๆ ในควอเตตมีลักษณะบุคลิกภาพที่แตกต่างกัน "ตามธรรมเนียมแล้ว ไวโอลินตัวแรกคือผู้นำ" แต่ "สิ่งนี้ไม่ได้หมายความว่าจะมีอำนาจเหนือกว่าอย่างไม่ลดละ" นักไวโอลินคนที่สอง "เป็นเพียงคนรับใช้ของทุกคน" "การมีส่วนร่วมทางศิลปะของสมาชิกแต่ละคนจะถูกวัดจากทักษะของเขาในการยืนยันหรือกดขี่ความเป็นปัจเจกบุคคลซึ่งเขาต้องมีเพื่อให้น่าสนใจ" ^[86]

การตีความ

"สำหรับปัจเจกบุคคล ปัญหาในการตีความก็ท้าทายพอสมควร" Waterman เขียน "แต่สำหรับวงดนตรีสี่วงที่ต้องต่อสู้กับองค์ประกอบที่ลึกซึ้ง ใกล้ชิด และจริงใจที่สุดในวรรณกรรมดนตรี ธรรมชาติของการตัดสินใจร่วมกันมักเป็นการทดสอบมากกว่า มากกว่าการตัดสินใจด้วยตัวเอง" ^[87]

ปัญหาในการหาข้อตกลงเกี่ยวกับประเด็นทางดนตรีนั้นซับซ้อนเนื่องจากผู้เล่นแต่ละคนเล่นคนละส่วน ซึ่งอาจดูเหมือนว่าต้องการการเคลื่อนไหวหรือท่าทางที่ตรงกันข้ามกับส่วนอื่นในเนื้อเรื่องเดียวกัน บางครั้งความแตกต่างเหล่านี้ยังระบุไว้ในคะแนนด้วย ตัวอย่างเช่น เมื่อมีการระบุครอสไดนามิกส์ โดยเครื่องดนตรีชิ้นหนึ่งจะค่อย ๆ ดังขึ้นในขณะที่อีกชิ้นหนึ่งจะเบาลง

ประเด็นหนึ่งที่ต้องตัดสินในการซ้อมคือใครเป็นผู้นำวงดนตรีในแต่ละจุดของท่อน โดยปกติแล้ว ไวโอลินตัวแรกจะเป็นผู้นำวง การขึ้นนำหมายความว่านักไวโอลินจะระบุจุดเริ่มต้นของการเคลื่อนไหวและจังหวะของการเคลื่อนไหวแต่ละอย่างด้วยท่าทางด้วยศีรษะหรือมือที่โค้งคำนับ อย่างไรก็ตาม มีข้อความที่ต้องใช้เครื่องมืออื่นนำทาง ตัวอย่างเช่น จอห์น ดัลลีย์ นักไวโอลินคนที่สองของ Guarneri Quartet กล่าวว่า "เรามักจะขอให้ [นักเล่นเชลโล] เป็นผู้นำในการบรรเลงพิซซิกาโต ท่วงท่าเตรียมเล่นพิซซิกาโตของนักเล่นเชลโลจะใหญ่กว่าและช้ากว่าท่าทางของนักไวโอลิน" ^[88]

ผู้เล่นหารือเกี่ยวกับประเด็นการตีความในการซ้อม แต่บ่อยครั้งในช่วงกลางๆ ของการแสดง ผู้เล่นทำสิ่งต่างๆ อย่างเป็นธรรมชาติ โดยต้องการให้ผู้เล่นคนอื่นๆ ตอบสนองแบบเรียลไทม์ "หลังจากยี่สิบปีในวง [Guarneri] Quartet ฉันรู้สึกประหลาดใจอย่างมีความสุขในบางโอกาสที่พบว่าตัวเองคิดผิดไปอย่างสิ้นเชิงเกี่ยวกับสิ่งที่ฉันคิดว่าผู้เล่นจะทำ หรือวิธีที่เขาจะมีปฏิกิริยาในเนื้อเรื่องนั้น" นักไวโอลิน Michael Tree กล่าว ^[89]

รวบรวม ผสมผสาน และสมดุล

การเล่นร่วมกันถือเป็นความท้าทายที่สำคัญสำหรับผู้เล่นแชมเบอร์มิวสิค การประพันธ์เพลงจำนวนมากก่อให้เกิดความยุ่งยากในการประสานงาน โดยมีตัวเลขเช่นเฮมิโอลา , การซิงโครไนซ์ , ทางเดินพร้อมเพรียงกันที่รวดเร็ว และโน้ตที่เปล่งออกมาพร้อมๆ กันที่สร้างคอร์ดซึ่งยากต่อการเล่นให้สอดคล้องกัน แต่นอกเหนือจากความท้าทายของการเล่นร่วมกันจากมุมมองของจังหวะหรือน้ำเสียงแล้ว ความท้าทายที่ยิ่งใหญ่กว่าในการให้เสียงที่ดีร่วมกัน

เพื่อสร้างเสียงดนตรีแชมเบอร์ที่เป็นหนึ่งเดียว – เพื่อผสมผสาน – ผู้เล่นจะต้องประสานรายละเอียดของเทคนิคของตน พวกเขาต้องตัดสินใจว่าจะใช้ vibrato เมื่อใดและเท่าไหร่ พวกเขามักจะต้องประสานการโค้งคำนับและ "การหายใจ" ระหว่างวลีเพื่อให้แน่ใจว่าเสียงที่เป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน พวกเขาจำเป็นต้องเห็นด้วยกับเทคนิคพิเศษ เช่นspiccato , sul tasto , sul ponticelloและอื่น ๆ ^[90]

ยอดคงเหลือหมายถึงปริมาณสัมพัทธ์ของตราสารแต่ละชนิด เนื่องจากดนตรีเชมเบอร์คือการสนทนา บางครั้งเครื่องดนตรีหนึ่งชิ้นต้องโดดเด่น บางครั้งเครื่องดนตรีอีกชิ้นหนึ่งก็ต้องโดดเด่น ไม่ใช่เรื่องง่ายเสมอไปที่สมาชิกในวงดนตรีจะกำหนดสมดุลที่เหมาะสมขณะเล่น บ่อยครั้งที่พวกเขาต้องการผู้ฟังภายนอกหรือบันทึกการซ้อมเพื่อบอกว่าความสัมพันธ์ระหว่างเครื่องดนตรีนั้นถูกต้อง

น้ำเสียง

การเล่นแช มเบอร์มิวสิคนำเสนอปัญหาพิเศษของน้ำเสียง เปียโนถูกปรับโดยใช้อารมณ์ที่เท่ากันกล่าวคือ โน้ต 12 ตัวของสเกลมีระยะห่างเท่าๆ กันพอดี วิธีนี้ช่วยให้เปียโนสามารถเล่นคีย์ใดก็ได้ อย่างไรก็ตาม ช่วงเวลาทั้งหมดยกเว้นเสียงคู่เสียงแปร่งๆ เล็กน้อย นักเล่นเครื่องสายสามารถเล่นโดยใช้เพียงเสียงสูงต่ำ กล่าวคือ พวกเขาสามารถเล่นช่วงเฉพาะ (เช่น ท่อนที่ห้า) ได้อย่างเหมาะสม ยิ่งไปกว่านั้น ผู้เล่นเครื่องสายและเครื่องเป่าสามารถใช้น้ำเสียงที่สื่อความหมายเปลี่ยนระดับเสียงของโน้ตเพื่อสร้างเอฟเฟกต์ดนตรีหรือละคร "เสียงเครื่องสายสื่อความหมายและละเอียดอ่อนกว่าเสียงเปียโนที่มีอารมณ์เท่ากัน" ^[91]

อย่างไรก็ตาม การใช้น้ำเสียงที่แท้จริงและสื่อความหมายนั้นจำเป็นต้องประสานงานอย่างระมัดระวังกับผู้เล่นคนอื่นๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อท่อนหนึ่งกำลังผ่านการปรับฮาร์มอนิก Steinhardt กล่าวว่า "ความยากในการให้เสียงสูงต่ำของวงสตริงควอเตตคือการกำหนดระดับความอิสระที่คุณมีในช่วงเวลาหนึ่งๆ" ^[92]

ประสบการณ์ดนตรีแชมเบอร์

ผู้เล่นแชมเบอร์มิวสิคทั้งมือสมัครเล่นและมืออาชีพ ยืนยันถึงมนต์เสน่ห์ที่ไม่เหมือนใครด้วยการเล่นเป็นวง Walter Willson Cobbettนักดนตรีสมัครเล่นผู้อุทิศตนและบรรณาธิการของCobbett's Cyclopedic Survey of Chamber Music กล่าว ว่า"ไม่ใช่เรื่องเกินจริงที่จะบอกว่ามีโลกที่น่าหลงใหลเปิดออกต่อหน้าฉัน" ^[93]

วงดนตรีพัฒนาความสนิทสนมอย่างใกล้ชิดจากประสบการณ์ทางดนตรีร่วมกัน Steinhardt เขียนไว้ว่า "มันอยู่บนเวทีคอนเสิร์ตซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งความใกล้ชิดที่แท้จริง" "เมื่อการแสดงกำลังดำเนินอยู่ เราทั้งสี่คนร่วมกันเข้าไปในโซนแห่งเวทมนตร์ที่ไหนสักแห่งระหว่างอัฒจรรย์ดนตรีของเรา และกลายเป็นคนส่งสาร ผู้ส่งสาร และมิชชันนารี ... มันเป็นประสบการณ์ส่วนตัวเกินกว่าจะพูดถึง แต่ก็สร้างสีสันให้กับทุกๆ ด้าน เกี่ยวกับความสัมพันธ์ของเรา การเผชิญหน้ากันทางดนตรีที่ไพเราะ การซุบซิบนินทามืออาชีพ เรื่องตลกวิโอลาล่าสุด" ^[94]

การเล่นเชมเบอร์มิวสิคเป็นแรงบันดาลใจให้กับหนังสือหลายเล่ม ทั้งนิยายและสารคดี An Equal MusicโดยVikram Sethสำรวจชีวิตและความรักของ Maggiore นักไวโอลินคนที่สองแห่งวงควอเต็ต ศูนย์กลางของเรื่องราวคือความตึงเครียดและความใกล้ชิดที่พัฒนาขึ้นระหว่างสมาชิกสี่คนของวง "องค์ประกอบที่แปลกประหลาดที่เราเป็น [ในการแสดง] ไม่ใช่ตัวเราอีกต่อไป แต่เป็น Maggiore ที่ประกอบด้วยส่วนที่แยกออกจากกันมากมาย: เก้าอี้ ขาตั้ง ดนตรี คันธนู เครื่องดนตรี นักดนตรี ..." [95] The ^Rosendorf Quartet , โดยNathan Shaham , ^[96]อธิบายการทดลองของวงเครื่องสายในปาเลสไตน์ก่อนการก่อตั้งรัฐอิสราเอล สำหรับความรักของมันโดย Wayne Booth ^[97]เป็นเรื่องราวที่ไม่ใช่นิยายเกี่ยวกับความรักของผู้เขียนกับการเล่นเชลโลและดนตรีแชมเบอร์

สมาคมแชมเบอร์มิวสิค

สังคมจำนวนมากอุทิศตนเพื่อการสนับสนุนและการแสดงดนตรีแชมเบอร์ บางส่วนของเหล่านี้คือ:

• the Associated Chamber Music PlayersหรือACMP – The Chamber Music Network ซึ่งเป็นองค์กรระหว่างประเทศที่ส่งเสริมการเล่นแชมเบอร์มิวสิคทั้งมือสมัครเล่นและมืออาชีพ ACMP มีกองทุนเพื่อสนับสนุนโครงการแชมเบอร์มิวสิค และเผยแพร่รายชื่อนักดนตรีแชมเบอร์ทั่วโลก
• Chamber Music Americaสนับสนุนกลุ่มแชมเบอร์มิวสิคมืออาชีพผ่านทุนสำหรับที่อยู่อาศัยและค่าคอมมิชชั่น ผ่านโครงการรางวัล และผ่านโครงการพัฒนาวิชาชีพ
• Cobbett Association for Chamber Music Research เป็นองค์กรที่อุทิศตนเพื่อการค้นพบผลงานของเชมเบอร์มิวสิคที่ถูกลืมอีกครั้ง
• Music for the Love of Itเผยแพร่จดหมายข่าวเกี่ยวกับกิจกรรมแชมเบอร์มิวสิคสำหรับมือสมัครเล่นทั่วโลก รวมถึงคำแนะนำเกี่ยวกับเวิร์คช็อปดนตรีสำหรับมือสมัครเล่น
• ออตตาวาแชมเบอร์ มิวสิค โซไซตี้องค์กรไม่แสวงผลกำไรที่ส่งเสริมการมีส่วนร่วมของประชาชนและชื่นชมดนตรีแชมเบอร์ OCMS ได้จัดเทศกาลออตตาวาแชมเบอร์มิวสิคเฟสติวัลซึ่งเป็นเทศกาลดนตรีแชมเบอร์ที่ใหญ่ที่สุดในโลก ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2537 ^[98]
• Musica Viva Australiaผู้สนับสนุนแชมเบอร์มิวสิคขนาดใหญ่ที่ไม่แสวงหาผลกำไรซึ่งทำงานทั่วออสเตรเลียโดยทัวร์ศิลปินแชมเบอร์มิวสิคทั้งในและต่างประเทศ ตลอดจนจัดการเทศกาลดนตรีแชมเบอร์และโครงการพัฒนาศิลปินรุ่นใหม่

นอกจากองค์กรระดับชาติและนานาชาติเหล่านี้แล้ว ยังมีองค์กรระดับภูมิภาคและระดับท้องถิ่นอีกมากมายที่สนับสนุนแชมเบอร์มิวสิค วงดนตรีและองค์กรดนตรีแชมเบอร์อเมริกันมืออาชีพที่โดดเด่นที่สุด ได้แก่ :

• Chamber Music Society of Lincoln Centerในนิวยอร์กซิตี้
• Southwest Chamber Musicในลอสแอนเจลิส
• Chicago Chamber Musicตั้งอยู่ในชิคาโก
• Canadian Brassในนิวยอร์กและโตรอนโต
• Juilliard String Quartetในนิวยอร์ก
• Kronos String Quartetในซานฟรานซิสโก
• Emerson String Quartetในนิวยอร์ก

เทศกาล

วงดนตรี

นี่คือรายการบางส่วนของประเภทของวงดนตรีที่พบในเชมเบอร์มิวสิค ละครเพลงมาตรฐานสำหรับวงดนตรีแชมเบอร์มีมากมาย และจำนวนทั้งหมดของแชมเบอร์มิวสิคใน รูปแบบ แผ่นโน้ตเพลงก็แทบไม่มีขอบเขต ดูบทความเกี่ยวกับการรวมเครื่องดนตรีแต่ละรายการสำหรับตัวอย่างละครเพลง

จำนวนนักดนตรี	ชื่อ	วงดนตรีทั่วไป	เครื่องมือวัด[instr 1]	ความคิดเห็น
2	ดูโอ้	เปียโนคู่	2 เปียโน
		เครื่องดนตรีคู่	เครื่องดนตรีและเปียโนใดๆ	พบโดยเฉพาะอย่างยิ่งเป็นโซนาตา เครื่องดนตรี ; ได้แก่ไวโอลินเชลโล วิโอลาฮอร์น โอโบบาสซูนคลาริเน็ตฟลุตโซนาตา
			เครื่องดนตรีใด ๆ และเบสโซต่อเนื่อง	พบได้ทั่วไปในดนตรียุคบาโรกที่มีมาก่อนเปียโน ส่วนต่อเนื่องของเบสโซนั้นมีอยู่เพื่อให้จังหวะและดนตรีประกอบเสมอ และมักจะเล่นโดยฮาร์ปซิคอร์ดแต่ก็สามารถใช้เครื่องดนตรีอื่นๆ ได้ อย่างไรก็ตาม ในเวลาเดียวกัน งานดังกล่าวไม่เรียกว่า "ดูโอ" แต่เป็น "เดี่ยว"
	ดูเอ็ท	เปียโนคู่	1 เปียโน 4 มือ	Mozart , Beethoven , Schubert , Brahms (ผลงานต้นฉบับและการถอดความจากผลงานของเขาเอง); รูปแบบดนตรีในประเทศที่ชื่นชอบ โดยถอดเสียงมาจากแนวเพลงอื่นๆ มากมาย (โอเปร่า ซิมโฟนี คอนแชร์โต และอื่นๆ)
		ร้องคู่	เสียงเปียโน	นิยม ใช้ในเพลงประกอบละคร หรือLied
		บรรเลงคู่	2 ของตราสารใด ๆ เท่ากันหรือไม่ก็ได้	Duets ของ Mozart KV 423 และ 424 สำหรับ vn และ va และ Sonata KV 292 สำหรับ bsn และ vc; เพลงคู่ของเบโธเฟนสำหรับ va และ vc; Duets ของ Bartók ในราคา 2 vn.
3	ทริโอ	สตริงทรีโอ	vln, vla, vc	Divertimento K. 563ของ Mozart เป็นตัวอย่างที่สำคัญ เบโธเฟนแต่ง 5 Trios ในช่วงเริ่มต้นอาชีพของเขา 2 Vln และ vla trios เขียนโดยDvořák , BridgeและKodály
		เปียโนทรีโอ	vln, vc, pno	Haydn , Mozart, Beethoven, Schubert, Chopin, Mendelssohn , Schumann , Brahms, Dvořák และอื่นๆ อีกมากมาย
		เสียงวิโอลาและเปียโน	เสียง vla pno	เพลง "Let Evening Come" ของศิลปินสามคนของWilliam Bolcom สำหรับโซปราโน วิโอลา และเปียโน และ Zwei Gesänge ผู้ประพันธ์เพลงของ Brahms 91 สำหรับ Contralto, Viola และ Piano
		คลาริเน็ต–วิโอลา–เปียโนทรีโอ	cl, vla, pno	ผลงานทั้งสามของ Mozart K.498ผลงานอื่นๆ ของ Schumann และBruch
		คลาริเน็ต–เชลโล–เปียโนทรีโอ	cl, vc, pno	Trio Op ของเบโธเฟน 11 พร้อมทั้งถอดความเองว่า ออป. 38, ของ Septet, Op. 20; สามคนโดยLouise FarrencและFerdinand Riesสามคนของ Brahms Op. 114 บทประพันธ์ของAlexander von Zemlinsky 3, Fantasy-Trio ของ Robert Muczynski
		เสียงคลาริเน็ตและเปียโน	เสียง, cl, pno	ชูเบิร์ตเรื่อง " The Shepherd on the Rock ", D965; Spohr 's Lieder
		ฟลุต วิโอลา และพิณ	ชั้น, vla, ชม	ผลงานที่มี ชื่อเสียงของDebussyและBax สิ่งประดิษฐ์แห่งศตวรรษที่ 20 ในปัจจุบันมีผลงานมากมายจนน่าประหลาดใจ ตัวแปรคือฟลุต เชลโล และฮาร์ป
		ฟลุต โอโบ อิงลิชฮอร์น	fl,ob,E hrn	Divertimento ของ Nicholas Laucella สำหรับฟลุต โอโบ และฮอร์นอังกฤษ
		คลาริเน็ต, ไวโอลิน, เปียโน	cl, vln, pno	บทประพันธ์ที่มีชื่อเสียงโดยBartók , Ives , Berg , Donald Martino , MilhaudและKhachaturian (ทั้งหมดในศตวรรษที่ 20)
		ฮอร์นทรีโอ	hrn, vln, pno	ผลงานชิ้นเอกของBrahmsและLigeti สองชิ้น
		เสียงแตรและเปียโน	เสียงแตร pno	"Auf Dem Strom" ของชูเบิร์ต
		กกทั้งสามคน	ออบ, cl, bsn	นักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 20 เช่นVilla-Lobosได้สร้างการผสมผสานที่เป็นแบบฉบับนี้ และยังเหมาะกับการถอดเสียงBasset Horn Trio ของ Mozart (ถ้าไม่ใช่ 2 ob. + English Horn Trio)
4	ควอเตต	วงเครื่องสาย	2 vln, vla, vc	ฟอร์มยอดนิยม. ตัวอย่างสำคัญมากมายโดย Haydn (ผู้สร้าง), Mozart, Beethoven, Schubert และนักแต่งเพลงชั้นนำอีกมากมาย (ดูบทความ)
		วงเปียโน	vln, vla, vc, pno	โมสาร์ทของ KV 478 และ 493; บทประพันธ์เยาวชนของเบโธเฟน; ชูมันน์, บราห์มส์, โฟเร่
		ไวโอลิน คลาริเน็ต เชลโล เปียโน	vln, cl, vc, pno	หายาก; ตัวอย่างที่มีชื่อเสียง: Quatuor pour la fin du tempsของMessiaen ; มีชื่อเสียงน้อยกว่า: Hindemith (1938), Walter Rabl (Op. 1; 1896)
		คลาริเน็ตสี่	3 B♭ คลาริเน็ตและเบสคลาริเน็ต	นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ยี่สิบ
		แซกโซโฟนควอเทต	ส. แซก, ก. แซก, ที. แซก, ข. แซ็กโซโฟนหรือเอ. แซก, ก. แซก, ที. แซก, ข. แซ็ก	ตัวอย่าง: Eugène Bozza , Paul Creston , Alfred Desenclos , Pierre Max Dubois , Philip Glass , Alexander Glazunov , David Maslanka , Florent Schmitt , Jean-Baptiste Singelée , Iannis Xenakis
		สี่ขลุ่ย	4 fls หรือ fl, vln, vla และ vlc	ตัวอย่าง ได้แก่ ผลงานของFriedrich Kuhlau , Anton Reicha , Eugène Bozza , Florent SchmittและJoseph Jongen ศตวรรษที่ 20: Shigeru Kan-no
		วงเพอร์คัชชัน	4 เครื่องกระทบ	ศตวรรษที่ยี่สิบ. นักแต่งเพลงประกอบด้วย: John Cage , David LangและPaul Lansky ดูการกระทบดังนั้น
		เครื่องเป่าและเครื่องสายสามเครื่อง	vn, va, vc และ fl, ob, cl, bsn	วงฟลุตสี่วงของโมซาร์ทและวงโอโบหนึ่งวง ; Krommer 's Flute Quartets (เช่น Op. 75), Clarinet Quartets และ Bassoon Quartets (เช่น Op. 46 set); วง Bassoon ของDevienne , วง Finnish QuartetsของJörg Duda
		แอคคอร์เดียนและวินด์ทรีโอ	บัญชี, ชั้น, cl, bsn	ไดเวอร์ติเมนโตของ Robert Davine สำหรับฟลุต คลาริเน็ต บาสซูน และหีบเพลง
		เปียโนและเครื่องลมทั้งสามคน	pno, cl, hrn, bsn	บทประพันธ์ของFranz Berwald 1 (1819)
		สามคนเสียงและ เปียโน	เสียง, pno, vn, vc	ใช้โดย Beethoven และ Joseph Haydn สำหรับการตั้งค่าLiederตามท่วงทำนองพื้นบ้าน
5	ควินเต็ต	กลุ่มเปียโน	2 vln, vla, vc, pno	ปฏิบัติการของชูมันน์ 44 , Brahms, Bartók , Dvořák , Shostakovichและคนอื่นๆ
			vln, vla, vc, cb, pno	เครื่องมือที่ไม่ธรรมดาที่ Franz Schubert ใช้ในงานTrout Quintetเช่นเดียวกับJohann Nepomuk Hummelและ Louise Farrenc
		กลุ่มลม	fl,cl,ob,bsn,hrn	ศตวรรษที่ 19 ( Reicha , Danziและคนอื่นๆ) และนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 20 (Carl Nielsen's Op. 43 )
		วงเครื่องสาย	2 vln, vla, vc พร้อม vla, vc หรือ cb เพิ่มเติม	กับกลุ่มที่ 2: Michael Haydn , Mozart, Beethoven, Brahms, Bruckner ; กับ vc อันดับ 2: Boccherini , Schubert; ถ่ายทอดโดย: Vagn Holmboe , Dvořák
		กลุ่มเครื่องสายและเครื่องสาย	ob, cl, vln, vla, cb	Prokofiev , Quintet ใน G minor Op. 39 . ในหกอิริยาบถ. (พ.ศ. 2468)
		กลุ่มทองเหลือง	2 tr, 1 hrn, 1 trm, 1 ทูบา	ส่วนใหญ่หลังปี 1950
		กลุ่มคลาริเน็ต	cl, 2 vn, 1 va, 1 vc	KV 581 ของ Mozart, Op. ของ Brahms 115, Weber 's Op. 34 ซามูเอล โคเลริดจ์-เทย์เลอร์ประกบคู่ 10, Hindemith 's Quintet (ซึ่งผู้เล่นคลาริเน็ตต้องสลับระหว่างเครื่องดนตรี B♭ และ E♭), Clarinet Quintet ของ Milton Babbitt และอื่นๆ อีกมากมาย
			cl, pno มือซ้าย, vn, va, vc	เครื่องดนตรีของSchmidt อุทิศให้กับนักเปียโน Paul Wittgenstein ( ซึ่งเล่นด้วยมือซ้ายเท่านั้น) แม้ว่าในปัจจุบันนี้มักจะแสดงในรูปแบบสองมือที่จัดโดยFriedrich Wührer
		เปียโนและวงเครื่องลม	pno, ob, cl, bsn, hrn	KV 452ของ Mozart , Op.ของ Beethoven 16และอื่น ๆ อีกมากมาย รวมทั้งสองโดยNikolai Rimsky-KorsakovและAnton Rubinstein (เครื่องลมสี่เครื่องอาจแตกต่างกันไป)
		ชุดปิเอโรต์	ชั้น, cl, vln, vc, pno	ตั้งชื่อตามPierrot LunaireของArnold Schoenbergซึ่งเป็นผลงานชิ้นแรกที่ต้องการเครื่องดนตรีชนิดนี้ ผลงานอื่นๆ ได้แก่PetroushkatesของJoan Tower , StaticของSebastian CurrierและTriple Duo ของElliott Carter งานบางชิ้น เช่นPierrot Lunaireเองก็เสริมวงดนตรีด้วยเสียงหรือการเคาะ
		กลุ่มกก	ออบ, cl, ก. แซก, bs cl, bsn	ศตวรรษที่ 20 และ 21
		เครื่องลมและวงเครื่องสาย	เครื่องลม 2 vn, va, vc	ควินเต็ตของโมสาร์ทสำหรับคลาริเน็ตและเครื่องสาย , ควินเต็ตของฟรานซ์ ครอมเม อร์สำหรับฟลุตและเครื่องสาย, Op. 66, Quintet ของ Bax สำหรับโอโบและเครื่องสาย
6	เกลอ	วงเครื่องสาย	2 vln, 2 vla, 2 vc	ที่สำคัญในหมู่เหล่านี้ ได้แก่ Brahms's Op 18และอปพร. 36 Sextets และVerklärte Nacht ของ Schoenberg , Op. 4 (ฉบับจริง).
		เกลอลม	2 ob, 2 bsn, 2 hrn หรือ 2 cl, 2 hrn, 2 bsn	โดย Mozart มีสองประเภท; เบโธเฟนใช้อันเดียวกับ cl
		กลุ่ม เปียโนและลม	ชั้น, ob, cl, bsn, hrn, pno	เช่นPoulenc Sextet และอีกเล่มของLudwig Thuille
		เกลอเปียโน	vln, 2 vla, vc, cb, pno	เช่น Op ของ Mendelssohn 110, หนึ่งโดยเลสลี่ บาสเซ็ตต์ . ( [2] )
			cl, 2 vln, vla, vc, pno	การทาบทาม ของ Prokofiev ในธีมภาษาฮีบรู Op. 34, เกลอของ Copland
7	เซปเตต	กำแพงกั้นลมและเชือก	cl, hrn, bsn, vln, vla, vc, cb	เป็นที่นิยมโดยSeptet Op. ของเบโธเฟน 20, Berwald 's และอื่น ๆ อีกมากมาย
8	ออคเต็ต	ออคเต็ตลมและสตริง	cl, hrn, bsn, 2 vln, vla, vc, cb หรือ cl, 2 ชม., vln, 2 vla, vc, cb	Octet D. 803ของ Schubert (ได้รับแรงบันดาลใจจาก Septet ของ Beethoven) และOctet ของSpohr , Op. 32.
		สตริงออกเตต	4 vln, 2 vla, 2 vc (ปกติน้อยกว่า 4 vln, 2 vla, vc, cb)	เป็นที่นิยมโดยวงเครื่องสายออคเต็ทของMendelssohn 20 . ผลงานอื่นๆ (ในบรรดาผลงานของ Bruch, Woldemar Bargiel , String OctetของGeorge Enescu , Op. 7 และผลงานอีกชิ้นของ Shostakovich) ได้ติดตามมา
		ควอเตตคู่	4 vln, 2 vla, 2 vc	วงเครื่องสายสอง วง จัดเรียงแบบแอนติโฟนิกส์ แนวเพลงที่ Spohr ชื่นชอบ ผลงานของ Milhaud 291 Octet เป็นวงเครื่องสายสองวง (วงที่ 14 และ 15) แสดงพร้อมกัน
		ออคเต็ตลม	2 อ็อบ, 2 ซล, 2 ชม., 2 บีเอสเอ็น	KV 375และ388ของMozart , Op. ของ Beethoven 103ผู้แต่งโดยFranz Lachner 156 , Reinecke's Op. 216มากมายที่เขียนโดย Franz Krommer รวมถึงเพลงที่เขียนโดยStravinskyและ Petite Symphonie อันไพเราะโดย Gounod
		เสียงร้องออกเตต	2 ซอ 2 ระนาดเอก 2 สิบ 2 เบส	วางพวงมาลัยโดยโรเบิร์ต ลูคัส เดอ แพร์ ซอ ล และเพลงHear My Prayer ของ เพอร์เซลล์
9	ไม่มี	ลมและเชือกไม่มี	ชั้น, ob, cl, hrn, bsn, vln, vla, vc, cb	Grand Nonetto (1813) โดยSpohr ; Nonet (1849)โดยLouise Farrenc ; Nonet (1875)โดยFranz Lachner ; Petite Symphonie (1885) โดยCharles Gounod ; เซเรเนดของสแตนฟอร์ด (พ.ศ. 2448); Parry's Wind Nonet (พ.ศ. 2420); Nonet (1923)โดยHeitor Villa-Lobos ; Planos (1934) โดยSilvestre Revueltas ; สามคนโดยBohuslav Martinů ; สี่โดยAlois Hába
10	หลอกลวง	กลุ่มลมคู่	2 ob, 2 English hrn, 2 cl, 2 hrn, 2 bsn (ชุดของ Mozart) หรือ 2 fl, ob, Eng hrn, 2 cl, 2 hrn และ 2 bsn (ชุดของ Enescu)	มีกลุ่มลมคู่สองสามกลุ่มที่เขียนขึ้นในศตวรรษที่ 18 (ข้อยกเว้นที่โดดเด่นคือ partitas โดยJosef ReichaและAntonio Rosetti ) แต่ในศตวรรษที่ 19 และ 20 พวกเขามีอยู่มากมาย เครื่องดนตรีที่ใช้กันมากที่สุดคือฟลุต 2 ชิ้น (พิคโคโล), โอโบ 2 ชิ้น (หรืออิงลิชฮอร์น), คลาริเน็ต 2 ชิ้น, ฮอร์น 2 ชิ้น และบาสซูน 2 ชิ้น ผลงานประพันธ์ที่ดีที่สุดในศตวรรษที่ 19 ได้แก่Émile Bernard Divertissement, Arthur Bird 's Suite และSalomon Jadassohnเซเรเนดเพื่อชื่อไม่กี่ ในศตวรรษที่ 20 Decet/dixtuor ใน D, Op. 14 โดย Enescu เขียนในปี 1906 เป็นตัวอย่างที่รู้จักกันดี บ่อยครั้งมีการเพิ่มเครื่องดนตรีเบสเพิ่มเติมเข้าไปในกลุ่มดับเบิลวินด์มาตรฐาน มีงานเขียนมากกว่า 500 ชิ้นสำหรับเครื่องมือเหล่านี้และเครื่องมือที่เกี่ยวข้อง [99]
^ คีย์: vln –ไวโอลิน ; vla –วิโอลา ; vc –เชลโล ; cb –ดับเบิลเบส ; pno –เปียโน ; ชั้น –ขลุ่ย ; ออบ –โอโบ ; Eng hrn –อิงลิชฮอร์น ; cl –คลาริเน็ต ; ส. แซกโซโฟน –โซปราโนแซกโซโฟน ; ก. แซกโซโฟน –อัลโตแซกโซโฟน ; ที แซกโซโฟน –เทเนอร์แซกโซโฟน ; ข. แซกโซโฟน –บาริโทนแซกโซโฟน ; bsn –บาสซูน ; hrn –ฮอร์น ; tr –ทรัมเป็ต ; trm -ทรอมโบน

หมายเหตุ

บรรณานุกรม

อ่านเพิ่มเติม

• ซาดี, สแตนลีย์ , เอ็ด. (2527). ครอบครัวไวโอลิน New Grove นิวยอร์ก: WW Norton ไอเอสบีเอ็น 0-393-02556-เอ็กซ์.
• พจนานุกรมดนตรีและนักดนตรี New Grove (ed. Stanley Sadie , 1980)
• ซิกก้า, ลุยจิ มาเรีย (2543). "ดนตรีแชมเบอร์และทฤษฎีองค์การ: ปรากฏการณ์ทั่วไปบางประการขององค์การที่เห็นได้ภายใต้กล้องจุลทรรศน์" การศึกษาในวัฒนธรรม องค์กร และสังคม . เทย์เลอร์ & ฟรานซิส 6 (2): 145–168. ดอย : 10.1080/10245280008523545 . ISSN  1024-5286 . S2CID  145538145 _
• ซัมเนอร์ ล็อตต์, มารี (2558). โลกทางสังคมของแชมเบอร์มิวสิคในศตวรรษที่ 19: นักแต่งเพลง ผู้บริโภคชุมชน สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอิลลินอยส์ ไอเอสบีเอ็น 978-0-252-03922-5. สืบค้นเมื่อ 12 กุมภาพันธ์ 2560 .
• ทอมป์สัน, ออสการ์ (2483). Debussy: ผู้ชายและศิลปิน . สำนักพิมพ์ทิวดอร์.

ลิงค์ภายนอก

ทรัพยากรห้องสมุดเกี่ยวกับ เชมเบอร์มิวสิค

ทรัพยากรในห้องสมุดของคุณ ทรัพยากรในห้องสมุดอื่น

• แชมเบอร์มิวสิคอเมริกา
• Earsense Chamberbaseซึ่งเป็นฐานข้อมูลออนไลน์ของงาน Chamber กว่า 50,000 ชิ้น
• Fischoff National Chamber Music Associationผู้สนับสนุนการแข่งขันแชมเบอร์มิวสิคและผู้สนับสนุนการศึกษาด้านดนตรีแชมเบอร์
• Associated Chamber Music Players (ACMP)นครนิวยอร์ก
• บรรณานุกรมประกอบเพลงดับเบิ้ลวินดวิน