Quadro

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A Mona Lisa (1503–1517) de Leonardo da Vinci é uma das pinturas mais reconhecidas do mundo.
Uma representação artística de um grupo de rinocerontes foi feita na Caverna Chauvet de 30.000 a 32.000 anos atrás.

Pintura é a prática de aplicar tinta , pigmento , cor ou outro meio em uma superfície sólida (chamada de "matriz" ou "suporte"). [1] O meio é comumente aplicado à base com um pincel , mas outros implementos, como facas, esponjas e aerógrafos , podem ser usados.

Na arte , o termo pintura descreve tanto o ato quanto o resultado da ação (a obra final é chamada de "uma pintura"). O suporte para pinturas inclui superfícies como paredes, papel, tela, madeira, vidro, laca , cerâmica, folha , cobre e concreto , e a pintura pode incorporar vários outros materiais, incluindo areia, argila , papel, gesso , folha de ouro e até mesmo objetos inteiros.

A pintura é uma forma importante nas artes visuais , trazendo elementos como desenho , composição , gesto (como na pintura gestual ), narração (como na arte narrativa ) e abstração (como na arte abstrata ). [2] As pinturas podem ser naturalísticas e representacionais (como na natureza morta e na pintura de paisagem ), fotográficas , abstratas, narrativas, simbólicas (como na arte simbolista ), emotivas (como no expressionismo) ou de natureza política (como no Artivismo ).

Uma parte da história da pintura na arte oriental e ocidental é dominada pela arte religiosa . Os exemplos desse tipo de pintura vão desde obras de arte representando figuras mitológicas em cerâmica, até cenas bíblicas no teto da Capela Sistina e cenas da vida de Buda (ou outras imagens de origem religiosa oriental ).

História

Pintura pré-histórica de auroques em cavernas ( francês : Bos primigenius primigenius )), Lascaux , França
A pintura figurativa mais antiga conhecida é a representação de um touro que foi descoberto na caverna Lubang Jeriji Saléh, na Indonésia . Foi pintado 40.000 - 52.000 anos atrás ou antes.

As pinturas mais antigas conhecidas têm aproximadamente 40.000 anos, encontradas tanto na região franco-cantábrica na Europa Ocidental, quanto nas cavernas no distrito de Maros ( Sulawesi , Indonésia ). Pinturas rupestres foram encontradas em Kalimantan , Indonésia , na caverna Lubang Jeriji Saléh, que se acredita ter entre 40.000 e 52.000 anos de idade. Mais recentemente, em 2021, foi relatada a arte de caverna de um porco encontrado em uma ilha da Indonésia e datado de mais de 45.500 anos. [3] [4] No entanto, as primeiras evidências do ato de pintar foram descobertas em dois abrigos de pedra em Arnhem Land, no norte da Austrália. Na camada mais baixa de material desses locais, são usadas peças de ocre com idade estimada de 60.000 anos. Os arqueólogos também encontraram um fragmento de pintura rupestre preservado em um abrigo rochoso de calcário na região de Kimberley , no noroeste da Austrália, datado de 40.000 anos. [5] Existem exemplos de pinturas rupestres em todo o mundo - na Indonésia , França , Espanha , Portugal , Itália , China , Austrália , México , [6] etc. Nas culturas ocidentais, pintura a óleoe a pintura em aquarela têm tradições ricas e complexas em estilo e assunto. No Oriente, a tinta e a tinta colorida predominaram historicamente na escolha dos meios de comunicação, com tradições igualmente ricas e complexas.

A invenção da fotografia teve um grande impacto na pintura. Nas décadas após a produção da primeira fotografia em 1829, os processos fotográficos melhoraram e se tornaram mais amplamente praticados, privando a pintura de grande parte de seu propósito histórico de fornecer um registro preciso do mundo observável. Uma série de movimentos artísticos no final do século 19 e início do século 20 - notavelmente impressionismo , pós-impressionismo , fauvismo , expressionismo , cubismo e dadaísmo - desafiou a visão renascentista do mundo. A pintura oriental e africana, no entanto, deu continuidade a uma longa história de estilizaçãoe não sofreu uma transformação equivalente ao mesmo tempo. [ citação necessária ]

A arte moderna e contemporânea se afastou do valor histórico do artesanato e da documentação em favor do conceito . Isso não impediu a maioria dos pintores vivos de continuar a praticar a pintura no todo ou em parte de seu trabalho. A vitalidade e versatilidade da pintura do século XXI desafiam as anteriores "declarações" de sua extinção. Numa época marcada pela ideia de pluralismo , não há consenso quanto a um estilo representativo da época. Os artistas continuam a fazer importantes obras de arte em uma ampla variedade de estilos e temperamentos estéticos - seus méritos são deixados para o público e o mercado julgar.

Elementos da pintura

Chen Hongshou (1598–1652), pintura do álbum Leaf ( dinastia Ming )
Mostra uma pintura pontilhista de um solista de trombone.
Georges Seurat , Circus Sideshow ( francês : Parade de cirque ) (1887 a 1888)

Cor e tom

A cor , composta de matiz , saturação e valor , dispersa sobre uma superfície é a essência da pintura, assim como o tom e o ritmo são a essência da música . A cor é altamente subjetiva, mas tem efeitos psicológicos observáveis, embora possam diferir de uma cultura para outra. O preto é associado ao luto no Ocidente, mas no Oriente, o branco é. Alguns pintores, teóricos, escritores e cientistas, incluindo Goethe , [7] Kandinsky , [8] e Newton , [9] escreveram sua própria teoria da cor .

Além disso, o uso da linguagem é apenas uma abstração para um equivalente de cor. A palavra " vermelho ", por exemplo, pode abranger uma ampla gama de variações do vermelho puro do espectro de luz visível . Não há um registro formalizado de cores diferentes na forma como há concordância em notas diferentes na música, como F ou C♯ . Para um pintor, a cor não é simplesmente dividida em cores básicas (primárias) e derivadas (complementares ou mistas) (como vermelho, azul, verde, marrom, etc.).

Os pintores lidam praticamente com pigmentos , [10] então " azul " para um pintor pode ser qualquer um dos azuis: azul ftalocianina , azul da Prússia , índigo , azul cobalto , ultramar e assim por diante. Os significados psicológicos e simbólicos da cor não são, estritamente falando, meios de pintura. As cores apenas aumentam o contexto potencial derivado de significados e, por isso, a percepção de uma pintura é altamente subjetiva. A analogia com a música é bastante clara - o som na música (como uma nota dó) é análogo a "luz" na pintura, "tons" à dinâmica e "coloração" é a pintura como o timbre específicodos instrumentos musicais é para a música. Esses elementos não formam necessariamente uma melodia (na música) de si mesmos; em vez disso, eles podem adicionar contextos diferentes a ele.

Elementos não tradicionais

Os artistas modernos ampliaram consideravelmente a prática da pintura, incluindo, por exemplo, a colagem , que começou com o cubismo e não é pintura em sentido estrito. Alguns pintores modernos incorporam diferentes materiais como metal, plástico, areia , cimento , palha , folhas ou madeira para sua textura . Exemplos disso são as obras de Jean Dubuffet e Anselm Kiefer . Há uma comunidade crescente de artistas que usam computadores para "pintar" cores em uma "tela" digital usando programas como Adobe Photoshop , Corel Painter, e muitos outros. Essas imagens podem ser impressas em telas tradicionais, se necessário.

Ritmo

Jean Metzinger , La danse (Bacchante) (c.1906), óleo sobre tela, 73 x 54 cm, Museu Kröller-Müller

A técnica divisionista de mosaico de Jean Metzinger teve seu paralelo na literatura; uma característica da aliança entre escritores simbolistas e artistas neo-impressionistas:

Peço à pincelada dividida não a representação objetiva da luz, mas iridescências e certos aspectos da cor ainda estranhos à pintura. Faço uma espécie de versificação cromática e, para as sílabas, utilizo traços que, variáveis ​​em quantidade, não podem diferir em dimensão sem modificar o ritmo de uma fraseologia pictórica destinada a traduzir as diversas emoções suscitadas pela natureza. (Jean Metzinger, por volta de 1907) [11]

Piet Mondrian , Composition en rouge, jaune, bleu et noir (1921), Gemeentemuseum Den Haag

O ritmo , para artistas como Piet Mondrian , [12] [13] é importante na pintura assim como na música. Se alguém define o ritmo como "uma pausa incorporada a uma sequência", então pode haver ritmo nas pinturas. Essas pausas permitem que a força criativa intervenha e acrescente novas criações - forma, melodia, coloração. A distribuição da forma ou de qualquer tipo de informação é de importância crucial em uma determinada obra de arte e afeta diretamente o valor estético dessa obra. Isso ocorre porque o valor estético é dependente da funcionalidade, ou seja, a liberdade (de movimento) de percepção é percebida como beleza. O fluxo livre de energia, tanto na arte quanto em outras formas de " techne ", contribui diretamente para o valor estético. [12]

A música foi importante para o nascimento da arte abstrata, uma vez que a música é abstrata por natureza - ela não tenta representar o mundo exterior, mas expressa de forma imediata os sentimentos internos da alma. Wassily Kandinsky freqüentemente usava termos musicais para identificar suas obras; ele chamou suas pinturas mais espontâneas de "improvisações" e descreveu as obras mais elaboradas como "composições". Kandinsky teorizou que "a música é o professor final", [14] e subsequentemente embarcou nas primeiras sete de suas dez composições . Ouvindo tons e acordes enquanto pintava, Kandinsky teorizou que (por exemplo) o amarelo é a cor do centralem uma trombeta estridente; preto é a cor do fechamento e do fim das coisas; e que combinações de cores produzem frequências vibratórias, semelhantes a acordes tocados em um piano. Em 1871, o jovem Kandinsky aprendeu a tocar piano e violoncelo. [15] [16] cenografia de Kandinsky para um desempenho de Mussorgsky 's Quadros de uma Exposição ilustra seu conceito 'sinestésica' de uma correspondência universal de formas, cores e sons musicais. [17]

A música define muito da pintura abstrata modernista. Jackson Pollock ressalta esse interesse com sua pintura Autumn Rhythm (número 30), de 1950 . [18]

Estética e teoria

Um relevo contra a parede mostra um homem barbudo estendendo as mãos enquanto suas roupas estão estendidas sobre seu corpo.
Nino Pisano , Apelles ou a arte da pintura em detalhes (1334–1336); relevo da torre do sino de Giotto em Florença , Itália

A estética é o estudo da arte e da beleza ; foi uma questão importante para os filósofos dos séculos 18 e 19, como Kant e Hegel . Filósofos clássicos como Platão e Aristóteles também teorizaram sobre arte e pintura em particular. Platão desconsiderou pintores (bem como escultores) em seu sistema filosófico; ele afirmava que a pintura não pode representar a verdade - é uma cópia da realidade (uma sombra do mundo das idéias) e nada mais é que um ofício , semelhante à fabricação de calçados ou à fundição de ferro. [19] Na época de Leonardo, a pintura havia se tornado uma representação mais próxima da verdade do que a pintura eraGrécia Antiga . Leonardo da Vinci , pelo contrário, disse que " Italiano : La Pittura è cosa mentale " ("Inglês: a pintura é uma coisa da mente "). [20] Kant distinguia entre Beleza e Sublime , em termos que claramente davam prioridade à primeira. [ carece de fontes? ] Embora ele não se refira à pintura em particular, este conceito foi adotado por pintores como JMW Turner e Caspar David Friedrich .

Hegel reconheceu o fracasso em atingir um conceito universal de beleza e, em seu ensaio estético, escreveu que a pintura é uma das três artes "românticas", junto com a Poesia e a Música , por seu propósito simbólico e altamente intelectual. [21] [22] Pintores que escreveram trabalhos teóricos sobre pintura incluem Kandinsky e Paul Klee . [23] [24] Em seu ensaio, Kandinsky afirma que a pintura tem um valor espiritual, e ele atribui cores primárias a sentimentos ou conceitos essenciais, algo que Goethe e outros escritores já haviam tentado fazer.

A iconografia é o estudo do conteúdo das pinturas, ao invés de seu estilo. Erwin Panofsky e outros historiadores da arte procuram primeiro compreender as coisas retratadas, antes de olhar para seu significado para o espectador na época e, finalmente, analisar seu significado cultural, religioso e social mais amplo. [25]

Em 1890, o pintor parisiense Maurice Denis afirmou a famosa frase: "Lembre-se de que uma pintura - antes de ser um cavalo de guerra, uma mulher nua ou uma história ou outra - é essencialmente uma superfície plana coberta com cores reunidas em uma determinada ordem." [26] Assim, muitos desenvolvimentos da pintura do século 20, como o cubismo , foram reflexos sobre os meios de pintura, e não sobre o mundo externo - a natureza - que anteriormente tinha sido seu tema central. Contribuições recentes para pensar sobre a pintura foram oferecidas pelo pintor e escritor Julian Bell . Em seu livro O que é pintura?, Bell discute o desenvolvimento, ao longo da história, da noção de que pinturas podem expressar sentimentos e ideias. [27] Em Mirror of The World, Bell escreve:

Uma obra de arte busca prender sua atenção e mantê-la fixa: uma história da arte a impele para frente, abrindo caminho através das casas da imaginação. [28]

Media Pintura

Diferentes tipos de tinta são geralmente identificados pelo meio em que o pigmento está suspenso ou incorporado, o que determina as características gerais de trabalho da tinta, como viscosidade , miscibilidade , solubilidade , tempo de secagem, etc.

Óleo

Honoré Daumier , The Painter (1808-1879), óleo sobre painel com pinceladas visíveis

A pintura a óleo é o processo de pintura com pigmentos que são ligados com um meio de óleo de secagem , como óleo de linhaça , que foi amplamente utilizado no início da Europa moderna. Freqüentemente, o óleo era fervido com uma resina como resina de pinho ou mesmo olíbano ; eram chamados de 'vernizes' e valorizados por seu corpo e brilho. A tinta a óleo acabou se tornando o principal meio de criação de obras de arte à medida que suas vantagens se tornaram amplamente conhecidas. A transição começou com a pintura dos primeiros holandeses no norte da Europa e, no auge do Renascimento , as técnicas de pintura a óleo substituíram quase completamente as tintas de têmpera na maior parte da Europa.

Pastel

Maurice Quentin de La Tour , Retrato de Luís XV da França (1748), pastel

Pastel é um meio de pintura em forma de bastão, composto de pigmento em pó puro e um aglutinante. [29] Os pigmentos usados ​​em pastéis são os mesmos usados ​​para produzir todas as mídias coloridas de arte, incluindo tintas a óleo ; o ligante é de tonalidade neutra e baixa saturação . O efeito de cor dos pastéis está mais próximo dos pigmentos naturais secos do que de qualquer outro processo. [30] Como a superfície de uma pintura em pastel é frágil e facilmente borrada, sua preservação requer medidas de proteção, como emoldurar sob o vidro; também pode ser pulverizado com um fixador. No entanto, quando feita com pigmentos permanentes e bem cuidada, uma pintura a pastel pode permanecer inalterada por séculos. Os pastéis não são suscetíveis, como as pinturas feitas com um meio fluido, às rachaduras e descoloração que resultam de mudanças na cor, opacidade ou dimensões do meio à medida que seca.

Acrílico

Ray Burggraf , Jungle Arc (1998), tinta acrílica sobre madeira

Tinta acrílica é uma tinta de secagem rápida contendo suspensão de pigmento em emulsão de polímero acrílico . As tintas acrílicas podem ser diluídas com água, mas tornam-se resistentes à água quando secas. Dependendo de quanto a tinta é diluída (com água) ou modificada com géis acrílicos, mídia ou pastas, a pintura acrílica acabada pode se assemelhar a uma aquarela ou pintura a óleo, ou têm suas próprias características únicas não alcançáveis ​​com outras mídias. A principal diferença prática entre a maioria dos acrílicos e tintas a óleo é o tempo de secagem inerente. Os óleos permitem mais tempo para misturar cores e aplicar esmaltes uniformes sobre pinturas de baixo. Esse aspecto de secagem lenta do óleo pode ser visto como uma vantagem para certas técnicas, mas também pode impedir a habilidade do artista de trabalhar rapidamente.

Watercolor

Aquarela é um método de pintura em que as tintas são feitas de pigmentos suspensos em um veículo solúvel em água. O suporte tradicional e mais comum para pinturas em aquarela é o papel; outros suportes incluem papiro , papel de casca de árvore, plástico, pergaminho ou couro , tecido , madeira e tela . No Leste Asiático, a pintura em aquarela com tintas é conhecida como pintura a pincel ou pintura em rolo. Na pintura chinesa , coreana e japonesa , tem sido o meio dominante, muitas vezes em preto ou marrom monocromático. Índia, Etiópia e outros países também têm longas tradições.A pintura a dedo com aguarelas teve origem na China. Lápis de aquarela (lápis de cor solúveis em água) podem ser usados ​​úmidos ou secos.

Tinta

Sesshū Tōyō , Landscapes of the Four Seasons (1486), tinta e cor clara no papel

As pinturas a tinta são feitas com um líquido que contém pigmentos ou corantes e é usado para colorir uma superfície para produzir uma imagem, texto ou desenho . A tinta é usada para desenhar com uma caneta , pincel ou pena . A tinta pode ser um meio complexo, composto de solventes , pigmentos, corantes, resinas , lubrificantes , solubilizantes, surfactantes , partículas , fluorescentes e outros materiais. Os componentes das tintas servem a muitos propósitos; o suporte da tinta, os corantes e outros aditivos controlam o fluxo e a espessura da tinta e sua aparência quando seca.

Cera quente ou encáustica

Ícone encáustico do Mosteiro de Santa Catarina , Egito (século 6)

A pintura encáustica , também conhecida como pintura de cera quente, envolve o uso de cera de abelha aquecida à qual são adicionados pigmentos coloridos. O líquido / pasta é então aplicado a uma superfície - geralmente madeira preparada, embora tela e outros materiais sejam freqüentemente usados. A mistura encáustica mais simples pode ser feita adicionando pigmentos à cera de abelha, mas existem várias outras receitas que podem ser usadas - algumas contendo outros tipos de ceras , resina damar , óleo de linhaça, ou outros ingredientes. Pigmentos puros em pó podem ser adquiridos e usados, embora algumas misturas usem tintas a óleo ou outras formas de pigmento. Ferramentas de metal e pincéis especiais podem ser usados ​​para modelar a tinta antes que ela esfrie, ou ferramentas de metal aquecidas podem ser usadas para manipular a cera assim que ela esfriar na superfície. Outros materiais podem ser envolvidos ou colados na superfície, ou em camadas, usando o meio encáustico para aderir à superfície.

A técnica era a normal para pinturas de painel da Grécia Antiga e Romana, e permaneceu em uso na tradição dos ícones ortodoxos orientais .

Fresco

White Angel (afresco), mosteiro Mileševa, Sérvia

Afresco é qualquer um dos vários tipos de pintura mural relacionados , feitos em gesso em paredes ou tetos. A palavra fresco vem da palavra italiana affresco [afˈfresːko] , que deriva da palavra latina para fresco . Afrescos eram freqüentemente feitos durante a Renascença e outros períodos iniciais. A técnica do buon fresco consiste em pintar com pigmento misturado com água sobre uma fina camada de argamassa ou gesso fresco e úmido , para o qual se usa a palavra italiana para gesso, intonaco . Já uma pintura secco é feita em gesso seco ( seccoé "seco" em italiano). Os pigmentos requerem um meio de ligação, como ovo ( têmpera ), cola ou óleo para fixar o pigmento à parede.

Guache

Gouache é uma tinta à base de água que consiste em pigmentos e outros materiais projetados para serem usados ​​em um método de pintura opaca. O guache difere da aquarela porque as partículas são maiores, a proporção de pigmento para água é muito maior e um pigmento branco inerte adicional, como giz, também está presente. Isso torna o guache mais pesado e opaco, com maiores qualidades reflexivas. Como todo meio aquático, ele é diluído em água. [31]

Esmalte

Jean de Court (atribuído), pintou o prato de esmalte Limoges em detalhes (meados do século 16), Waddesdon Bequest , Museu Britânico

Os esmaltes são feitos pintando um substrato, geralmente metálico, com vidro em pó; minerais chamados óxidos de cor fornecem coloração. Depois de disparar a uma temperatura de 750–850 graus Celsius (1380–1560 graus Fahrenheit), o resultado é uma laminação fundida de vidro e metal. Ao contrário da maioria das técnicas pintadas, a superfície pode ser manuseada e molhada. Os esmaltes têm sido tradicionalmente usados ​​para decoração de objetos preciosos, [32] mas também têm sido usados ​​para outros fins. O esmalte Limoges foi o centro principal da pintura em esmalte renascentista, com pequenas cenas religiosas e mitológicas em ambientes decorados, em placas ou objetos como sais ou caixões. No século 18, a pintura em esmalte estava em voga na Europa, especialmente como meio paraminiaturas de retratos . [33] No final do século 20, a técnica de esmalte de porcelana em metal foi usada como um meio durável para murais ao ar livre. [34]

Tinta spray

A tinta aerossol (também chamada de tinta spray) é um tipo de tinta que vem em um recipiente pressurizado selado e é liberada em uma névoa fina de spray ao pressionar um botão de válvula . Uma forma de pintura em spray , a tinta em aerossol deixa uma superfície lisa e uniformemente revestida. As latas de tamanho padrão são portáteis, baratas e fáceis de armazenar. O primer em aerossol pode ser aplicado diretamente no metal e em muitos plásticos.

Velocidade, portabilidade e permanência também tornam a tinta aerossol um meio comum de graffiti . No final da década de 1970, as assinaturas e murais dos grafiteiros de rua tornaram-se mais elaborados e um estilo único se desenvolveu como fator do meio aerossol e da velocidade exigida para o trabalho ilícito. Muitos agora reconhecem o graffiti e a arte de rua como uma forma de arte única e tintas aerossóis fabricadas especificamente são feitas para o grafiteiro. Um estêncil protege uma superfície, exceto a forma específica a ser pintada. Os estênceis podem ser comprados como letras móveis, encomendados como logotipos cortados profissionalmente ou cortados à mão por artistas.

Tempera

Têmpera , também conhecida como têmpera de ovo, é um meio de pintura permanente de secagem rápida que consiste em pigmento colorido misturado a um meio aglutinante solúvel em água (geralmente um material glutinoso, como gema de ovo ou algum outro tamanho ). Tempera também se refere às pinturas feitas neste meio. As pinturas em Têmpera são muito duradouras e ainda existem exemplos dos primeiros séculos EC. A têmpera de ovo foi o principal método de pintura até depois de 1500, quando foi substituída pela invenção da pintura a óleo . Uma tinta comumente chamada de têmpera (embora não seja) consistindo de pigmento e tamanho de cola é comumente usada e referida por alguns fabricantes na América como tinta para cartaz .

Água tinta a óleo miscível

Tintas a óleo miscíveis em água (também chamadas de "solúveis em água" ou "misturáveis ​​em água") são uma variedade moderna de tintas a óleo projetada para ser diluída e limpa com água, em vez de ter que usar produtos químicos como a terebintina . Ele pode ser misturado e aplicado usando as mesmas técnicas da tinta tradicional à base de óleo, mas enquanto ainda úmido pode ser removido com eficácia de pincéis, paletas e trapos com água e sabão comum. Sua solubilidade em água vem do uso de um meio oleoso no qual uma extremidade da molécula foi alterada para se ligar livremente às moléculas de água, como em uma solução .

Pintura digital

A pintura digital é um método de criação de um objeto de arte (pintura) digitalmente ou uma técnica para fazer arte digital no computador. Como um método de criação de um objeto de arte, ele adapta o meio de pintura tradicional, como tinta acrílica , óleos , tinta , aquarela , etc. e aplica o pigmento a suportes tradicionais, como tecido de tela, papel, poliéster, etc. por meio de software de condução de máquinas robóticas industriais ou de escritório (impressoras). Como técnica, refere-se a um programa de software de computação gráfica que usa um sistema virtualtela e caixa de pintura virtual com pincéis, cores e outros suprimentos. A caixa virtual contém muitos instrumentos que não existem fora do computador, e que dão a uma obra de arte digital uma aparência diferente de uma obra de arte feita da maneira tradicional. Além disso, a pintura digital não é uma arte 'gerada por computador', pois o computador não cria automaticamente imagens na tela usando alguns cálculos matemáticos. Por outro lado, o artista usa sua própria técnica de pintura para criar uma obra particular no computador. [35]

Estilos de pintura

O estilo é usado em dois sentidos: pode referir-se aos elementos visuais, técnicas e métodos distintos que tipificam o trabalho de um artista individual . Também pode se referir ao movimento ou escola ao qual um artista está associado. Isso pode resultar de um grupo real com o qual o artista estava conscientemente envolvido ou pode ser uma categoria na qual os historiadores da arte colocaram o pintor. A palavra 'estilo' neste último sentido caiu em desuso nas discussões acadêmicas sobre pintura contemporânea, embora continue a ser usada em contextos populares. Esses movimentos ou classificações incluem o seguinte:

Ocidental

Modernismo

O modernismo descreve um conjunto de tendências culturais e uma série de movimentos culturais associados , originalmente decorrentes de mudanças em larga escala e de longo alcance na sociedade ocidental no final do século 19 e início do século 20. O modernismo foi uma revolta contra os valores conservadores do realismo . [36] [37]O termo abrange as atividades e a produção daqueles que sentiram que as formas "tradicionais" de arte, arquitetura, literatura, fé religiosa, organização social e vida diária estavam se tornando desatualizadas nas novas condições econômicas, sociais e políticas de uma sociedade emergente totalmente industrializada mundo. Uma característica saliente do modernismo é a autoconsciência. Isso muitas vezes levou a experimentos com forma e trabalho que chamam a atenção para os processos e materiais usados ​​(e para a tendência posterior de abstração). [38]

Impressionismo
A impressão de Claude Monet de 1872 , Sunrise inspirou o nome do movimento

O primeiro exemplo de modernismo na pintura foi o impressionismo , uma escola de pintura que inicialmente se concentrava no trabalho feito, não em estúdios, mas ao ar livre ( en plein air ). As pinturas impressionistas demonstraram que os seres humanos não veem objetos, mas sim a própria luz. A escola reuniu adeptos apesar das divisões internas entre seus principais praticantes e tornou-se cada vez mais influente. Inicialmente rejeitado no show comercial mais importante da época, o Salão de Paris patrocinado pelo governo , os impressionistas organizaram exposições coletivas anuais em locais comerciais durante as décadas de 1870 e 1880, cronometrando-as para coincidir com o salão oficial. Um evento significativo de 1863 foi o Salon des Refusés, criado pelo imperador Napoleão III para exibir todas as pinturas rejeitadas pelo Salão de Paris.

Estilos abstratos

A pintura abstrata usa uma linguagem visual de forma, cor e linha para criar uma composição que pode existir com um grau de independência das referências visuais do mundo. [39] [40] O expressionismo abstrato foi um movimento artístico americano pós- Segunda Guerra Mundial que combinou a intensidade emocional e a abnegação dos expressionistas alemães com a estética antifigurativa das escolas abstratas europeias - como o futurismo , a Bauhaus e o cubismo , e a imagem de ser rebelde, anárquico, altamente idiossincrático e, alguns acham, niilista. [41]

A action painting , às vezes chamada de abstração gestual , é um estilo de pintura em que a tinta é espontaneamente gotejada, respingada ou manchada na tela, em vez de ser aplicada com cuidado. [42] O trabalho resultante freqüentemente enfatiza o ato físico de pintar como um aspecto essencial da obra acabada ou preocupação de seu artista. O estilo foi difundido da década de 1940 até o início dos anos 1960 e está intimamente associado ao expressionismo abstrato (alguns críticos usaram os termos "action painting" e "expressionismo abstrato" como sinônimos).

Outros estilos modernistas incluem:

Outsider Art

O termo arte outsider foi cunhado pelo crítico de arte Roger Cardinal em 1972 como um sinônimo inglês para arte brut (em francês:  [aʁ bʁyt] , "arte bruta" ou "arte bruta"), um rótulo criado pelo artista francês Jean Dubuffet para descrever arte criado fora dos limites da cultura oficial; Dubuffet concentrou-se principalmente na arte de presidiários de asilo para loucos . [43] Outsider art emergiu como uma categoria de marketing de arte de sucesso (uma Feira de Arte Outsider anual ocorre em Nova York desde 1992). O termo é às vezes mal aplicado como um rótulo de marketing abrangente para a arte criada por pessoas fora do "mundo da arte" convencional, independentemente de suas circunstâncias ou do conteúdo de seu trabalho.

Photorealism

Fotorrealismo é o gênero de pintura baseado no uso da câmera e das fotografias para coletar informações e, a partir dessas informações, criar uma pintura que parece muito realista como uma fotografia . O termo é aplicado principalmente a pinturas do movimento artístico dos Estados Unidos que começou no final dos anos 1960 e no início dos anos 1970. Como um movimento artístico de pleno direito, o fotorrealismo evoluiu da Pop Art [44] [45] [46] e como um contraponto ao expressionismo abstrato .

O hiperrealismo é um gênero de pintura e escultura que se assemelha a uma fotografia de alta resolução . O hiperrealismo é uma escola de arte totalmente desenvolvida e pode ser considerado um avanço do fotorrealismo pelos métodos usados ​​para criar as pinturas ou esculturas resultantes. O termo é aplicado principalmente a um movimento de arte independente e estilo de arte nos Estados Unidos e na Europa que se desenvolveu desde o início dos anos 2000. [47]

Surrealismo

O surrealismo é um movimento cultural que começou no início dos anos 1920 e é mais conhecido pela produção artística e literária dos afiliados ao Movimento Surrealista . As obras de arte surrealistas apresentam o elemento surpresa, o estranho, o inconsciente, as justaposições inesperadas e o non-sequitur ; no entanto, muitos artistas e escritores surrealistas consideram seu trabalho como uma expressão do movimento filosófico em primeiro lugar, com as obras sendo um artefato. O líder André Breton foi explícito em sua afirmação de que o Surrealismo foi acima de tudo um movimento revolucionário.

O surrealismo se desenvolveu a partir das atividades dadá da Primeira Guerra Mundial e o centro mais importante do movimento foi Paris . A partir da década de 1920, o movimento se espalhou pelo globo, afetando as artes visuais , a literatura , o cinema e a música de diversos países, assim como o pensamento e a prática política , a filosofia e a teoria social .

Leste Asiático

Islâmico

Indiano

Africano

A arte contemporânea

1950

1960

Década de 1970

1980

Década de 1990

2000

Tipos de pintura

Alegoria

Alegoria é um modo figurativo de representação que transmite um significado diferente do literal. A alegoria comunica sua mensagem por meio de figuras simbólicas , ações ou representação simbólica. A alegoria é geralmente tratada como uma figura da retórica , mas uma alegoria não precisa ser expressa na linguagem : pode ser dirigida ao olho e frequentemente encontrada na pintura realista. Um exemplo de alegoria visual simples é a imagem do ceifador . Os telespectadores entendem que a imagem do ceifador é uma representação simbólica da morte.

Bodegón

Francisco de Zurbarán , Natureza morta com potes de cerâmica ( espanhol : Bodegón de recipientes ) (1636), óleo sobre tela, 46 x 84 cm, Museu do Prado , Madrid

Na arte espanhola , um bodegón é uma pintura de natureza morta que representa itens de despensa, como alimentos, jogos e bebidas, muitas vezes dispostos em uma simples laje de pedra, e também uma pintura com uma ou mais figuras, mas elementos significativos de natureza morta, tipicamente configurados em uma cozinha ou taverna. A partir do período barroco , essas pinturas tornaram-se populares na Espanha no segundo quartel do século XVII. A tradição da pintura de natureza morta parece ter começado e era muito mais popular nos Países Baixos contemporâneos , hoje na Bélgica e na Holanda (então artistas flamengos e holandeses), do que nunca no sul da Europa . Naturezas mortas do nortetinha muitos subgêneros: a peça do café da manhã era aumentada pelo trompe-l'oeil , o buquê de flores e as vanitas . Na Espanha, havia muito menos clientes para esse tipo de coisa, mas um tipo de peça de café da manhã se tornou popular, com alguns objetos de comida e talheres colocados sobre a mesa.

Pintura artística

A pintura de figuras é uma obra de arte em qualquer meio de pintura com o tema principal sendo a figura humana, vestida ou nua . A pintura artística também pode se referir à atividade de criação de tal obra. A figura humana tem sido um dos temas de contraste da arte desde as primeiras pinturas rupestres da Idade da Pedra, e foi reinterpretada em vários estilos ao longo da história. [48] Alguns artistas conhecidos pela pintura de figuras são Peter Paul Rubens , Edgar Degas e Édouard Manet .

Reza Abbasi , dois amantes (1630)

Pintura da ilustração

As pinturas de ilustração são aquelas usadas como ilustrações em livros, revistas e cartazes de teatro ou cinema e histórias em quadrinhos. Hoje, há um interesse crescente em colecionar e admirar as obras de arte originais. Várias exposições de museus, revistas e galerias de arte dedicaram espaço aos ilustradores do passado. No mundo das artes visuais, os ilustradores às vezes são considerados menos importantes em comparação com artistas plásticos e designers gráficos . Mas, como resultado do crescimento da indústria de quadrinhos e jogos de computador , as ilustrações estão se tornando valorizadas como obras de arte populares e lucrativas que podem conquistar um mercado mais amplo do que as outras duas, especialmente na Coréia , Japão, Hong Kong e Estados Unidos.

Pintura de paisagem

Andreas Achenbach , Clearing Up, Coast of Sicily (1847), The Walters Art Museum [49] [50]

Pintura de paisagem é um termo que abrange a representação de paisagens naturais como montanhas, vales, árvores, rios, lagos e florestas e, especialmente, arte em que o tema principal é uma vista ampla, com seus elementos dispostos em uma composição coerente. Em outras obras, os fundos de paisagem para figuras ainda podem constituir uma parte importante do trabalho. O céu quase sempre está incluído na visualização e o clima costuma ser um elemento da composição. As paisagens detalhadas como um assunto distinto não são encontradas em todas as tradições artísticas e se desenvolvem quando já existe uma tradição sofisticada de representação de outros assuntos. As duas principais tradições brotam da pintura ocidental e da arte chinesa , remontando a bem mais de mil anos em ambos os casos.

Retrato pintura

As pinturas de retratos são representações de uma pessoa, em que predomina o rosto e a sua expressão. A intenção é mostrar a semelhança, a personalidade e até mesmo o humor da pessoa. A arte do retrato floresceu na escultura grega antiga e especialmente na romana , onde os assistentes exigiam retratos individualizados e realistas, mesmo os que não faziam jus. Um dos retratos mais conhecidos no mundo ocidental é a pintura de Leonardo da Vinci intitulada Mona Lisa , que se acredita ser um retrato de Lisa Gherardini , esposa de Francesco del Giocondo. [51]

Natureza morta

Otto Marseus van Schrieck , A Forest Floor Still-Life (1666)

Uma natureza morta é uma obra de arte que retrata principalmente um assunto inanimado , normalmente objetos comuns - que podem ser naturais (alimentos, flores, plantas, pedras ou conchas) ou artificiais (copos, livros, vasos, joias, moedas , tubos e assim por diante). Com origens na Idade Média e na arte grega / romana antiga, as pinturas de naturezas mortas dão ao artista mais margem de manobra no arranjo dos elementos de design dentro de uma composição do que pinturas de outros tipos de assuntos, como paisagens ou retratos.. As pinturas de naturezas mortas, especialmente antes de 1700, muitas vezes continham simbolismo religioso e alegórico relacionado aos objetos retratados. Algumas naturezas mortas modernas quebram a barreira bidimensional e empregam meios mistos tridimensionais e usam objetos encontrados, fotografia, computação gráfica, bem como vídeo e som.

Veduta

Uma veduta é uma pintura altamente detalhada, geralmente em grande escala, de uma paisagem urbana ou alguma outra vista. Este gênero de paisagem teve origem na Flandres , onde artistas como Paul Bril pintaram vedute já no século XVI. À medida que o itinerário do Grand Tour se tornou um tanto padronizado, vedute de cenas familiares como o Fórum Romano ou o Grande Canal relembrou as primeiras aventuras no continente para os ingleses aristocráticos. No final do século 19, impressões mais pessoais de paisagens urbanas substituíram o desejo de precisão topográfica, que foi satisfeita por panoramas pintados .

Veja também

Notas

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Outras leituras

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