Escultura

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The Dying Gaul , ou The Capitoline Gaul [1] uma cópia em mármore romano de umaobra helenística do final do século III AC. Museus Capitolinos , Roma
Guardião do portão lamassu assírio de Khorsabad , cerca de 800-721 a.C.
O Moisés de Michelangelo , (c. 1513-1515), San Pietro in Vincoli , Roma , para o túmulo do Papa Júlio II
Netsuke de tigresa com dois filhotes, Japão de meados do século 19, marfim com incrustações de conchas

A escultura é o ramo das artes visuais que atua em três dimensões . É uma das artes plásticas . Os processos escultóricos duráveis ​​originalmente usavam a escultura (remoção de material) e modelagem (adição de material, como argila), em pedra , metal , cerâmica , madeira e outros materiais, mas, desde o Modernismo , houve uma liberdade quase completa de materiais e processo. Uma ampla variedade de materiais pode ser trabalhada por remoção, como entalhe, montada por soldagem ou modelagem, ou moldada ou fundida .

A escultura em pedra sobrevive muito melhor do que as obras de arte em materiais perecíveis e muitas vezes representa a maioria das obras sobreviventes (exceto cerâmica ) de culturas antigas, embora, inversamente, as tradições de escultura em madeira possam ter desaparecido quase por completo. No entanto, a maioria das esculturas antigas foi pintada com cores vivas e isso se perdeu. [2]

A escultura tem sido o centro da devoção religiosa em muitas culturas e, até os últimos séculos, grandes esculturas, muito caras para serem criadas por particulares, costumavam ser uma expressão de religião ou política. Essas culturas cujas esculturas sobreviveram em grande quantidade incluem as culturas do antigo Mediterrâneo, Índia e China, bem como muitas na América Central, do Sul e na África.

A tradição ocidental da escultura começou na Grécia antiga , e a Grécia é amplamente vista como produtora de grandes obras-primas no período clássico . Durante a Idade Média , a escultura gótica representava as agonias e paixões da fé cristã. O renascimento dos modelos clássicos no Renascimento produziu esculturas famosas, como a estátua de Davi de Michelangelo . A escultura modernista afastou-se dos processos tradicionais e da ênfase na representação do corpo humano, com a confecção de esculturas construídas e apresentação de objetos encontrados como obras de arte acabadas.

Tipos

Uma distinção básica é entre a escultura redonda e autônoma, como estátuas , não fixadas (exceto possivelmente na base) a qualquer outra superfície e os vários tipos de relevo , que são pelo menos parcialmente fixados a uma superfície de fundo . O relevo é frequentemente classificado pelo grau de projeção da parede em baixo ou baixo-relevo , alto-relevo e, às vezes, um médio-relevo intermediário . O relevo submerso é uma técnica restrita ao antigo Egito . O relevo é o meio escultural usual para grandes grupos de figuras e temas narrativos, que são difíceis de realizar na rodada, e é a técnica típica usada para ambosescultura arquitetônica , que é anexada a edifícios, e para esculturas em pequena escala que decoram outros objetos, como em muita cerâmica , metalurgia e joalheria . A escultura em relevo também pode decorar estelas , lajes verticais, geralmente de pedra, muitas vezes também contendo inscrições.

Outra distinção básica é entre as técnicas de entalhe subtrativas, que removem o material de um bloco ou protuberância existente, por exemplo de pedra ou madeira, e as técnicas de modelagem que modelam ou constroem o trabalho a partir do material. Técnicas como fundição , estampagem e moldagem utilizam uma matriz intermediária contendo o desenho para a produção da obra; muitos deles permitem a produção de várias cópias.

Relevos em rocha budista ao ar livre nas Grutas de Longmen , China

O termo "escultura" costuma ser usado principalmente para descrever grandes obras, às vezes chamadas de escultura monumental , significando uma ou ambas as esculturas grandes ou anexadas a um edifício. Mas o termo cobre apropriadamente muitos tipos de pequenas obras em três dimensões usando as mesmas técnicas, incluindo moedas e medalhas , esculturas em pedra dura , um termo para pequenas esculturas em pedra que podem exigir um trabalho detalhado.

A estátua muito grande ou "colossal" tem um apelo duradouro desde a antiguidade ; a maior já registrada com 182 m (597 pés) é a Estátua da Unidade Indiana de 2018 . Outra grande forma de escultura de retrato é a estátua equestre de um cavaleiro a cavalo, que se tornou rara nas últimas décadas. As menores formas de escultura de retrato em tamanho natural são a "cabeça", mostrando apenas isso, ou o busto , a representação de uma pessoa do peito para cima. Pequenas formas de escultura incluem a estatueta , normalmente uma estátua com não mais de 18 polegadas (46 cm) de altura, e para relevos a plaqueta , medalha ou moeda.

Moderna e arte contemporânea têm adicionado um número de formas não tradicionais de escultura, incluindo escultura sonora , escultura de luz , arte ambiental , escultura ambiental , escultura arte de rua , escultura cinética (envolvendo aspectos de movimento físico ), land art , e site-specific art . A escultura é uma importante forma de arte pública . Uma coleção de esculturas em um jardim pode ser chamada de jardim de esculturas .

Propósitos e assuntos

Moai da Ilha de Páscoa , onde a concentração de recursos em grandes esculturas pode ter tido sérios efeitos políticos.

Um dos propósitos mais comuns da escultura é alguma forma de associação com a religião. Imagens de culto são comuns em muitas culturas, embora muitas vezes não sejam as estátuas colossais de divindades que caracterizavam a arte grega antiga , como a estátua de Zeus em Olímpia . As imagens de culto reais nos santuários mais íntimos dos templos egípcios , dos quais nenhum sobreviveu, eram evidentemente muito pequenas, mesmo nos templos maiores. O mesmo é frequentemente verdadeiro no hinduísmo , onde a forma muito simples e antiga do lingam é a mais comum. budismotrouxe a escultura de figuras religiosas para o Leste Asiático, onde parece não ter havido uma tradição equivalente anterior, embora formas simples como bi e cong provavelmente tivessem significado religioso.

Pequenas esculturas como bens pessoais remontam à arte pré-histórica mais antiga, e o uso de esculturas muito grandes como arte pública , especialmente para impressionar o observador com o poder de uma régua, remonta pelo menos à Grande Esfinge de cerca de 4.500 anos atrás. Na arqueologia e na história da arte, o aparecimento, e às vezes o desaparecimento, de esculturas grandes ou monumentais em uma cultura é considerado de grande importância, embora rastrear o surgimento seja muitas vezes complicado pela suposta existência de esculturas em madeira e outros materiais perecíveis dos quais nenhum registro restos; [3]

O totem é um exemplo de tradição de escultura monumental em madeira que não deixaria vestígios para a arqueologia. A capacidade de reunir recursos para criar esculturas monumentais, transportando materiais geralmente muito pesados ​​e conseguindo o pagamento de quem costuma ser considerado escultor a tempo inteiro, é considerada uma marca de uma cultura relativamente avançada em termos de organização social. Recentes descobertas inesperadas de antigas figuras chinesas da Idade do Bronze em Sanxingdui , algumas com mais do que o dobro do tamanho humano, perturbaram muitas idéias sustentadas sobre a civilização chinesa inicial, uma vez que apenas bronzes muito menores eram conhecidos anteriormente. [4]

Algumas culturas indubitavelmente avançadas, como a civilização do Vale do Indo , parecem não ter tido nenhuma escultura monumental, embora produzam estatuetas e selos muito sofisticados. A cultura do Mississippi parece ter progredido em direção ao seu uso, com pequenas figuras de pedra, quando entrou em colapso. Outras culturas, como o Egito antigo e a cultura da Ilha de Páscoa , parecem ter dedicado enormes recursos à escultura monumental em grande escala desde o estágio inicial.

Medalha de João VIII Paleólogo , c. 1435, de Pisanello , a primeira medalha de retrato, meio essencialmente feito para colecionar.

A coleção de esculturas, incluindo a de períodos anteriores, remonta a cerca de 2.000 anos na Grécia, China e Mesoamérica, e muitas coleções estavam disponíveis em exibição semi-pública muito antes do museu moderno ser inventado. A partir do século XX, a gama relativamente restrita de temas encontrados em grandes esculturas expandiu-se enormemente, com temas abstratos e o uso ou representação de qualquer tipo de tema agora comum. Hoje, muitas esculturas são feitas para exibição intermitente em galerias e museus, e a capacidade de transportar e armazenar as obras cada vez maiores é um fator em sua construção. Pequenas estatuetas decorativas , na maioria das vezes em cerâmica, são tão populares hoje (embora estranhamente negligenciadas pela arte moderna e contemporânea) como eram no Rococó , ou na Grécia antiga, quando as estatuetas de Tanagra eram uma grande indústria, ou na arte do Leste Asiático e pré-colombiana . Pequenos acessórios esculpidos para móveis e outros objetos datam da antiguidade, como nos marfins de Nimrud , marfins de Begram e achados da tumba de Tutancâmon .

A escultura de retratos começou no Egito, onde a Paleta de Narmer mostra um governante do século 32 aC, e na Mesopotâmia , onde temos 27 estátuas sobreviventes de Gudea , que governou Lagash c. 2144–2124 aC. Na Grécia e na Roma antigas, a construção de uma estátua em um local público era quase a mais alta marca de honra, e a ambição da elite, que também poderia ser retratada em uma moeda. [5] Em outras culturas, como o Egito e o Oriente Próximo, as estátuas públicas eram quase exclusivamente preservação do governante, com outras pessoas ricas sendo retratadas apenas em seus túmulos. Os governantes são normalmente as únicas pessoas que recebem retratos de culturas pré-colombianas, começando com as cabeças colossais dos olmecasde cerca de 3.000 anos atrás. A escultura de retratos do Leste Asiático era inteiramente religiosa, com os principais clérigos sendo homenageados com estátuas, especialmente os fundadores de mosteiros, mas não governantes ou ancestrais. A tradição mediterrânea reviveu, inicialmente apenas para efígies e moedas de túmulos, na Idade Média, mas se expandiu muito na Renascença, que inventou novas formas, como a medalha de retrato pessoal .

Os animais são, com a figura humana, o primeiro objeto de escultura, e sempre foram populares, às vezes realistas, mas freqüentemente monstros imaginários; na China, animais e monstros são quase os únicos temas tradicionais para esculturas de pedra fora de tumbas e templos. O reino das plantas é importante apenas em joias e relevos decorativos, mas estes formam quase todas as grandes esculturas da arte bizantina e da arte islâmica , e são muito importantes na maioria das tradições eurasianas, onde motivos como a palmeta e o rolo de videira passaram para o leste e oeste por mais de dois milênios.

Uma forma de escultura encontrada em muitas culturas pré-históricas ao redor do mundo são versões especialmente ampliadas de ferramentas comuns, armas ou vasos criados em materiais preciosos pouco práticos, para alguma forma de uso cerimonial ou exibição ou como oferendas. Jade ou outros tipos de pedra verde eram usados ​​na China, no México olmeca e na Europa neolítica , e no início da Mesopotâmia grandes formatos de cerâmica eram produzidos em pedra. O bronze foi usado na Europa e na China para grandes machados e lâminas, como o Oxborough Dirk .

Materiais e técnicas

Adorador sumério , alabastro com olhos de concha, 2750–2600 a.C.

Os materiais usados ​​na escultura são diversos, mudando ao longo da história. Os materiais clássicos, com excelente durabilidade, são o metal, principalmente o bronze , a pedra e a cerâmica, com madeira, osso e chifre menos duráveis, mas com opções mais baratas. Materiais preciosos como ouro , prata , jade e marfim são freqüentemente usados ​​para pequenas obras de luxo e, às vezes, em obras maiores, como nas estátuas de criselefantinas . Materiais mais comuns e menos caros foram usados ​​em esculturas para consumo mais amplo, incluindo madeiras nobres (como carvalho , buxo / buxo e cal / tília );terracota e outras cerâmicas , cera (um material muito comum para modelos de fundição e recebimento de impressões de selos cilíndricos e gemas gravadas) e metais fundidos como estanho e zinco (spelter). Mas um grande número de outros materiais foram usados ​​como esculturas, tanto em obras etnográficas e antigas como nas modernas.

As esculturas são freqüentemente pintadas , mas geralmente perdem sua pintura com o tempo ou com os restauradores. Muitas técnicas de pintura diferentes têm sido usadas na confecção de esculturas, incluindo têmpera , pintura a óleo , douramento , pintura de casa, aerossol, esmalte e jato de areia. [2] [6]

Muitos escultores procuram novas formas e materiais para fazer arte. Uma das esculturas mais famosas de Pablo Picasso incluía peças de bicicletas . Alexander Calder e outros modernistas fizeram uso espetacular do aço pintado . Desde a década de 1960, acrílicos e outros plásticos também têm sido usados. Andy Goldsworthy faz suas esculturas extraordinariamente efêmeras com materiais quase inteiramente naturais em ambientes naturais. Algumas esculturas, como escultura de gelo , escultura de areia e escultura de gás , têm vida deliberadamente curta. Escultores recentes usaram vitrais, ferramentas, peças de máquinas, hardware e embalagens de consumo para moldar suas obras. Os escultores às vezes usam objetos encontrados , e as rochas de estudiosos chineses são apreciadas há muitos séculos.

Stone

Reconstrução moderna da aparência original pintada de uma figura de mármore da Grécia arcaica tardia do Templo de Afaia , com base na análise de traços de pigmento, [7] c. 500 a.C.

A escultura em pedra é uma atividade milenar em que as peças de pedra natural em bruto são moldadas pela remoção controlada da pedra . Devido à permanência do material, podem ser encontradas evidências de que mesmo as sociedades mais antigas se dedicavam a alguma forma de trabalho em pedra, embora nem todas as áreas do mundo tenham tanta abundância de pedras boas para esculpir como Egito, Grécia, Índia e a maior parte da Europa . Os petróglifos (também chamados de gravuras rupestres) são talvez a forma mais antiga: imagens criadas pela remoção de parte de uma superfície rochosa que permanece in situ , por incisão, picotamento, entalhe e abrasão. A escultura monumental abrange grandes obras e a escultura arquitetônica , que é anexada a edifícios.Entalhe em pedra dura é o entalhe para fins artísticos de pedras semipreciosas , como jade , ágata , ônix , cristal de rocha , sarda ou cornalina , e um termo geral para um objeto feito dessa maneira. O alabastro ou gesso mineral é um mineral macio que é fácil de esculpir para trabalhos menores e ainda relativamente durável. As gemas gravadas são pequenas gemas esculpidas, incluindo camafeus , originalmente usadas como anéis de vedação .

A cópia de uma estátua original em pedra, que era muito importante para as estátuas gregas antigas, que são quase todas conhecidas por cópias, era tradicionalmente realizada por " apontar ", juntamente com métodos mais à mão livre. Apontar envolvia configurar uma grade de quadrados de barbante em uma moldura de madeira ao redor do original e, em seguida, medir a posição na grade e a distância entre a grade e a estátua de uma série de pontos individuais e, em seguida, usar essa informação para esculpir o bloco de em que a cópia é feita. [8]

Metal

Ludwig Gies , plaqueta de ferro fundido , 8 x 9,8 cm, Refugiados , 1915

Bronze e ligas de cobre relacionadas são os metais mais antigos e ainda os mais populares para esculturas de metal fundido ; uma escultura de bronze fundido é freqüentemente chamada simplesmente de "bronze". Ligas de bronze comuns têm a propriedade incomum e desejável de se expandir um pouco antes de endurecer, preenchendo assim os detalhes mais finos de um molde. Sua resistência e falta de fragilidade (ductilidade) é uma vantagem quando as figuras em ação devem ser criadas, especialmente quando comparadas a vários materiais de cerâmica ou pedra (veja vários exemplos em escultura em mármore ). O ouro é o metal mais macio e precioso e muito importante na joalharia ; com prataé macio o suficiente para ser trabalhado com martelos e outras ferramentas, bem como fundido; repoussé e perseguição estão entre as técnicas utilizadas na ourivesaria e na ourivesaria .

Fundição é um grupo de processos de fabricação pelos quais um material líquido (bronze, cobre, vidro, alumínio, ferro) é (normalmente) derramado em um molde, que contém uma cavidade oca com a forma desejada, e então pode solidificar. A fundição sólida é então ejetada ou quebrada para completar o processo, [9] embora uma fase final de "trabalho a frio" possa seguir no fundido acabado. A fundição pode ser usada para formar metais líquidos quentes ou vários materiais que endurecem após a mistura de componentes (como epóxis , concreto , gesso e argila) A fundição é mais frequentemente usada para fazer formas complexas que seriam de outra forma difíceis ou antieconômicas de fazer por outros métodos. A fundição mais antiga que sobreviveu é uma rã mesopotâmica de cobre de 3200 aC. [10] Técnicas específicas incluem fundição por cera perdida , fundição em molde de gesso e fundição em areia .

A soldagem é um processo em que diferentes peças de metal são fundidas para criar diferentes formas e designs. Existem muitas formas diferentes de soldagem, como soldagem Oxy-combustível , soldagem Stick , soldagem MIG e soldagem TIG. O oxi-combustível é provavelmente o método mais comum de soldagem quando se trata de criar esculturas de aço porque é o mais fácil de usar para moldar o aço, bem como fazer junções limpas e menos perceptíveis do aço. A chave para a soldagem oxi-combustível é aquecer cada peça de metal a ser unida uniformemente até que todas fiquem vermelhas e brilhem. Uma vez que o brilho esteja em cada peça, esse brilho logo se tornará uma 'poça' onde o metal é liquefeito e o soldador deve juntar as poças, fundindo o metal. Uma vez resfriado, o local onde as piscinas se juntaram agora são uma peça contínua de metal. Também é muito usado na criação de esculturas de Oxy-fuel é forjamento. Forjamentoé o processo de aquecer o metal até um certo ponto para amolecê-lo o suficiente para ser moldado em diferentes formas. Um exemplo muito comum é aquecer a extremidade de uma barra de aço e bater na ponta vermelha aquecida com um martelo enquanto está em uma bigorna para formar uma ponta. Entre os golpes do martelo, o falsificador gira a haste e gradualmente forma uma ponta afiada a partir da extremidade cega de uma haste de aço.

Glass

O vidro pode ser usado para escultura por meio de uma ampla gama de técnicas de trabalho, embora seu uso para grandes obras seja um desenvolvimento recente. Pode ser esculpido, com considerável dificuldade; a taça de Lycurgus romana é quase única. [11] A fundição a quente pode ser feita colocando vidro derretido em moldes que foram criados pressionando formas em areia, grafite esculpida ou moldes detalhados de gesso / sílica. O vidro fundido em forno envolve o aquecimento de pedaços de vidro em um forno até que eles se tornem líquidos e fluam para um molde de espera abaixo deles no forno. O vidro também pode ser soprado e / ou esculpido a quente com ferramentas manuais, como uma massa sólida ou como parte de um objeto soprado. As técnicas mais recentes envolvem cinzelamento e colagem de placa de vidro com silicatos poliméricos e luz ultravioleta. [12]

Bodhisattva esculpido em madeira da dinastia Song da China 960-1279, Museu de Xangai

Cerâmica

A cerâmica é um dos materiais mais antigos para a escultura, assim como a argila é o meio em que muitas esculturas fundidas em metal são originalmente modeladas para fundição. Os escultores costumam construir pequenas obras preliminares chamadas maquetes de materiais efêmeros, como gesso de Paris , cera, argila crua ou plasticina . [13] Muitas culturas produziram cerâmica que combina a função de um vaso com uma forma escultural, e pequenas estatuetas frequentemente são tão populares quanto na cultura ocidental moderna. Selos e moldes foram usados ​​pela maioria das civilizações antigas, da Roma antiga e da Mesopotâmia à China. [14]

Talha

Detalhe da crucificação de Jesus Cristo, espanhol, madeira e policromada, 1793.

A escultura em madeira tem sido amplamente praticada, mas sobrevive muito menos bem do que os outros materiais principais, sendo vulnerável à decomposição, danos por insetos e fogo. Portanto, constitui um importante elemento oculto na história da arte de muitas culturas. [3] Esculturas de madeira ao ar livre não duram muito na maioria das partes do mundo, de modo que temos pouca idéia de como a tradição do totem se desenvolveu. Muitas das esculturas mais importantes da China e do Japão em particular são em madeira, e a grande maioria de escultura africana e da Oceania e outras regiões.

A madeira é leve, por isso adequada para máscaras e outras esculturas destinadas a serem carregadas e pode receber detalhes muito finos. Também é muito mais fácil trabalhar do que a pedra. Muitas vezes foi pintado depois de entalhado, mas a tinta desgasta menos bem do que a madeira e muitas vezes falta nas peças sobreviventes. A madeira pintada é frequentemente descrita tecnicamente como "madeira e policromada ". Normalmente, uma camada de gesso ou gesso é aplicada à madeira e, em seguida, a tinta é aplicada a ela.

Status social de escultores

Escultor de Nuremberg, Adam Kraft , autorretrato da Igreja de São Lourenço , década de 1490.

Em todo o mundo, os escultores geralmente são comerciantes cujo trabalho não é assinado; em algumas tradições, por exemplo na China, onde a escultura não compartilhava do prestígio da pintura dos letrados , isso afetou o status da própria escultura. [15] Mesmo na Grécia antiga , onde escultores como Fídias se tornaram famosos, eles parecem ter mantido o mesmo status social que outros artesãos, e talvez não recompensas financeiras muito maiores, embora alguns assinassem suas obras. [16] Na Idade Média, artistas como o Gislebertus do século 12 às vezes assinavam suas obras e eram procurados por diferentes cidades, especialmente do Trecentona Itália, com figuras como Arnolfo di Cambio , e Nicola Pisano e seu filho Giovanni . Ourives e joalheiros, lidando com materiais preciosos e muitas vezes atuando como banqueiros, pertenciam a corporações poderosas e tinham um status considerável, muitas vezes ocupando cargos cívicos. Muitos escultores também praticaram outras artes; Andrea del Verrocchio também pintou, e Giovanni Pisano , Michelangelo e Jacopo Sansovino foram arquitetos. Alguns escultores mantiveram grandes oficinas. Mesmo na Renascença, a natureza física da obra foi percebida por Leonardo da Vinci e outros como um rebaixamento do status da escultura nas artes, embora a reputação de Michelangelo talvez tenha posto essa ideia de longa data de lado.

Do Alto Renascimento, artistas como Michelangelo, Leone Leoni e Giambologna puderam enriquecer, enobrecer e entrar no círculo dos príncipes, após um período de acirrada discussão sobre o status relativo da escultura e da pintura. [17] Muitas esculturas decorativas em edifícios permaneceram um comércio, mas os escultores que produziram peças individuais foram reconhecidos no mesmo nível dos pintores. A partir do século 18 ou antes, a escultura também atraiu os alunos da classe média, embora fosse mais lenta do que a pintura. As mulheres escultoras demoraram mais para aparecer do que as pintoras e foram menos proeminentes até o século XX.

Movimentos anti-escultura

O aniconismo permaneceu restrito ao judaísmo , que não aceitava a escultura figurativa até o século 19, [18] antes de se expandir para o cristianismo primitivo , que inicialmente aceitava grandes esculturas. No Cristianismo e no Budismo, a escultura tornou-se muito significativa. A Ortodoxia Oriental cristã nunca aceitou a escultura monumental, e o Islã rejeitou consistentemente quase todas as esculturas figurativas, exceto para figuras muito pequenas em relevo e algumas figuras de animais que cumprem uma função útil, como os famosos leões sustentando uma fonte no Alhambra . Muitas formas de protestantismo também não aprovam a escultura religiosa. Tem havido muitoiconoclastia da escultura por motivos religiosos, desde os primeiros cristãos, a tempestade Beelden da Reforma Protestante até a destruição dos Budas de Bamyan em 2001 pelo Talibã .

História

Períodos pré-históricos

Europa

Vênus de Hohle Fels (também conhecida como Vênus de Schelklingen ; é uma estatueta de Vênus do Paleolítico Superior talhada em marfim de uma presa de mamute encontrada em 2008 perto de Schelklingen , Alemanha . É datada entre 35.000 e 40.000 anos atrás, pertencente ao primeiro Aurignaciano , no início do Paleolítico Superior , que está associado à suposta presença mais antiga do Homo sapiens na Europa ( Cro-Magnon ). Junto com o Löwenmensch , é o exemplo mais antigo indiscutível da arte do Paleolítico Superior e arte pré-histórica figurativa em geral.

Os primeiros exemplos indiscutíveis de escultura pertencem à cultura Aurignaciana , localizada na Europa e no sudoeste da Ásia e ativa no início do Paleolítico Superior . Além de produzir algumas das primeiras artes rupestres conhecidas , as pessoas dessa cultura desenvolveram ferramentas de pedra finamente trabalhadas, manufaturando pingentes, pulseiras, contas de marfim e flautas de osso, bem como estatuetas tridimensionais. [19] [20]

O Löwenmensch de 30 cm de altura encontrado na área de Hohlenstein Stadel na Alemanha é uma figura antropomórfica de homem-leão esculpida em marfim de mamute lanoso . Foi datado em cerca de 35-40.000  BP, tornando-o, junto com a Vênus de Hohle Fels , o mais antigo exemplo incontestável conhecido de arte figurativa. [21]

Grande parte da arte pré-histórica que sobreviveu são pequenas esculturas portáteis, com um pequeno grupo de estatuetas femininas de Vênus , como a Vênus de Willendorf (24-26.000  AP) encontradas em toda a Europa Central. [22] A natação rena de cerca de 13.000 anos atrás é um dos melhores de uma série de Magdalenian esculturas em osso ou chifre de animais na arte do Paleolítico Superior , embora eles estão em desvantagem por peças gravadas, que às vezes são classificados como escultura . [23] Duas das maiores esculturas pré-históricas podem ser encontradas nas cavernas de Tuc d'Audobertna França, onde há cerca de 12 a 17.000 anos um escultor magistral usou uma ferramenta de pedra parecida com uma espátula e dedos para modelar um par de grandes bisões em argila contra uma rocha calcária. [24]

Com o início do Mesolítico na Europa a escultura figurativa foi grandemente reduzida, [25] e permaneceu um elemento menos comum na arte do que a decoração em relevo de objetos práticos até o período romano, apesar de algumas obras como o caldeirão Gundestrup da Idade do Ferro Europeia e da Carruagem solar Trundholm da Idade do Bronze . [26]

Antigo Oriente Próximo

Do antigo Oriente Próximo , a pedra Urfa Man da Turquia moderna vem de cerca de 9.000 AC, e as estátuas 'Ain Ghazal de cerca de 7200 e 6500 AC. Estes são da Jordânia moderna , feitos de gesso e junco, e têm cerca da metade do tamanho natural; São 15 estátuas, algumas com duas cabeças lado a lado, e 15 bustos. Pequenas figuras de barro de pessoas e animais são encontradas em muitos locais do Oriente Médio desde o Neolítico Pré-Cerâmica e representam o início de uma tradição mais ou menos contínua na região.

Antigo Oriente Próximo

Selo cilíndrico com impressão em argila; serpopardos e águias, Período Uruk, 4100-3000 AC

O período de Protoliterato na Mesopotâmia , dominado por Uruk , viu a produção de obras sofisticadas como o Vaso Warka e os selos cilíndricos . A Leoa de Guennol é uma pequena figura de pedra calcária de Elam de cerca de 3000–2800 aC, parte humana e parte leoa. [27] Um pouco mais tarde, houve uma série de figuras de sacerdotes e adoradores de olhos grandes, a maioria em alabastro e com até trinta centímetros de altura, que compareceram a imagens de culto no templo da divindade, mas muito poucos deles sobreviveram. [28] Esculturas da Suméria eO período acadiano geralmente tinha olhos grandes e fixos e barbas compridas nos homens. Muitas obras-primas também foram encontradas no Cemitério Real de Ur (c. 2650 aC), incluindo as duas figuras de um Carneiro em um Bosque , o Touro de Cobre e uma cabeça de touro em uma das Liras de Ur . [29]

Dos muitos períodos subsequentes antes da ascendência do Império Neo-Assírio no século 10 AC, a arte mesopotâmica sobrevive em várias formas: selos cilíndricos , figuras redondas relativamente pequenas e relevos de vários tamanhos, incluindo placas baratas de cerâmica moldada para o lar, alguns religiosos e outros aparentemente não. [30] O Burney Relief é uma placa de terracota extraordinariamente elaborada e relativamente grande (20 x 15 polegadas, 50 x 37 cm) de uma deusa alada nua com pés de uma ave de rapina e corujas e leões acompanhantes. Ele vem dos séculos 18 ou 19 aC e também pode ser moldado. [31] Estelas de pedra , oferendas votivas, ou aqueles provavelmente comemorando vitórias e mostrando festas, também são encontrados em templos, que ao contrário dos mais oficiais carecem de inscrições que os explicariam; [32] a fragmentária Estela dos Abutres é um dos primeiros exemplos do tipo inscrito, [33] e o Obelisco Negro Assírio de Salmanesar III, um grande e sólido, tardio. [34]

A conquista de toda a Mesopotâmia e muito do território circundante pelos assírios criou um estado maior e mais rico do que a região havia conhecido antes, e uma arte muito grandiosa em palácios e locais públicos, sem dúvida parcialmente destinada a corresponder ao esplendor da arte da império egípcio vizinho. Ao contrário dos Estados anteriores, os assírios podiam usar pedra facilmente entalhada do norte do Iraque, e o faziam em grande quantidade. Os assírios desenvolveram um estilo de esquemas extremamente grandes de baixos-relevos narrativos finamente detalhados em pedra para palácios, com cenas de guerra ou caça; o Museu Britânico tem uma coleção notável, incluindo a caça ao leão de Assurbanipal e os relevos de Laquismostrando uma campanha. Eles produziram muito poucas esculturas redondas, exceto as colossais figuras guardiãs do lamassu com cabeça humana , que são esculpidas em alto relevo nos dois lados de um bloco retangular, com as cabeças efetivamente redondas (e também cinco pernas, de modo que ambas as visões parecem completas). Mesmo antes de dominar a região, eles continuaram a tradição do selo cilíndrico com designs que costumam ser excepcionalmente enérgicos e refinados. [35]

Egito antigo

A escultura monumental do antigo Egito é mundialmente famosa, mas pequenas obras refinadas e delicadas existem em número muito maior. Os egípcios usavam a técnica distinta de relevo rebaixado , que se adapta bem à luz solar muito forte. As figuras principais nos relevos seguem a mesma convenção de figura que na pintura, com as pernas separadas (quando não assentadas) e a cabeça mostrada de lado, mas o torso de frente, e um conjunto padrão de proporções que compõe a figura, usando 18 "punhos" vão do chão à linha do cabelo na testa. [36] Isso aparece já na Paleta de Narmer da Dinastia I. No entanto, lá como em outros lugares a convenção não é usada para figuras menores envolvidas em alguma atividade, como cativos e cadáveres.[37] Outras convenções tornam as estátuas masculinas mais escuras do que as femininas. Estátuas de retratos muito convencionalizadas aparecem já na Dinastia II, antes de 2.780 AC, [38] e com exceção da arte do período de Amarna de Ahkenaton , [39] e alguns outros períodos como a Dinastia XII, as características idealizadas dos governantes , como outras convenções artísticas egípcias, mudou pouco até depois da conquista grega. [40]

Os faraós egípcios sempre foram considerados divindades, mas outras divindades são muito menos comuns em grandes estátuas, exceto quando representam o faraó como outra divindade; no entanto, as outras divindades são freqüentemente mostradas em pinturas e relevos. A famosa fileira de quatro estátuas colossais fora do templo principal em Abu Simbel mostra cada uma Ramsés II , um esquema típico, embora aqui excepcionalmente grande. [41] Pequenas figuras de divindades, ou suas personificações animais, são muito comuns e encontradas em materiais populares como a cerâmica. A maioria das esculturas maiores sobreviveu de templos ou tumbas egípcias ; pela Dinastia IV (2680–2565 AC), o mais tardar, a ideia da estátua de Kafoi firmemente estabelecido. Estes foram colocados em tumbas como um local de descanso para a porção ka da alma , e por isso temos um bom número de estátuas menos convencionais de administradores abastados e suas esposas, muitos em madeira, já que o Egito é um dos poucos lugares no mundo onde o clima permite que a madeira sobreviva por milênios. As chamadas cabeças de reserva , cabeças simples sem pêlos, são especialmente naturalistas. As primeiras tumbas também continham pequenos modelos de escravos, animais, edifícios e objetos, como barcos necessários para que o falecido continuasse seu estilo de vida no outro mundo, e posteriormente figuras de Ushabti . [42]

Europa

Grécia Antiga

Cocheiro de Delfos , escultura em bronze da Grécia Antiga , século V a.C., detalhe da cabeça em close-up

O primeiro estilo distinto de escultura grega antiga desenvolvido no início do período das Cíclades da Idade do Bronze (3º milênio aC), onde figuras de mármore, geralmente femininas e pequenas, são representadas em um estilo geométrico elegantemente simplificado. O mais típico é uma pose de pé com os braços cruzados na frente, mas outras figuras são mostradas em diferentes poses, incluindo a complicada figura de um harpista sentado em uma cadeira. [43]

As subsequentes culturas minóica e micênica desenvolveram ainda mais a escultura, sob a influência da Síria e de outros lugares, mas foi no período arcaico posterior , por volta de 650 aC, que o kouros se desenvolveu. Estas são grandes estátuas de jovens nus em pé, encontradas em templos e tumbas, com o kore como o equivalente feminino vestido, com cabelos elaboradamente penteados; ambos têm o " sorriso arcaico ". Eles parecem ter desempenhado uma série de funções, talvez às vezes representando divindades e às vezes a pessoa enterrada em um túmulo, como com o Kroisos Kouros. Eles são claramente influenciados pelos estilos egípcio e sírio, mas os artistas gregos estavam muito mais dispostos a experimentar dentro do estilo.

Durante o século 6 a escultura grega desenvolveu-se rapidamente, tornando-se mais naturalista, e com figuras muito mais ativas e variadas em cenas narrativas, embora ainda dentro das convenções idealizadas. Frontões esculpidos foram adicionados aos templos , incluindo o Partenon em Atenas, onde os restos do frontão de cerca de 520 usando figuras redondas foram felizmente usados ​​como preenchimento para novos edifícios após o saque persa em 480 AC, e recuperados da década de 1880 em condição fresca sem penas. Outros vestígios significativos de escultura arquitetônica vêm de Paestum na Itália, Corfu , Delfos e do Templo de Afaia em Aegina(muito agora em Munique ). [44] A maioria das esculturas gregas originalmente incluía pelo menos alguma cor; o Ny Carlsberg Glyptotek Museum em Copenhagen, Dinamarca, fez uma extensa pesquisa e recriação das cores originais. [45] [46]

Clássico
Alto-relevo clássico alto dos mármores de Elgin , que originalmente decoravam o Partenon , c. 447-433 AC

Existem menos vestígios originais da primeira fase do período clássico, muitas vezes chamado de estilo severo ; as estátuas independentes agora eram feitas principalmente em bronze, que sempre tinha valor como sucata. O estilo Severo durou de cerca de 500 em relevos, e logo depois de 480 em estátuas, para cerca de 450. As poses relativamente rígidas das figuras relaxaram, e posições de giro assimétricas e vistas oblíquas tornaram-se comuns e deliberadamente procuradas. Isso foi combinado com uma melhor compreensão da anatomia e da estrutura harmoniosa das figuras esculpidas, e a busca da representação naturalística como um objetivo, que não estava presente antes. Escavações no Templo de Zeus, Olímpia desde 1829 revelaram o maior grupo de vestígios, de cerca de 460, dos quais muitos estão no Louvre. [47]

O período "Alto Clássico" durou apenas algumas décadas, de cerca de 450 a 400, mas teve uma influência importante na arte e mantém um prestígio especial, apesar de um número muito restrito de sobreviventes originais. As obras mais conhecidas são os mármores do Partenon , tradicionalmente (desde Plutarco ) executados por uma equipe liderada pelo mais famoso escultor grego antigo Fídias , ativo por volta de 465-425, que em sua época era mais famoso por sua colossal estátua criselefantina de Zeus em Olímpia (c. 432), uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo , sua Atenas Partenos (438), a imagem de culto do Partenon e Atenas Promachos, uma figura colossal de bronze que ficava ao lado do Partenon; todos eles estão perdidos, mas são conhecidos por muitas representações. Ele também é creditado como o criador de algumas estátuas de bronze em tamanho natural, conhecidas apenas por cópias posteriores, cuja identificação é controversa, incluindo a Ludovisi Hermes . [48]

O estilo High Classical continuou a desenvolver realismo e sofisticação na figura humana e melhorou a representação da cortina (roupas), usando-a para aumentar o impacto das poses ativas. As expressões faciais costumavam ser muito contidas, mesmo em cenas de combate. A composição de grupos de figuras em relevos e frontões combinava complexidade e harmonia de uma forma que teve uma influência permanente na arte ocidental. O alívio pode ser muito alto, de fato, como na ilustração do Partenon abaixo, onde a maior parte da perna do guerreiro está completamente separada do fundo, assim como as partes que faltam; o relevo desta altura tornava as esculturas mais sujeitas a danos. [49] O estilo clássico tardio desenvolveu a estátua feminina nua, supostamente uma inovação do Praxiteles, e desenvolveu poses cada vez mais complexas e sutis que eram interessantes quando vistas de vários ângulos, bem como rostos mais expressivos; ambas as tendências seriam levadas muito mais longe no período helenístico. [50]

Helenística
O estilo Pergamene do período helenístico, do Altar de Pergamon , início do século II

O período helenístico é convencionalmente datado da morte de Alexandre, o Grande em 323 AEC, e terminando com a conquista final das áreas centrais gregas por Roma em 146 AEC ou com a derrota final do último estado sucessor remanescente do império de Alexandre após o Batalha de Actium em 31 aC, que também marca o fim da Roma republicana . [51] É, portanto, muito mais longo do que os períodos anteriores e inclui pelo menos duas fases principais: um estilo "Pergamene" de experimentação, exuberância e algum sentimentalismo e vulgaridade, e no século 2 aC um retorno classicizante a uma simplicidade e elegância mais austeras; além de tais generalizações, a datação é tipicamente muito incerta, especialmente quando apenas cópias posteriores são conhecidas, como geralmente é o caso. O estilo inicial Pergamene não foi especialmente associado a Pergamon , de onde leva o seu nome, mas os muito ricos reis daquele estado estavam entre os primeiros a coletar e também copiar esculturas clássicas, e também encomendaram muitos novos trabalhos, incluindo o famoso Altar de Pergamon cuja escultura está agora principalmente em Berlim e que exemplifica o novo estilo, assim como o Mausoléu de Halicarnasso (outra das Sete Maravilhas), o famoso Laocoön e seus filhos nos Museus do Vaticano , um exemplo tardio, e o original de bronze da Gália Moribunda (ilustrado no topo), que sabemos fazer parte de um grupo realmente encomendado para Pérgamo por volta de 228 AEC, do qual Ludovisi Gália também era uma cópia. O grupo chamado de Touro Farnese , possivelmente um original em mármore do século 2, é ainda maior e mais complexo, [52]

As pequenas estatuetas de terracota grega eram muito populares como enfeites domésticos

A escultura helenística expandiu muito o leque de assuntos representados, em parte como resultado de uma maior prosperidade geral e do surgimento de uma classe muito rica que tinha grandes casas decoradas com escultura, embora saibamos que alguns exemplos de assuntos que parecem mais adequados para o lar , como crianças com animais, foram de fato colocados em templos ou outros locais públicos. Para um mercado de decoração de casa muito mais popular, havia estatuetas de Tanagra, e de outros centros onde se produziam pequenas figuras de cerâmica em escala industrial, algumas religiosas, mas outras exibindo animais e senhoras elegantemente vestidas. Os escultores tornaram-se mais habilidosos tecnicamente na representação de expressões faciais que transmitem uma ampla variedade de emoções e retratos de indivíduos, além de representar diferentes idades e raças. Os relevos do Mausoléu são bastante atípicos nesse aspecto; a maior parte do trabalho era independente e as composições de grupo com várias figuras para serem vistas na rodada, como o Laocoonte e o grupo Pergamon comemorando a vitória sobre os gauleses, tornaram-se populares, tendo sido raras antes. O Fauno Barberini , mostrando um sátirodormindo esparramado, presumivelmente após a bebida, é um exemplo do relaxamento moral da época e da prontidão para criar esculturas grandes e caras de temas que ficam aquém do heróico. [53]

Após as conquistas de Alexandre, a cultura helenística era dominante nas cortes da maior parte do Oriente Próximo e em algumas partes da Ásia Central , e cada vez mais sendo adotada pelas elites europeias, especialmente na Itália, onde as colônias gregas inicialmente controlavam a maior parte do sul. A arte e os artistas helenísticos se espalharam amplamente e foram especialmente influentes na expansão da República Romana e quando encontrou o budismo nas extensões mais orientais da área helenística. O enorme chamado Alexander Sarcophagus encontrado em Sidon, no Líbano moderno, foi provavelmente feito lá no início do período por artistas gregos expatriados para um governador persa helenizado. [54] A riqueza do período levou a um grande aumento na produção de formas luxuosas de pequenas esculturas, incluindo gemas gravadas e camafeus, joias e ouro e prata.

Europa após os gregos

Escultura romana
Seção da Coluna de Trajano , CE 113, com cenas das Guerras Dacianas

A arte romana primitiva foi influenciada pela arte da Grécia e dos etruscos vizinhos , eles próprios muito influenciados por seus parceiros comerciais gregos. Uma especialidade etrusca eram as efígies de tumbas em tamanho natural em terracota , geralmente colocadas no topo de uma tampa de sarcófago apoiada em um cotovelo na pose de um restaurante naquele período. À medida que a expansão da República Romana começou a conquistar o território grego, primeiro no sul da Itália e depois em todo o mundo helenístico, exceto no extremo oriente parta , oficial e patrícioa escultura tornou-se em grande parte uma extensão do estilo helenístico, do qual elementos especificamente romanos são difíceis de separar, especialmente porque muitas esculturas gregas sobrevivem apenas em cópias do período romano. [55] Por volta do século 2 aC, "a maioria dos escultores que trabalhavam em Roma" eram gregos, [56] frequentemente escravizados em conquistas como a de Corinto (146 aC), e os escultores continuaram a ser principalmente gregos, frequentemente escravos, cujos nomes raramente são registrados. Um grande número de estátuas gregas foi importado para Roma, seja como espólio ou resultado de extorsão ou comércio, e os templos eram freqüentemente decorados com obras gregas reutilizadas. [57]

Um estilo italiano nativo pode ser visto nos monumentos túmulos, que muitas vezes apresentavam bustos de retratos, de prósperos romanos de classe média, e o retrato é indiscutivelmente a principal força da escultura romana. Não existem vestígios da tradição de máscaras de ancestrais que eram usadas em procissões nos funerais das grandes famílias e de outra forma exibidas em casa, mas muitos dos bustos que sobrevivem devem representar figuras ancestrais, talvez de grandes túmulos familiares como o Tumba de Scipios ou o posterior mausolea fora da cidade. A famosa cabeça de bronze supostamente de Lucius Junius Brutus é datada de várias maneiras, mas é considerada uma sobrevivência muito rara do estilo itálico sob a República, no meio preferido de bronze. [58]Da mesma forma, cabeças severas e fortes são vistas nas moedas da República Tardia e, no período imperial, tanto as moedas quanto os bustos enviados ao redor do Império para serem colocados nas basílicas das cidades provinciais eram a principal forma visual de propaganda imperial; até mesmo Londinium tinha uma estátua quase colossal de Nero , embora muito menor do que o Colosso de Nero de 30 metros de altura em Roma, agora perdida. [59]

Estilo greco-romano do estado de Augusto no Ara Pacis , 13 a.C.

Os romanos geralmente não tentavam competir com as obras gregas independentes de façanhas heróicas da história ou mitologia, mas desde cedo produziram obras históricas em relevo, culminando nas grandes colunas triunfais romanas com relevos narrativos contínuos envolvendo-as, das quais aquelas em comemoração a Trajano (113 CE) e Marco Aurélio (por volta de 193) sobrevivem em Roma, onde o Ara Pacis ("Altar da Paz", 13 aC) representa o estilo greco-romano oficial em sua forma mais clássica e refinada. Entre outros exemplos importantes estão os relevos reutilizados anteriormente no Arco de Constantino e na base da Coluna de Antonino Pio (161), [60] Relevos de CampanaHavia versões de cerâmica de relevos de mármore mais baratas e o gosto pelo relevo foi do período imperial expandido para o sarcófago. Todas as formas de pequenas esculturas de luxo continuaram a ser patrocinadas, e a qualidade podia ser extremamente alta, como na Copa Warren de prata , na Copa Lycurgus de vidro e grandes camafeus como a Gemma Augustea , Gonzaga Cameo e o " Grande Camafeu da França ". [61] Para uma seção muito mais ampla da população, a decoração em relevo moldado de vasos de cerâmica e pequenas estatuetas era produzida em grande quantidade e, muitas vezes, de qualidade considerável. [62]

Depois de passar por uma fase "barroca" do final do século II, [63] no século III, a arte romana abandonou amplamente, ou simplesmente se tornou incapaz de produzir, esculturas na tradição clássica, uma mudança cujas causas permanecem muito discutidas. Mesmo os monumentos imperiais mais importantes agora mostravam figuras atarracadas e de olhos grandes em um estilo frontal severo, em composições simples enfatizando o poder em detrimento da graça. O contraste é ilustrado de forma famosa no Arco de Constantino de 315 em Roma, que combina seções no novo estilo com rodelas no estilo Greco-romano completo anterior retirado de outro lugar, e os Quatro Tetrarcas (c. 305) da nova capital de Constantinopla , agora em Veneza. Ernst Kitzingerencontraram em ambos os monumentos as mesmas "proporções atarracadas, movimentos angulares, uma ordenação de partes por meio de simetria e repetição e uma representação de recursos e dobras da cortina por meio de incisões em vez de modelagem ... A marca registrada do estilo onde quer que apareça consiste em uma dureza enfática , peso e angularidade - em suma, uma rejeição quase completa da tradição clássica ". [64]

Essa revolução de estilo precedeu logo o período em que o cristianismo foi adotado pelo Estado romano e pela grande maioria do povo, levando ao fim da grande escultura religiosa, com grandes estátuas agora usadas apenas para imperadores. No entanto, os cristãos ricos continuaram a encomendar relevos para sarcófagos, como no Sarcófago de Junius Bassus , e esculturas muito pequenas, especialmente em marfim, foram continuadas pelos cristãos, construindo no estilo do díptico consular . [65]

Cedo medieval e bizantina
Monstro de prata em uma chape , escocês ou anglo-saxão, tesouro da ilha de St Ninian , c. 800?
A Cruz Gero , c. 965–970, Colônia, Alemanha. O primeiro grande exemplo do renascimento de grandes esculturas

Os primeiros cristãos se opunham à escultura religiosa monumental, embora continuassem as tradições romanas em bustos de retratos e relevos de sarcófagos , bem como objetos menores, como o díptico consular. Esses objetos, muitas vezes em materiais valiosos, eram também as principais tradições escultóricas (até onde se sabe) das civilizações bárbaras do período da migração , como pode ser visto nos objetos encontrados no tesouro funerário do século 6 em Sutton Hoo , e nas joias da arte cita e as produções de estilo híbrido cristão e animal da arte insular . Seguindo a tradição bizantina contínua, a arte carolíngiaescultura de marfim revivida, muitas vezes em painéis para encadernações de tesouros de grandes manuscritos iluminados , bem como cabeças de báculo e outros pequenos acessórios.

A arte bizantina , embora produza soberbos relevos de marfim e entalhes decorativos arquitetônicos, nunca voltou à escultura monumental, ou mesmo a muitas pequenas esculturas redondas. [66] No entanto, no Ocidente, durante os períodos carolíngio e otoniano , houve o início da produção de estátuas monumentais, em cortes e grandes igrejas. Isso se espalhou gradualmente; no final do século 10 e 11, há registros de várias esculturas aparentemente em tamanho natural em igrejas anglo-saxônicas , provavelmente de metal precioso em torno de uma moldura de madeira, como a Madona Dourada de Essen . Nenhum exemplo anglo-saxão sobreviveu, [67]e os vestígios de grandes esculturas não arquitetônicas de antes de 1.000 são excepcionalmente raros. Muito do melhor é a Cruz Gero , de 965–970, que é um crucifixo , que era evidentemente o tipo mais comum de escultura; Carlos Magno fundou um na Capela Palatina em Aachen por volta de 800. Eles continuaram a crescer em popularidade, especialmente na Alemanha e na Itália. As pedras rúnicas do mundo nórdico , as pedras pictas da Escócia e, possivelmente, os altos relevos em cruz da Grã-Bretanha cristã, eram tradições escultóricas do norte que uniram o período de cristianização.

Românica
O Leão de Brunswick , 1166, o primeiro grande molde oco de uma figura desde a antiguidade, com 1,78 metros de altura e 2,79 metros de comprimento

Por volta de 1000, houve um renascimento geral da produção artística em toda a Europa, liderado pelo crescimento econômico geral da produção e do comércio, e o novo estilo de arte românica foi o primeiro estilo medieval a ser usado em toda a Europa Ocidental. As novas catedrais e igrejas dos peregrinos foram cada vez mais decoradas com relevos arquitetônicos em pedra, e novos focos para a escultura se desenvolveram, como o tímpano sobre as portas das igrejas no século 12, e a capital habitada com figuras e frequentemente cenas narrativas. Igrejas de abadia notáveis ​​com escultura incluem na França Vézelay e Moissac e na Espanha Silos . [68]

A arte românica caracterizou-se por um estilo muito vigoroso tanto na escultura como na pintura. Os capitéis das colunas nunca foram mais emocionantes do que neste período, quando muitas vezes eram entalhados com cenas completas com várias figuras. [69] O grande crucifixo de madeira foi uma inovação alemã logo no início do período, assim como as estátuas independentes da Madona entronizada, mas o alto relevofoi acima de tudo o modo escultórico da época. As composições geralmente tinham pouca profundidade e precisavam ser flexíveis para se espremerem nas formas de capitéis e tpanos de igreja; a tensão entre um quadro fortemente fechado, do qual a composição às vezes escapa, é um tema recorrente na arte românica. As figuras ainda costumavam variar em tamanho em relação à sua importância. O retrato quase não existia.

Objetos em materiais preciosos como marfim e metal tiveram um status muito elevado no período, muito mais do que escultura monumental - conhecemos os nomes de mais fabricantes deles do que pintores, iluminadores ou arquitetos pedreiros. O trabalho em metal, incluindo a decoração em esmalte , tornou-se muito sofisticado, e muitos santuários espetaculares feitos para guardar relíquias sobreviveram, dos quais o mais conhecido é o Santuário dos Três Reis na Catedral de Colônia, de Nicolau de Verdun . O castiçal Gloucester de bronze e a fonte de latão de 1108-17 agora em Liègesão exemplos soberbos, muito diferentes em estilo, de fundição de metal, o primeiro altamente intrincado e enérgico, baseado em pinturas manuscritas, enquanto a fonte mostra o estilo Mosan em seu aspecto mais clássico e majestoso. As portas de bronze, uma coluna triunfal e outros acessórios na Catedral de Hildesheim , as Portas Gniezno e as portas da Basílica de San Zeno em Verona são outros remanescentes substanciais. O aquamanile , um recipiente para se lavar com água, parece ter sido introduzido na Europa no século 11, e muitas vezes tinha zoomórfico fantásticoformulários; os exemplos sobreviventes são principalmente em latão. Muitas impressões em cera de selos impressionantes sobrevivem em cartas e documentos, embora as moedas românicas geralmente não tenham grande interesse estético. [70]

A Cruz do Claustro é um crucifixo de marfim invulgarmente grande , com entalhes complexos, incluindo muitas figuras de profetas e outros, que foi atribuído a um dos relativamente poucos artistas cujo nome é conhecido, Mestre Hugo , que também iluminou manuscritos. Como muitas peças, era originalmente parcialmente colorido. As peças de xadrez Lewis são exemplos bem preservados de pequenos marfins, dos quais muitas peças ou fragmentos permanecem de báculos , placas, cruzes peitorais e objetos semelhantes.

Gótico
Virgem com o Menino em marfim francês, final do século 13, com 25 cm de altura, curvando-se para se ajustar à forma da presa de marfim

O período gótico é essencialmente definido pela arquitetura gótica , e não se ajusta inteiramente ao desenvolvimento do estilo da escultura, seja no início, seja no final. As fachadas das grandes igrejas, especialmente ao redor das portas, continuaram a ter tpanos grandes, mas também fileiras de figuras esculpidas se espalhando ao seu redor. As estátuas no Portal Ocidental (Real) na Catedral de Chartres (c. 1145) mostram um alongamento colunar elegante, mas exagerado, mas aquelas no portal do transepto sul , de 1215 a 1220, mostram um estilo mais naturalista e crescente distanciamento da parede atrás , e alguma consciência da tradição clássica. Essas tendências continuaram no portal oeste da Catedral de Reimsde alguns anos depois, onde as figuras são quase redondas, como se tornou usual à medida que o gótico se espalhou pela Europa. [71]

Na Itália, Nicola Pisano (1258-1278) e seu filho Giovanni desenvolveram um estilo frequentemente chamado de Proto-Renascença , com influência inconfundível dos sarcófagos romanos e composições sofisticadas e lotadas, incluindo um tratamento simpático da nudez, em painéis em relevo em seu púlpito de Catedral de Siena (1265-68) , a Fontana Maggiore em Perugia e o púlpito de Giovanni em Pistoia de 1301. [72] Outro renascimento do estilo clássico é visto na obra gótica internacional de Claus Sluter e seus seguidores na Borgonha e na Flandrespor volta de 1400. [73] A escultura do gótico tardio continuou no Norte, com uma moda para retábulos esculpidos em madeira muito grandes com entalhes cada vez mais virtuosos e um grande número de figuras expressivas agitadas; a maioria dos exemplos sobreviventes está na Alemanha, depois de muito iconoclastia em outros lugares. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss e outros continuaram o estilo até o século 16, gradualmente absorvendo as influências da Renascença italiana. [74]

Efígies de tumbas em tamanho real em pedra ou alabastro tornaram-se populares para os ricos, e grandes tumbas de vários níveis evoluíram, com as Tumbas Scaliger de Verona tão grandes que tiveram que ser movidas para fora da igreja. Por volta do século 15, havia uma indústria que exportava relevos de altar de alabastro de Nottingham em grupos de painéis em grande parte da Europa para paróquias econômicas que não podiam pagar retábulos de pedra. [75] Pequenos entalhes, para um mercado principalmente leigo e frequentemente feminino, tornaram-se uma indústria considerável em Paris e em alguns outros centros. Os tipos de marfim incluíam pequenos polípticos devocionais , figuras únicas, especialmente da Virgem , estojos de espelho, pentes ecaixões elaborados com cenas de romances , usados ​​como presentes de noivado. [76] O coletadas extravagantly elaborado jóias e esmaltado metalurgia muito rico, tanto secular como religioso, como o duque de Berry 's Santo Thorn Relicário , até que ficou sem dinheiro, quando foram derretidos novamente por dinheiro. [77]

Renascença

Michelangelo , a tumba do Papa Júlio II , c. 1545, com estátuas de Raquel e Lia à esquerda e à direita de seu Moisés

A escultura renascentista propriamente dita costuma ser usada para começar com o famoso concurso para as portas do Batistério de Florença em 1403, do qual sobrevivem os modelos experimentais apresentados pelo vencedor, Lorenzo Ghiberti e Filippo Brunelleschi . As portas de Ghiberti ainda estão no lugar, mas foram sem dúvida eclipsadas por seu segundo par para a outra entrada, os chamados Portões do Paraíso , que o levou de 1425 a 1452, e são incrivelmente confiantes em composições clássicas com profundidades variadas de relevo permitindo extensos fundos . [78] Nos anos seguintes, o primeiro assistente de Ghiberti, Donatello, se desenvolveu com estátuas seminais, incluindo seus Davisem mármore (1408–09) e bronze (1440), e sua estátua equestre de Gattamelata , bem como relevos. [79] Uma figura importante no período posterior foi Andrea del Verrocchio , mais conhecido por sua estátua equestre de Bartolomeo Colleoni em Veneza; [80] seu aluno Leonardo da Vinci projetou uma escultura equina em 1482 O Cavalo para Milão , mas só conseguiu fazer um modelo de argila de 7,3 m que foi destruído por arqueiros franceses em 1499, e seus outros planos escultóricos ambiciosos foram nunca concluído. [81]

O período foi marcado por um grande aumento do patrocínio da escultura pelo estado para a arte pública e pelos ricos para suas casas; especialmente na Itália, a escultura pública continua sendo um elemento crucial na aparência dos centros históricos das cidades. Esculturas de igreja moviam-se principalmente para dentro, assim como monumentos públicos externos se tornaram comuns. A escultura de retratos, geralmente em bustos, tornou-se popular na Itália por volta de 1450, com o napolitano Francesco Laurana se especializando em mulheres jovens em poses meditativas, enquanto Antonio Rossellino e outros retratavam com mais frequência homens de negócios com rostos nodosos, mas também crianças. [82] A medalha de retrato inventada por Pisanello também frequentemente retratava mulheres; plaquetas de relevo foram outra nova forma pequena de escultura em metal fundido.

Michelangelo foi um escultor ativo de cerca de 1500 a 1520, e suas grandes obras-primas, incluindo David , Pietà , Moisés e peças para a Tumba do Papa Júlio II e a Capela Médici não puderam ser ignoradas pelos escultores subsequentes. Seu icônico David (1504) tem uma pose de contrapposto , emprestada da escultura clássica. É diferente das representações anteriores do assunto porque Davi é retratado antes de sua batalha com Golias e não depois da derrota do gigante. Em vez de ser mostrado vitorioso, como Donatello e Verocchio fizeram, David parece tenso e pronto para a batalha. [83]

Maneirista

Adriaen de Vries , bronze em tamanho natural maneirista do norte de Mercury e Psyche , feito em 1593 para Rodolfo II, Sacro Imperador Romano .

Como na pintura, as primeiras esculturas maneiristas italianas foram em grande parte uma tentativa de encontrar um estilo original que superasse as conquistas da Alta Renascença , que na escultura significava essencialmente Michelangelo, e grande parte da luta para alcançá-lo foi desenvolvida em encomendas de preenchimento outros lugares na Piazza della Signoria em Florença, ao lado do David de Michelangelo . Baccio Bandinelli assumiu o projeto de Hércules e Caco do próprio mestre, mas era um pouco mais popular do que é agora, e maliciosamente comparado por Benvenuto Cellini a "um saco de melões", embora tenha tido um efeito duradouro aparentemente introdução de painéis de relevo nopedestal de estátuas pela primeira vez. Como outras obras dele e de outros maneiristas, remove muito mais do bloco original do que Michelangelo teria feito. [84] O Perseu de bronze de Cellini com a cabeça de Medusa é certamente uma obra-prima, projetada com oito ângulos de visão, outra característica maneirista, mas é realmente educado em comparação com o David s de Michelangelo e Donatello. [85] Originalmente um ourives, sua famosa Salina de ouro e esmalte (1543) foi sua primeira escultura e mostra seu talento no seu melhor. [86] Como mostram esses exemplos, o período estendeu a gama de assuntos seculares para grandes obras além de retratos, com figuras mitológicas especialmente favorecidas; anteriormente, estes haviam sido encontrados principalmente em pequenas obras.

Pequenas figuras de bronze para armários de colecionadores , muitas vezes temas mitológicos com nus, eram uma forma popular do Renascimento em que Giambologna , originalmente flamengo mas com sede em Florença, se destacou na última parte do século, criando também esculturas em tamanho natural, das quais duas se juntaram ao coleção na Piazza della Signoria. Ele e seus seguidores conceberam elegantes exemplos alongados da figura serpentinata , freqüentemente de duas figuras entrelaçadas, que eram interessantes de todos os ângulos. [87]

Barroco e rococó

Na escultura barroca, grupos de figuras assumiram uma nova importância, e havia um movimento dinâmico e energia de formas humanas - elas giravam em espiral em torno de um vórtice central vazio ou estendiam-se para o espaço circundante. A escultura barroca costumava ter múltiplos ângulos de visão ideais e refletia uma continuação geral da Renascença, afastando-se do relevo para a escultura criada em círculo e projetada para ser colocada no meio de um grande espaço - fontes elaboradas como a Fontana dei Quattro de Bernini Fiumi (Roma, 1651), ou os dos Jardins de Versalhes eram uma especialidade barroca. O estilo barroco era perfeitamente adequado à escultura, com Gian Lorenzo Bernini a figura dominante da época em obras comoO Êxtase de Santa Teresa (1647–1652). [88] Muitas esculturas barrocas adicionaram elementos extraesculturais, por exemplo, iluminação oculta ou fontes de água, ou escultura e arquitetura fundidas para criar uma experiência transformadora para o observador. Os artistas se viam como na tradição clássica, mas admiravama escultura helenística e, posteriormente, a romana, em vez da escultura dos períodos mais "clássicos" como são vistos hoje. [89]

A Reforma Protestante trouxe uma parada quase total para a escultura religiosa em grande parte do Norte da Europa e, embora a escultura secular, especialmente para bustos de retratos e monumentos de tumbas , continuasse, a Idade de Ouro Holandesa não tem nenhum componente escultural significativo fora da ourivesaria. [90] Em parte como reação direta, a escultura foi tão proeminente no catolicismo romano quanto no final da Idade Média. Estátuas de governantes e da nobreza tornaram-se cada vez mais populares. No século 18, muitas esculturas continuaram em linhas barrocas - a Fontana di Trevi só foi concluída em 1762. O estilo rococó era mais adequado para obras menores e, sem dúvida, encontrou sua forma escultural ideal emporcelana européia primitiva e esquemas decorativos de interior em madeira ou gesso, como aqueles em interiores domésticos franceses e igrejas de peregrinação austríacas e bávaras . [91]

Neo-clássico

O estilo neoclássico que surgiu no final do século 18 deu grande destaque à escultura. Jean-Antoine Houdon exemplifica a escultura de retrato penetrante que o estilo pode produzir, e os nus de Antonio Canova , o aspecto idealista do movimento. O período neoclássico foi uma das grandes eras da escultura pública, embora seus protótipos "clássicos" fossem mais provavelmente cópias romanas de esculturas helenísticas. Na escultura, os representantes mais conhecidos são o italiano Antonio Canova , o inglês John Flaxman e o dinamarquês Bertel Thorvaldsen. O estilo neoclássico europeu também se consolidou nos Estados Unidos, onde seu ápice ocorreu um pouco mais tarde e é exemplificado nas esculturas de Hiram Powers .

Ásia

Escultura greco-budista e Ásia

A arte greco-budista é a manifestação artística do greco-budismo , um sincretismo cultural entre a cultura grega clássica e o budismo , que se desenvolveu ao longo de um período de cerca de 1000 anos na Ásia Central, entre as conquistas de Alexandre o Grandeno século 4 aC e as conquistas islâmicas do século 7 dC. A arte greco-budista é caracterizada pelo forte realismo idealista da arte helenística e pelas primeiras representações do Buda em forma humana, que ajudaram a definir o cânone artístico (e particularmente escultural) da arte budista em todo o continente asiático até o presente. Embora a data seja incerta, parece que estilos fortemente helenísticos permaneceram no Oriente por vários séculos após terem declinado em torno do Mediterrâneo, até o século V EC. Alguns aspectos da arte grega foram adotados, enquanto outros não se espalharam além da área greco-budista; em particular a figura em pé, muitas vezes com uma pose relaxada e uma perna flexionada, e os cupidos voadores ou vitórias, que se tornaram populares em toda a Ásia como apsaras. A decoração da folhagem grega também teve influência, com o aparecimento de versões indianas da capital coríntia . [92]

As origens da arte greco-budista encontram-se no reino helenístico greco-bactriano (250-130 aC), localizado no atual Afeganistão , de onde a cultura helenística se irradiou para o subcontinente indiano com o estabelecimento do pequeno reino indo-grego ( 180–10 AC). Sob os Indo-Gregos e depois os Kushans , a interação da cultura grega e budista floresceu na área de Gandhara , no atual norte do Paquistão, antes de se espalhar ainda mais pela Índia, influenciando a arte de Mathura e, em seguida, a arte hindu do império Gupta, que se estenderia ao resto do Sudeste Asiático. A influência da arte greco-budista também se espalhou para o norte em direção à Ásia Central , afetando fortemente a arte da Bacia do Tarim e das Cavernas de Dunhuang e, finalmente, a figura esculpida na China, Coréia e Japão. [93]

China

Bodhisattva Guanyin sentado , madeira e pigmento, século 11, dinastia Song do Norte .

Os bronzes rituais chineses das dinastias Shang e Zhou Ocidental vêm de um período de mais de mil anos a partir de c. 1500 AC, e exerceram uma influência contínua sobre a arte chinesa . Eles são moldados com uma decoração padronizada e zoomórfica complexa , mas evitam a figura humana, ao contrário das enormes figuras recentemente descobertas em Sanxingdui . [94] O espetacular Exército de Terracota foi montado para a tumba de Qin Shi Huang, o primeiro imperador de uma China unificada de 221 a 210 AEC, como uma grande versão imperial das figuras há muito colocadas em tumbas para permitir que o falecido desfrutasse do mesmo estilo de vida na vida após a morte, substituindo os sacrifícios reais de períodos muito antigos. Figuras menores em cerâmica ou madeira foram colocadas em tumbas por muitos séculos depois, atingindo um pico de qualidade nas figuras de tumbas da dinastia Tang . [95] A tradição de figuras de cerâmica invulgarmente grandes persistiu na China, de figuras de tumbas Tang sancai a estátuas budistas posteriores, como o conjunto de luohans de cerâmica vidrada de Yixian e figuras posteriores de templos e tumbas. Eles vieram para substituir os equivalentes anteriores em madeira.

As religiões nativas chinesas geralmente não usam imagens de culto de divindades, nem mesmo as representam, e as grandes esculturas religiosas são quase todas budistas, datando principalmente do século 4 ao 14, e inicialmente usando modelos greco-budistas que chegam pela Rota da Seda . O budismo também é o contexto de todas as grandes esculturas de retratos; em total contraste com algumas outras áreas, na China medieval até mesmo imagens pintadas do imperador eram consideradas privadas. As tumbas imperiais têm avenidas espetaculares de abordagem alinhadas com animais reais e mitológicos em uma escala que combina com o Egito, e versões menores decoram templos e palácios. [96]

Pequenas figuras e grupos budistas foram produzidos em altíssima qualidade em uma variedade de mídias, [97] assim como a decoração em relevo de todos os tipos de objetos, especialmente em metal e jade . [98] Nos períodos anteriores, grandes quantidades de esculturas eram cortadas da rocha viva em complexos de cavernas de peregrinação e como relevos rochosos externos . Quase todos foram originalmente pintados. Em notável contraste com os pintores literatos , escultores de todos os tipos eram considerados artesãos e pouquíssimos nomes são registrados. [99] A partir da dinastia Ming , estatuetas de figuras religiosas e seculares foram produzidas em porcelana chinesa e outras mídias, que se tornaram uma importante exportação.

Japão

No final do longo período Neolítico Jōmon , alguns vasos de cerâmica foram "contornados por chamas" com extensões extravagantes na borda que só podem ser chamadas de esculturais, [102] e figuras de dogū em cerâmica muito estilizadas foram produzidas, muitas com a característica "neve olhos "olhos. Durante o período Kofun do século 3 ao 6 dC, figuras de terracota haniwa de humanos e animais em um estilo simplista foram erguidas do lado de fora de tumbas importantes. A chegada do budismo no século 6 trouxe consigo tradições sofisticadas em escultura, estilos chineses mediados pela Coréia. O Hōryū-ji do século 7e seu conteúdo sobreviveu mais intacto do que qualquer templo budista do Leste Asiático de sua data, com obras incluindo uma Trindade Shaka de 623 em bronze, mostrando o Buda histórico ladeado por dois bodhisattvas e também os Reis Guardiões das Quatro Direções . [103]

Diz- se que Jōchō é um dos maiores escultores budistas não apenas no período Heian, mas também na história das estátuas budistas no Japão. Jōchō redefiniu a forma do corpo das estátuas de Buda ao aperfeiçoar a técnica de "yosegi zukuri" (寄 木造 り), que é uma combinação de várias madeiras. A expressão pacífica e a figura graciosa da estátua de Buda que ele fez completou um estilo japonês de escultura de estátuas de Buda chamado "Jōchō yō" (estilo Jōchō, 定 朝 様) e determinou o estilo das estátuas budistas japonesas do período posterior. Sua conquista elevou dramaticamente o status social de busshi (escultor budista) no Japão. [104]

No período Kamakura , o clã Minamoto estabeleceu o shogunato Kamakura e a classe samurai virtualmente governou o Japão pela primeira vez. Os sucessores de Jocho, escultores da escola Kei de estátuas budistas, criaram estátuas realistas e dinâmicas para atender aos gostos do samurai, e a escultura budista japonesa atingiu seu auge. Unkei , Kaikei e Tankei eram famosos, e eles fizeram muitas novas estátuas de Buda em muitos templos como Kofuku-ji , onde muitas estátuas de Buda foram perdidas em guerras e incêndios. [105]

Quase todas as grandes esculturas subsequentes no Japão eram budistas, com alguns equivalentes xintoístas , e depois que o budismo entrou em declínio no Japão no século 15, a escultura monumental tornou-se uma decoração arquitetônica em grande parte e menos significativa. [106] No entanto, o trabalho escultural nas artes decorativas foi desenvolvido a um nível notável de realização técnica e refinamento em pequenos objetos como inro e netsuke em muitos materiais, e tosogu de metal ou suportes de espada japoneses. No século XIX existiam indústrias de exportação de pequenas esculturas em bronze de extremo virtuosismo, estatuetas de marfim e porcelana e outros tipos de pequenas esculturas, valorizando cada vez mais o domínio técnico.

Subcontinente indiano

Relevo em terracota hindu Gupta , século 5 dC, de Krishna matando o cavalo demônio Keshi

A primeira escultura conhecida no subcontinente indiano é da civilização do Vale do Indo (3300–1700 aC), encontrada em locais em Mohenjo-daro e Harappa no Paquistão moderno . Isso inclui a famosa pequena dançarina de bronze e o chamado Rei-Sacerdote . No entanto, essas figuras em bronze e pedra são raras e muito superadas em número por estatuetas de cerâmica e selos de pedra, muitas vezes de animais ou divindades muito bem retratados. Após o colapso da civilização do Vale do Indo, há poucos registros de escultura até a era budista, além de um tesouro de figuras de cobre de (um tanto controversamente) c. 1500 AC de Daimabad .[107] Assim, a grande tradição da escultura monumental indiana em pedra parece começar, em relação a outras culturas, e o desenvolvimento da civilização indiana, relativamente tarde, com o reinado de Asoka de 270 a 232 AC, e os Pilares de Ashoka que ele ergueu pela Índia, carregando seus editais e encimados por famosas esculturas de animais, principalmente leões, dos quais seis sobrevivem. [108] Grandes quantidades de escultura figurativa, principalmente em relevo, sobrevivem das primeiras estupas de peregrinação budista, sobretudo Sanchi ; estes provavelmente se desenvolveram a partir de uma tradição de uso de madeira que também abraçou o hinduísmo . [109]

As esculturas hindu, jainista e budista de arenito rosa de Mathura do século I ao século III dC refletiam as tradições indianas nativas e as influências ocidentais recebidas por meio da arte greco-budista de Gandhara e estabeleceram efetivamente a base para a escultura religiosa indiana subsequente. [109] O estilo foi desenvolvido e difundido pela maior parte da Índia sob o Império Gupta (c. 320-550), que permanece um período "clássico" para a escultura indiana , cobrindo as primeiras cavernas de Ellora , [110] embora as cavernas de Elefanta sejam provavelmente um pouco mais tarde. [111] Mais tarde, a escultura em grande escala permanece quase exclusivamente religiosa e geralmente bastante conservadora, muitas vezes revertendo para simples poses frontais em pé para as divindades, embora os espíritos acompanhantes, como apsaras e yakshi, muitas vezes tenham poses sensualmente curvas. O entalhe costuma ser altamente detalhado, com um fundo intrincado atrás da figura principal em alto relevo. Os célebres bronzes da dinastia Chola (c. 850-1250) do sul da Índia, muitos projetados para serem carregados em procissões, incluem a forma icônica de Shiva como Nataraja , [112] com as esculturas maciças de granito de Mahabalipuram datando do Pallava anterior dinastia. [113]

Sudeste Asiático

Khmer do século 9- lintel

A escultura da região tende a ser caracterizada por um alto grau de ornamentação, como pode ser visto nos grandes monumentos da escultura Khmer hindu e budista (séculos 9 a 13) em Angkor Wat e em outros lugares, o enorme complexo budista do século 9 em Borobudur em Java e os monumentos hindus de Bali . [114] Ambos incluem muitos relevos, bem como figuras redondas; Borobudur tem 2.672 painéis em relevo, 504 estátuas de Buda, muitas semi-ocultas em estupas abertas e muitas figuras guardiãs grandes.

Na Tailândia e no Laos, a escultura era principalmente de imagens de Buda , geralmente douradas, tanto grandes para templos e mosteiros, quanto pequenas estatuetas para residências particulares. A escultura tradicional em Mianmar surgiu antes do período Bagan . Como em outras partes da região, a maioria das esculturas de madeira dos períodos Bagan e Ava foram perdidas.

Esculturas Anitistas tradicionais das Filipinas são dominadas por designs Anitistas que refletem o meio usado e a cultura envolvida, enquanto são destacadas pelos ambientes onde tais esculturas são normalmente colocadas. Esculturas cristãs e islâmicas das Filipinas têm motivos diferentes em comparação com outras esculturas cristãs e islâmicas de outros lugares. Em períodos posteriores, a influência chinesa predominou no Vietnã, Laos e Camboja, e mais esculturas de madeira sobrevivem de toda a região.

Islã

Marfim com vestígios de tinta, século 11 a 12, Egito

O islamismo é notoriamente anicônico , de modo que a grande maioria das esculturas é uma decoração em arabescos em relevo ou aberturas, baseada em motivos vegetais, mas tendendo a formas abstratas geométricas. No início da Fachada Mshatta (anos 740), agora principalmente em Berlim , há animais dentro dos arabescos densos em alto relevo, e figuras de animais e homens em baixo relevo em sua maioria são encontradas em conjunto com a decoração em muitas peças posteriores em vários materiais, incluindo metalurgia, marfim e cerâmica. [115]

Figuras de animais redondos eram frequentemente aceitáveis ​​para obras usadas em contextos privados se o objeto fosse claramente prático, então a arte islâmica medieval contém muitos animais de metal que são aquamaniles , queimadores de incenso ou suportes para fontes, como nos leões de pedra que sustentam o famoso na Alhambra , culminando na maior figura animal islâmica medieval conhecida, o grifo de Pisa . Da mesma forma, esculturas luxuosas em pedra dura , como punhaladas e taças, podem ser formadas como animais, especialmente na arte Mughal . O grau de aceitabilidade de tais flexibilizações das regras islâmicas estritas varia entre os períodos e regiões, com a Espanha islâmica, A Pérsia e a Índia geralmente conduzem ao relaxamento e costuma ser mais elevada em contextos cortesãos. [116]

África

Máscara do Gabão
Dois Chiwara c. final do século 19, início do século 20, Art Institute of Chicago . Estilos verticais feminino (à esquerda) e masculino

Historicamente, com exceção de algumas esculturas egípcias monumentais, a maioria das esculturas africanas foi criada em madeira e outros materiais orgânicos que não sobreviveram antes de alguns séculos atrás; figuras de cerâmica mais antigas são encontradas em várias áreas. As máscaras são elementos importantes na arte de muitos povos, junto com as figuras humanas, muitas vezes altamente estilizadas. Existe uma grande variedade de estilos, muitas vezes variando dentro do mesmo contexto de origem dependendo do uso do objeto, mas as tendências regionais amplas são aparentes; a escultura é mais comum entre "grupos de cultivadores assentados nas áreas drenadas pelos rios Níger e Congo " na África Ocidental. [117] Imagens diretas de divindades são relativamente raras, mas as máscaras em particular são ou foram feitas para cerimônias religiosas; hoje muitos são feitos para turistas como "arte de aeroporto". [118] As máscaras africanas foram uma influência na arte modernista europeia , que foi inspirada por sua falta de preocupação com representações naturalistas.

O Reino de Kush na Núbia, no Sudão moderno, estava em contato próximo e frequentemente hostil com o Egito, e produziu esculturas monumentais em sua maioria derivadas dos estilos do norte. Na África Ocidental, as primeiras esculturas conhecidas são da cultura Nok, que prosperou entre 500 aC e 500 dC na Nigéria moderna, com figuras de argila tipicamente com corpos alongados e formas angulares. Posteriormente, as culturas da África Ocidental desenvolveram a fundição de bronze para relevos para decorar palácios como os famosos Bronzes de Benin , e cabeças reais muito finas e naturalistas da cidade iorubá de Ife em terracota e metal dos séculos XII a XIV. Pesos de ouro Akansão uma forma de pequenas esculturas de metal produzidas durante o período de 1400–1900, algumas aparentemente representando provérbios e, portanto, com um elemento narrativo raro na escultura africana, e a regalia real incluía impressionantes elementos esculpidos em ouro. [119]

Muitas figuras da África Ocidental são usadas em rituais religiosos e muitas vezes são revestidas com materiais colocados nelas para oferendas cerimoniais. Os povos de língua Mande da mesma região fazem pedaços de madeira com superfícies largas e planas e os braços e pernas têm a forma de cilindros. Na África Central, no entanto, as principais características distintivas incluem rostos em forma de coração que são curvados para dentro e exibem padrões de círculos e pontos.

As populações dos Grandes Lagos africanos não são conhecidas por suas esculturas. [117] No entanto, um estilo da região são esculturas de pólos, esculpidas em formas humanas e decoradas com formas geométricas, enquanto os topos são esculpidos com figuras de animais, pessoas e vários objetos. Esses postes são, então, colocados ao lado de túmulos e associados à morte e ao mundo ancestral. A cultura conhecida do Grande Zimbabwe deixou edifícios mais impressionantes do que esculturas, mas os oito pássaros de pedra-sabão do Zimbabwe parecem ter tido um significado especial e foram montados em monólitos . Escultores modernos do Zimbábue em pedra-sabão alcançaram considerável sucesso internacional. As mais antigas figuras de argila conhecidas da África do Sul datam de 400 a 600 DC e têm cabeças cilíndricas com uma mistura de características humanas e animais.

Etiópia e Eritreia

A criação de esculturas na Etiópia e na Eritreia remonta ao seu passado antigo com os reinos de Dʿmt e Aksum . A arte cristã foi estabelecida na Etiópia com a conversão do paganismo ao cristianismo no século 4 EC, durante o reinado do rei Ezana de Axum . [120] Imagens cristãs decoravam igrejas durante o período Asksumite e eras posteriores. [121] Por exemplo, em Lalibela , santos em tamanho real foram esculpidos na Igreja de Bet Gólgota; por tradição, estes foram feitos durante o reinado do governante ZagweGebre Mesqel Lalibela no século 12, mas eles foram mais provavelmente produzidos no século 15 durante a dinastia salomônica . [122] No entanto, a Igreja de São Jorge, Lalibela , um dos vários exemplos de arquitetura talhada na rocha em Lalibela contendo entalhes intrincados, foi construída nos séculos 10 a 13 como comprovado pela arqueologia. [123]

Sudão

No antigo Sudão , o desenvolvimento da escultura se estende desde a simples cerâmica da cultura Kerma começando por volta de 2500 AC até a monumental estatuária e arquitetura do Reino de Kush , sua última fase - o período Meroítico - terminando por volta de 350 DC (com sua conquista por Aksum da Etiópia). [124] [125] Além dos itens de cerâmica, a cultura Kerma também fez móveis que continham esculturas, como cascos de ouro de gado como pernas de camas. [124]A escultura durante o Reino de Kush incluía estátuas em tamanho real (especialmente de reis e rainhas), estatuetas menores (mais comumente representando servos reais) e relevos em pedra, que foram influenciados pela tradição escultórica egípcia antiga contemporânea. [126] [127]

As Américas

A escultura no que hoje é a América Latina se desenvolveu em duas áreas separadas e distintas, a Mesoamérica no norte e o Peru no sul. Em ambas as áreas, a escultura era inicialmente de pedra e, mais tarde, de terracota e metal, à medida que as civilizações nessas áreas se tornaram mais proficientes tecnologicamente. [128] A região mesoamericana produziu esculturas mais monumentais, desde as obras em forma de blocos maciços das culturas olmeca e tolteca até os soberbos baixos- relevos que caracterizam as culturas maia e asteca . Na região andina, as esculturas costumam ser pequenas, mas costumam mostrar uma habilidade excelente.

Pre-Columbian

América do Norte

Painel de São Tiago , de retábulos na Igreja Cristo Rey, Santa Fé, Novo México , c. 1760

Na América do Norte, a madeira foi esculpida para totens , máscaras, utensílios, canoas de guerra e uma variedade de outros usos, com variações distintas entre diferentes culturas e regiões. Os estilos mais desenvolvidos são os da costa noroeste do Pacífico , onde um grupo de estilos formais elaborados e altamente estilizados se desenvolveu formando a base de uma tradição que continua até hoje. Além dos famosos mastros totêmicos, as fachadas das casas pintadas e entalhadas eram complementadas por postes entalhados por dentro e por fora, além de figuras mortuárias e outros itens. Entre os inuit do extremo norte, os estilos tradicionais de escultura em marfim e pedra-sabão ainda são mantidos. [129]

A chegada da cultura católica europeia adaptou prontamente as habilidades locais ao estilo barroco predominante , produzindo retábulos extremamente elaborados e outras esculturas de igreja em uma variedade de estilos híbridos. [130] O mais famoso destas exemplos no Canadá é a área de altar do Dame Notre em Montreal, Quebec, o qual foi entalhado por lavrador habitant trabalhadores. Mais tarde, artistas formados na tradição acadêmica ocidental seguiram os estilos europeus até que no final do século 19 eles começaram a se inspirar novamente nas influências indígenas, notadamente no estilo grotesco barroco mexicano conhecido como Churrigueresque . Os povos aborígines também adaptaram a escultura da igreja em variações deCarpenter Gothic ; um exemplo famoso é a Igreja da Santa Cruz em Skookumchuck Hot Springs, British Columbia .

A história da escultura nos Estados Unidos após a chegada dos europeus reflete a fundação do país no século 18 nos valores cívicos republicanos romanos e no cristianismo protestante . Em comparação com as áreas colonizadas pelos espanhóis, a escultura teve um início extremamente lento nas colônias britânicas, quase sem lugar nas igrejas, e só recebeu impulso pela necessidade de afirmar a nacionalidade após a independência. A escultura americana de meados ao final do século 19 era frequentemente clássica, muitas vezes romântica, mas mostrava uma inclinação para um realismo dramático, narrativo, quase jornalístico. Edifícios públicos durante o último quarto do século 19 e a primeira metade do século 20 muitas vezes forneciam um cenário arquitetônico para a escultura, especialmente em relevo. Na década de 1930, oEstilo internacional de arquitetura e design e art déco caracterizado pelo trabalho de Paul Manship e Lee Lawrie e outros se tornaram populares. Na década de 1950, a educação tradicional da escultura seria quase completamente substituída por uma preocupação influenciada pela Bauhaus pelo design abstrato . A escultura minimalista substituiu a figura em ambientes públicos e os arquitetos pararam quase completamente de usar a escultura em ou em seus projetos. Escultores modernos (século 21) usam designs de inspiração clássica e abstrata. A partir da década de 1980, houve um retorno à escultura pública figurativa; em 2000, muitas das novas peças públicas nos Estados Unidos eram de design figurativo.

Movendo-se para a arte moderna

19 início do século 20, início do modernismo e realismo continuar

Edgar Degas , Pequeno Dançarino de Quatorze Anos , lançado em 1922 a partir de uma escultura de mídia mista modelada em c. 1879–80, Bronze, parcialmente tingido, com algodão

O classicismo moderno contrastou de muitas maneiras com a escultura clássica do século 19, que foi caracterizada por compromissos com o naturalismo ( Antoine-Louis Barye ) - o sentimentalismo melodramático ( François Rude ) ( Jean-Baptiste Carpeaux ) - ou uma espécie de grandiosidade majestosa ( Senhor Leighton ). Várias direções diferentes na tradição clássica foram tomadas ao longo do século, mas o estudo do modelo vivo e da tradição pós-renascentista ainda era fundamental para eles. Auguste Rodin foi o escultor europeu mais renomado do início do século XX. [131] [132] Ele é frequentemente considerado um impressionista escultural , assim como seus alunos, incluindoCamille Claudel e Hugo Rheinhold , tentando modelar um momento fugaz da vida comum. O classicismo moderno mostrou um interesse menor no naturalismo e um interesse maior na estilização formal. Maior atenção foi dada aos ritmos dos volumes e espaços, bem como maior atenção às qualidades contrastantes da superfície (aberta, fechada, plana, quebrada etc.), enquanto menos atenção foi dada à narração de histórias e detalhes convincentes de anatomia ou traje . Foi dada maior atenção ao efeito psicológico do que ao realismo físico, e influências de estilos anteriores em todo o mundo foram usadas.

Os primeiros mestres do classicismo moderno incluíram: Aristide Maillol , Alexander Matveyev , Joseph Bernard , Antoine Bourdelle , Georg Kolbe , Libero Andreotti , Gustav Vigeland , Jan Stursa , Constantin Brâncuși . À medida que o século avançava, o classicismo moderno foi adotado como o estilo nacional dos dois grandes impérios totalitários europeus: Alemanha nazista e Rússia soviética , que cooptou o trabalho de artistas anteriores como Kolbe e Wilhelm Lehmbruck na Alemanha [133]e Matveyev na Rússia. Ao longo dos 70 anos da URSS, novas gerações de escultores foram treinados e escolhidos dentro de seu sistema, e um estilo distinto, o realismo socialista , se desenvolveu, que retornou à ênfase do século 19 no melodrama e no naturalismo.

O treinamento clássico foi extirpado da educação artística na Europa Ocidental (e nas Américas) em 1970 e as variantes clássicas do século 20 foram marginalizadas na história do modernismo. Mas o classicismo continuou como a base da educação artística nas academias soviéticas até 1990, fornecendo uma base para a arte figurativa expressiva em toda a Europa Oriental e partes do Oriente Médio. No ano 2000, a tradição clássica europeia mantém um amplo apelo para o público, mas aguarda uma tradição educacional para reviver seu desenvolvimento contemporâneo.

Alguns dos clássicos modernos tornaram-se mais decorativos / art déco ( Paul Manship , Jose de Creeft , Carl Milles ) ou mais abstratamente estilizados ou mais expressivos (e góticos) ( Anton Hanak , Wilhelm Lehmbruck , Ernst Barlach , Arturo Martini ) - ou transformados mais para o Renascimento ( Giacomo Manzù , Venanzo Crocetti ) ou permaneceu o mesmo ( Charles Despiau , Marcel Gimond ).

Modernismo

Gaston Lachaise , Floating Figure 1927, bronze, no. 5 de uma edição de 7, National Gallery of Australia

Movimentos de escultura modernistas incluem cubismo , abstração geométrica , De Stijl , suprematismo , construtivismo , dadaísmo , surrealismo , futurismo , formalismo expressionismo abstrato , pop-art , minimalismo , Land art e arte de instalação, entre outros.

Henry Moore , Large Reclining Figure , 1984 (baseado em um modelo menor de 1938), Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith , CUBI VI, (1963), Museu de Israel , Jerusalém .

Nos primeiros dias do século 20, Pablo Picasso revolucionou a arte da escultura quando ele começou a criar suas construções combinando objetos e materiais díspares em uma peça construída de escultura; o equivalente escultural da colagem na arte bidimensional. O advento do Surrealismo fez com que coisas ocasionalmente fossem descritas como "esculturas", o que não teria sido antes, como "escultura involuntária" em vários sentidos, incluindo coulage . Nos anos posteriores, Picasso se tornou um oleiro prolífico , levando, com interesse pela cerâmica histórica de todo o mundo, a um renascimento da arte da cerâmica , com figuras comoGeorge E. Ohr e posteriormente Peter Voulkos , Kenneth Price e Robert Arneson . Marcel Duchamp originou o uso do " objeto encontrado " (francês: objet trouvé) ou readymade com peças como Fountain (1917).

Da mesma forma, a obra de Constantin Brâncuși no início do século abriu caminho para a escultura abstrata posterior. Em revolta contra o naturalismo de Rodin e seus contemporâneos do final do século 19, Brâncuși destilou temas até suas essências, conforme ilustrado pelas formas elegantemente refinadas de sua série Bird in Space (1924). [134]

O impacto de Brâncuși, com seu vocabulário de redução e abstração, é visto ao longo das décadas de 1930 e 1940 e exemplificado por artistas como Gaston Lachaise , Sir Jacob Epstein , Henry Moore , Alberto Giacometti , Joan Miró , Julio González , Pablo Serrano , Jacques Lipchitz [ 135] e na década de 1940 a escultura abstrata foi impactada e expandida por Alexander Calder , Len Lye , Jean Tinguely e Frederick Kiesler, que foram os pioneiros da arte cinética .

Os escultores modernistas perderam em grande parte o enorme boom da arte pública resultante da demanda por memoriais de guerra para as duas Guerras Mundiais, mas a partir da década de 1950 o público e os órgãos encarregados tornaram-se mais confortáveis ​​com a escultura modernista e grandes encomendas públicas, tanto abstratas quanto figurativas, tornaram-se comuns . Picasso foi contratado para fazer uma maquete para uma enorme escultura pública de 15 metros de altura, a chamada Chicago Picasso (1967). Seu design era ambíguo e um tanto controverso, e o que a figura representa não está claro; pode ser um pássaro, um cavalo, uma mulher ou uma forma totalmente abstrata.

Durante o final dos anos 1950 e 1960, escultores abstratos começaram a fazer experiências com uma grande variedade de novos materiais e diferentes abordagens para criar seus trabalhos. Imagens surrealistas, abstração antropomórfica, novos materiais e combinações de novas fontes de energia e superfícies e objetos variados tornaram-se características de muitas das novas esculturas modernistas. Projetos colaborativos com paisagistas, arquitetos e paisagistas expandiram o site ao ar livre e a integração contextual. Artistas como Isamu Noguchi , David Smith , Alexander Calder , Jean Tinguely , Richard Lippold , George Rickey , Louise Bourgeois e Louise Nevelson passou a caracterizar o visual da escultura moderna.

Na década de 1960 , predominavam o expressionismo abstrato , a abstração geométrica e o minimalismo , que reduz a escultura aos seus traços mais essenciais e fundamentais. Algumas obras do período são: as obras Cubi de David Smith e as obras de aço soldado de Sir Anthony Caro , bem como a escultura soldada de uma grande variedade de escultores, a obra em larga escala de John Chamberlain e as obras em escala de instalação ambiental por Mark di Suvero . Outros minimalistas incluem Tony Smith , Donald Judd, Robert Morris , Anne Truitt , Giacomo Benevelli ,Arnaldo Pomodoro , Richard Serra , Dan Flavin , Carl Andre e John Safer que adicionaram movimento e monumentalidade ao tema da pureza da linha. [136]

Durante as décadas de 1960 e 1970, a escultura figurativa de artistas modernistas em formas estilizadas foi feita por artistas como Leonard Baskin , Ernest Trova , George Segal , Marisol Escobar , Paul Thek , Robert Graham em um estilo clássico articulado e Fernando Botero trazendo o tamanho de sua pintura figuras 'em esculturas monumentais.

Galeria de escultura modernista

Movimentos contemporâneos

Christo e Jeanne-Claude , Umbrellas 1991, Japão [137]
Escultura Dispositivo para erradicar o mal (1997) de Dennis Oppenheim em
Palma de Maiorca , Plaça de la Porta de Santa Catalina

Obras de arte ambientais e específicas do local são representadas por artistas: Andy Goldsworthy , Walter De Maria , [138] Richard Long , Richard Serra , Robert Irwin , [139] George Rickey e Christo e Jeanne-Claude levaram a escultura abstrata contemporânea em novas direções. Os artistas criaram esculturas ambientais em locais extensos no grupo de projetos " land art in the American West ". Estas obras de escultura em escala ambiental de land art ou 'earth art' exemplificadas por artistas como Robert Smithson ,Michael Heizer , James Turrell ( Roden Crater ). Eva Hesse , Sol LeWitt , Jackie Winsor , Keith Sonnier , Bruce Nauman e Dennis Oppenheim, entre outros, foram os pioneiros da escultura pós-minimalista .

Também durante as décadas de 1960 e 1970, artistas tão diversos como Eduardo Paolozzi , Chryssa , Claes Oldenburg , George Segal , Edward Kienholz , Nam June Paik , Wolf Vostell , Duane Hanson e John DeAndrea exploraram a abstração, as imagens e a figuração por meio da videoarte , ambiente, luz escultura e arte de instalação de novas maneiras.

Arte conceitual é a arte em que o (s) conceito (s) ou ideia (ões) envolvidos na obra têm precedência sobre as preocupações estéticas e materiais tradicionais. Os trabalhos incluem One and Three Chairs , 1965, de Joseph Kosuth , e An Oak Tree, de Michael Craig-Martin , e os de Joseph Beuys , James Turrell e Jacek Tylicki .

Minimalismo

Postminimalism

Gêneros contemporâneos

Algumas formas de escultura moderna são agora praticadas ao ar livre, como arte ambiental e escultura ambiental , muitas vezes à vista de espectadores. Esculturas leves , esculturas de arte de rua e arte específica do local também costumam fazer uso do ambiente. A escultura de gelo é uma forma de escultura efêmera que usa o gelo como matéria-prima. É popular na China, Japão, Canadá, Suécia e Rússia. Esculturas de gelo aparecem decorativamente em algumas culinárias, especialmente na Ásia. Esculturas cinéticas são esculturas projetadas para se mover, que incluem móbiles . Esculturas de nevesão geralmente esculpidos em um único bloco de neve com cerca de 6 a 15 pés (1,8 a 4,6 m) de cada lado e pesando cerca de 20-30 toneladas. A neve é ​​densamente compactada em uma forma após ter sido produzida por meios artificiais ou coletada do solo após uma nevasca. As esculturas sonoras assumem a forma de instalações de som internas, instalações externas, como harpas eólicas, autômatos ou estar mais ou menos perto de instrumentos musicais convencionais. A escultura de som costuma ser específica do local. Os brinquedos de arte tornaram-se outro formato para artistas contemporâneos desde o final dos anos 1990, como os produzidos por Takashi Murakami e Kid Robot , desenhados por Michael Lau , ou feitos à mão por Michael Leavitt (artista) .[140]

Conservação

Danos visíveis devido à chuva ácida em uma escultura

As esculturas são sensíveis às condições ambientais, como temperatura , umidade e exposição à luz e à luz ultravioleta . A chuva ácida também pode causar danos a certos materiais de construção e monumentos históricos. Isso ocorre quando o ácido sulfúrico na chuva reage quimicamente com os compostos de cálcio nas pedras (calcário, arenito, mármore e granito) para criar gesso , que então se solta.

Em qualquer época, muitas esculturas contemporâneas geralmente foram exibidas em locais públicos; o roubo não era um problema, pois as peças eram imediatamente reconhecíveis. No início do século 21, o valor do metal aumentou tanto que o roubo de esculturas maciças de bronze pelo valor do metal se tornou um problema; escultura que vale milhões sendo roubada e derretida pelo valor relativamente baixo do metal, uma pequena fração do valor da obra de arte. [141]

Veja também

Notas

  1. ^ en.museicapitolini.org (em italiano).
  2. ^ a b "Deuses em Cores: Escultura Pintada da Antiguidade Clássica" Setembro de 2007 a Janeiro de 2008, Museu Arthur M. Sackler Arquivado em 4 de janeiro de 2009, na Máquina Wayback
  3. ^ a b Veja, por exemplo, Martin Robertson, Uma curta história da arte grega , p. 9, Cambridge University Press, 1981, ISBN  978-0-521-28084-6
  4. ^ NGA, característica de Washington na exposição.
  5. ^ Os Ptolomeus deram início à tradição helenística de retratos de governantes em moedas, e os romanos começaram a mostrar políticos mortos no primeiro século AEC, sendo Júlio César a primeira figura viva a ser retratada; sob os imperadores, os retratos da família imperial tornaram-se padrão. Veja Burnett, 34-35; Howgego, 63-70.
  6. ^ Artigo por Morris Cox.
  7. ^ Parte daexposição Gods in Color . Exposição de Harvard Arquivada em 06/10/2014 na Wayback Machine
  8. ^ Cook, 147; ele observa que os copistas gregos antigos parecem ter usado muito menos pontos do que alguns posteriores, e as cópias muitas vezes variam consideravelmente na composição, bem como no acabamento.
  9. ^ "Animação em Flash do processo de fundição por cera perdida" . Escultura de James Peniston . Recuperado em 30 de novembro de 2008 .
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