Teatro

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Sarah Bernhardt como Hamlet , em 1899

Teatro ou teatro [a] é uma forma colaborativa de arte performática que usa performers ao vivo, geralmente atores ou atrizes , para apresentar a experiência de um evento real ou imaginário diante de um público ao vivo em um lugar específico, geralmente um palco. Os performers podem comunicar essa experiência ao público por meio de combinações de gestos , fala, canto, música e dança . Elementos de arte, como cenários pintados e encenação , como iluminação, são usados ​​para realçar a fisicalidade, a presença e o imediatismo da experiência. [1]O local específico da apresentação também é denominado pela palavra "teatro" derivada do grego antigo θέατρον (théatron, "um lugar para ver"), ele próprio de θεάομαι (theáomai, "ver", "assistir", " Observar").

O teatro ocidental moderno vem, em grande medida, do teatro da Grécia antiga , do qual empresta terminologia técnica, classificação em gêneros e muitos de seus temas , personagens de estoque e elementos de enredo. O artista teatral Patrice Pavis define a teatralidade, a linguagem teatral , a escrita cênica e a especificidade do teatro como expressões sinônimas que diferenciam o teatro das demais artes cênicas , da literatura e das artes em geral. [2] [b]

O teatro moderno inclui apresentações de peças e teatro musical . As formas de arte do balé e da ópera também são teatro e usam muitas convenções, como atuação , figurino e encenação. Eles foram influentes para o desenvolvimento do teatro musical ; veja esses artigos para mais informações.

História do teatro

Clássica e helenística Grécia

Teatro grego em Taormina , Sicília , Itália
Uma representação de atores desempenhando os papéis de um mestre (à direita) e seu escravo (à esquerda) em uma peça de phlyax grego , por volta de 350/340 a.C.

A cidade-estado de Atenas é onde o teatro ocidental se originou. [3] [4] [5] [c] Era parte de uma cultura mais ampla de teatralidade e performance na Grécia clássica que incluía festivais , rituais religiosos , política , direito , atletismo e ginástica, música , poesia , casamentos, funerais e simpósios . [6] [5] [7] [8] [d]

A participação nos diversos festivais da cidade-estado - e a presença obrigatória no City Dionysia como membro do público (ou mesmo como participante das produções teatrais) em particular - era uma parte importante da cidadania . A participação cívica também envolvia a avaliação da retórica dos oradores evidenciada em atuações em tribunais ou assembleias políticas , ambas entendidas como análogas ao teatro e cada vez mais absorvidas por seu vocabulário dramático. [11] [12] Os gregos também desenvolveram os conceitos de crítica dramática e arquitetura teatral. [13][14] [15] Os atores eram amadores ou, na melhor das hipóteses, semiprofissionais. [16] O teatro da Grécia antiga consistia em três tipos de drama : tragédia , comédia e a peça de sátiro . [17]

As origens do teatro na Grécia antiga, de acordo com Aristóteles (384-322 aC), o primeiro teórico do teatro, podem ser encontradas nos festivais que homenagearam Dionísio. As apresentações foram feitas em auditórios semicirculares cortados em encostas, com capacidade para 10.000 a 20.000 pessoas. O palco consistia em uma pista de dança (orquestra), camarim e área de construção de cena (skene). Uma vez que as palavras eram a parte mais importante, uma boa acústica e uma entrega clara eram fundamentais. Os atores (sempre homens) usavam máscaras adequadas aos personagens que representavam, e cada um poderia desempenhar vários papéis. [18]

A tragédia ateniense - a forma mais antiga de tragédia que sobreviveu - é um tipo de dança- drama que formou uma parte importante da cultura teatral da cidade-estado. [3] [4] [5] [19] [20] [e] Tendo surgido em algum momento durante o século 6 AEC, floresceu durante o século 5 AEC (a partir do final do qual começou a se espalhar por todo o mundo grego), e continuou a ser popular até o início do período helenístico . [22] [23] [4] [f]

Nenhuma tragédia do século 6 aC e apenas 32 das mais de mil que foram performadas durante o século 5 aC sobreviveram. [25] [26] [g] Temos textos completos existentes por Ésquilo , Sófocles e Eurípides . [27] [h] As origens da tragédia permanecem obscuras, embora no século 5 aC ela tenha sido institucionalizada em competições ( agon ) realizadas como parte das festividades que celebram Dionísio (o deus do vinho e da fertilidade ). [28] [29]Como participantes do concurso City Dionysia (o mais prestigioso dos festivais de teatro dramático), os dramaturgos eram obrigados a apresentar uma tetralogia de peças (embora as obras individuais não estivessem necessariamente conectadas por história ou tema), que geralmente consistia em três tragédias e uma jogo de sátiro. [30] [31] [i] A performance das tragédias na Cidade Dionísia pode ter começado já em 534 AEC; os registros oficiais ( didaskaliai ) começam em 501 aC, quando a peça sátiro foi introduzida. [32] [30] [j]

A maioria das tragédias atenienses dramatiza eventos da mitologia grega , embora Os persas - que encenam a resposta persa às notícias de sua derrota militar na Batalha de Salamina em 480 aC - sejam a exceção notável no drama sobrevivente. [30] [k] Quando Ésquilo ganhou o primeiro prêmio por isso na Cidade Dionísia em 472 AEC, ele já escrevia tragédias há mais de 25 anos, mas seu trágico tratamento da história recente é o primeiro exemplo de drama a sobreviver. [30] [34] Mais de 130 anos depois, o filósofo Aristóteles analisou a tragédia ateniense do século V na obra mais antiga deteoria dramática - sua Poética (c. 335 aC).

A comédia ateniense é convencionalmente dividida em três períodos, "Old Comedy", "Middle Comedy" e "New Comedy". A Comédia Antiga sobrevive hoje em grande parte na forma das onze peças sobreviventes de Aristófanes , enquanto a Comédia Média está em grande parte perdida (preservada apenas em fragmentos relativamente curtos em autores como Ateneu de Naucratis ). A Nova Comédia é conhecida principalmente pelos fragmentos substanciais de papiro de Menandro . Aristóteles definiu comédia como uma representação de pessoas risíveis que envolve algum tipo de asneira ou feiura que não causa dor ou desastre. [eu]

Além das categorias de comédia e tragédia na Cidade Dionísia, o festival também contou com a Peça Sátiro . Tendo suas origens em rituais agrícolas rurais dedicados a Dionísio, a peça de sátiro acabou chegando a Atenas em sua forma mais conhecida. Os próprios sátiros estavam ligados ao deus Dioniso como seus leais companheiros da floresta, muitas vezes se envolvendo em folia bêbada e travessuras ao seu lado. A própria peça de sátiro foi classificada como tragicomédia, errando ao lado das tradições burlescas mais modernas do início do século XX. Os enredos das peças preocupavam-se tipicamente com as negociações do panteão dos deuses e seu envolvimento nos assuntos humanos, apoiados pelo coro dos sátiros . No entanto, de acordo com Webster, os atores sátiros nem sempre realizavam ações sátiras típicas e romperiam com as tradições de atuação atribuídas ao tipo de personagem de uma criatura mítica da floresta. [35]

Teatro romano

Mosaico representando atores mascarados em uma peça: duas mulheres consultam uma "bruxa"

O teatro ocidental se desenvolveu e se expandiu consideravelmente sob os romanos . O historiador romano Tito Lívio escreveu que os romanos experimentaram o teatro pela primeira vez no século 4 AEC, com uma atuação de atores etruscos . [36] Beacham argumenta que eles estavam familiarizados com as "práticas pré-teatrais" por algum tempo antes desse contato registrado. [37] O teatro da Roma antiga era uma forma de arte próspera e diversa, que ia desde apresentações em festivais de teatro de rua , dança nua e acrobacia , até a encenação das comédias de situação amplamente atraentes de Plauto , até oalto estilo , verbalmente elaborados tragédias de Sêneca . Embora Roma tivesse uma tradição nativa de atuação, a helenização da cultura romana no século III aC teve um efeito profundo e energizante no teatro romano e incentivou o desenvolvimento da literatura latina da mais alta qualidade para o palco. As únicas peças remanescentes do Império Romano são dez dramas atribuídos a Lucius Annaeus Seneca (4 AC-65 DC), o filósofo estóico nascido em Corduba e tutor de Nero. [38]

Teatro indiano

Koothu é uma antiga forma de arte performática que se originou no início do Tamilakam .

Os primeiros fragmentos sobreviventes do drama sânscrito datam do século I dC. [39] [40] A riqueza de evidências arqueológicas de períodos anteriores não oferece nenhuma indicação da existência de uma tradição de teatro. [41] Os antigos Vedas ( hinos entre 1500 e 1000 AC que estão entre os primeiros exemplos de literatura no mundo) não contêm nenhuma sugestão disso (embora um pequeno número seja composto em uma forma de diálogo ) e os rituais do Védico período não parece ter se desenvolvido em teatro. [41] O Mahābhāṣya de Patañjalicontém a referência mais antiga ao que pode ter sido as sementes do drama sânscrito. [42] Este tratado de gramática de 140 aC fornece uma data viável para o início do teatro na Índia . [42]

A principal fonte de evidência do teatro sânscrito é Um Tratado sobre o Teatro ( Nātyaśāstra ), um compêndio cuja data de composição é incerta (as estimativas variam de 200 aC a 200 dC) e cuja autoria é atribuída a Bharata Muni . O Tratado é a obra de dramaturgia mais completa do mundo antigo. Aborda atuação , dança , música , construção dramática , arquitetura , figurino , maquiagem , adereços , organização de empresas, público, concursos e oferece uma visão mitológicaconta a origem do teatro. [42] Ao fazer isso, ele fornece indicações sobre a natureza das práticas teatrais reais. O teatro sânscrito era executado em solo sagrado por padres que haviam sido treinados nas habilidades necessárias (dança, música e recitação) em um [processo hereditário]. Seu objetivo era educar e divertir.

Performer interpretando Sugriva na forma Koodiyattam de teatro sânscrito

Sob o patrocínio das cortes reais, os artistas pertenciam a companhias profissionais dirigidas por um gerente de palco ( sutradhara ), que também pode ter atuado. [39] [42] Essa tarefa foi considerada análoga à de um titereiro - o significado literal de " sutradhara " é "detentor das cordas ou fios". [42] Os artistas foram treinados rigorosamente em técnica vocal e física. [43]Não havia proibições contra artistas do sexo feminino; as empresas eram exclusivamente masculinas, femininas e mistas. Certos sentimentos foram considerados inadequados para os homens, entretanto, e foram considerados mais adequados para as mulheres. Alguns performers interpretaram personagens de sua própria idade, enquanto outros interpretaram idades diferentes da sua (sejam mais jovens ou mais velhos). De todos os elementos do teatro, o Tratado dá mais atenção à atuação ( abhinaya ), que consiste em dois estilos: realista ( lokadharmi ) e convencional ( natyadharmi ), embora o foco principal seja o último. [43] [m]

Seu drama é considerado a maior conquista da literatura sânscrita . [39] É utilizados caracteres de banco , tais como o herói ( nayaka ), heroína ( nayika ), ou palhaço ( vidusaka ). Os atores podem ter se especializado em um tipo específico. Kālidāsa, no primeiro século AEC, é indiscutivelmente considerado o maior dramaturgo sânscrito da Índia antiga . Três famosas peças românticas escritas por Kālidāsa são Mālavikāgnimitram ( Mālavikā e Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Referente a Vikrama e Urvashi ) e Abhijñānaśākuntala (O reconhecimento de Shakuntala ). O último foi inspirado em uma história do Mahabharata e é o mais famoso. Foi o primeiro a ser traduzido para o inglês e o alemão . Śakuntalā (na tradução inglesa) influenciou o Fausto de Goethe (1808-1832). [39]

O próximo grande dramaturgo indiano foi Bhavabhuti (c. Século 7 EC). Diz-se que ele escreveu as três peças seguintes: Malati-Madhava , Mahaviracharita e Uttar Ramacharita . Entre esses três, os dois últimos cobrem entre eles toda a epopéia do Ramayana . O poderoso imperador indiano Harsha (606-648) é creditado por ter escrito três peças: a comédia Ratnavali , Priyadarsika e o drama budista Nagananda .

Teatro chinês

Atuação pública no Teatro Jade Dragon Snow Mountain ao ar livre

A dinastia Tang é também conhecida como "The Age of 1000 Entertainments". Durante esta época, Ming Huang formou uma escola de atuação conhecida como The Pear Garden para produzir uma forma de drama que era principalmente musical. É por isso que os atores são comumente chamados de "Filhos do Jardim das Pêras". Durante a dinastia da Imperatriz Ling, os fantoches de sombra surgiram pela primeira vez como uma forma reconhecida de teatro na China. Havia duas formas distintas de bonecos de sombra, pequinês (norte) e cantonês (sul). Os dois estilos foram diferenciados pelo método de confecção dos bonecos e pelo posicionamento das hastes nos bonecos , em oposição ao tipo de jogo.executado pelos fantoches. Ambos os estilos geralmente representavam peças de grande aventura e fantasia, raramente esta forma estilizada de teatro era usada para propaganda política.

Os fantoches cantoneses eram os maiores dos dois. Eles foram construídos com couro grosso que criou sombras mais substanciais. A cor simbólica também era muito prevalente; um rosto negro representava honestidade, um vermelho bravura. As hastes usadas para controlar os bonecos cantoneses foram fixadas perpendicularmente às cabeças dos bonecos. Assim, eles não foram vistos pelo público quando a sombra foi criada. Os bonecos de Pequim eram mais delicados e menores. Eles foram criados de couro fino e translúcido (geralmente retirado da barriga de um burro). Eles foram pintados com tintas vibrantes, portanto, projetam uma sombra muito colorida. As hastes finas que controlavam seus movimentos eram presas a uma coleira de couro no pescoço do boneco. As hastes corriam paralelas aos corpos da marionete e então giravam em um ângulo de noventa graus para se conectar ao pescoço.Embora essas hastes fossem visíveis quando a sombra foi projetada, elas foram colocadas fora da sombra do fantoche; assim, eles não interferiram na aparência da figura. As hastes fixadas nos pescoços facilitam o uso de várias cabeças com um corpo. Quando as cabeças não estavam sendo usadas, elas eram armazenadas em um livro de musselina ou caixa forrada de tecido. As cabeças eram sempre removidas à noite. Isso estava de acordo com a velha superstição de que, se deixados intactos, os bonecos ganhariam vida à noite. Alguns titereiros chegaram ao ponto de guardar as cabeças em um livro e os corpos em outro, para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar os bonecos. Diz-se que o teatro de fantoches de sombra atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século XI antes de se tornar uma ferramenta do governo.assim, eles não interferiram na aparência da figura. As hastes fixadas nos pescoços facilitam o uso de várias cabeças com um corpo. Quando as cabeças não estavam sendo usadas, elas eram armazenadas em um livro de musselina ou caixa forrada de tecido. As cabeças eram sempre removidas à noite. Isso estava de acordo com a velha superstição de que, se deixados intactos, os bonecos ganhariam vida à noite. Alguns titereiros chegaram ao ponto de guardar as cabeças em um livro e os corpos em outro, para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar os bonecos. Diz-se que o teatro de fantoches de sombra atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século XI antes de se tornar uma ferramenta do governo.assim, eles não interferiram na aparência da figura. As hastes fixadas nos pescoços facilitam o uso de várias cabeças com um corpo. Quando as cabeças não estavam sendo usadas, elas eram armazenadas em um livro de musselina ou caixa forrada de tecido. As cabeças eram sempre removidas à noite. Isso estava de acordo com a velha superstição de que, se deixados intactos, os bonecos ganhariam vida à noite. Alguns titereiros chegaram ao ponto de guardar as cabeças em um livro e os corpos em outro, para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar os bonecos. Diz-se que o teatro de fantoches de sombra atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século XI antes de se tornar uma ferramenta do governo.Quando as cabeças não estavam sendo usadas, elas eram armazenadas em um livro de musselina ou caixa forrada de tecido. As cabeças eram sempre removidas à noite. Isso estava de acordo com a velha superstição de que, se deixados intactos, os bonecos ganhariam vida à noite. Alguns titereiros chegaram ao ponto de guardar as cabeças em um livro e os corpos em outro, para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar os bonecos. Diz-se que o teatro de fantoches de sombra atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século XI antes de se tornar uma ferramenta do governo.Quando as cabeças não estavam sendo usadas, elas eram armazenadas em um livro de musselina ou caixa forrada de tecido. As cabeças eram sempre removidas à noite. Isso estava de acordo com a velha superstição de que, se deixados intactos, os bonecos ganhariam vida à noite. Alguns titereiros chegaram ao ponto de guardar as cabeças em um livro e os corpos em outro, para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar os bonecos. Diz-se que o teatro de fantoches de sombra atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século XI antes de se tornar uma ferramenta do governo.para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar bonecos. Diz-se que o teatro de fantoches de sombra atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século XI antes de se tornar uma ferramenta do governo.para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar bonecos. Diz-se que o teatro de fantoches de sombra atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século XI antes de se tornar uma ferramenta do governo.

Na dinastia Song , havia muitas peças populares envolvendo acrobacias e música. Eles se desenvolveram na dinastia Yuan em uma forma mais sofisticada conhecida como zaju , com uma estrutura de quatro ou cinco atos. O drama Yuan se espalhou pela China e se diversificou em várias formas regionais, uma das mais conhecidas é a Ópera de Pequim, que ainda é popular hoje.

Xiangsheng é uma certa performance cômica tradicional chinesa na forma de monólogo ou diálogo.

Teatro indonésio

Rama e Shinta em apresentação de Wayang Wong perto do complexo de templos de Prambanan

Na Indonésia , as apresentações teatrais se tornaram uma parte importante da cultura local, as apresentações teatrais na Indonésia têm sido desenvolvidas há milhares de anos. A maioria das formas de teatro mais antigas da Indonésia estão diretamente ligadas às tradições literárias locais (orais e escritas). Os proeminentes teatros de marionetes - wayang golek (peça de marionete de madeira) do sudanês e wayang kulit (peça de marionete de sombra de couro) de javanês e balinesa - extraem muito de seu repertório de versões indigenizadas do Ramayana e Mahabharata. Esses contos também fornecem material de base para o wayang wong (teatro humano) de Java e Bali , que usa atores. Algumas apresentações de wayang golek, no entanto, também apresentam histórias muçulmanas, chamadas menak . [44] [45] Wayang é uma forma antiga de contar histórias que é conhecida por seus estilos musicais elaborados de fantoches / humanos e complexos. [46] A evidência mais antiga é do final do primeiro milênio EC, em textos da era medieval e sítios arqueológicos. [47] O registro mais antigo conhecido que diz respeito a wayang é do século IX. Por volta de 840 dC, uma antiga inscrição javanesa (Kawi) chamada Inscrições Jaha, emitida pelo Maharaja Sri Lokapalaform Medang Kingdom emJava central menciona três tipos de executores: atapukan, aringgit e abanol. Aringgit significa show de marionetes Wayang, Atapukan significa show de dança com máscaras e abanwal significa arte da piada. Ringgit é descrito em um poema javanês do século 11 como uma figura de sombra de couro.

Teatro pós-clássico no Ocidente

O teatro assumiu muitas formas alternativas no Ocidente entre os séculos 15 e 19, incluindo a commedia dell'arte e o melodrama . A tendência geral foi se afastar do drama poético dos gregos e da Renascença e rumo a um estilo de prosa mais naturalista de diálogo, especialmente após a Revolução Industrial . [48]

Theatre Royal, Drury Lane no West End . Inaugurado em maio de 1663, é o teatro mais antigo de Londres. [49]

O teatro fez uma grande pausa durante 1642 e 1660 na Inglaterra por causa do Interregno puritano . Vendo o teatro como algo pecaminoso, os puritanos ordenaram o fechamento dos teatros de Londres em 1642 . [50] Este período de estagnação terminou quando Carlos II voltou ao trono em 1660 na Restauração . O teatro (entre outras artes) explodiu, com influência da cultura francesa, já que Carlos havia sido exilado na França nos anos anteriores ao seu reinado.

Em 1660, duas companhias foram licenciadas para atuar, a Duke's Company e a King's Company . As apresentações foram realizadas em edifícios convertidos, como a quadra de tênis de Lisle . O primeiro teatro do West End , conhecido como Theatre Royal em Covent Garden , Londres, foi projetado por Thomas Killigrew e construído no local do atual Theatre Royal, Drury Lane . [49]

Uma das grandes mudanças foi a nova casa de teatro. Em vez do tipo da era elisabetana, como o Globe Theatre , redondo sem lugar para os atores se prepararem realmente para o próximo ato e sem "modos teatrais", a casa de teatro transformou-se em um local de requinte, com um palco em frente e assentos de estádio voltados para ele. Já que os assentos não estavam mais em toda a volta do palco, ele passou a ser priorizado - alguns assentos eram obviamente melhores do que outros. O rei teria o melhor assento da casa: bem no meio do teatro, que tinha a visão mais ampla do palco, bem como a melhor maneira de ver o ponto de vista e o ponto de fuga em torno do qual o palco foi construído. Philippe Jacques de Loutherbourg foi um dos cenógrafos mais influentes da época por causa do uso do espaço físico e do cenário.

Por causa da turbulência anterior, ainda havia alguma controvérsia sobre o que deveria ou não ser colocado no palco. Jeremy Collier , um pregador, foi um dos protagonistas desse movimento por meio de sua peça Uma Visão Curta da Imoralidade e Profanação do Palco Inglês . As crenças neste artigo eram sustentadas principalmente por não frequentadores do teatro e o restante dos puritanos e muito religiosos da época. A principal questão era se ver algo imoral no palco afeta o comportamento na vida de quem o assiste, uma polêmica que ainda está acontecendo hoje. [51]

Faturamento de um teatro britânico em 1829

O século XVII também introduziu as mulheres no palco, o que antes era considerado impróprio. Essas mulheres eram consideradas celebridades (também um conceito mais recente, graças às ideias sobre individualismo que surgiram na esteira do Humanismo da Renascença ), mas por outro lado, ainda era muito novo e revolucionário que estivessem no palco, e alguns disseram eles não eram femininos e os desprezavam. Carlos II não gostava que os rapazes desempenhassem os papéis de mulheres jovens, por isso pediu que as mulheres representassem seus próprios papéis. [52] Como as mulheres podiam entrar no palco, os dramaturgos tinham mais margem de manobra com reviravoltas na trama, como mulheres se vestindo como homens e escapando por pouco de situações moralmente difíceis como formas de comédia.

As comédias eram repletas de jovens e muito em voga, com o enredo seguindo suas vidas amorosas: geralmente um jovem herói malandro professando seu amor pela heroína casta e de mente livre perto do final da peça, bem como The School for Scandal de Sheridan . Muitas das comédias foram feitas de acordo com a tradição francesa, principalmente Molière, voltando novamente à influência francesa trazida pelo rei e pela realeza após seu exílio. Molière foi um dos maiores dramaturgos cômicos da época, revolucionando a maneira como a comédia era escrita e interpretada combinando a commedia dell'arte italiana e a comédia francesa neoclássica para criar algumas das comédias satíricas mais duradouras e influentes. [53]As tragédias foram igualmente vitoriosas em seu sentido de endireitar o poder político, especialmente comovente por causa da recente Restauração da Coroa. [54] Eles também eram imitações da tragédia francesa, embora os franceses tivessem uma distinção maior entre comédia e tragédia, enquanto os ingleses falseavam as falas ocasionalmente e colocavam algumas partes cômicas em suas tragédias. Formas comuns de peças não cômicas eram comédias sentimentais, bem como algo que mais tarde seria chamado de tragédie bourgeoise , ou tragédia doméstica - isto é, a tragédia da vida comum - eram mais populares na Inglaterra porque apelavam mais às sensibilidades inglesas. [55]

Enquanto as trupes de teatro viajavam com frequência, a ideia do teatro nacional ganhou apoio no século 18, inspirada em Ludvig Holberg . O grande promotor da ideia do teatro nacional na Alemanha, e também dos poetas Sturm und Drang , foi Abel Seyler , dono da Hamburgische Entreprise e da Seyler Theatre Company . [56]

A "Casinha" do Teatro Vanemuine de 1918 em Tartu , Estônia . [57]

Ao longo do século XIX , as formas teatrais populares do Romantismo , do melodrama , do burlesco vitoriano e as peças bem feitas de Scribe e Sardou deram lugar às peças problemáticas do Naturalismo e do Realismo ; as farsas de Feydeau ; A ópera Gesamtkunstwerk de Wagner ; teatro musical (incluindo óperas de Gilbert e Sullivan ); FC Burnand 's, WS Gilbert 's eAs comédias de sala de estar de Oscar Wilde ; Simbolismo ; proto- expressionismo nas últimas obras de August Strindberg e Henrik Ibsen ; [58] e a comédia musical eduardiana .

Essas tendências continuaram ao longo do século 20 no realismo de Stanislavski e Lee Strasberg , o teatro político de Erwin Piscator e Bertolt Brecht , o chamado Teatro do Absurdo de Samuel Beckett e Eugène Ionesco , musicais americanos e britânicos, as criações coletivas de companhias de atores e diretores, como Joan Littlewood 's Theatre Workshop , teatro experimental e pós - moderno de Robert Wilson e Robert Lepage , o teatro pós- colonialteatro de August Wilson ou Tomson Highway , e Augusto Boal de Teatro do Oprimido .

Tradições teatrais do Oriente

Rakshasa ou o demônio representado em Yakshagana , uma forma de dança musical- drama da Índia

A primeira forma de teatro indiano foi o teatro sânscrito . [59] Tudo começou após o desenvolvimento do teatro grego e romano e antes do desenvolvimento do teatro em outras partes da Ásia. [59] Surgiu em algum momento entre o século 2 aC e o século 1 dC e floresceu entre o século 1 dC e o século 10, que foi um período de relativa paz na história da Índia, durante o qual centenas de peças foram escritas. [60] [41] As formas japonesas de Kabuki , e Kyōgen se desenvolveram no século 17 EC. [61] Teatro noO mundo islâmico medieval incluía teatro de fantoches (que incluía fantoches de mão, peças de sombras e produções de marionetes ) e peças de paixão ao vivo conhecidas como ta'ziya , onde atores reencenam episódios da história muçulmana . Em particular, as peças islâmicas xiitas giravam em torno do shaheed (martírio) dos filhos de Ali , Hasan ibn Ali e Husayn ibn Ali . As peças seculares eram conhecidas como akhraja , gravadas na literatura adab medieval , embora fossem menos comuns do que as marionetes e o teatro ta'ziya . [62]


Tipos

Drama

O drama é o modo específico de ficção representado na performance . [63] O termo vem de uma palavra grega que significa " ação ", que é derivada do verbo δράω, dráō , "fazer" ou "agir". A encenação do drama no teatro, realizada por atores em um palco diante de uma platéia , pressupõe modos de produção colaborativos e uma forma coletiva de recepção. A estrutura dos textos dramáticos , ao contrário de outras formas de literatura, é diretamente influenciado por essa produção colaborativa e recepção coletiva. [64] A tragédia moderna Hamlet (1601) de Shakespeare e a clássica tragédia ateniense Édipo Rex (c. 429 aC) de Sófocles estão entre as obras-primas da arte dramática. [65] Um exemplo moderno é Long Day's Journey into Night, de Eugene O'Neill (1956). [66]

Considerado como um gênero de poesia em geral, o modo dramático foi contrastada com a épica e lírica modos Desde Aristóteles 's Poetics (c 335 aC.); o primeiro trabalho de teoria dramática . [n] O uso de "drama" no sentido estrito para designar um tipo específico de peça data do século XIX . Drama, neste sentido, refere-se a uma peça que não é nem comédia nem tragédia - por exemplo, Thérèse Raquin de Zola (1873) ou Ivanov de Chekhov. (1887). Na Grécia Antiga, entretanto, a palavra drama abrangia todas as peças teatrais, trágicas, cômicas ou qualquer coisa intermediária.

O drama é freqüentemente combinado com música e dança : o drama na ópera é geralmente cantado; musicais geralmente incluem diálogos falados e canções ; e algumas formas de drama têm música incidental ou acompanhamento musical enfatizando o diálogo ( melodrama e japonês , por exemplo). [o] Em certos períodos da história (o romano antigo e o romântico moderno ), alguns dramas foram escritos para serem lidos em vez de representados. [p] Na improvisação, o drama não existe antes do momento da performance; os intérpretes criam um roteiro dramático espontaneamente diante do público. [q]

Teatro musical

Música e teatro têm uma relação estreita desde os tempos antigos - a tragédia ateniense , por exemplo, era uma forma de dança - drama que empregava um coro cujas partes eram cantadas (com o acompanhamento de um aulos - um instrumento comparável ao clarinete moderno ), assim como algumas das respostas dos atores e suas 'canções solo' ( monodias ). [67] O teatro musical moderno é uma forma de teatro que também combina música, diálogo falado e dança. Surgiu da ópera cômica (especialmente Gilbert e Sullivan ), variedade ,vaudeville e gêneros de music hall do final do século 19 e início do século 20 . [68] Após a comédia musical eduardiana que começou na década de 1890, os musicais do Princess Theatre no início do século 20 e as comédias nas décadas de 1920 e 1930 (como as obras de Rodgers e Hammerstein ), com Oklahoma! (1943), os musicais seguiram uma direção mais dramática. [r] Musicais famosos nas décadas subsequentes incluíram My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967),A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) e The Phantom of the Opera (1986), [69] bem como sucessos mais contemporâneos, incluindo Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) e Frozen (2018).

O teatro musical pode ser produzido em uma escala íntima fora da Broadway , em teatros regionais e em outros lugares, mas geralmente inclui espetáculo. Por exemplo, os musicais da Broadway e do West End costumam incluir fantasias e cenários luxuosos sustentados por orçamentos multimilionários.

Máscaras teatrais de tragédia e comédia. Mosaico, arte romana , século II dC. Museus Capitolinos , Roma

Comédia

As produções teatrais que usam o humor como veículo para contar uma história podem ser consideradas comédias. Isso pode incluir uma farsa moderna como a Boeing Boeing ou uma peça clássica como As You Like It . O teatro que expressa um assunto sombrio, controverso ou tabu de uma forma deliberadamente humorística é conhecido como comédia negra . A Comédia Negra pode ter vários gêneros como humor pastelão, comédia sombria e sarcástica.

Tragédia

A tragédia, então, é a imitação de uma ação séria, completa e de certa magnitude: na linguagem embelezada com cada tipo de ornamento artístico, os vários tipos sendo encontrados em partes separadas da peça; na forma de ação, não de narrativa; através da piedade e do medo efetuando a purificação adequada dessas emoções.

A frase de Aristóteles "vários tipos sendo encontrados em partes separadas da peça" é uma referência às origens estruturais do drama. Nele, as partes faladas foram escritas no dialeto ático, enquanto as corais (recitadas ou cantadas) no dialeto dórico , essas discrepâncias refletindo as diferentes origens religiosas e medidores poéticos das partes que foram fundidas em uma nova entidade, o drama teatral .

A tragédia se refere a uma tradição específica de drama que desempenhou um papel único e importante historicamente na autodefinição da civilização ocidental . [71] [72] Essa tradição tem sido múltipla e descontínua, mas o termo tem sido freqüentemente usado para invocar um poderoso efeito de identidade cultural e continuidade histórica - "os gregos e os elisabetanos , em uma forma cultural; helenos e cristãos , em uma atividade comum ", como diz Raymond Williams . [73] De suas origens obscuras nos teatros de Atenas2.500 anos atrás, dos quais sobreviveu apenas uma fração da obra de Ésquilo , Sófocles e Eurípides , por meio de suas articulações singulares nas obras de Shakespeare , Lope de Vega , Racine e Schiller , até a mais recente tragédia naturalística de Strindberg , Beckett meditações modernistas sobre morte, perda e sofrimento, e retrabalhos pós-modernistas de Müller do cânone trágico, a tragédia permaneceu um importante local de experimentação cultural, negociação, luta e mudança. [74] [75]Na esteira da Poética de Aristóteles (335 aC), a tragédia foi usada para fazer distinções de gênero , seja na escala da poesia em geral (onde o trágico se divide em épico e lírico ) ou na escala do drama (onde a tragédia se opõe à comédia ). Na era moderna , a tragédia também foi definida contra o drama, o melodrama , a tragicômica e o teatro épico . [s]

Improvisação

A improvisação tem sido uma característica consistente do teatro, com a Commedia dell'arte no século XVI sendo reconhecida como a primeira forma de improvisação. Popularizado pelo ganhador do Prêmio Nobel Dario Fo e grupos como o teatro improvisado Upright Citizens Brigade continua a evoluir com muitas correntes e filosofias diferentes. Keith Johnstone e Viola Spolinsão reconhecidos como os primeiros professores de improvisação nos tempos modernos, com Johnstone explorando a improvisação como uma alternativa ao teatro com roteiro e Spolin e seus sucessores explorando a improvisação principalmente como uma ferramenta para desenvolver trabalho ou habilidades dramáticas ou como uma forma de comédia de situação. Spolin também se interessou em como o processo de aprendizagem da improvisação era aplicável ao desenvolvimento do potencial humano. [76] O filho de Spolin, Paul Sills popularizou o teatro improvisado como uma forma de arte teatral quando fundou, como seu primeiro diretor, The Second City em Chicago.

Teorias

Festa da vila com apresentação de teatro por volta de 1600

Tendo sido uma parte importante da cultura humana por mais de 2.500 anos, o teatro desenvolveu uma ampla gama de diferentes teorias e práticas. Alguns estão relacionados a ideologias políticas ou espirituais, enquanto outros são baseados puramente em preocupações "artísticas". Alguns processos se concentram em uma história, alguns no teatro como evento e alguns no teatro como catalisador para a mudança social. O filósofo grego clássico Aristóteles , em seu tratado seminal, Poética (c. 335 aC) é o exemplo mais antigo que sobreviveu e seus argumentos influenciaram as teorias do teatro desde então. [13] [14] Nele, ele oferece um relato do que chama de "poesia" (um termo que em grego significa literalmente "fazer" e, neste contexto, inclui drama- comédia , tragédia e a peça de sátiro - bem como poesia lírica , poesia épica e o ditirambo ). Ele examina seus "primeiros princípios" e identifica seus gêneros e elementos básicos; sua análise da tragédia constitui o cerne da discussão. [77]

Aristóteles argumenta que a tragédia consiste em seis partes qualitativas, que são (em ordem de importância) mythos ou "enredo", ethos ou "personagem", dianoia ou "pensamento", lexis ou "dicção", melos ou "canção" e opsis ou "espetáculo". [78] [79] "Embora a Poética de Aristóteles seja universalmente reconhecida na tradição crítica ocidental ", explica Marvin Carlson , "quase todos os detalhes sobre sua obra seminal suscitaram opiniões divergentes."[80] Praticantes de teatro importantes do século 20 incluemKonstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith Johnstone e Robert Wilson (diretor) .

Stanislavski tratou o teatro como uma forma de arte que é autônoma da literatura e aquele em que o dramaturgo a contribuição deve ser respeitada como a de apenas uma de um conjunto de artistas criativos. [81] [82] [83] [84] [t] Sua contribuição inovadora para a moderna teoria da atuação permaneceu no centro do treinamento de desempenho ocidental convencional por grande parte do século passado. [85] [86] [87] [88] [89] O fato de muitos dos preceitos de seu sistema de treinamento de atores parecerem senso comum e autoevidente atesta seu sucesso hegemônico.[90] Os atores freqüentemente empregam seus conceitos básicos sem saber que o fazem. [90] Graças à sua promoção e elaboração por professores atuantes que eram ex-alunos e às muitas traduções de seus escritos teóricos, o "sistema" de Stanislavski adquiriu uma capacidade sem precedentes de cruzar fronteiras culturais e desenvolveu um alcance internacional, dominando debates sobre atuação na Europa e os Estados Unidos. [85] [91] [92] [93] Muitos atores rotineiramente igualam seu 'sistema' ao Método Norte-Americano, embora as técnicas exclusivamente psicológicas deste último contrastem fortemente com as múltiplas variantes, holísticas e psicofísicas de Stanislavskiabordagem, que explora o personagem e a ação de 'dentro para fora' e 'de fora para dentro' e trata a mente e o corpo do ator como partes de um continuum. [94] [95]

Aspectos técnicos

Edifício de palco de teatro nos bastidores da Ópera Estatal de Viena

O teatro pressupõe modos de produção colaborativos e uma forma coletiva de recepção. A estrutura dos textos dramáticos , ao contrário de outras formas de literatura , é diretamente influenciada por essa produção colaborativa e recepção coletiva. [64] A produção de peças geralmente envolve contribuições de um dramaturgo , diretor , um elenco de atores e uma equipe de produção técnica que inclui um cenógrafo ou cenógrafo , designer de iluminação , figurinista , designer de som, Gerente de palco , gerente de produção e diretor técnico. Dependendo da produção, esta equipe também pode incluir um compositor , dramaturgo , video designer ou diretor de luta .

O auditório rotativo do Pyynikki Summer Theatre ao ar livre em Tampere , Finlândia

Stagecraft é um termo genérico que se refere aos aspectos técnicos da produção teatral, cinematográfica e de vídeo. Inclui, mas não está limitado a, construção e montagem de cenários, suspensão e foco de iluminação, design e aquisição de fantasias, maquiagem, aquisição de adereços, gerenciamento de palco e gravação e mixagem de som. A encenação é diferente do termo genérico mais amplo de cenografia. Considerado um campo mais técnico do que artístico, ele se relaciona principalmente com a implementação prática da visão artística de um designer.

Em sua forma mais básica, a encenação é administrada por uma única pessoa (geralmente o gerente de palco de uma produção menor), que organiza todos os cenários, figurinos, iluminação e som e organiza o elenco. Em um nível mais profissional, por exemplo, nas casas modernas da Broadway, a encenação é administrada por centenas de carpinteiros, pintores, eletricistas, ajudantes de palco, costureiros, fabricantes de perucas e outros semelhantes. Esta forma moderna de encenação é altamente técnica e especializada: compreende muitas subdisciplinas e um vasto tesouro de história e tradição. A maior parte da encenação encontra-se entre esses dois extremos. Teatros regionais e teatros comunitários maiores geralmente terão um diretor técnico e um complemento de designers, cada um dos quais tendo participação direta em seus respectivos designs.

Sub-categorias e organização

Existem muitos movimentos teatrais modernos que produzem teatro de várias maneiras. Os empreendimentos teatrais variam enormemente em sofisticação e propósito. As pessoas envolvidas variam de novatos e amadores (no teatro comunitário) a profissionais (na Broadway e produções semelhantes). O teatro pode ser realizado com um orçamento apertado ou em grande escala com orçamentos multimilionários. Essa diversidade se manifesta na abundância de subcategorias de teatro, que incluem:

Empresas de repertório

Theatre Royal, Drury Lane , Londres, c. 1821

Enquanto a maioria das companhias de teatro modernas ensaia uma peça de teatro de cada vez, execute essa peça para uma "corrida" definida, retire a peça e comece a ensaiar um novo espetáculo, as companhias de repertório ensaiam vários espetáculos ao mesmo tempo. Essas empresas são capazes de executar essas várias peças mediante solicitação e muitas vezes realizam obras durante anos antes de aposentá-las. A maioria das companhias de dança opera com esse sistema de repertório. O Royal National Theatre de Londres se apresenta em um sistema de repertório.

O teatro de repertório geralmente envolve um grupo de atores com talentos semelhantes e depende mais da reputação do grupo do que de um ator estrela individual. Tipicamente, também depende menos do controle estrito de um diretor e menos da adesão às convenções teatrais, uma vez que atores que trabalharam juntos em múltiplas produções podem responder uns aos outros sem depender tanto de convenções ou direção externa. [96]

Produzindo vs apresentando

Interior do Teatro Colón , um teatro moderno

Para montar uma peça de teatro, uma companhia de teatro e um local de teatrosão precisos. Quando uma companhia de teatro é a única companhia residente em um local de teatro, este teatro (e sua companhia de teatro correspondente) são chamados de teatro residente ou teatro de produção, porque o local produz seu próprio trabalho. Outras companhias de teatro, bem como companhias de dança, que não possuem espaço próprio de teatro, atuam em salas de aluguel ou em salas de apresentação. Tanto os cinemas de aluguel quanto os de apresentação não têm empresas residentes em tempo integral. No entanto, por vezes têm uma ou mais empresas residentes a tempo parcial, para além de outras empresas parceiras independentes que providenciam a utilização do espaço quando disponível. Um teatro de aluguel permite que as companhias independentes busquem o espaço, enquanto um teatro de apresentação busca as companhias independentes que apóiem ​​seus trabalhos apresentando-os em seu palco.

Alguns grupos performáticos atuam em espaços não teatrais. Essas apresentações podem ocorrer fora ou dentro, em um espaço de performance não tradicional e incluem teatro de rua e teatro específico do local . Locais não tradicionais podem ser usados ​​para criar ambientes mais envolventes ou significativos para o público. Às vezes, eles podem ser modificados mais fortemente do que os locais de teatro tradicionais ou podem acomodar diferentes tipos de equipamentos, iluminação e cenários. [97]

Uma companhia de turismo é uma companhia de teatro ou dança independente que viaja, muitas vezes internacionalmente, sendo apresentada em um teatro diferente em cada cidade.

Sindicatos

Existem muitos sindicatos de teatro, incluindo: Actors 'Equity Association (para atores e gerentes de palco), a Sociedade de Diretores de Palco e Coreógrafos (SDC) e a Aliança Internacional de Funcionários de Palco Teatral (IATSE, para designers e técnicos). Muitos teatros exigem que seus funcionários sejam membros dessas organizações.

Veja também

Notas explicativas

  1. ^ Originalmente escrito teatro e teatre . Por volta de 1550 a 1700 ou mais tarde, a grafia mais comum era teatro . Entre 1720 e 1750, o teatro foi abandonado no inglês britânico , mas foi retido ou revivido no inglês americano ( Oxford English Dictionary , 2ª edição, 2009, CD-ROM: ISBN  978-0-19-956383-8 ). Dicionários recentes do inglês americano listam o teatro como uma variante menos comum, por exemplo, Random House Webster's College Dictionary (1991); The American Heritage Dictionary of English Language , 4ª edição (2006);New Oxford American Dictionary , terceira edição (2010); Merriam-Webster Dictionary (2011) .
  2. ^ Baseando-se na " semiótica " de Charles Sanders Peirce , Pavis prossegue sugerindo que "a especificidade dos signos teatrais pode estar em sua capacidade de usar as três funções possíveis dos signos : como ícone ( mimeticamente ), como índice (na situação da enunciação ), ou como símbolo (como um sistema semiológico no modo ficcional). Com efeito, o teatro torna as fontes das palavras visuais e concretas: indica eencarna um mundo ficcional por meio de signos, de tal forma que ao final do processo de significação e simbolização o espectador reconstrói um modelo teórico e estético que dá conta do universo dramático. ” [2]
  3. ^ Brown escreve que o drama grego antigo "foi essencialmente a criação da Atenas clássica : todos os dramaturgos que mais tarde foram considerados clássicos estavam ativos em Atenas nos séculos V e IV aC (a época da democracia ateniense ), e todas as peças remanescentes data deste período ". [3] "Pode-se dizer que acultura dominante de Atenas no século V ", escreve Goldhill, "inventou o teatro". [5]
  4. ^ Goldhill argumenta que, embora as atividades que formam "uma parte integrante do exercício da cidadania" (como quando "o cidadão ateniense fala na Assembleia, faz exercícios no ginásio, canta no simpósio ou corteja um menino"), cada uma tem sua "próprio regime de exibição e regulação", no entanto, o termo "desempenho" fornece "uma categoria heurística útil para explorar as conexões e sobreposições entre essas diferentes áreas de atividade". [9]
  5. ^ Taxidou observa que "a maioria dos estudiosos agora chama a tragédia 'grega' de tragédia 'ateniense', o que é historicamente correto". [21]
  6. ^ Cartledge escreve que, embora os atenienses do século 4 considerassem Ésquilo , Sófocles e Eurípides "como os não-iguais do gênero , e honrassem regularmente suas peças com revivescências, a tragédia em si não era apenas um fenômeno do século 5, o produto de um curto viveu a idade de ouro . Se não alcançaram a qualidade e a estatura dos 'clássicos' do século V, as tragédias originais continuaram a ser escritas, produzidas e competidas em grande número ao longo da vida restante da democracia - e além dela ". [24]
  7. ^ Temos sete por Ésquilo, sete por Sófocles e dezoito por Eurípides. Além disso, temos também o Ciclope , uma peça sátira de Eurípides. Alguns críticos desde o século 17 têm argumentado que uma das tragédias que a tradição clássica apresenta como Eurípides- Rhesus - é uma peça do século 4 de um autor desconhecido; os estudos modernos concordam com as autoridades clássicas e atribuem a peça a Eurípides; ver Walton (1997, viii, xix). (Essa incerteza explica o número de 31 tragédias de Brockett e Hildy.)
  8. ^ A teoria de que Prometheus Bound não foi escrito por Éschylus adiciona um quarto dramaturgo anônimo àqueles cuja obra sobreviveu.
  9. ^ As exceções a esse padrão foram feitas, como com Eurípides ' Alcestis em 438 aC. Também houve competições separadas na City Dionysia para a apresentação de ditirambos e, depois de 488-7 aC, comédias .
  10. ^ Rush Rehm oferece o seguinte argumento como evidência de que a tragédia não foi institucionalizada até 501 AC: "O culto específico homenageado na Cidade Dionísia era o de Dionísio Eleuthereus, o deus 'relacionado com Eleutherae ', uma cidade na fronteira entre a Beócia e a Ática que tinha um santuário para Dionísio. Em algum momento, Atenas anexou Eleutherae, provavelmente após a queda da tirania de Peisistratida em 510 e as reformas democráticas de Clístenesem 508–07 AEC — e a imagem de culto de Dionísio Eleuthereus foi transferida para sua nova casa. Os atenienses reencenaram a incorporação do culto ao deus todos os anos em um rito preliminar à Dionísia da Cidade. No dia anterior ao festival propriamente dito, a estátua de culto foi removida do templo perto do teatro de Dionísio e levada a um templo na estrada para Eleutherae. Naquela noite, depois de sacrifícios e hinos, uma procissão de tochas carregou a estátua de volta ao templo, uma recriação simbólica da chegada do deus a Atenas, bem como um lembrete da inclusão da cidade da Boeotia na Ática. Como o nome Eleutherae é extremamente próximo a eleutheria, 'liberdade', os atenienses provavelmente sentiram que o novo culto era particularmente apropriado para celebrar sua própria libertação política e reformas democráticas. " [33]
  11. ^ Jean-Pierre Vernant argumenta que em Os Persas Ésquilo substitui a distância temporal usual entre o público e a era dos heróis por uma distância espacial entre o público ocidental e a cultura persa oriental. Essa substituição, sugere ele, produz um efeito semelhante: "Os acontecimentos 'históricos' evocados pelo coro, recontados pelo mensageiro e interpretados pelo fantasma de Dario são apresentados no palco em uma atmosfera lendária. A luz que a tragédia lança sobre eles é não aquele em que normalmente se vêem os acontecimentos políticos da época; chega ao teatro ateniense refratado de um mundo distante de outro lugar, fazendo com que o que está ausente pareça presente e visível no palco ”; Vernant e Vidal-Naquet (1988, 245).
  12. ^ Aristóteles, Poética , verso 1449a : “A comédia, como já dissemos, é uma representação de gente inferior, não no sentido pleno da palavra mau, mas o risível é uma espécie do vil ou do feio. asneira ou feiura que não causa dor ou desastre, um exemplo óbvio sendo a máscara cômica que é feia e distorcida, mas não dolorosa '. "
  13. ^ O significado literal de abhinaya é "levar para a frente".
  14. ^ Francis Fergusson escreve que "um drama, distinto de uma lírica , não é principalmente uma composição no meio verbal; as palavras resultam, como se poderia dizer, da estrutura subjacente do incidente e do personagem . Como Aristóteles observa," o poeta, ou "fazedor", deveria ser o criador de enredos e não de versos; visto que é poeta porque imita , e o que ele imita são ações "(1949, 8).
  15. ^ Veja as entradas para "ópera", "teatro musical, americano", "melodrama" e "Nō" em Banham 1998
  16. ^ Embora haja alguma controvérsia entre os historiadores do teatro, é provável que as peças do Sêneca romanonão tivessem a intenção de ser encenadas. Manfred by Byron é um bom exemplo de um " poema dramático ". Veja as entradas em "Seneca" e "Byron (George George)" em Banham 1998 .
  17. ^ Algumas formas de improvisação, notadamente a Commedia dell'arte , improvisam com base em ' lazzi ' ou esboços grosseiros de ação cênica (ver Gordon 1983 e Duchartre 1966 ). Todas as formas de improvisação partem de suas respostas imediatas umas às outras, das situações de seus personagens (que às vezes são estabelecidas com antecedência) e, muitas vezes, de sua interação com o público. As formulações clássicas de improvisação no teatro se originaram com Joan Littlewood e Keith Johnstone no Reino Unido e Viola Spolin nos Estados Unidos; ver Johnstone 2007 e Spolin 1999 .
  18. ^ A primeira " comédia musical eduardiana " costuma ser considerada In Town (1892), embora tenha sido produzida oito anos antes do início da era eduardiana ; veja, por exemplo, Fraser Charlton, "O que são EdMusComs?" (FrasrWeb 2007, acessado em 12 de maio de 2011).
  19. ^ Veja Carlson 1993 , Pfister 2000 , Elam 1980 e Taxidou 2004 . O drama , no sentido estrito, atravessa a divisão tradicional entre comédia e tragédia em uma desterritorialização anti ou a- genérica de meados do século XIX em diante. Tanto Bertolt Brecht quanto Augusto Boal definem seusprojetos de teatro épico ( drama não aristotélico e Teatro do oprimido, respectivamente) contra modelos de tragédia. Taxidou, no entanto, lê o teatro épico como uma incorporação de funções trágicas e seus tratamentos de luto e especulação. [75]
  20. ^ Em 1902, Stanislavski escreveu que "o autor escreve no papel. O ator escreve com seu corpo no palco" e que "a partitura de uma ópera não é a ópera em si e o roteiro de uma peça não é drama até que ambas sejam feitas carne e sangue no palco "; citado por Benedetti (1999a, 124).

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Fontes gerais

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