Ukiyo-e

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Pintura de uma mulher japonesa elegantemente vestida no estilo do século 16. Impressão colorida de um teatro movimentado
Impressão colorida de um ator japonês com maquiagem colorida fazendo uma expressão ousada com os dedos estendidos, voltado para a direita. Impressão colorida de um close de uma mulher japonesa medieval fortemente maquiada olhando através de um pente translúcido.
Impressão de paisagem colorida de um grupo de três caminhando para a esquerda, florestas e uma montanha alta ao fundo. Impressão colorida de um pássaro voando perto de algumas flores
Um conjunto de três estampas coloridas de um samurai sendo ameaçado por um esqueleto gigantesco
Do canto superior esquerdo:

Ukiyo-e [a] é um gênero de arte japonesa que floresceu do século XVII ao século XIX. Seus artistas produziram gravuras em xilogravura e pinturas de temas como belezas femininas; atores de kabuki e lutadores de sumô ; cenas da história e contos populares; cenas e paisagens de viagens; flora e fauna ; e erotismo . O termo 'ukiyo-e' (浮世 絵) é traduzido como "imagem [s] do mundo flutuante".

Em 1603, a cidade de Edo ( Tóquio ) tornou-se a sede do xogunato Tokugawa governante . As classes mercantis , posicionadas na base da ordem social , se beneficiaram ao máximo com o rápido crescimento econômico da cidade e começaram a se entregar e a patrocinar o entretenimento do teatro kabuki, gueixas e cortesãs dos distritos de prazer ; o termo ukiyo ("mundo flutuante") passou a descrever esse estilo de vida hedonista. Obras impressas ou pintadas de ukiyo-e eram populares entre a classe mercantil, que se tornara rica o suficiente para pagar para decorar suas casas com elas.

As primeiras obras de ukiyo-e surgiram na década de 1670, com pinturas de Hishikawa Moronobu e gravuras monocromáticas de mulheres bonitas. As estampas coloridas foram introduzidas gradualmente e, a princípio, foram usadas apenas para encomendas especiais. Na década de 1740, artistas como Okumura Masanobu usaram várias xilogravuras para imprimir áreas coloridas. Na década de 1760, o sucesso da Suzuki Harunobu 's 'impressões de brocado'levou à produção em cores se tornando padrão, com dez ou mais blocos usados ​​para criar cada impressão. Alguns artistas ukiyo-e se especializaram em fazer pinturas, mas a maioria das obras eram gravuras. Os artistas raramente esculpiam suas próprias xilogravuras para impressão; em vez disso, a produção foi dividida entre o artista, que desenhou as gravuras, o entalhador, que cortou as xilogravuras, o impressor, que tintou e prensou as xilogravuras em papel feito à mão , e a editora, que financiou, promoveu e distribuiu as obras . Como a impressão era feita à mão, os impressores conseguiam efeitos impraticáveis ​​com as máquinas, como a mesclagem ou gradação de cores no bloco de impressão.

Os especialistas valorizam os retratos de belezas e atores feitos por mestres como Torii Kiyonaga , Utamaro e Sharaku, que surgiram no final do século XVIII. O século 19 também viu a continuação de mestres da tradição ukiyo-e, com a criação do artista Hokusai 's The Great Wave off Kanagawa , uma das mais conhecidas obras da arte japonesa, e do artista Hiroshige 's The Cinquenta e três estações do Tōkaidō . Após a morte desses dois mestres, e contra a modernização tecnológica e social que se seguiu à Restauração Meijide 1868, a produção de ukiyo-e entrou em declínio acentuado. No entanto, o século 20 viu um renascimento na gravura japonesa: o gênero shin-hanga ("novas gravuras") capitalizou o interesse ocidental em gravuras de cenas tradicionais japonesas, e o movimento sōsaku-hanga ("gravuras criativas") promoveu trabalhos individualistas projetados , esculpida e impressa por um único artista. As gravuras, desde o final do século 20, continuam em uma veia individualista, muitas vezes feitas com técnicas importadas do Ocidente.

Ukiyo-e foi fundamental para formar a percepção ocidental da arte japonesa no final do século 19, particularmente as paisagens de Hokusai e Hiroshige. A partir da década de 1870, o Japonismo tornou-se uma tendência proeminente e teve forte influência nos primeiros impressionistas , como Edgar Degas , Édouard Manet e Claude Monet , além de causar impacto em pós-impressionistas como Vincent van Gogh e artistas de Art Nouveau como Henri de Toulouse-Lautrec .

História

Pré-história

A arte japonesa desde o período Heian (794–1185) seguiu dois caminhos principais: a tradição nativista Yamato-e , com foco em temas japoneses, mais conhecida pelas obras da escola Tosa ; e o kara-e de inspiração chinesa em uma variedade de estilos, como as pinturas monocromáticas de Sesshū Tōyō e seus discípulos. A escola de pintura Kanō incorporou características de ambas. [1]

Desde a antiguidade, a arte japonesa encontrou patrocinadores na aristocracia, governos militares e autoridades religiosas. [2] Até o século 16, a vida das pessoas comuns não tinha sido o tema principal da pintura e, mesmo quando foram incluídas, as obras eram itens de luxo feitos para os samurais dominantes e para as classes ricas de comerciantes. [3] Obras posteriores apareceram por e para os habitantes da cidade, incluindo pinturas monocromáticas baratas de belezas femininas e cenas de teatro e distritos de lazer. A natureza produzida à mão desses shikomi-e [b] limitava a escala de sua produção, um limite que logo foi superado por gêneros que se voltaram para a impressão em xilogravura produzida em massa . [4]

Uma tela pintada de seis painéis retratando um cenário parecido com um parque no qual os visitantes apreciam a paisagem.
Maple Viewing at Takao (meados do século 16), de Kanō Hideyori, é uma das primeiras pinturas japonesas a retratar a vida das pessoas comuns. [2]

Durante um período prolongado de guerra civil no século 16, uma classe de mercadores politicamente poderosos se desenvolveu. Estes machishū  [ ja ] , os antecessores do período Edo 's chonin , se aliaram com o tribunal e poder tinha sobre as comunidades locais; seu patrocínio às artes encorajou um renascimento nas artes clássicas no final do século XVI e no início do século XVII. [5] No início do século 17, Tokugawa Ieyasu (1543-1616) unificou o país e foi nomeado shōgun com poder supremo sobre o Japão. Ele consolidou seu governo na vila de Edo (moderna Tóquio),[6] e exigia que os senhores territoriais se reunissem lá em anos alternados com suas comitivas. As demandas do capital crescente atraíram muitos trabalhadores do sexo masculino do país, de modo que os homens passaram a representar quase setenta por cento da população. [7] A vila cresceu durante o período Edo (1603-1867) de uma população de 1800 para mais de um milhão no século XIX. [6]

O xogunato centralizado acabou com o poder dos machishū e dividiu a população em quatro classes sociais , com a classe dominante do samurai no topo e a classe mercante na base. Embora privados de sua influência política, [5] os da classe mercantil mais se beneficiaram da economia em rápida expansão do período Edo, [8] e sua melhor sorte permitiu o lazer que muitos procuravam nos distritos de lazer - em particular Yoshiwara em Edo [6] —e colecionar obras de arte para decorar suas casas, que em tempos anteriores estavam muito além de seus recursos financeiros. [9]A experiência dos bairros de prazer estava aberta àqueles de riqueza, maneiras e educação suficientes. [10]

Pintura de um homem asiático medieval sentado e vestido com esplendor
Tokugawa Ieyasu estabeleceu seu governo no início do século 17 em Edo (a atual Tóquio).
Retrato de Tokugawa Ieyasu , pintura da escola Kanō , Kanō Tan'yū , século 17

A impressão em xilogravura no Japão remonta ao Hyakumantō Darani em 770 CE. Até o século 17, essa impressão era reservada para selos e imagens budistas. [11] Os tipos móveis apareceram por volta de 1600, mas como o sistema de escrita japonês exigia cerca de 100.000 peças digitadas, esculpir o texto à mão em blocos de madeira era mais eficiente. Em Saga Domain , o calígrafo Hon'ami Kōetsu e o editor Suminokura Soan  [ ja ] combinaram texto e imagens impressos em uma adaptação de The Tales of Ise (1608) e outras obras da literatura. [12] Durante o Kan'eiera (1624–1643) livros ilustrados de contos populares chamados tanrokubon ("livros verde-laranja") foram os primeiros livros produzidos em massa usando impressão em xilogravura. [11] Imagens de Woodblock continuaram a evoluir como ilustrações para o gênero kanazōshi de contos da vida urbana hedonística na nova capital. [13] A reconstrução de Edo após o Grande Incêndio de Meireki em 1657 ocasionou uma modernização da cidade, e a publicação de livros impressos ilustrados floresceu no ambiente em rápida urbanização. [14]

O termo "ukiyo" , [c] que pode ser traduzido como "mundo flutuante", era homófono com um antigo termo budista que significa "este mundo de tristeza e dor". [d] O termo mais recente às vezes era usado para significar "erótico" ou "elegante", entre outros significados, e passou a descrever o espírito hedonista da época para as classes mais baixas. Asai Ryōi celebrou esse espírito no romance Ukiyo Monogatari (" Contos do Mundo Flutuante ", c.  1661 ): [15]

"vivendo apenas para o momento, saboreando a lua, a neve, as flores de cerejeira e as folhas de bordo, cantando canções, bebendo saquê e se divertindo apenas em flutuar, despreocupado com a perspectiva de pobreza iminente, alegre e despreocupado, como um cabaça carregada junto com a corrente do rio: isso é o que chamamos de ukiyo . "

Surgimento de ukiyo-e (17 atrasado - séculos 18 primeiros)

Os primeiros artistas ukiyo-e vieram do mundo da pintura japonesa . [16] A pintura Yamato-e do século 17 desenvolveu um estilo de formas contornadas que permitia que as tintas pingassem em uma superfície úmida e se espalhassem em direção aos contornos - esse contorno de formas se tornaria o estilo dominante de ukiyo-e. [17]

Uma tela dobrável pintada com figuras japonesas brincando contra um fundo dourado
A tela do Hikone pode ser a obra ukiyo-e mais antiga, datada de c.  1624–44 .

Por volta de 1661, pergaminhos pintados conhecidos como Retratos de belezas de Kanbun ganharam popularidade. As pinturas da era Kanbun (1661-73), a maioria das quais são anônimas, marcaram o início do ukiyo-e como uma escola independente. [16] As pinturas de Iwasa Matabei (1578–1650) têm uma grande afinidade com as pinturas ukiyo-e. Os estudiosos discordam se o próprio trabalho de Matabei é ukiyo-e; [18] afirmações de que ele foi o fundador do gênero são especialmente comuns entre os pesquisadores japoneses. [19] Às vezes Matabei foi creditado como o artista da tela não assinada de Hikone , [20] um byōbutela dobrável que pode ser uma das primeiras obras de ukiyo-e sobreviventes. A tela é em um estilo Kanō refinado e retrata a vida contemporânea, ao invés dos assuntos prescritos pelas escolas de pintura. [21]

Uma ilustração em preto e branco de um casal de namorados em um vestido esplêndido brincando
Gravura em xilogravura, Hishikawa Moronobu , final dos anos 1670 ou início dos anos 1680

Em resposta à crescente demanda por obras de ukiyo-e, Hishikawa Moronobu (1618–1694) produziu as primeiras xilogravuras ukiyo-e. [16] Em 1672, o sucesso de Moronobu foi tal que ele começou a assinar seu trabalho - o primeiro dos ilustradores de livros a fazê-lo. Ele foi um ilustrador prolífico que trabalhou em uma ampla variedade de gêneros e desenvolveu um estilo influente de retratar as belezas femininas. Mais significativamente, ele começou a produzir ilustrações, não apenas para livros, mas como imagens de folha única, que podiam ficar sozinhas ou ser usadas como parte de uma série. A escola Hishikawa atraiu um grande número de seguidores, [22] bem como imitadores como Sugimura Jihei , [23]e sinalizou o início da popularização de uma nova forma de arte. [24]

Torii Kiyonobu I e Kaigetsudō Ando se tornaram emuladores proeminentes do estilo de Moronobu após a morte do mestre, embora nenhum deles fosse membro da escola Hishikawa. Ambos descartaram detalhes de fundo em favor do foco na figura humana - atores kabuki no yakusha-e de Kiyonobu e a escola Torii que o seguiu, [25] e cortesãs no bijin-ga de Ando e sua escola Kaigetsudō . Ando e seus seguidores produziram uma imagem feminina estereotipada cujo design e pose se prestaram a uma produção em massa efetiva, [26] e sua popularidade criou uma demanda por pinturas da qual outros artistas e escolas tiraram proveito. [27]A escola Kaigetsudō e sua popular "beleza Kaigetsudō" terminaram após o exílio de Ando por causa de seu papel no escândalo Ejima-Ikushima de 1714. [28]

O nativo de Kyoto Nishikawa Sukenobu (1671–1750) pintou quadros tecnicamente refinados de cortesãs. [29] Considerado um mestre dos retratos eróticos, ele foi banido pelo governo em 1722, embora se acredite que ele continuou a criar obras que circularam sob diferentes nomes. [30] Sukenobu passou a maior parte de sua carreira em Edo, e sua influência foi considerável nas regiões de Kantō e Kansai . [29] As pinturas de Miyagawa Chōshun (1683–1752) retrataram a vida do início do século 18 em cores delicadas. Chōshun não deixou impressões. [31] A escola Miyagawaele fundou no início do século 18 se especializando em pinturas românticas em um estilo mais refinado em linhas e cores do que a escola Kaigetsudō. Chōshun permitiu maior liberdade expressiva em seus adeptos, um grupo que mais tarde incluiu Hokusai . [27]

Impressões a cores (de meados do século 18)

Mesmo nas primeiras impressões e livros monocromáticos, a cor era adicionada à mão para encomendas especiais. A demanda por cores no início do século 18 foi atendida com estampas tan-e [e] tingidas à mão com laranja e às vezes verde ou amarelo. [33] Estes foram seguidos na década de 1720 com uma voga para o beni-e tingido de rosa [f] e, mais tarde, a tinta semelhante a laca do urushi-e . Em 1744, os benizuri-e foram os primeiros sucessos na impressão em cores, usando vários blocos de madeira - um para cada cor, o primeiro rosa beni e o verde vegetal. [34]

Perspectiva gráfica de estilo ocidental e maior uso de cores impressas estavam entre as inovações que Okumura Masanobu alegou.
Tirando o Frio da Noite pela Ponte Ryōgoku , c.  1745

Grande autopromotor, Okumura Masanobu (1686–1764) desempenhou um papel importante durante o período de rápido desenvolvimento técnico na impressão, do final do século XVII a meados do século XVIII. [34] Ele abriu uma loja em 1707 [35] e combinou elementos das principais escolas contemporâneas em uma ampla gama de gêneros, embora o próprio Masanobu não pertencesse a nenhuma escola. Entre as inovações em suas imagens românticas e líricas estavam a introdução da perspectiva geométrica no gênero uki-e [g] na década de 1740; [39] as impressões hashira-e longas e estreitas ; e a combinação de gráficos e literatura em impressos que incluíam haicais escritos por eles mesmospoesia. [40]

Ukiyo-e atingiu um pico no final do século 18 com o advento das estampas coloridas, desenvolvidas depois que Edo voltou à prosperidade sob Tanuma Okitsugu após uma longa depressão. [41] Essas impressões coloridas populares passaram a ser chamadas de nishiki-e , ou "fotos de brocado", pois suas cores brilhantes pareciam ter uma semelhança com os brocados Shuchiang chineses importados , conhecidos em japonês como Shokkō nishiki . [42] O primeiro a surgir foram caras impressões de calendário, impressas com vários blocos em papel muito fino com tintas pesadas e opacas. Essas impressões tinham o número de dias de cada mês oculto no desenho e eram enviadas no Ano Novo [h]como saudações personalizadas, levando o nome do patrono em vez do nome do artista. Os blocos dessas gravuras foram posteriormente reaproveitados para produção comercial, apagando o nome do patrono e substituindo-o pelo do artista. [43]

As delicadas e românticas estampas de Suzuki Harunobu (1725–1770) estiveram entre as primeiras a realizar designs de cores expressivos e complexos, [44] impressos com até uma dúzia de blocos separados para lidar com as diferentes cores [45] e meios-tons. [46] Suas gravuras contidas e graciosas invocaram o classicismo da poesia waka e da pintura Yamato-e . O prolífico Harunobu foi o artista ukiyo-e dominante de sua época. [47] O sucesso do colorido nishiki-e de Harunobu a partir de 1765 levou a um declínio acentuado na demanda pelas paletas limitadas de benizuri-e e urushi-e , bem como estampas coloridas à mão.[45]

Uma tendência contra o idealismo das gravuras de Harunobu e da escola Torii cresceu após a morte de Harunobu em 1770. Katsukawa Shunshō (1726-1793) e sua escola produziram retratos de atores de kabuki com maior fidelidade às características reais dos atores do que costumava ser a tendência . [48] Alguns colaboradores Koryūsai (1735 - c.  1790 ) e Kitao Shigemasa (1739-1820) foram proeminentes retratadores de mulheres que também afastaram ukiyo-e do domínio do idealismo de Harunobu, concentrando-se em modas urbanas contemporâneas e celebridades reais cortesãs e gueixas mundiais . [49]Koryūsai foi talvez o artista ukiyo-e mais prolífico do século 18 e produziu um número maior de pinturas e séries de impressão do que qualquer predecessor. [50] A escola Kitao que Shigemasa fundou foi uma das escolas dominantes nas últimas décadas do século XVIII. [51]

Na década de 1770, Utagawa Toyoharu produziu uma série de gravuras em perspectiva uki-e [52] que demonstraram um domínio das técnicas de perspectiva ocidentais que haviam escapado a seus predecessores no gênero. [36] Os trabalhos de Toyoharu ajudaram a criar a paisagem como um tema ukiyo-e, ao invés de meramente um pano de fundo para figuras humanas. [53] No século 19, as técnicas de perspectiva de estilo ocidental foram absorvidas pela cultura artística japonesa e implantadas nas paisagens refinadas de artistas como Hokusai e Hiroshige , [54] este último membro da escola Utagawa que Toyoharu fundou. Esta escola se tornaria uma das mais influentes,[55] e produziu obras em uma variedade muito maior de gêneros do que qualquer outra escola. [56]

Período de pico (final do século 18)

Impressão colorida de um close da cabeça e da parte superior do tronco de uma japonesa finamente vestida.  Atrás dela está uma tela de bambu na qual está representada a cabeça e a parte superior do tronco de uma mulher semelhante.
Duas belezas com bambu
Utamaro , c.  1795

Enquanto o final do século 18 viu tempos econômicos difíceis, [57] ukiyo-e viu um pico em quantidade e qualidade de obras, particularmente durante a era Kansei (1789-1791). [58] O ukiyo-e do período das Reformas Kansei trouxe um foco na beleza e harmonia [51] que entrou em decadência e desarmonia no século seguinte quando as reformas foram rompidas e as tensões aumentaram, culminando na Restauração Meiji de 1868. [58]

Especialmente na década de 1780, Torii Kiyonaga (1752–1815) [51] da escola Torii [58] retratou temas ukiyo-e tradicionais como belezas e cenas urbanas, que ele imprimiu em grandes folhas de papel, muitas vezes como dípticos horizontais ou trípticos multiimpressão . Suas obras dispensaram as poéticas paisagens oníricas feitas por Harunobu, optando por representações realistas de formas femininas idealizadas vestidas com a última moda e posadas em locais cênicos. [59] Ele também produziu retratos de atores kabuki em um estilo realista que incluía músicos acompanhantes e coro. [60]

Uma lei entrou em vigor em 1790 exigindo que as cópias tivessem o selo de aprovação do censor para serem vendidas. A censura aumentou de forma severa nas décadas seguintes, e os violadores podem receber punições severas. A partir de 1799, mesmo os rascunhos preliminares exigiam aprovação. [61] Um grupo de infratores da escola Utagawa, incluindo Toyokuni, teve suas obras reprimidas em 1801, e Utamaro foi preso em 1804 por fazer cópias do líder político e militar do século 16 Toyotomi Hideyoshi . [62]

Utamaro ( c.  1753 -1806) fez seu nome na década de 1790 com seu bijin okubi-e ( "fotos de cabeça grande de mulheres bonitas") retratos, com foco na cabeça e parte superior do tronco, um estilo outros tinham anteriormente empregados em retratos de atores kabuki. [63] Utamaro experimentou linhas, cores e técnicas de impressão para revelar diferenças sutis nas características, expressões e cenários de assuntos de uma ampla variedade de classes e experiências. As belezas individualizadas de Utamaro contrastavam fortemente com as imagens estereotipadas e idealizadas que eram a norma. [64] No final da década, especialmente após a morte de seu patrono Tsutaya Jūzaburō em 1797, a produção prodigiosa de Utamaro diminuiu em qualidade,[65] e ele morreu em 1806. [66]

Aparecendo repentinamente em 1794 e desaparecendo tão repentinamente dez meses depois, as gravuras do enigmático Sharaku estão entre as mais conhecidas de ukiyo-e. Sharaku produziu retratos impressionantes de atores kabuki, introduzindo um maior nível de realismo em suas impressões que enfatizavam as diferenças entre o ator e o personagem retratado. [67] Os rostos expressivos e contorcidos que ele retratou contrastavam fortemente com os rostos serenos e semelhantes a máscaras, mais comuns a artistas como Harunobu ou Utamaro. [46] Publicado por Tsutaya, [66] o trabalho de Sharaku encontrou resistência, e em 1795 sua produção cessou tão misteriosamente quanto apareceu, e sua identidade real ainda é desconhecida. [68]Utagawa Toyokuni (1769–1825) produziu retratos de kabuki em um estilo que os habitantes de Edo acharam mais acessível, enfatizando posturas dramáticas e evitando o realismo de Sharaku. [67]

Um alto nível consistente de qualidade marca o ukiyo-e do final do século 18, mas as obras de Utamaro e Sharaku freqüentemente ofuscam os outros mestres da época. [66] Um dos seguidores de Kiyonaga, [58] Eishi (1756-1829), abandonou sua posição como pintor do shōgun Tokugawa Ieharu para assumir o design do ukiyo-e. Ele trouxe um sentido refinado a seus retratos de cortesãs elegantes e elegantes, e deixou para trás vários alunos notáveis. [66] Com uma linha tênue, Eishōsai Chōki (fl. 1786-1808) desenhou retratos de cortesãs delicadas. A escola Utagawa passou a dominar a produção do ukiyo-e no final do período Edo. [69]

Edo foi o principal centro de produção do ukiyo-e durante todo o período Edo. Outro grande centro se desenvolveu na região de Kamigata de áreas dentro e ao redor de Kyoto e Osaka . Em contraste com a variedade de temas nas gravuras Edo, as de Kamigata tendiam a ser retratos de atores kabuki. O estilo das gravuras Kamigata pouco se distinguia dos de Edo até o final do século 18, em parte porque os artistas costumavam ir e voltar entre as duas áreas. [70] As cores tendem a ser mais suaves e os pigmentos mais espessos nas impressões Kamigata do que nas de Edo. [71] No século 19, muitas das gravuras foram desenhadas por fãs de kabuki e outros amadores. [72]

Floração tardia: flora, fauna e paisagens (do século 19)

As reformas Tenpō de 1841-1843 procuraram suprimir exibições externas de luxo, incluindo a representação de cortesãs e atores. Como resultado, muitos artistas ukiyo-e criaram cenas de viagens e fotos da natureza, especialmente pássaros e flores. [73] As paisagens tinham recebido atenção limitada desde Moronobu, e elas formaram um elemento importante nas obras de Kiyonaga e Shunchō . Foi só no final do período Edo que a paisagem se tornou um gênero, especialmente por meio das obras de Hokusai e Hiroshige. O gênero paisagem passou a dominar as percepções ocidentais de ukiyo-e, embora ukiyo-e tenha uma longa história anterior esses mestres da era tardia. [74]A paisagem japonesa diferia da tradição ocidental por depender mais da imaginação, da composição e da atmosfera do que da estrita observância da natureza. [75]

O autoproclamado "pintor louco" Hokusai (1760-1849) teve uma carreira longa e variada. Seu trabalho é marcado pela falta do sentimentalismo comum ao ukiyo-e, e um foco no formalismo influenciado pela arte ocidental. Entre suas realizações estão suas ilustrações do romance Lua Crescente de Takizawa Bakin  [ ja ] , sua série de cadernos, o Mangá Hokusai e sua popularização do gênero paisagem com Trinta e seis Vistas do Monte Fuji , [76] que inclui o seu melhor -a gravura conhecida, The Great Wave off Kanagawa , [77] uma das obras mais famosas da arte japonesa. [78]Em contraste com o trabalho dos mestres mais antigos, as cores de Hokusai eram ousadas, planas e abstratas, e seu tema não eram os distritos de prazer, mas a vida e o ambiente das pessoas comuns no trabalho. [79] Mestres consagrados Eisen , Kuniyoshi e Kunisada também seguiram os passos de Hokusai em gravuras de paisagens na década de 1830, produzindo gravuras com composições ousadas e efeitos marcantes. [80]

Embora nem sempre recebesse a atenção de seus antepassados ​​mais conhecidos, a escola Utagawa produziu alguns mestres neste período de declínio. O prolífico Kunisada (1786-1865) tinha poucos rivais na tradição de fazer retratos de cortesãs e atores. [81] Um desses rivais foi Eisen (1790-1848), que também era adepto da paisagem. [82] Talvez o último membro significativo deste período tardio, Kuniyoshi (1797-1861) tentou sua mão em uma variedade de temas e estilos, assim como Hokusai fez. Suas cenas históricas de guerreiros em combate violento eram populares, [83] especialmente sua série de heróis de Suikoden (1827–1830) e Chūshingura (1847). [84]Ele era adepto de paisagens e cenas satíricas - esta última uma área raramente explorada na atmosfera ditatorial do período Edo; que Kuniyoshia pudesse ousar abordar tais assuntos era um sinal do enfraquecimento do xogunato na época. [83]

Hiroshige (1797-1858) é considerada o maior rival de Hokusai em estatura. Ele se especializou em fotos de pássaros e flores e paisagens serenas, e é mais conhecido por sua série de viagens, como As Cinquenta e Três Estações de Tōkaidō e As Sessenta e Nove Estações de Kiso Kaidō , [85] esta última uma cooperativa esforço com Eisen. [82] Seu trabalho era mais realista, sutilmente colorido e atmosférico do que o de Hokusai; a natureza e as estações do ano eram elementos-chave: névoa, chuva, neve e luar eram partes proeminentes de suas composições. [86] Seguidores de Hiroshige, incluindo o filho adotivo Hiroshige II e o genro Hiroshige III, continuaram o estilo de paisagens de seu mestre até a era Meiji. [87]

Declínio (do século 19)

Após as mortes de Hokusai e Hiroshige [88] e a Restauração Meiji de 1868, ukiyo-e sofreu um declínio acentuado em quantidade e qualidade. [89] A rápida ocidentalização do período Meiji que se seguiu viu a impressão em xilogravura voltar seus serviços para o jornalismo e enfrentar a competição da fotografia. Os praticantes do ukiyo-e puro tornaram-se mais raros, e os gostos se afastaram de um gênero visto como remanescente de uma era obsoleta. [88] Os artistas continuaram a produzir obras notáveis ​​ocasionais, mas na década de 1890 a tradição estava moribunda. [90]

Os pigmentos sintéticos importados da Alemanha começaram a substituir os orgânicos tradicionais em meados do século XIX. Muitas gravuras dessa época faziam uso extensivo de um vermelho vivo e eram chamadas de aka-e ("fotos vermelhas"). [91] Artistas como Yoshitoshi (1839-1892) lideraram uma tendência na década de 1860 de cenas horríveis de assassinatos e fantasmas, [92] monstros e seres sobrenaturais e lendários heróis japoneses e chineses. Seu Cem Aspectos da Lua (1885-1892) retrata uma variedade de temas fantásticos e mundanos com um motivo lunar. [93] Kiyochika(1847–1915) é conhecido por suas gravuras que documentam a rápida modernização de Tóquio, como a introdução das ferrovias, e suas descrições das guerras do Japão com a China e com a Rússia . [92] Anteriormente, um pintor da escola Kanō, na década de 1870, Chikanobu (1838–1912) voltou-se para gravuras, particularmente da família imperial e cenas da influência ocidental na vida japonesa no período Meiji. [94]

Introduction to the West

Com exceção dos comerciantes holandeses, que tinham relações comerciais que datavam do início do período Edo, [95] os ocidentais prestavam pouca atenção à arte japonesa antes de meados do século 19 e, quando o faziam, raramente a distinguiam de outras artes do Oriente . [95] O naturalista sueco Carl Peter Thunberg passou um ano no assentamento comercial holandês Dejima , perto de Nagasaki, e foi um dos primeiros ocidentais a colecionar gravuras japonesas. A partir daí, a exportação de ukiyo-e cresceu lentamente e, no início do século XIX , a coleção do comerciante e comerciante holandês Isaac Titsingh chamou a atenção dos apreciadores de arte em Paris. [96]

Foto em preto e branco de um edifício de estilo tradicional japonês
O pavilhão japonês Satsuma na Exposição Internacional de 1867 em Paris

A chegada a Edo do Comodoro americano Matthew Perry em 1853 levou à Convenção de Kanagawa em 1854, que abriu o Japão para o mundo exterior após mais de dois séculos de reclusão . Impressões Ukiyo-e estavam entre os itens que ele trouxe para os Estados Unidos. [97] Essas gravuras apareceram em Paris pelo menos desde a década de 1830, e na década de 1850 eram numerosas; [98] a recepção foi mista e, mesmo quando elogiado, ukiyo-e foi geralmente considerado inferior aos trabalhos ocidentais que enfatizavam o domínio da perspectiva naturalística e da anatomia. [99] A arte japonesa chamou a atenção na Exposição Internacional de 1867 em Paris , [95]e se tornou moda na França e na Inglaterra nas décadas de 1870 e 1880. [95] As gravuras de Hokusai e Hiroshige desempenharam um papel importante na formação das percepções ocidentais da arte japonesa. [100] Na época de sua introdução no Ocidente, a impressão em xilogravura era o meio de massa mais comum no Japão, e os japoneses a consideravam de pouco valor duradouro. [101]

Os primeiros promotores europeus e estudiosos do ukiyo-e e da arte japonesa incluíram o escritor Edmond de Goncourt e o crítico de arte Philippe Burty , [102] que cunhou o termo " Japonismo ". [103] [i] Lojas que vendem produtos japoneses foram abertas, incluindo as de Édouard Desoye em 1862 e do negociante de arte Siegfried Bing em 1875. [104] De 1888 a 1891, Bing publicou a revista Artistic Japan [105] em inglês, francês e alemão edições, [106] e curador de uma exposição ukiyo-e na École des Beaux-Arts em 1890 com a presença de artistas como Mary Cassatt .[107]

Capa de livro de partituras com uma onda estilizada
Não só as artes visuais, mas também música inspirou-se ukiyo-e no Ocidente: capa da partitura orquestral de Debussy 's La mer (1905).

O americano Ernest Fenollosa foi o primeiro devoto ocidental da cultura japonesa e fez muito para promover a arte japonesa - as obras de Hokusai tiveram destaque em sua exposição inaugural como primeiro curador do Museu de Belas Artes de Boston, e em Tóquio em 1898 ele foi o curador do primeiro exposição ukiyo-e no Japão. [108] No final do século 19, a popularidade do ukiyo-e no Ocidente elevou os preços além das possibilidades da maioria dos colecionadores - alguns, como Degas , trocaram suas próprias pinturas por essas gravuras. Tadamasa Hayashiera um proeminente negociante de gostos respeitados baseado em Paris, cujo escritório de Tóquio era responsável por avaliar e exportar grandes quantidades de gravuras ukiyo-e para o Ocidente em tais quantidades que críticos japoneses mais tarde o acusaram de desviar o Japão de seu tesouro nacional. [109] O ralo primeiro passou despercebido no Japão, à medida que os artistas japoneses estavam imergindo nas técnicas clássicas de pintura do Ocidente. [110]

A arte japonesa, e particularmente as gravuras ukiyo-e, passaram a influenciar a arte ocidental desde os primeiros impressionistas . [111] Os primeiros pintores-colecionadores incorporaram temas japoneses e técnicas de composição em seus trabalhos já na década de 1860: [98] os papéis de parede e tapetes estampados nas pinturas de Manet foram inspirados no quimono estampado encontrado em imagens de ukiyo-e e Whistler concentrou sua atenção em elementos efêmeros da natureza, como nas paisagens ukiyo-e. [112] Van Gogh era um colecionador ávido e pintou cópias em óleo de gravuras de Hiroshige e Eisen . [113]Degas e Cassatt retrataram momentos fugazes do cotidiano em composições e perspectivas de influência japonesa. [114] A perspectiva plana de ukiyo-e e as cores não moduladas foram uma influência particular em designers gráficos e criadores de pôsteres. [115] As litografias de Toulouse-Lautrec mostraram seu interesse não apenas nas cores planas e formas contornadas de ukiyo-e, mas também em seu assunto: artistas e prostitutas. [116] Ele assinou muito deste trabalho com suas iniciais em um círculo, imitando os selos em gravuras japonesas. [116] Outros artistas da época que tiveram influência de ukiyo-e incluem Monet , [111] La Farge , [117] Gauguin ,[118] emembros do Les Nabis , como Bonnard [119] e Vuillard . [120] O compositor francês Claude Debussy inspirou-se para sua música nas gravuras de Hokusai e Hiroshige, mais proeminentemente em La mer (1905). [121] imagist poetas como Amy Lowell e Ezra Pound encontrado inspiração em ukiyo-e impressões; Lowell publicou um livro de poesia chamado Pictures of the Floating World (1919) sobre temas orientais ou em estilo oriental. [122]

Tradições descendentes (século 20)

Impressão monocromática de um homem com um casaco pesado em pé, olhando para o oceano longe do observador
Pescador
Kanae Yamamoto , 1904

O caderno de viagens tornou-se um gênero popular a partir de 1905, quando o governo Meiji promoveu as viagens dentro do Japão para que os cidadãos conhecessem melhor seu país. [123] Em 1915, a editora Shōzaburō Watanabe introduziu o termo shin-hanga ("novas estampas") para descrever um estilo de estampas que publicou que apresentava temas tradicionais japoneses e se destinavam a públicos estrangeiros e japoneses de alto padrão. [124] Artistas proeminentes incluem Goyō Hashiguchi , chamado de "Utamaro do período Taishō " por sua maneira de representar as mulheres; Shinsui Itō , que trouxe sensibilidades mais modernas às imagens de mulheres; [125] e Hasui Kawase, que fez paisagens modernas. [126] Watanabe também publicou trabalhos de artistas não japoneses, um dos primeiros sucessos dos quais foi um conjunto de gravuras com temas indianos e japoneses em 1916 pelo inglês Charles W. Bartlett (1860–1940). Outras editoras seguiram o sucesso de Watanabe, e alguns artistas shin-hanga , como Goyō e Hiroshi Yoshida, estabeleceram estúdios para publicar seus próprios trabalhos. [127]

Os artistas do movimento sōsaku-hanga ("gravuras criativas") assumiram o controle de todos os aspectos do processo de gravura - design, escultura e impressão foram feitos pelo mesmo par de mãos. [124] Kanae Yamamoto (1882–1946), então um estudante da Escola de Belas Artes de Tóquio , é creditado com o nascimento desta abordagem. Em 1904, ele produziu Fisherman usando xilogravura, uma técnica até então desaprovada pelo meio artístico japonês como antiquada e por estar associada à produção comercial em massa. [128] A fundação da Japanese Woodcut Artists 'Association em 1918 marca o início desta abordagem como um movimento. [129]O movimento favoreceu a individualidade em seus artistas e, como tal, não tem temas ou estilos dominantes. [130] Os trabalhos variaram desde os inteiramente abstratos de Kōshirō Onchi (1891–1955) às representações figurativas tradicionais de cenas japonesas de Un'ichi Hiratsuka (1895–1997). [129] Esses artistas produziram gravuras não porque esperavam atingir um público de massa, mas como um fim criativo em si mesmo, e não restringiram sua mídia impressa à xilogravura do ukiyo-e tradicional. [131]

As gravuras do final dos séculos 20 e 21 evoluíram a partir das preocupações de movimentos anteriores, especialmente a ênfase do movimento sōsaku-hanga na expressão individual. Serigrafia , gravura , mezzotint , mídia mista e outros métodos ocidentais juntaram-se à xilogravura tradicional entre as técnicas dos gravadores. [132]

Estilo

O manual de pintura chinesa Jieziyuan Huazhuan ( Manual do Jardim de Sementes de Mostarda ) passou a ser usado por muitos artistas japoneses e foi um elemento importante na formação de artistas e no desenvolvimento da pintura do período Edo.
Impressão colorida do rosto de uma japonesa.  As cores são fortes e planas, e os contornos são delineados em preto.
Mulher que visita o santuário no meio da noite , Harunobu , século 17. Linhas planas e em negrito definem e contêm áreas de cores planas.

Os primeiros artistas do ukiyo-e trouxeram com eles um conhecimento sofisticado e treinamento nos princípios de composição da pintura clássica chinesa ; gradualmente, esses artistas perderam a influência chinesa aberta para desenvolver um idioma japonês nativo. Os primeiros artistas ukiyo-e foram chamados de "primitivos" no sentido de que a mídia impressa era um novo desafio ao qual eles adaptaram essas técnicas seculares - seus designs de imagem não são considerados "primitivos". [133] Muitos artistas ukiyo-e receberam treinamento de professores do Kanō e outras escolas de pintura. [134]

Uma característica que define a maioria das impressões ukiyo-e é uma linha plana bem definida, ousada. [135] As primeiras impressões eram monocromáticas, e essas linhas eram o único elemento impresso; mesmo com o advento da cor, essa linha característica continuou a dominar. [136] No ukiyo-e as formas de composição são arranjadas em espaços planos [137] com figuras tipicamente em um único plano de profundidade. A atenção foi atraída para as relações verticais e horizontais, bem como para detalhes como linhas, formas e padrões como os das roupas. [138] As composições costumavam ser assimétricas e o ponto de vista costumava ser de ângulos incomuns, como de cima. Os elementos das imagens costumavam ser cortados , dando à composição uma sensação espontânea.[139] Em impressões coloridas, os contornos da maioria das áreas coloridas são claramente definidos, geralmente pelo trabalho de linha. [140] A estética das áreas planas de cor contrasta com as cores moduladas esperadas nas tradições ocidentais [137] e com outras proeminentes tradições contemporâneas da arte japonesa patrocinadas pela classe alta, como nas sutis pinceladas monocromáticasdapintura com pincel zenga ou cores tonais da escola de pintura Kanō . [140]

Foto de uma tigela de chá, de cor escura, humilde e assimétrica
Estética Wabi-sabi em uma tigela de chá do século 16

Os padrões coloridos, ostentosos e complexos, a preocupação com a mudança da moda e as poses e composições tensas e dinâmicas do ukiyo-e estão em notável contraste com muitos conceitos da estética tradicional japonesa . Proeminente entre eles, wabi-sabi favorece a simplicidade, assimetria e imperfeição, com evidência da passagem do tempo; [141] e shibui valoriza sutileza, humildade e moderação. [142] Ukiyo-e pode estar menos em desacordo com conceitos estéticos, como o estilo atrevido e urbano de iki . [143]

ukiyo-e apresenta uma abordagem incomum da perspectiva gráfica, que pode parecer pouco desenvolvida quando comparada às pinturas europeias do mesmo período. A perspectiva geométrica de estilo ocidental era conhecida no Japão - praticada com mais destaque pelos pintores de Akita ranga da década de 1770 - assim como os métodos chineses para criar um senso de profundidade usando uma homogênea de linhas paralelas. As técnicas às vezes apareciam juntas em trabalhos de ukiyo-e, a perspectiva geométrica fornecendo uma ilusão de profundidade no fundo e a perspectiva chinesa mais expressiva no primeiro plano. [144] As técnicas foram provavelmente aprendidas no início por meio de pinturas de estilo ocidental chinês, em vez de diretamente de obras ocidentais. [145]Muito depois de se familiarizar com essas técnicas, os artistas continuaram a harmonizá-las com os métodos tradicionais de acordo com suas necessidades composicionais e expressivas. [146] Outras maneiras de indicar a profundidade incluem o método de composição tripartido chinês usado em imagens budistas, onde uma grande forma é colocada em primeiro plano, uma menor no meio do fundo e uma menor no fundo; isso pode ser visto na Grande Onda de Hokusai , com um grande barco em primeiro plano, um menor atrás dele e um pequeno Monte Fuji atrás deles. [147]

Houve uma tendência desde o início do ukiyo-e de representar belezas no que o historiador da arte Midori Wakakura  [ ja ] chamou de "postura serpentina", [j] que envolve os corpos dos sujeitos se torcendo de forma não natural enquanto estão voltados para trás. O historiador de arte Motoaki Kōno  [ ja ] postulou que isso teve suas raízes na dança tradicional buyō ; Haruo Suwa  [ ja ]rebateu que as poses eram autorizações artísticas tomadas por artistas ukiyo-e, fazendo com que uma pose aparentemente relaxada chegasse a extremos físicos não naturais ou impossíveis. Este permaneceu o caso mesmo quando técnicas de perspectiva realista foram aplicadas a outras seções da composição. [148]

Temas e gêneros

Temas típicos eram belezas femininas (" bijin-ga "), atores kabuki (" yakusha-e ") e paisagens. As mulheres retratadas eram na maioria das vezes cortesãs e gueixas em tempos livres e promoviam os entretenimentos encontrados nos distritos de lazer. [149] Os detalhes com que os artistas retrataram a moda e os penteados das cortesãs permitem que as gravuras sejam datadas com alguma confiabilidade. Menos atenção foi dada à precisão das características físicas das mulheres, que seguiam as modas pictóricas do dia - os rostos estereotipados, os corpos altos e esguios em uma geração e pequenos em outra. [150] Retratos de celebridades eram muito procurados, em particular aqueles do kabuki e do sumômundos, dois dos entretenimentos mais populares da época. [151] Embora a paisagem tenha definido o ukiyo-e para muitos ocidentais, as paisagens floresceram relativamente tarde na história do ukiyo-e. [74]

Impressão colorida de duas japonesas finamente vestidas por um aquecedor.  O papel de parede e outros itens são amplamente gravados.
Retratos de belezas eram um dos pilares do ukiyo-e. O papel de parede e outros itens nesta impressão de brocado são amplamente gravados .
Neve noturna em Nurioke , Harunobu , 1766

As impressões Ukiyo-e surgiram da ilustração de livros - muitas das primeiras impressões de uma página de Moronobu eram originalmente páginas de livros que ele havia ilustrado. [12] Livros de ilustrações E-hon eram populares [152] e continuaram a ser uma importante saída para artistas ukiyo-e. No final do período, Hokusai produziu os três volumes Cem Vistas do Monte Fuji e o Hokusai Manga de 15 volumes , o último um compêndio de mais de 4.000 esboços de uma ampla variedade de assuntos realistas e fantásticos. [153]

As religiões japonesas tradicionais não consideram o sexo ou a pornografia uma corrupção moral no sentido da maioria das religiões abraâmicas , [154] e até que as mudanças morais da era Meiji levassem à sua supressão, as estampas eróticas shunga eram um gênero importante. [155] Enquanto o regime de Tokugawa submeteu o Japão a rígidas leis de censura, a pornografia não foi considerada uma ofensa importante e geralmente teve a aprovação dos censores. [62] Muitas dessas gravuras exibiam um alto nível de desenho, e muitas vezes humor, em suas representações explícitas de cenas de quarto, voyeurs e anatomia de grandes dimensões. [156] Tal como acontece com as representações de cortesãs, essas imagens estavam intimamente ligadas aos entretenimentos dos bairros de prazer.[157] Quase todos os mestres ukiyo-e produziram shunga em algum ponto. [158] Registros de aceitação social de shunga estão ausentes, embora Timon Screech postule que quase certamente houve algumas preocupações sobre o assunto, e que seu nível de aceitabilidade foi exagerado por colecionadores posteriores, especialmente no Ocidente. [157]

Cenas da natureza têm sido uma parte importante da arte asiática ao longo da história. Os artistas estudaram de perto as formas corretas e a anatomia de plantas e animais, embora as representações da anatomia humana tenham permanecido mais fantasiosas até os tempos modernos. As gravuras da natureza Ukiyo-e são chamadas de kachō-e , que se traduz como "fotos de flores e pássaros", embora o gênero fosse aberto a mais do que apenas flores ou pássaros, e as flores e pássaros não apareciam necessariamente juntos. [73] As impressões da natureza detalhadas e precisas de Hokusai são creditadas por estabelecer o kachō-e como um gênero. [159]

As Reformas Tenpō da década de 1840 suprimiram a representação de atores e cortesãs. Além de paisagens e kachō-e , os artistas recorreram a representações de cenas históricas, como de guerreiros antigos ou de cenas de lendas, literatura e religião. O Conto de Genji do século 11 [160] e o Conto do Heike do século 13 [161] foram fontes de inspiração artística ao longo da história japonesa, [160] incluindo no ukiyo-e. [160] Guerreiros e espadachins famosos como Miyamoto Musashi (1584-1645) eram assuntos frequentes, assim como representações de monstros, o sobrenatural e heróis da mitologia japonesa e chinesa. [162]

Dos séculos 17 a 19, o Japão se isolou do resto do mundo. O comércio, principalmente com holandeses e chineses, restringia-se à ilha de Dejima, perto de Nagasaki . Imagens bizarras chamadas Nagasaki-e foram vendidas a turistas mostrando os estrangeiros e suas mercadorias. [97] Em meados do século 19, Yokohama se tornou o principal assentamento estrangeiro após 1859, a partir do qual o conhecimento ocidental proliferou no Japão. [97] [163] Especialmente de 1858 a 1862, as impressões Yokohama-e documentaram, com vários níveis de fato e fantasia, a crescente comunidade de habitantes do mundo com os quais os japoneses estavam agora entrando em contato; [164]trípticos de cenas de ocidentais e sua tecnologia eram particularmente populares. [165]

Impressões especializadas incluíam surimono , impressões de luxo e edições limitadas destinadas a conhecedores, das quais um poema kyōka de cinco versos geralmente fazia parte do design; [166] e leques de mão impressos uchiwa-e , que muitas vezes sofrem por terem sido manuseados. [12]

Produção

Pinturas

Os artistas Ukiyo-e freqüentemente faziam gravuras e pinturas; alguns se especializaram em um ou outro. [167] Em contraste com as tradições anteriores, os pintores ukiyo-e preferiam cores brilhantes e nítidas, [168] e contornos muitas vezes delineados com tinta sumi , um efeito semelhante ao traçado em estampas. [169] Irrestrito pelas limitações técnicas da impressão, uma gama mais ampla de técnicas, pigmentos e superfícies estavam disponíveis para o pintor. [170] Artistas pintaram com pigmentos feitos de substâncias minerais ou orgânicas, como cártamo , conchas moídas, chumbo e cinábrio , [171] e mais tarde corantes sintéticos importados do Ocidente, como o verde de Parise azul da Prússia. [172] Rolos de seda ou papel kakemono pendurados, makimono handscrolls ou biombos byōbu eram as superfícies mais comuns. [167]

Produção de impressão

Bloco de madeira esculpido para impressão
Bloco de teclas para impressão, Utagawa Yoshiiku , 1862

As gravuras Ukiyo-e foram o trabalho de equipes de artesãos em várias oficinas; [173] era raro os designers cortarem seus próprios blocos de madeira. [174] O trabalho foi dividido em quatro grupos: o editor, que encomendou, promoveu e distribuiu as impressões; os artistas, que forneceram a imagem do design; os entalhadores, que preparavam as xilogravuras para impressão; e os impressores, que faziam impressões das xilogravuras no papel. [175] Normalmente, apenas os nomes do artista e da editora eram creditados na impressão final. [176]

As impressões Ukiyo-e eram impressas em papel feito à mão [177] manualmente, em vez de na prensa mecânica como no Ocidente. [178] O artista forneceu um desenho a tinta em papel fino, que foi colado [179] em um bloco de madeira de cerejeira [k] e esfregado com óleo até que as camadas superiores do papel pudessem ser retiradas, deixando uma camada translúcida de papel que o cortador de blocos pode usar como guia. O cortador de blocos cortou as áreas não pretas da imagem, deixando áreas elevadas que foram pintadas para deixar uma impressão. [173] O desenho original foi destruído no processo. [179]

As impressões eram feitas com blocos voltados para cima para que a impressora pudesse variar a pressão para diferentes efeitos e observe como o papel absorvia a tinta sumi à base de água, [178] aplicada rapidamente até mesmo em traços horizontais. [182] Entre os truques do impressor estavam o relevo da imagem, obtido pressionando uma xilogravura não ligada no papel para obter efeitos, como texturas de padrões de roupas ou redes de pesca. [183] Outros efeitos incluíram polimento [184] esfregar o papel com ágata para iluminar as cores; [185] envernizamento ; impressão sobreposta ; espanando com metal ou mica; e sprays para imitar a queda de neve. [184]

A impressão ukiyo-e era uma forma de arte comercial e a editora desempenhou um papel importante. [186] A publicação era altamente competitiva; mais de mil editores são conhecidos em todo o período. O número atingiu o pico em cerca de 250 nas décadas de 1840 e 1850 [187] - 200 apenas em Edo [188] - e diminuiu lentamente após a abertura do Japão até cerca de 40 permanecerem no início do século XX. Os editores possuíam as xilogravuras e os direitos autorais, e desde o final do século 18 os direitos autorais impostos [187] através do Picture Book and Print Publishers Guild. [l] [189] [189]As gravuras que passaram por várias prensagens eram particularmente lucrativas, pois o editor podia reutilizar as xilogravuras sem pagamento adicional ao artista ou ao cortador de xilogravuras. As xilogravuras também foram trocadas ou vendidas a outras editoras ou casas de penhores. [190] Os editores geralmente também eram vendedores e geralmente vendiam os produtos uns dos outros em suas lojas. [189] Além do selo do artista, os editores marcavam as impressões com seus próprios selos - alguns um logotipo simples, outros bastante elaborados, incorporando um endereço ou outra informação. [191]

O selo de uma editora em forma de flor dentro de uma montanha estilizada
O selo do editor de Tsutaya Jūzaburō , que publicou Utamaro e Sharaku na década de 1790

Os designers de impressão passaram por um estágio antes de receberem o direito de produzir suas próprias impressões, que poderiam assinar com seus próprios nomes. [192] Espera-se que os jovens designers cubram parte ou todos os custos de corte dos blocos de madeira. À medida que os artistas ganhavam fama, as editoras geralmente cobriam esses custos, e os artistas podiam exigir taxas mais altas. [193]

No Japão pré-moderno, as pessoas podiam ter vários nomes ao longo de suas vidas, o nome yōmyō de sua infância era diferente do nome zokumyō quando adulto. O nome de um artista consistia em um gasei - o sobrenome do artista - seguido por um nome artístico pessoal azana . O gasei era mais frequentemente retirado da escola a que o artista pertencia, como Utagawa ou Torii, [194] e o azana normalmente pegava um caractere chinês do nome artístico do mestre - por exemplo, muitos alunos de Toyokuni (豊 国) pegavam o " kuni " () de seu nome, incluindo Kunisada (国 貞) e Kuniyoshi (国 芳). [192] Os nomes que os artistas assinaram em suas obras podem ser uma fonte de confusão, pois às vezes eles mudavam de nome durante suas carreiras; [195] Hokusai foi um caso extremo, usando mais de cem nomes ao longo de sua carreira de 70 anos. [196]

As gravuras foram comercializadas em massa, [186] e em meados do século 19, a circulação total de uma impressão poderia chegar aos milhares. [197] Varejistas e vendedores ambulantes os promoviam a preços acessíveis aos prósperos habitantes da cidade. [198] Em alguns casos, as estampas anunciavam designs de quimonos feitos pelo artista da impressão. [186] A partir da segunda metade do século 17, as gravuras eram frequentemente comercializadas como parte de uma série, [191] cada impressão carimbada com o nome da série e o número da impressão nessa série. [199] Esta foi uma técnica de marketing bem-sucedida, pois os colecionadores compraram cada nova impressão da série para manter suas coleções completas. [191]No século 19, séries como Cinquenta e três estações do Tōkaidō de Hiroshige exibiam dezenas de gravuras. [199]

Produção de impressão a cores

Enquanto a impressão em cores no Japão data da década de 1640, as primeiras impressões ukiyo-e usavam apenas tinta preta. Às vezes, a cor era adicionada à mão, usando uma tinta de chumbo vermelha em estampas tan-e , ou mais tarde em uma tinta de cártamo rosa em estampas beni-e . A impressão em cores chegou aos livros na década de 1720 e em impressões de folha única na década de 1740, com um bloco e impressão diferentes para cada cor. As primeiras cores eram limitadas ao rosa e verde; técnicas expandidas nas duas décadas seguintes para permitir até cinco cores. [173] Em meados da década de 1760, surgiram impressões nishiki-e coloridas [173] feitas de dez ou mais xilogravuras. [201] Para manter os blocos de cada cor alinhados corretamente,marcas de registro chamadas kentō foram colocadas em um canto e um lado adjacente. [173]

Foto de um prato de pó azul profundo
O azul da Prússia era um corante sintético proeminente no século XIX.

Os impressores primeiro usaram tintas de cor natural feitas de fontes minerais ou vegetais. Os corantes tinham uma qualidade translúcida que permitia que uma variedade de cores fossem misturadas a partir de pigmentos primários vermelho, azul e amarelo. [202] No século 18, o azul da Prússia tornou-se popular e foi particularmente proeminente nas paisagens de Hokusai e Hiroshige, [202] assim como o bokashi , onde o impressor produzia gradações de cor ou mesclava uma cor em outra. [203] Corantes de anilina sintéticos mais baratos e mais consistentes chegaram do Ocidente em 1864. As cores eram mais duras e brilhantes do que os pigmentos tradicionais. O governo Meijipromoveu seu uso como parte de políticas mais amplas de ocidentalização. [204]

Crítica e historiografia

Registros contemporâneos de artistas ukiyo-e são raros. O mais significativo é o Ukiyo-e Ruikō ( "Vários pensamentos sobre ukiyo-e" ), uma coleção de comentários e biografias de artistas. Ōta Nanpo compilou a primeira versão não mais existente por volta de 1790. A obra não foi impressa durante a era Edo, mas circulou em edições copiadas à mão que foram sujeitas a numerosos acréscimos e alterações; [205] mais de 120 variantes do Ukiyo-e Ruikō são conhecidas. [206]

Antes da Segunda Guerra Mundial, a visão predominante de ukiyo-e enfatizava a centralidade das estampas; este ponto de vista atribui a fundação de ukiyo-e a Moronobu. Após a guerra, o pensamento voltou-se para a importância da pintura ukiyo-e e fazer conexões diretas com as pinturas Yamato-e do século 17 ; este ponto de vista vê Matabei como o criador do gênero, e é especialmente preferido no Japão. Essa visão se espalhou entre os pesquisadores japoneses na década de 1930, mas o governo militarista da época a suprimiu, querendo enfatizar uma divisão entre as pinturas em pergaminho Yamato-e associadas à corte e as gravuras associadas ao comerciante às vezes anti-autoritário classe. [19]

O estudioso americano de arte japonesa Ernest Fenollosa foi o primeiro a completar uma história crítica abrangente de ukiyo-e.

As primeiras obras históricas e críticas abrangentes sobre ukiyo-e vieram do Ocidente. Ernest Fenollosa foi Professor de Filosofia na Universidade Imperial de Tóquio desde 1878 e foi Comissário de Belas Artes do governo japonês desde 1886. Seu mestrado em Ukioye de 1896 foi a primeira visão abrangente e preparou o terreno para a maioria dos trabalhos posteriores com uma abordagem para a história em termos de épocas: começando com Matabei em uma era primitiva, ela evoluiu para uma idade de ouro do final do século 18 que começou a declinar com o advento de Utamaro e teve um breve renascimento com as paisagens de Hokusai e Hiroshige na década de 1830. [207] Laurence Binyon, o Guardião de Gravuras e Desenhos Orientais no Museu Britânico, escreveu um relato em Pintura no Extremo Oriente em 1908 que era semelhante ao de Fenollosa, mas colocou Utamaro e Sharaku entre os mestres. Arthur Davison Ficke construiu sobre as obras de Fenollosa e Binyon com um Chats on Japanese Prints mais abrangente em 1915. [208] James A. Michener , em The Floating World, em 1954, seguiu amplamente as cronologias dos trabalhos anteriores, enquanto reduzia as classificações em períodos e reconhecendo os primeiros artistas não como primitivos, mas como mestres consumados emergindo de tradições de pintura anteriores. [209] Para Michener e seu colaborador ocasionalRichard Lane , ukiyo-e começou com Moronobu ao invés de Matabei. [210] Os Mestres da Gravura Japonesa de Lane, de 1962, mantiveram a abordagem das divisões de período enquanto colocavam o ukiyo-e firmemente dentro da genealogia da arte japonesa. O livro reconhece artistas como Yoshitoshi e Kiyochika como mestres tardios. [211]

Seiichiro Takahashi  [ ja ] 's tradicional Xilográfica impressões do Japão de 1964 colocado artistas ukiyo-e em três períodos: o primeiro foi um período primitivo que incluiu Har, seguido por uma idade de ouro de Kiyonaga, Ut, e Sharaku, e, em seguida, um fechamento período de declínio após a declaração, iniciada na década de 1790, de estritas leis suntuárias que ditavam o que poderia ser retratado nas obras de arte. O livro, no entanto, reconhece um maior número de mestres ao longo deste último período do que os trabalhos anteriores, [212] e viu a pintura ukiyo-e como um renascimento da pintura Yamato-e . [17] Tadashi Kobayashi  [ ja ]Refinou ainda mais a análise de Takahashi ao identificar o declínio como coincidente com as tentativas desesperadas do xogunato de manter o poder por meio da aprovação de leis draconianas enquanto seu domínio sobre o país continuava a quebrar, culminando na Restauração Meiji em 1868. [213]

A bolsa Ukiyo-e tende a se concentrar na catalogação de artistas, uma abordagem que carece do rigor e da originalidade que passou a ser aplicada à análise de arte em outras áreas. Esses catálogos são numerosos, mas tendem esmagadoramente a se concentrar em um grupo de gênios reconhecidos. Poucas pesquisas originais foram adicionadas às primeiras avaliações fundamentais do ukiyo-e e seus artistas, especialmente no que diz respeito a artistas relativamente menores. [214] Embora a natureza comercial do ukiyo-e sempre tenha sido reconhecida, a avaliação dos artistas e de suas obras se baseou nas preferências estéticas dos conhecedores e deu pouca atenção ao sucesso comercial contemporâneo. [215]

Os padrões para inclusão no cânone ukiyo-e evoluíram rapidamente na literatura inicial. Utamaro era particularmente controverso, visto por Fenollosa e outros como um símbolo degenerado do declínio de ukiyo-e; Desde então, Utamaro ganhou aceitação geral como um dos maiores mestres da forma. Artistas do século 19, como Yoshitoshi, foram ignorados ou marginalizados, atraindo a atenção acadêmica apenas no final do século 20. [216] Trabalhos em artistas da era Utagawa da era tardia, como Kunisada e Kuniyoshi, reavivaram parte da estima contemporânea que esses artistas desfrutavam. Muitos trabalhos recentes examinam as condições sociais ou outras condições por trás da arte e não se preocupam com avaliações que a colocariam em um período de declínio. [217]

O romancista Jun'ichirō Tanizaki criticou a atitude superior dos ocidentais que afirmavam ter um esteticismo superior ao alegar ter descoberto o ukiyo-e. Ele afirmava que ukiyo-e era apenas a forma mais fácil de arte japonesa de entender da perspectiva dos valores dos ocidentais, e que os japoneses de todas as camadas sociais gostavam de ukiyo-e, mas que a moral confucionista da época os impedia de discuti-lo livremente, costumes sociais que foram violados pela ostentação do Ocidente da descoberta. [218]

Tira em quadrinhos em preto e branco em japonês
Tagosaku para Mokube no Tokyo Kenbutsu (田 吾 作 と 杢 兵衛 の 東京 見 物, Tagosaku e Mokube Sightseeing em Tóquio ) , 1902

Desde o início do século 20, os historiadores da manga - quadrinhos japoneses e desenhos animados - desenvolveram narrativas conectando a forma de arte à arte japonesa anterior ao século 20. Uma ênfase particular recai sobre o Hokusai Manga como um precursor, embora o livro de Hokusai não seja narrativo, nem o termo "manga" se originou com Hokusai. [219] Em inglês e em outras línguas, a palavra "manga" é usada no sentido restrito de "quadrinhos japoneses" ou "quadrinhos de estilo japonês", [220] enquanto em japonês indica todas as formas de quadrinhos, desenhos animados, [221] ] e caricatura. [222]

Coleta e preservação

As classes dominantes limitaram estritamente o espaço permitido para as casas das classes sociais mais baixas; o tamanho relativamente pequeno das obras de ukiyo-e era ideal para pendurar nessas casas. [223] Poucos registros dos patronos das pinturas ukiyo-e sobreviveram. Eles eram vendidos por preços consideravelmente mais altos do que impressões - até muitos milhares de vezes mais e, portanto, devem ter sido comprados por ricos comerciantes prováveis ​​e talvez alguns da classe samurai. [10] As gravuras da era tardia são os exemplos mais numerosos existentes, pois foram produzidas em grandes quantidades no século 19, e quanto mais antiga uma impressão, menor a chance de sobreviver. [224] Ukiyo-e era amplamente associado a Edo, e os visitantes de Edo costumavam comprar o que chamavam de azuma-e [m]como lembranças. As lojas que os vendem podem se especializar em produtos como ventiladores de mão ou oferecer uma seleção diversificada. [189]

O mercado de impressão ukiyo-e era altamente diversificado, pois era vendido a um público heterogêneo, de diaristas a ricos comerciantes. [225] Poucas informações concretas são conhecidas sobre os hábitos de produção e consumo. Registros detalhados em Edo foram mantidos de uma grande variedade de cortesãs, atores e lutadores de sumô, mas nenhum registro relacionado ao ukiyo-e permaneceu - ou talvez já tenha existido. Determinar o que se entende sobre a demografia do consumo de ukiyo-e exigiu meios indiretos. [226]

Determinar por quais preços as impressões vendidas é um desafio para os especialistas, pois os registros de números reais são escassos e havia grande variedade na qualidade da produção, tamanho, [227] oferta e demanda [228] e métodos, que passaram por mudanças como a introdução da impressão colorida. [229] O quanto os preços caros podem ser considerados também é difícil de determinar, uma vez que as condições sociais e econômicas mudaram ao longo do período. [230] No século 19, os registros sobrevivem de cópias vendidas de 16 meses [231] a 100 meses para edições de luxo. [232] Jun'ichi Ōkubo sugere que os preços nas décadas de 1920 e 1930 de segunda-feiraeram provavelmente comuns para impressões padrão. [233] Como uma comparação vaga, uma tigela de macarrão soba no início do século 19 normalmente era vendida por 16 meses . [234]

Ilustração de impressão colorida de uma mulher japonesa agachada.  A imagem combina duas fotos da mesma imagem.  O lado direito da foto está desbotado.
As impressões ukiyo-e são sensíveis à luz. A metade esquerda mostra esta impressão em 1989, a direita mostra a mesma impressão depois de estar em exibição até 2001.
Utagawa Yoshitaki , século 19

As tintas nas impressões ukiyo-e são suscetíveis a desbotamento quando expostas mesmo a baixos níveis de luz; isso torna a exibição de longo prazo indesejável. O papel em que são impressas se deteriora ao entrar em contato com materiais ácidos , portanto, as caixas de armazenamento, pastas e suportes devem ser de pH neutro ou alcalino . As impressões devem ser inspecionadas regularmente em busca de problemas que necessitem de tratamento e armazenadas em umidade relativa de 70% ou menos para evitar descolorações fúngicas. [235]

O papel e os pigmentos nas pinturas de ukiyo-e são sensíveis à luz e às mudanças sazonais de umidade. Os suportes devem ser flexíveis, pois as folhas podem rasgar sob mudanças bruscas de umidade. Na era Edo, as folhas eram montadas em papel de fibra longa e preservadas enroladas em caixas de madeira paulownia simples colocadas em outra caixa de madeira laqueada. [236] Em ambientes de museu, os tempos de exibição são fortemente limitados para evitar a deterioração da exposição à luz e poluição ambiental, e cuidado é tomado ao desenrolar e enrolar novamente os rolos, com rolagem causando concavidades no papel, e o desenrolamento e relançamento do pergaminhos causando vincos. [237]Os níveis de umidade em que os rolos são mantidos geralmente entre 50% e 60%, pois os rolos mantidos em uma atmosfera muito seca tornam-se frágeis. [238]

Como as impressões ukiyo-e foram produzidas em massa, colecioná-las apresenta considerações diferentes da coleta de pinturas. Existe uma grande variação na condição, raridade, custo e qualidade das impressões existentes. As impressões podem ter manchas, foxing , buracos de minhoca, rasgos, vincos ou dogmarks, as cores podem ter desbotado ou podem ter sido retocadas. Os entalhadores podem ter alterado as cores ou a composição das estampas que passaram por várias edições. Quando cortado após a impressão, o papel pode ter sido aparado dentro da margem. [239] Os valores das impressões dependem de uma variedade de fatores, incluindo a reputação do artista, condição de impressão, raridade e se é uma prensagem original - até mesmo impressões posteriores de alta qualidade terão uma fração da avaliação de um original. [240]

As impressões Ukiyo-e costumavam passar por várias edições, às vezes com alterações feitas nos blocos em edições posteriores. Também circulam edições feitas a partir de xilogravuras recortadas, como reproduções posteriores legítimas, bem como edições piratas e outras falsificações. [241] Takamizawa Enji (1870–1927), um produtor de reproduções ukiyo-e, desenvolveu um método de recorte de xilogravuras para imprimir cores frescas em originais desbotados, sobre os quais ele usou cinza de tabaco para fazer a tinta parecer envelhecida. Essas impressões atualizadas ele revendeu como impressões originais. [242] Entre os colecionadores fraudados estava o arquiteto americano Frank Lloyd Wright , que trouxe1500 impressões de Takamizawa com ele do Japão aos Estados Unidos, algumas das quais ele havia vendido antes que a verdade fosse descoberta. [243]

Os artistas Ukiyo-e são referidos no estilo japonês, o sobrenome precedendo o nome pessoal, e artistas conhecidos como Utamaro e Hokusai apenas pelo nome pessoal. [244] Os revendedores normalmente se referem às impressões ukiyo-e pelos nomes dos tamanhos padrão , mais comumente o aiban de 34,5 por 22,5 centímetros (13,6 pol. × 8,9 pol.) , O aiban de 22,5 por 19 centímetros (8,9 pol. × 7,5 em) Chuban , e a 38-a-23-centímetros (15,0 em x 9,1 em) Oban [203] -precise tamanhos variar, e muitas vezes de papel foi cortada após a impressão. [245]

Muitas das maiores coleções de alta qualidade de ukiyo-e estão fora do Japão. [246] Os exemplos entraram na coleção da Biblioteca Nacional da França na primeira metade do século XIX. O Museu Britânico começou uma coleção em 1860 [247] que no final do século 20 numerava70 000 itens. [248] O maior, superando100 000 itens, reside no Museu de Belas Artes de Boston , [246] começado quando Ernest Fenollosa doou sua coleção em 1912. [249] A primeira exposição no Japão de ukiyo-e impressões era provável apresentado por Kojiro Matsukata em 1925, que acumulou sua coleção em Paris durante a Primeira Guerra Mundial e mais tarde doou ao Museu Nacional de Arte Moderna de Tóquio . [250] A maior coleção de ukiyo-e no Japão é a100 000 peças no Museu Ukiyo-e do Japão na cidade de Matsumoto . [251]

Notas

  1. ^ A transliteração obsoleta "ukiyo-ye" aparece em textos mais antigos.
  2. ^ shikomi-e (仕 込 絵)
  3. ^ ukiyo (浮世, "mundo flutuante")
  4. ^ ukiyo (憂 き 世, "mundo da tristeza")
  5. ^ tan () : um pigmento feito de chumbo vermelho misturado com enxofre e salitre [32]
  6. ^ beni () : um pigmento produzido a partir depétalas de cártamo . [34]
  7. ^ Torii Kiyotada  [ ja ] disse ter feito o primeiro uki-e ; [36] Masanobu se anunciou como seu inovador. [37]
    A explicação de um leigo das regras de desenho com compasso e régua introduziu o desenho em perspectiva geométrica de estilo ocidental no Japão em 1734, com base em um texto holandês de 1644 (ver Rangaku , "aprendizagem holandesa" durante o período Edo); Textos chineses sobre o assunto também surgiram ao longo da década. [36]
    Okumura provavelmente aprendeu sobre a perspectiva geométrica de fontes chinesas, algumas das quais têm uma notável semelhança com as obras de Okumura. [38]
  8. ^ Até 1873, o calendário japonês era lunissolar e, a cada ano, o ano novo japonês caía em dias diferentes do calendário gregoriano de janeiro ou fevereiro.
  9. ^ Burty cunhou o termo "le Japonisme" em francês em 1872. [103]
  10. ^ jatai shisei (蛇 体 姿勢, "postura serpentina")
  11. ^ Os blocos de madeira japoneses tradicionais foram cortados ao longo do veio, ao contrário dos blocos de gravura em madeira ocidental, que foram cortados ao longo do veio. Em ambos os métodos, as dimensões da xilogravura eram limitadas pela circunferência da árvore. [180] No século 20, a madeira compensada se tornou o material de escolha para os entalhadores japoneses, pois é mais barata, mais fácil de esculpir e menos limitada em tamanho. [181]
  12. ^ Jihon Toiya (地 本 問 屋, "Picture Book and Print Publishers Guild") [189]
  13. ^ azuma-e (東 絵, "fotos da capital oriental")

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Livros

Web

Outras leituras

Veja também

Ligações externas