Funk

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O funk é um gênero musical que se originou nas comunidades afro-americanas em meados da década de 1960, quando os músicos criaram uma nova forma de música rítmica e dançante através de uma mistura de soul , jazz e rhythm and blues (R&B). [2] Ele não enfatiza a melodia e as progressões de acordes e se concentra em um forte groove rítmico de uma linha de baixo tocada por um baixista elétrico e uma parte de bateria tocada por um percussionista, muitas vezes em ritmos mais lentos do que outras músicas populares. O funk normalmente consiste em um groove percussivo complexo com instrumentos rítmicos tocando grooves entrelaçados que criam uma sensação "hipnótica" e "dançante". [3] O funk usa os mesmos acordes estendidos ricamente coloridos encontrados no jazz bebop , como acordes menores com sétimas e décimas adicionadas, ou acordes de sétima dominante com nonas e terceiras alteradas.

O funk originou-se em meados da década de 1960, com o desenvolvimento de James Brown de um groove de assinatura que enfatizava a batida - com forte ênfase na primeira batida de cada compasso ("The One"), e a aplicação de notas semicolcheias e síncope em todas as linhas de baixo, padrões de bateria e riffs de guitarra [4] — e músicos influenciados por rock e psicodelia Sly and the Family Stone e Jimi Hendrix , fomentando a improvisação no funk. [5] Outros grupos musicais, incluindo Kool and the Gang , [6] Earth, Wind & Fire , Chic, BT Express , Loose Ends , Shalamar , The SOS Band , Slave , The Whispers , Cameo , Fat Larry's Band , the Bar-Kays e Imagination , [7] começaram a adotar e desenvolver as inovações de Brown durante a década de 1970 e adicionando essências de R&B a o gênero do início dos anos 1980, enquanto outros como Parliament-Funkadelic e Ohio Players seguiram o caminho de Hendrix.

Derivados de funk incluem o avant-funk , uma linhagem de funk de vanguarda ; boogie , um híbrido de música eletrônica e funk; funk metal , uma mistura de funk e metal; G-funk, uma mistura de gangsta rap e funk; Timba , uma forma de música de dança cubana funky; e funk. É também a principal influência do Washington go-go , um subgênero do funk. [8] Samples de funk e breakbeats têm sido usados ​​extensivamente no hip hop e na música eletrônica .

Etimologia

A palavra funk inicialmente se referia (e ainda se refere) a um odor forte. É originalmente derivado do latim "fumigare" (que significa "fumar") através do francês antigo "fungiere" e, nesse sentido, foi documentado pela primeira vez em inglês em 1620. Em 1784, "funky" que significa "mofo" foi documentado pela primeira vez , que, por sua vez, levou a uma sensação de "terrestre" que foi retomada por volta de 1900 na gíria do jazz inicial para algo "profundamente ou fortemente sentido". [9] [10] A etnomusicóloga Portia Maultsby afirma que a expressão "funk" vem da palavra da África Central "lu-funki"termo "lu-fuki" ; em ambas as origens propostas, o termo refere-se ao odor corporal . [11] A palavra de origem Kikongo proposta por Thompson, "lu-fuki" é usada por músicos africanos para elogiar as pessoas "pela integridade de sua arte" e por terem "trabalhado" para alcançar seus objetivos. [12] Embora na cultura branca, o termo "funk" possa ter conotações negativas de odor ou mau humor ("em um funk"), nas comunidades africanas, o termo "funk", embora ainda ligado ao odor corporal , tinha a sensação positiva de que o esforço honesto e trabalhador de um músico levava ao suor, e de seu "esforço físico" veio uma performance "excelente" e "superlativa". [12]

Nas primeiras jam sessions , os músicos encorajavam uns aos outros a " descer " dizendo uns aos outros: "Agora, coloque um pouco de fedor nisso!". Pelo menos já em 1907, as canções de jazz carregavam títulos como Funky . O primeiro exemplo é um número não gravado de Buddy Bolden , lembrado como " Funky Butt " ou "Buddy Bolden's Blues" com letras improvisadas que eram, de acordo com Donald M. Marquis, "cômicas e leves" ou "crude e absolutamente obscenas". mas, de uma forma ou de outra, remetendo ao clima suado dos bailes onde a banda de Bolden tocava. [13] [14]Até a década de 1950 e início de 1960, quando "funk" e "funky" foram usados ​​cada vez mais no contexto da música jazz , os termos ainda eram considerados indelicados e inadequados para uso em companhia educada. De acordo com uma fonte, o baterista Earl Palmer , nascido em Nova Orleans , "foi o primeiro a usar a palavra 'funky' para explicar a outros músicos que sua música deveria ser mais sincopada e dançante". [15] Mais tarde, o estilo evoluiu para um ritmo bastante duro e insistente, implicando uma qualidade mais carnal . Esta forma inicial da música estabeleceu o padrão para músicos posteriores. [16] A música foi identificada como lenta, sexy, solta, orientada para riffs e dançante.citação necessária ]

O significado de "funk" continua a cativar o gênero da música negra, sentimento e conhecimento. A bolsa de estudos recente em estudos negros tomou o termo "funk" em suas muitas iterações para considerar o alcance do movimento e da cultura negra. Em particular, Funk the Erotic: Transaesthetics and Black Sexual Cultures , de LH Stallings, explora esses múltiplos significados de "funk" como uma forma de teorizar a sexualidade, a cultura e a hegemonia ocidental dentro dos muitos locais do "funk": "festas de rua, drama/teatro , strippers e clubes de strip, pornografia e ficção auto-publicada." [17]

Características

Ritmo e andamento

A seção rítmica de uma banda de funk – o baixo elétrico, bateria, guitarra elétrica e teclados – é a pulsação do som do funk. Na foto estão os Metros .

Assim como o soul, o funk é baseado na dance music , por isso tem um forte "papel rítmico". [18] O som do funk é baseado tanto nos "espaços entre as notas" quanto nas notas que são tocadas; como tal, as pausas entre as notas são importantes. [19] Embora existam semelhanças rítmicas entre o funk e o disco , o funk tem uma "batida central de dança que é mais lenta, mais sexy e mais sincopada do que o disco", e os músicos da seção rítmica do funk adicionam mais "subtexturas", complexidade e "personalidade" ao principal. batida do que um conjunto de disco baseado em sintetizador programado. [20]

Antes do funk, a maior parte da música pop era baseada em sequências de colcheias, porque os andamentos rápidos tornavam inviáveis ​​outras subdivisões da batida. [3] A inovação do funk foi que, ao usar tempos mais lentos (certamente influenciados pelo renascimento do blues no início dos anos 60), o funk "criou espaço para mais subdivisões rítmicas, de modo que um compasso de 4/4 agora poderia acomodar possíveis 16 colocações de notas. " [3] Especificamente, por ter a guitarra e a bateria tocando em ritmos de semicolcheias "motorizados", criou a oportunidade para os outros instrumentos tocarem "estilo mais sincopado e quebrado", o que facilitou uma mudança para um estilo mais "liberado". linhas de baixo. Juntas, essas "partes interligadas" criaram uma "sensação hipnótica" e "dançante".

Grande parte do funk é ritmicamente baseado em uma estrutura de duas células onbeat/offbeat, que se originou nas tradições musicais da África subsaariana . Nova Orleans se apropriou da estrutura bifurcada do mambo e da conga afro-cubanos no final da década de 1940 e a tornou sua. [21] O funk de Nova Orleans, como era chamado, ganhou aclamação internacional em grande parte porque a seção rítmica de James Brown o usou com grande efeito. [22]

Motivo simples de funk de chute e caixa. O chute primeiro soa duas batidas, que são então respondidas por duas batidas incomuns. A caixa soa a batida de fundo.

Harmonia

Um acorde de décima terceira (E 13, que também contém uma 7ª e uma 9ª bemol) Playícone de alto-falante de áudio 

O funk usa os mesmos acordes estendidos ricamente coloridos encontrados no jazz bebop , como acordes menores com sétimas e décimas primeiras, ou acordes de sétima dominante com nonas alteradas. Alguns exemplos de acordes usados ​​no funk são acordes com 11ª menor (por exemplo, Fá com 11ª menor); sétima dominante com nona sustenida adicionada e uma quarta suspensa (por exemplo, C7 (#9) sus 4); acordes de nona dominante (por exemplo, F9); e acordes de sexta menor (por exemplo, C menor 6). [19] O acorde de sexta-nona é usado no funk (por exemplo, F 6/9); é um acorde maior com uma sexta e uma nona adicionadas. [19] No funk, os acordes de sétima menor são mais comuns do que as tríades menores porque as tríades menores foram consideradas muito finas. [23]Alguns dos solistas mais conhecidos e habilidosos do funk têm formação jazzística . O trombonista Fred Wesley e o saxofonista Pee Wee Ellis e Maceo Parker estão entre os músicos mais notáveis ​​do gênero funk, tendo trabalhado com James Brown , George Clinton e Prince .

Ao contrário do jazz bebop, com suas mudanças de acordes complexas e rápidas, o funk praticamente abandonou as mudanças de acordes, criando vamps estáticos de acordes únicos (muitas vezes alternando um acorde de sétima menor e um acorde de sétima dominante relacionado, como Lá menor a D7) com melodo-harmônico movimento e uma sensação rítmica complexa de condução. Mesmo que algumas músicas funk sejam principalmente vamps de um acorde, os músicos da seção rítmica podem embelezar esse acorde movendo-o para cima ou para baixo um semitom ou um tom para criar acordes de passagem cromática. Por exemplo, " Play that funky music " (de Wild Cherry ) usa principalmente um acorde E nona, mas também usa F#9 e F9. [24]

Os acordes usados ​​em músicas funk normalmente implicam um modo dórico ou mixolídio , em oposição às tonalidades maiores ou menores naturais da música mais popular. O conteúdo melódico foi derivado da mistura desses modos com a escala de blues . Na década de 1970, a música jazz recorreu ao funk para criar um novo subgênero do jazz-funk , que pode ser ouvido em gravações de Miles Davis ( Live-Evil , On the Corner ) e Herbie Hancock ( Head Hunters ).

Improvisação

O funk continua a tradição musical africana de improvisação , em que numa banda de funk, o grupo normalmente "sentiria" quando mudar, "jamming" e "grooving", mesmo na fase de gravação em estúdio, que só poderia ser baseada na estrutura de esqueleto para cada música. [25] O funk utiliza a "improvisação coletiva", na qual os músicos nos ensaios teriam o que era metaforicamente uma "conversa" musical, abordagem que se estendia às performances no palco. [26]

Instrumentos

Baixo

Bootsy Collins tocando em 1996 com um baixo em forma de estrela

O funk cria um groove intenso usando fortes riffs de guitarra e linhas de baixo tocadas no baixo elétrico . Como as gravações da Motown , as músicas funk usam linhas de baixo como a peça central das músicas. De fato, o funk tem sido chamado de estilo em que a linha de baixo é mais proeminente nas músicas, [27] com o baixo tocando o "gancho" da música. [28] As primeiras linhas de baixo do funk usavam síncope (normalmente colcheias sincopadas), mas com a adição de mais uma "sensação de condução" do que no funk de Nova Orleans, e usavam notas de escala de blues junto com a terça maior acima da fundamental. [29]As linhas de baixo funk posteriores usam síncope de semicolcheias, escalas de blues e padrões repetitivos, muitas vezes com saltos de uma oitava ou um intervalo maior. [28]

Esta linha de baixo funky inclui tapas percussivos, notas fantasmas rítmicas e efeitos de glissando.

As linhas de baixo funk enfatizam padrões repetitivos, grooves bloqueados, reprodução contínua e baixo slap e pop . Slapping and popping usa uma mistura de notas baixas batidas com o polegar (também chamadas de "thumped") e notas altas com o dedo "estalado" (ou arrancado), permitindo que o baixo tenha um papel rítmico semelhante ao de uma bateria, que se tornou um elemento distintivo do funk . Os jogadores de tapa e funky notáveis ​​incluem Bernard Edwards ( Chic ), Robert "Kool" Bell , Mark Adams ( Slave ), Johnny Flippin ( Fatback ) [30] e Bootsy Collins . [31] Enquanto tapa e funk são importantes, alguns baixistas influentes que tocam funk, como Rocco Prestia(de Tower of Power ), não usou a abordagem e, em vez disso, usou um método típico de fingerstyle baseado no estilo de jogo de James Jamerson na Motown . [31] Larry Graham do Sly and the Family Stone é um baixista influente. [32]

O baixo funk tem um "tipo de sensação terrosa e percussiva", em parte devido ao uso de notas fantasmas rítmicas e mudas [32] (também chamadas de "notas mortas"). [31] Alguns baixistas de funk usam unidades de efeitos eletrônicos para alterar o tom de seu instrumento, como "filtros de envelope" (um efeito de autowah que cria um som "gooey, slurpy, quacky e xaroposo") [33] e imitar tons de baixo de sintetizador de teclado [34] (por exemplo, o filtro de envelope Mutron ) [28] e efeitos de baixo fuzz overdrive , que são usados ​​para criar o "tom fuzz clássico que soa como discos de funk da velha escola". [35]Outros efeitos que são usados ​​incluem o flanger e o chorus de baixo . [28] Collins também usou um Mu-Tron Octave Divider , um pedal de oitava que, como o pedal Octavia popularizado por Hendrix , pode dobrar uma nota uma oitava acima e abaixo para criar um "som futurista e gordo". [36]

Bateria

A bateria funk cria um groove enfatizando a "sensação e emoção" do baterista, que inclui "flutuações de tempo ocasionais", o uso de swing em algumas músicas (por exemplo, "Cissy Strut" de The Meters e "I'll Take You There" por The Staple Singers , que tem uma sensação meio oscilante), e menos uso de preenchimentos (já que eles podem diminuir o groove). [37] Os preenchimentos de bateria são "poucos e econômicos", para garantir que a bateria permaneça "no bolso", com um ritmo e ritmo constantes. [38] Essas técnicas de execução são complementadas por uma configuração para o kit de bateria que geralmente inclui bumbos e toms abafados e caixas bem afinadas. sons são muitas vezes feitos por bateristas de funk com um único pedal, uma abordagem que "acentua a segunda nota... [e] amortece a ressonância da pele", que dá um som de bumbo curto e abafado. [37]

O groove de bateria de " Cissy Strut "

James Brown usou dois bateristas como Clyde Stubblefield e John 'Jabo' Starks na gravação e show de soul [39] Ao usar dois bateristas, a banda JB foi capaz de manter um som rítmico "sólido e sincopado", o que contribuiu para o distintivo " Ritmo Funky Drummer". [39]

Na execução do baterista da Tower of Power , David Garibaldi , há muitas "notas fantasmas" e rim shots . [37] Uma parte fundamental do estilo de bateria funk é usar o chimbal, com abrir e fechar os chimbals durante a execução (para criar efeitos de acento "splash") sendo uma abordagem importante. [40] Semicolcheias de duas mãos nos chimbals, às vezes com um grau de swing, são usadas no funk. [37]

Jim Payne afirma que a bateria do funk usa uma abordagem "aberta" para a improvisação em torno de idéias rítmicas da música latina, ostinatos , que são repetidas "com apenas pequenas variações", uma abordagem que, segundo ele, causa a natureza "hipnotizante" do funk. [41] Payne afirma que o funk pode ser pensado como "rock tocado de forma mais sincopada", particularmente com o bumbo, que toca padrões sincopados de "colcheia" e "décima sexta nota" que foram inovados pelo baterista Clive Williams (com Joe Tex ); George Brown (com Kool & the Gang ) e James "Diamond" Williams (com The Ohio Players ). [42] Tal como acontece com o rock,nas batidas dois e quatro ainda são usados ​​na maioria dos funk (embora com notas fantasmas suaves adicionais). [41]

Guitarra elétrica

No funk, os guitarristas costumam misturar acordes de curta duração (apelidados de "stabs") com ritmos e riffs mais rápidos. [18] Guitarristas tocando partes rítmicas geralmente tocam semicolcheias, inclusive com "notas fantasmas" percussivas. [18] Extensões de acordes são favorecidas, como acordes de nona. [18] Normalmente, o funk usa "duas partes de guitarra [elétricas] interligadas", com um guitarrista rítmico e um "guitarrista tenor" que toca notas únicas. Os dois guitarristas trocam suas falas para criar um " bolso entrelaçado de chamada e resposta ". [43] Se uma banda tem apenas um guitarrista, este efeito pode ser recriado por overdubbingno estúdio, ou, em um show ao vivo, tendo um único guitarrista tocando as duas partes, na medida em que isso for possível. [43]

Em bandas de funk, os guitarristas normalmente tocam em um estilo percussivo, usando um estilo de palhetada chamado de "chank" ou "chicken scratch" , no qual as cordas da guitarra são pressionadas levemente contra o braço e rapidamente liberadas apenas o suficiente para obter um som abafado. scratching” que é produzido pelo rápido dedilhar rítmico da mão oposta perto da ponte . [44] Os primeiros exemplos dessa técnica usada no rhythm and blues são ouvidos na música de Johnny Otis " Willie and the Hand Jive " em 1957, com o futuro guitarrista da banda James Brown Jimmy Nolen. A técnica pode ser dividida em três abordagens: o "chika", o "chank" e o "choke". Com o "chika" vem um som abafado de cordas batendo contra o braço; "chank" é um ataque em staccato feito soltando o acorde com a mão do traste depois de dedilhá-lo; e "choking" geralmente usa todas as cordas sendo dedilhadas e fortemente silenciadas. [19]

O guitarrista Nile Rodgers é mais conhecido por suas performances com Chic .

O resultado desses fatores foi um som de guitarra rítmica que parecia flutuar em algum lugar entre o baque baixo do baixo elétrico e o tom cortante da caixa e dos chimbals , com uma sensação ritmicamente melódica que caiu no fundo do bolso. O guitarrista Jimmy Nolen , guitarrista de longa data de James Brown, desenvolveu essa técnica. Em " Give It Up or Turnit a Loose " (1969), de Brown , no entanto, a parte da guitarra de Jimmy Nolen tem uma estrutura tonal simples. O padrão de pontos de ataque é a ênfase, não o padrão de arremessos. A guitarra é usada da maneira que um tambor africano, ou idiofone, seria usado. Nolen criou um "tom limpo e agudo" usando " guitarras de jazz de corpo ococom captadores single-coil P-90" plugados em um amplificador Fender Twin Reverb com os médios para baixo e os agudos para cima. [45]

Guitarristas de funk que tocam guitarra rítmica geralmente evitam efeitos de distorção e overdrive de amplificador para obter um som limpo, e dada a importância de um som nítido e alto, as Fender Stratocasters e Telecasters foram amplamente usadas para seu tom agudo de corte. [45] Os médios são frequentemente cortados por guitarristas para ajudar a guitarra a soar diferente da seção de metais , teclados e outros instrumentos. [45] Dado o foco em fornecer um groove rítmico, e a falta de ênfase em melodias instrumentais de guitarra e solos de guitarra , sustain não é procurado por guitarristas rítmicos de funk. [45] Guitarristas rítmicos de funk usam compressorefeitos de controle de volume para melhorar o som de notas abafadas, o que aumenta o som de “cacarejos” e adiciona “excitação percussiva aos ritmos do funk” (uma abordagem usada por Nile Rodgers ). [46]

O guitarrista Eddie Hazel do Funkadelic é notável por sua improvisação solo (particularmente para o solo em " Maggot Brain ") e riffs de guitarra, cujo tom foi moldado por um pedal Maestro FZ-1 Fuzz-Tone . [36] Hazel, junto com o guitarrista Ernie Isley dos Isley Brothers , foi influenciado pelos solos improvisados ​​de Jimi Hendrix , com infusão de wah-wah. Ernie Isley foi ensinado em tenra idade por Hendrix, quando Hendrix fazia parte da banda de apoio dos Isley Brothers e morou temporariamente na casa dos Isleys. Guitarristas de funk usam o wah-wahefeito sonoro junto com silenciar as notas para criar um som percussivo para seus riffs de guitarra. O efeito phaser é frequentemente usado em funk e R&B tocando guitarra por seu efeito sonoro de filtro, um exemplo é a música dos Isley Brothers " Who's That Lady ". [47] Michael Hampton , outro guitarrista do P-Funk, foi capaz de tocar o solo virtuoso de Hazel em "Maggot Brain", usando uma abordagem solo que adicionava curvas de cordas e feedback no estilo Hendrix . [36]

Teclados

Isaac Hayes tocando teclado em 1973

Uma variedade de instrumentos de teclado são usados ​​no funk. O piano acústico é usado no funk, inclusive em “September” de Earth Wind & Fire e “ Will It Go Round in Circles ” de Billy Preston . O piano elétrico é usado em canções como “Chameleon” de Herbie Hancock (um Fender Rhodes ) e “Mercy, Mercy, Mercy” de Joe Zawinul (um Wurlitzer ). O clavinete é usado pelo seu timbre percussivo, e pode ser ouvido em canções como Superstition ” e “ Higher Ground ” de Stevie Wonder e “ Use Me ” de Bill Withers . O órgão Hammond B-3é usado no funk, em músicas como "Cissy Strut" do The Meters e "Love the One You're With" (com Aretha Franklin cantando e Billy Preston nos teclados).

A variedade de teclados de Bernie Worrell de suas gravações com o Parliament Funkadelic demonstra a ampla variedade de teclados usados ​​no funk, pois incluem o órgão Hammond ("Funky Woman", "Hit It and Quit It", "Wars of Armageddon"); Piano elétrico RMI ("I Wanna Know If It's Good to You?", " Free Your Mind ", "Loose Booty"); piano acústico ("Funky Dollar Bill", "Jimmy's Got a Little Bit of Bitch in Him"); clavinet ("Joyful Process", "Up for the Down Stroke", "Red Hot Mama"); Sintetizador Minimoog ("Atmosphere", " Flash Light ", "Aqua Boogie", "Knee Deep", "Desista do Funk (Rasgue o Telhado do Otário) ", "Undisco Kidd").

Sintetizadores foram usados ​​no funk tanto para adicionar ao som profundo do baixo elétrico, quanto para substituir completamente o baixo elétrico em algumas músicas. [48] O baixo sintetizador de funk, na maioria das vezes um Minimoog , foi usado porque poderia criar sons em camadas e novos tons eletrônicos que não eram viáveis ​​no baixo elétrico. [48]

Vocais e letras

Na década de 1970, o funk usou muitos dos mesmos estilos vocais que foram usados ​​na música afro-americana na década de 1960, incluindo influências de canto de blues, gospel, jazz e doo-wop. [39] Como esses outros estilos afro-americanos, o funk usava "[y]ells, shouts, hollers, gemidos, humming e riffs melódicos", juntamente com estilos como Call and Response e narração de histórias (como a tradição oral africana aproximação). [49] A chamada e resposta no funk pode ser entre o vocalista e os membros da banda que atuam como backing vocals . [50]

À medida que o funk emergia do soul, os vocais no funk compartilham a abordagem do soul; no entanto, os vocais do funk tendem a ser "mais pontuados, enérgicos, ritmicamente percussivos[,] e menos embelezados" com ornamentos, e as linhas vocais tendem a se assemelhar a partes de trompa e têm ritmos "empurrados". [51] Bandas de funk como Earth, Wind & Fire têm partes vocais harmoniosas . [20] Músicas como " Super Bad " de James Brown incluíam "dupla voz" junto com "gritos, gritos e gritos". [52] Cantores de funk usavam uma "estética negra" para se apresentar que fazia uso de "troca colorida e animada de gestos, expressões faciais, postura corporal e frases vocais" para criar um desempenho envolvente. [53]

As letras do funk abordavam questões enfrentadas pela comunidade afro-americana nos Estados Unidos durante a década de 1970, que surgiram devido ao afastamento de uma economia industrial da classe trabalhadora para uma economia da informação, que prejudicou a classe trabalhadora negra. [54] Canções funk de The Ohio Players, Earth, Wind & Fire e James Brown levantaram questões enfrentadas por negros de baixa renda em suas letras de músicas, como “condições econômicas ruins e temas de vida pobre no centro da cidade nas comunidades negras”. ". [55]

A música Funkadelic " One Nation Under A Groove " (1978) é sobre os desafios que os negros superaram durante o movimento pelos direitos civis dos anos 1960, e inclui uma exortação para os negros nos anos 1970 para capitalizar as novas "oportunidades sociais e políticas" que haviam tornou-se disponível na década de 1970. [56] A canção dos Isley Brothers "Fight the Power" (1975) tem uma mensagem política. [57] A canção do Parlamento "Chocolate City" (1975) refere-se metaforicamente a Washington DC e outras cidades dos EUA que têm uma população majoritariamente negra, e chama a atenção para o poder potencial que os eleitores negros exercem e sugere que um presidente negro seja considerado no futuro. [58]

Os temas políticos das músicas funk e o direcionamento das mensagens para o público negro ecoaram a nova imagem do negro que foi criada nos filmes da Blaxploitation , que retratavam "homens e mulheres afro-americanos se posicionando e lutando pelo que era certo". [59] Ambos os filmes funk e Blaxploitation abordaram questões enfrentadas pelos negros e contaram histórias de uma perspectiva negra. [59] Outra ligação entre o funk dos anos 1970 e os filmes de Blaxploitation é que muitos desses filmes usavam trilhas sonoras de funk (por exemplo, Curtis Mayfield para Superfly ; James Brown e Fred Wesley para Black Caesar e War para Youngblood ). [60]

As canções funk incluíam linguagem metafórica que era melhor compreendida pelos ouvintes que estavam "familiarizados com a estética negra e o vernáculo [negro]". [61] Por exemplo, canções funk incluíam expressões como "agite seu fabricante de dinheiro", "funk yourself right out" e "mova seu corpo boogie". [62] Outro exemplo é o uso de "ruim" na música "Super Bad" (1970), que os ouvintes negros sabiam que significava "bom" ou "ótimo". [50]

Na década de 1970, para contornar as restrições de obscenidade do rádio, os artistas do funk usavam palavras que soavam como palavras não permitidas e duplos sentidos para contornar essas restrições. [63] Por exemplo, The Ohio Players tinha uma música intitulada "Fopp" que se referia a "Fopp me right, don't you fopp me wrong/We'll be foppin' all night long...". [63] Algumas músicas funk usavam palavras inventadas que sugeriam que eles estavam "escrevendo letras em uma névoa constante de fumaça de maconha", como " Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop) " do Parlamento, que inclui palavras como "bioaquadooloop". [63]A base de ouvintes brancos mainstream muitas vezes não era capaz de entender as mensagens líricas do funk, o que contribuiu para a falta de sucesso do funk nas paradas de música popular com o público branco durante a década de 1970. [64]

Outros instrumentos

Arranjos de trompas com grupos de instrumentos de sopro são frequentemente usados ​​em músicas funk. [20] As seções de trompa de funk podem incluir saxofone (geralmente sax tenor), trompete, trombone e, para seções de trompa maiores, como quintetos e sextetos, um sax barítono. [3] Seções de trompa tocaram partes "rítmicas e sincopadas", muitas vezes com "frases incomuns" que enfatizam o "deslocamento rítmico". [3] As introduções de funk são um lugar importante para arranjos de trompa. [3]

Seções de trompa de funk normalmente incluem saxofones e trompetes. Seções de trompa maiores geralmente adicionam um segundo instrumento para um dos saxofones ou trompetes, e um trombone ou sax bari também pode ser usado. Na foto está a seção de chifres de Terra, Vento e Fogo.

Seções de trompa de funk executadas em um "estilo percussivo rítmico" que imitava a abordagem usada pelos guitarristas rítmicos do funk. [65] As seções de trompa "pontuavam" as letras tocando nos espaços entre os vocais, usando "explosões rítmicas curtas em staccato". [65] Notáveis ​​trompistas de funk incluíam Alfred "PeeWee" Ellis , o trombonista Fred Wesley e o saxofonista Maceo Parker . [65] Seções de trompas de funk notáveis, incluindo as "Phoenix Horns" (com Earth, Wind & Fire), as "Horny Horns" (com Parliament), as "Memphis Horns" (com Isaac Hayes ) e " MFSB " (com Curtis Mayfield ). [65]

Os instrumentos nas seções de trompa de funk variavam. Se houvesse dois instrumentos de sopro, poderia ser trompete e sax tenor, trompete e trombone, ou dois saxes. [3] Se houvesse três tocadores de metais, poderia ser trompete, sax e trombone ou um trompete e dois saxes. [3] Um quarteto de instrumentos de metal muitas vezes seria um par de um tipo de instrumento e dois outros instrumentos. Os quintetos normalmente pegavam um par de instrumentos de metal (saxes ou trompetes) e adicionavam diferentes instrumentos de metal alto e baixo. Com seis instrumentos, uma seção de metais normalmente seria dois pares de instrumentos de metal mais um trombone e um sax barítono segurando a extremidade inferior. [3]

Músicas notáveis ​​com seções de trompa de funk incluem:

  • Cold Sweat (James Brown & the Famous Flames), 1967
  • Superstição (Stevie Wonder), 1972
  • Coisas divertidas (Kool & The Gang), 1973
  • O que é quadril? (Torre do Poder), 1973
  • Pegue as peças (banda branca média)
  • Up For The Down Stroke (Parlamento), 1974
  • Cabelo (Estação Central de Graham), 1974
  • Muito quente para parar (The Bar-Kays), 1976
  • Fuga (Terra, Vento e Fogo), 1976

Em bandas ou shows onde a contratação de uma seção de metais não é viável, um tecladista pode tocar as partes da seção de metais em um sintetizador com "patches de teclado", no entanto, é importante escolher um sintetizador de som autêntico e um patch de metais. [3] Na década de 2010, com sintetizadores micro-MIDI, pode até ser possível ter outro instrumentista tocando as partes do teclado, permitindo assim que o tecladista continue a compor durante toda a música. [3]

Trajes e estilo

Bandas de funk na década de 1970 adotaram moda e estilo afro-americanos, incluindo " Calças boca de sino , sapatos de plataforma, brincos de argola, Afros [penteados], coletes de couro, ... colares de contas", [66] camisas dashiki , macacões e botas. [67] Em contraste com bandas anteriores, como The Temptations , que usavam "terninhos combinando" e "cortes de cabelo elegantes" para atrair o público branco mainstream, as bandas de funk adotaram um "espírito africano" em suas roupas e estilo. [61] George Clinton e o Parlamento são conhecidos por seus trajes imaginativos e "liberdade de vestir", que incluíam lençóis atuando como mantos e capas. [68]

História

As características distintivas da expressão musical afro-americana estão enraizadas nas tradições musicais da África subsaariana e encontram sua primeira expressão em spirituals, cantos/canções de trabalho, gritos de louvor, gospel, blues e "ritmos corporais" ( hambone , patting juba , e padrões de bater palmas e pisar em campainha ). A música funk é um amálgama de soul music , soul jazz , R&B e ritmos afro-cubanos absorvidos e reconstituídos em Nova Orleans. Como outros estilos de expressão musical afro-americana, incluindo jazz, soul music e R&B, o funk acompanhou muitos movimentos de protesto durante e após o Movimento dos Direitos Civis .. O funk permitiu que as experiências cotidianas fossem expressas para desafiar as lutas diárias e as dificuldades enfrentadas pelas comunidades da classe baixa e trabalhadora.

Nova Orleans

Gerhard Kubik observa que, com exceção de Nova Orleans , os primeiros blues careciam de polirritmias complexas e havia uma "ausência muito específica de padrões assimétricos de linha de tempo (padrões- chave ) em praticamente todas as músicas afro-americanas do início do século XX ... alguns gêneros de Nova Orleans fazem uma sugestão de padrões de linha de tempo simples ocasionalmente aparecem na forma de padrões transitórios chamados 'stomp' ou refrão de tempo de parada. Estes não funcionam da mesma maneira que as linhas de tempo africanas." [69]

No final da década de 1940, isso mudou um pouco quando a estrutura da linha do tempo de duas células foi trazida para o blues de Nova Orleans . Os músicos de Nova Orleans foram especialmente receptivos às influências afro-cubanas precisamente na época em que o R&B estava se formando. [70] Dave Bartholomew e Professor Longhair (Henry Roeland Byrd) incorporaram instrumentos afro-cubanos, bem como o padrão de clave e figuras de duas células relacionadas em canções como "Carnival Day" (Bartholomew 1949) e "Mardi Gras In New Orleans " (Cabelo comprido 1949). Robert Palmer relata que, na década de 1940, o professor Longhair ouvia e tocava com músicos das ilhas e "caiu sob o feitiço de Perez Prado's mambo 's ." [21] O estilo particular do Professor Longhair era conhecido localmente como rumba-boogie . [71]

Uma das grandes contribuições de Longhair foi sua abordagem particular de adotar padrões de duas células, baseados em clave, no rhythm and blues (R&B) de Nova Orleans. A abordagem rítmica do Longhair tornou-se um modelo básico do funk. De acordo com o Dr. John (Malcolm John "Mac" Rebennack Jr.), o Professor "colocou o funk na música... A coisa do Longhair teve uma relação direta, eu diria, com grande parte do funk que evoluiu em Nova Orleans. " [72] Em seu "Mardi Gras in New Orleans", o pianista emprega o motivo onbeat/offbeat 2-3 clave em um " guajeo " de rumba-boogie. [73]

A sensação de subdivisão sincopada, mas direta da música cubana (em oposição às subdivisões oscilantes ) se enraizou no R&B de Nova Orleans durante esse período. Alexander Stewart afirma: "Eventualmente, músicos de fora de Nova Orleans começaram a aprender algumas das práticas rítmicas [da Crescent City]. As mais importantes delas foram James Brown e os bateristas e arranjadores que ele empregou. O repertório inicial de Brown usava principalmente shuffle ritmos, e algumas de suas canções de maior sucesso foram baladas 12/8 (por exemplo, 'Please, Please, Please' (1956), 'Bewildered' (1961), 'I Don't Mind' (1961)). marca mais funk de soul exigia 4/4 metros e um estilo diferente de bateria." [74] Stewart faz o ponto: "O estilo singular de ritmo eA Segunda Guerra desempenhou um papel importante no desenvolvimento do funk. Em um desenvolvimento relacionado, os ritmos subjacentes da música popular americana sofreram uma transição básica, mas geralmente não reconhecida, da sensação de tercina ou shuffle para colcheias pares ou retas." [75]

década de 1960

James Brown

James Brown, um progenitor do funk

James Brown creditou a Chuck Connor , o baterista de Little Richard de sua banda de R&B dos anos 1950, The Upsetters from New Orleans, como "o primeiro a colocar o funk no ritmo" do rock and roll . [76] Após sua saída temporária da música secular para se tornar um evangelista em 1957, alguns dos membros da banda de Little Richard se juntaram a Brown and the Famous Flames , iniciando uma longa série de sucessos para eles em 1958. Em meados da década de 1960, James Brown havia desenvolveu seu groove de assinatura que enfatizava o downbeat - com forte ênfase na primeira batida de cada compasso para gravar seu som distinto, em vez do backbeatque tipificava a música afro-americana. [77] Brown frequentemente orientava sua banda com o comando "On the one!", mudando a ênfase/acento da percussão do one- two - three - four backbeat da soul music tradicional para o one -two-three-four downbeat – mas com um ritmo de guitarra sincopado de notas pares (nas semínimas dois e quatro) apresentando um swing metálico repetitivo e intenso . Esta batida de um-três lançou a mudança no estilo musical de assinatura de Brown, começando com seu single de sucesso de 1964, " Out of Sight " e seus sucessos de 1965, " Papa's Got a Brand New Bag " e " I Got You (I Feel Good) " .

O estilo de funk de Brown foi baseado em partes entrelaçadas e contrapontísticas: linhas de baixo sincopadas , padrões de bateria de 16ª batida e riffs de guitarra sincopados. [4] Os principais ostinatos de guitarra para "Ain't it Funky" (final da década de 1960) são um exemplo do refinamento de Brown do funk de Nova Orleans - um riff irresistivelmente dançante, reduzido à sua essência rítmica. Em "Ain't it Funky" a estrutura tonal é básica. As inovações de Brown fizeram com que ele e sua banda se tornassem o ato seminal do funk; eles também empurraram o estilo de música funk ainda mais para a frente com lançamentos como " Cold Sweat " (1967), " Mother Popcorn " (1969) e " Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine "" (1970), descartando até mesmo o blues de doze compassos apresentado em sua música anterior. Em vez disso, a música de Brown foi sobreposta com "vocais cativantes e hinos" baseados em "vamps extensos" nos quais ele também usou sua voz como "um instrumento de percussão com grunhidos rítmicos frequentes e com padrões de seção rítmica ... [semelhante] polirritmias da África Ocidental " - uma tradição evidente em canções e cantos de trabalho afro-americanos. [78] Ao longo de sua carreira, os vocais frenéticos de Brown, frequentemente pontuados com gritos e grunhidos, canalizou o "ambiente extático da igreja negra" em um contexto secular. [78]

Vídeo externo
ícone de vídeo Assista: "Clyde Stubblefield/ Funky Drummer" no YouTube

Depois de 1965, o líder da banda e arranjador de Brown foi Alfred "Pee Wee" Ellis . Ellis credita a adoção de técnicas de bateria de Nova Orleans por Clyde Stubblefield como a base do funk moderno: "Se, em um estúdio, você dissesse 'toque funky' isso poderia implicar quase qualquer coisa. você conseguiu exatamente o que queria. E Clyde Stubblefield era apenas o epítome dessa bateria funky." [79] Stewart afirma que a sensação popular foi passada de "New Orleans - através da música de James Brown, para a música popular dos anos 1970". [75] Sobre os vários motivos funk, Stewart afirma que este modelo "...na medida em que não é um padrão exato, mas mais um princípio organizador solto." [80]

Em uma entrevista de 1990, Brown ofereceu sua razão para mudar o ritmo de sua música: "Eu mudei da batida para a batida ... Simples assim, realmente." [81] De acordo com Maceo Parker , ex-saxofonista de Brown, tocar no baixo foi no começo difícil para ele e levou algum tempo para se acostumar. Refletindo sobre seus primeiros dias com a banda de Brown, Parker relatou que tinha dificuldade em tocar "na primeira" durante apresentações solo, já que estava acostumado a ouvir e tocar com o sotaque na segunda batida. [82]

Parliament-Funkadelic

Um novo grupo de músicos começou a desenvolver ainda mais a abordagem "funk rock". As inovações foram feitas com destaque por George Clinton , com suas bandas Parliament e Funkadelic . Juntos, eles produziram um novo tipo de som funk fortemente influenciado pelo jazz e rock psicodélico . Os dois grupos compartilhavam membros e muitas vezes são chamados coletivamente de "Parliament-Funkadelic". A popularidade do Parliament-Funkadelic deu origem ao termo " P-Funk ", que se referia à música das bandas de George Clinton e definiu um novo subgênero. Clinton desempenhou um papel principal em várias outras bandas, incluindo Parlet, os Horny Horns e os Brides of Funkenstein, todos parte do conglomerado P-Funk. "P-funk" também passou a significar algo em sua quintessência, de qualidade superior, ou sui generis .

Seguindo o trabalho de Jimi Hendrix no final dos anos 1960, artistas como Sly e Family Stone combinaram o rock psicodélico de Hendrix com o funk, emprestando pedais de wah , fuzz boxes , câmaras de eco e distorções vocais do primeiro, além do blues rock e jazz . [83] Nos anos seguintes, grupos como o Parliament-Funkadelic de Clinton continuaram essa sensibilidade, empregando sintetizadores e trabalho de guitarra orientado para o rock. [83]

Final dos anos 1960 – início dos anos 1970

Outros grupos musicais aproveitaram os ritmos e o estilo vocal desenvolvidos por James Brown e sua banda, e o estilo funk começou a crescer. Dyke and the Blazers , com sede em Phoenix, Arizona , lançou " Funky Broadway " em 1967, talvez o primeiro disco da era da soul music a ter a palavra "funky" no título. Em 1969 , Jimmy McGriff lançou Electric Funk , apresentando seu órgão distinto sobre uma seção de metais em chamas. Enquanto isso, na Costa Oeste , Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Bandestava lançando faixas de funk começando com seu primeiro álbum em 1967, culminando no clássico single "Express Yourself" em 1971. Também da região da Costa Oeste, mais especificamente Oakland, Califórnia , veio a banda Tower of Power (TOP), que se formou em 1968. Seu álbum de estreia East Bay Grease , lançado em 1970, é considerado um marco importante no funk. Ao longo da década de 1970, TOP teve muitos sucessos, e a banda ajudou a tornar o funk um gênero de sucesso, com um público mais amplo.

Em 1970, " Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) " de Sly & the Family Stone alcançou o primeiro lugar nas paradas, assim como " Family Affair " em 1971. reconhecimento, mas tal sucesso escapou de colegas de bandas de funk comparativamente talentosos e moderadamente populares. The Meters definiram o funk em Nova Orleans , começando com seus dez maiores sucessos de R&B "Sophisticated Cissy" e " Cissy Strut " em 1969 . Sua coisa", assinalou um avanço na música afro-americana, preenchendo as lacunas dos sons jazzísticos de Brown, o rock psicodélico de Jimi Hendrix e a alma otimista de Sly & the Family Stone e Mother 's Finest . definem o " Motown Sound" - uma mistura distinta de pop-soul - adotou esse novo som psicodélico também no final dos anos 1960. Seu produtor, Norman Whitfield , tornou-se um inovador no campo do soul psicodélico, criando hits com um novo , som mais funk para muitos atos da Motown , incluindo " War " de Edwin Starr , "" Sorrindo Faces Às Vezes ", do Undisputed Truth e " Papa Was A Rollin' Stone ", do Temptations. Os produtores da Motown Frank Wilson (" Keep On Truckin' ) e Hal Davis (" Dancing Machine ") seguiram o exemplo. Stevie Wonder e Marvin Gaye também adotou batidas de funk para alguns de seus maiores sucessos da década de 1970, como " Superstition " e " You Haven't Done Nothin' ", e " I Want You " e " Got To Give It Up ", respectivamente.

1970

The Original Family Stone ao vivo, 2006. Jerry Martini, Rose Stone e Cynthia Robinson

A década de 1970 foi a era de maior visibilidade mainstream para o funk. Além do Parliament Funkadelic , artistas como Sly and the Family Stone , Rufus & Chaka Khan , Bootsy's Rubber Band , Isley Brothers , Ohio Players , Con Funk Shun , Kool and the Gang , Bar-Kays , Commodores , Roy Ayers e Stevie Wonder , entre outros, foram bem sucedidos em tocar rádio. Discotecaa música devia muito ao funk. Muitas das primeiras músicas e artistas da discoteca vieram diretamente de origens orientadas para o funk. Alguns sucessos da música disco, como todos os sucessos de Barry White , " Kung Fu Fighting " de Biddu e Carl Douglas , " Love To Love You Baby " de Donna Summer , " Love Hangover " de Diana Ross , KC and the Sunshine " I'm Your Boogie Man " da banda , " I'm Every Woman " de Chaka Khan (também conhecida como a Rainha do Funk), e "Le Freak" do Chic visivelmente incluem riffs e ritmos derivados do funk. Em 1976,Rose Royce marcou um hit número um com um disco puramente dance-funk, " Car Wash ". Mesmo com a chegada do disco, o funk tornou-se cada vez mais popular no início dos anos 80.

A música funk também foi exportada para a África e se fundiu com o canto e os ritmos africanos para formar o Afrobeat . O músico nigeriano Fela Kuti , que foi fortemente influenciado pela música de James Brown, é creditado com a criação do estilo e o denominou "Afrobeat".

Jazz funk

Jazz-funk é um subgênero da música jazz caracterizado por uma forte batida de fundo ( groove ), sons eletrificados [84] e uma prevalência inicial de sintetizadores analógicos . A integração das músicas e estilos funk, soul e R&B ao jazz resultou na criação de um gênero cujo espectro é bastante amplo e vai da forte improvisação jazzística ao soul, funk ou disco com arranjos de jazz, riffs de jazz e solos de jazz, e às vezes vocais de alma. [85] Jazz-funk é principalmente um americanogênero, onde foi popular durante toda a década de 1970 e início de 1980, mas também alcançou notável apelo no circuito de clubes na Inglaterra em meados da década de 1970. Gêneros semelhantes incluem soul jazz e jazz fusion , mas nenhum deles se sobrepõe inteiramente ao jazz-funk. Notavelmente, o jazz-funk é menos vocal, mais arranjado e apresenta mais improvisação do que o soul jazz, e mantém uma forte sensação de groove e R&B versus algumas produções de jazz fusion.

Caçadores de cabeças

Na década de 1970, ao mesmo tempo em que músicos de jazz começaram a explorar a mistura de jazz com rock para criar jazz fusion , grandes artistas de jazz começaram a experimentar o funk. As gravações de jazz-funk normalmente usavam baixo elétrico e piano elétrico na seção rítmica, no lugar do contrabaixo e do piano acústico que eram normalmente usados ​​no jazz até aquele momento. O pianista e líder de banda Herbie Hancock foi o primeiro de muitos grandes artistas de jazz que abraçaram o funk durante a década. A banda Headhunters de Hancock (1973) tocava o estilo jazz-funk. A formação e instrumentação dos Headhunters, mantendo apenas o sopro Bennie Maupindo sexteto anterior de Hancock, refletiu sua nova direção musical. Ele usou o percussionista Bill Summers , além de um baterista. Summers misturou instrumentos e ritmos africanos, afro-cubanos e afro-brasileiros no som jazzístico do funk de Hancock.

Na esquina

On the Corner (1972) foi a incursão seminaldo trompetista e compositor de jazz Miles Davis [86] no jazz-funk. Como seus trabalhos anteriores, porém, On the Corner foi experimental. Davis afirmou que On the Corner foi uma tentativa de se reconectar com o público jovem negro que em grande parte abandonou o jazz pelo rock e funk. Embora haja uma influência funk perceptível nos timbres dos instrumentos empregados, outras texturas tonais e rítmicas, como o tanpura indiano e tablas , e congas cubanase bongôs, criam uma paisagem sonora de várias camadas. Do ponto de vista musical, o álbum foi a culminação de uma espécie de abordagem de música concreta baseada em estúdio de gravação que Davis e o produtor Teo Macero (que estudou com Otto Luening no Computer Music Center da Columbia University ) começaram a explorar no final do ano. década de 1960. Ambos os lados do disco apresentavam grooves pesados ​​de bateria e baixo de funk, com as partes melódicas recortadas de horas de jams e mixadas no estúdio.

Também citado como influências musicais no álbum de Davis foram o compositor contemporâneo Karlheinz Stockhausen . [87] [88]

1980 synth-funk

Na década de 1980, em grande parte como uma reação contra o que era visto como o excesso de indulgência do disco , muitos dos elementos centrais que formavam a base da fórmula do P-Funk começaram a ser usurpados por instrumentos eletrônicos , baterias eletrônicas e sintetizadores . As seções de trompa de saxofones e trompetes foram substituídas por teclados de sintetizador , e os chifres que permaneceram receberam linhas simplificadas, e poucos solos de trompa foram dados aos solistas. Os teclados elétricos clássicos do funk, como o órgão Hammond B3 , o Hohner Clavinet e/ou o piano Fender Rhodes começaram a ser substituídos pelos novos sintetizadores digitaiscomo o Prophet-5 , Oberheim OB-X e Yamaha DX7 . Baterias eletrônicas como a Roland TR-808 , Linn LM-1 e Oberheim DMX começaram a substituir os " bateristas funky " do passado, e o estilo slap e pop de tocar baixo foram frequentemente substituídos por linhas de baixo de teclado de sintetizador. As letras dos funk começaram a mudar de sugestivos duplos sentidos para conteúdo mais gráfico e sexualmente explícito.

Influenciado pelo Kraftwerk , o DJ de rap afro -americano Afrika Bambaataa desenvolveu o electro-funk, um estilo de funk minimalista dirigido por máquina com seu single " Planet Rock " em 1982. [89] Também conhecido simplesmente como electro, este estilo de funk foi impulsionado por sintetizadores e o ritmo eletrônico da bateria eletrônica TR-808 . O single " Renegades of Funk " foi lançado em 1983. [89] Michael Jackson também foi influenciado pelo electro funk. [90] Em 1980, músico de techno funk usou a bateria eletrônica programável TR-808, [91] enquanto o som do Kraftwerk influenciou [92] artistas de eletro-funk posteriores, comoMantronix . [93]

Rick James foi o primeiro músico de funk da década de 1980 a assumir o manto do funk dominado pelo P-Funk na década de 1970. Seu álbum de 1981 Street Songs , com os singles "Give It to Me Baby" e " Super Freak ", resultou em James se tornar uma estrela, e abriu o caminho para a futura direção da explicitação no funk.

Prince foi um influente multi-instrumentista, líder de banda, cantor e compositor.

A partir do final da década de 1970, Prince usou uma instrumentação dinâmica e despojada semelhante a James. No entanto, Prince passou a ter tanto impacto no som do funk quanto qualquer outro artista desde Brown; ele combinou erotismo, tecnologia, uma complexidade musical crescente e uma imagem ultrajante e show de palco para criar uma música tão ambiciosa e imaginativa quanto o P - Funk . Prince formou o Time , originalmente concebido como um ato de abertura para ele e baseado em seu " som de Minneapolis ", uma mistura híbrida de funk, R&B , rock , pop e new wave .. Eventualmente, a banda passou a definir seu próprio estilo de funk despojado baseado em musicalidade apertada e temas sexuais.

Semelhante ao Prince, outras bandas surgiram durante a era P-Funk e começaram a incorporar sexualidade desinibida, temas dançantes, sintetizadores e outras tecnologias eletrônicas para continuar a criar hits do funk. Entre eles estavam Cameo , Zapp , Gap Band , Bar-Kays e Dazz Band , que encontraram seus maiores sucessos no início dos anos 80. Na segunda metade da década de 1980, o funk puro havia perdido seu impacto comercial; no entanto, artistas pop de Michael Jackson ao Culture Club costumavam usar batidas de funk.

Nu-funk do final dos anos 1980 a 2000

Enquanto o funk foi afastado do rádio pelo hip hop comercial , R&B contemporâneo e new jack swing , sua influência continuou a se espalhar. Artistas como Steve Arrington e Cameo ainda receberam grandes airplays e tiveram enormes seguidores globais. As bandas de rock começaram a adotar elementos do funk em seu som, criando novas combinações de " funk rock " e " funk metal ". Extreme , Red Hot Chili Peppers , Living Color , Jane's Addiction , Prince , Primus , Urban Dance Squad , Fishbone , Faith No More, Rage Against the Machine , Infectious Grooves e Incubus espalharam a abordagem e os estilos conquistados dos pioneiros do funk para novos públicos em meados dos anos 1980 e 1990. Essas bandas mais tarde inspiraram o movimento funkcore underground de meados da década de 1990 e artistas atuais inspirados no funk como Outkast , Malina Moye , Van Hunt e Gnarls Barkley .

Na década de 1990, artistas como Me'shell Ndegeocello , Brooklyn Funk Essentials e o movimento acid jazz (predominantemente baseado no Reino Unido) , incluindo artistas e bandas como Jamiroquai , Incognito , Galliano , Omar , Los Tetas e Brand New Heavies continuaram com forte elementos do funk. No entanto, eles nunca chegaram perto de alcançar o sucesso comercial do funk em seu auge - com exceção de Jamiroquai, cujo álbum Traveling Without Moving vendeu cerca de 11,5 milhões de unidades em todo o mundo e continua sendo o álbum de funk mais vendido da história. [94]Enquanto isso, na Austrália e na Nova Zelândia, bandas que tocam no circuito de pubs, como Supergroove , Skunkhour e The Truth , preservaram uma forma mais instrumental de funk.

Me'shell Ndegeocello tocando baixo elétrico

Desde o final da década de 1980 , artistas de hip hop experimentam regularmente músicas antigas de funk. James Brown é considerado o artista mais sampleado na história do hip hop, enquanto P-Funk é o segundo artista mais sampleado; samples de músicas antigas do Parliament e do Funkadelic formaram a base do West Coast G-funk .

Batidas originais que apresentam baixo estilo funk ou riffs de guitarra rítmica também não são incomuns. Dr. Dre (considerado o progenitor do gênero G-funk) reconheceu livremente ser fortemente influenciado pela psicodelia de George Clinton : -Funkadelic. É por isso que eu chamei meu álbum de The Chronic e baseei minha música e os conceitos como eu fiz: porque a merda dele foi uma grande influência na minha música. Muito grande". [95] Digital Underground foi um grande contribuinte para o renascimento do funk na década de 1990, educando seus ouvintes com conhecimento sobre a história do funk e seus artistas.Sons of the P ", como seu segundo lançamento completo também é intitulado. O primeiro lançamento do DU, Sex Packets , estava cheio de samples de funk, com o mais conhecido " The Humpty Dance " sampleando "Let's Play House" do Parlamento. O álbum de funk forte de DU's foi seu lançamento Future Rhythm em 1996. Grande parte da dance music contemporânea, drum and bass, em particular, tem fortes samples de quebras de bateria de funk.

O funk é um elemento importante de certos artistas identificados com a cena jam band do final dos anos 1990 e 2000. No final da década de 1990, a banda Phish desenvolveu um som ao vivo chamado "cow funk" (também conhecido como "funk espacial"), que consistia em grooves de baixo profundos dançantes e muitas vezes enfatizava o pedal pesado "wah" e outros efeitos psicodélicos do guitarrista. e em camadas Clavinet do tecladista. [96] Phish começou a tocar jams mais funk em seus sets por volta de 1996, e The Story of the Ghost de 1998.foi fortemente influenciado pelo funk. Enquanto o funk de Phish era tradicional no sentido de que muitas vezes acentuava a batida 1 da assinatura de tempo 4/4, também era altamente exploratório e envolvia a construção de jams em direção a picos energéticos antes de fazer a transição para rock and roll progressivo altamente composto.

Medeski Martin & Wood , Robert Randolph & the Family Band , Galactic , Widespread Panic, Jam Underground , Diazpora, Soulive e Karl Denson's Tiny Universe, todos se basearam fortemente na tradição do funk. Lettuce , uma banda de graduados da Berklee College Of Music , foi formada no final dos anos 1990, quando o surgimento do funk puro estava sendo sentido na cena das bandas de jam. [ carece de fontes ] Muitos membros da banda, incluindo o tecladista Neal Evans, passaram a outros projetos como Soulive ou Sam Kininger Band. Dumpstaphunkbaseia-se na tradição do funk de Nova Orleans, com seus grooves graves e profundos e vocais cheios de alma de quatro partes. Formada em 2003 para se apresentar no New Orleans Jazz & Heritage Festival , a banda conta com o tecladista Ivan Neville e o guitarrista Ian Neville da famosa família Neville, com dois baixistas e a baterista de funk Nikki Glaspie (ex -banda de turnê mundial de Beyoncé Knowles ). , bem como a Sam Kininger Band), que se juntou ao grupo em 2011.

Desde meados da década de 1990 a cena nu-funk ou funk revivalista, centrada na cena de colecionadores do funk profundo , vem produzindo novos materiais influenciados pelos sons dos raros funk 45s. Os rótulos incluem Desco, Soul Fire , Daptone , Timmion, Napolitan, Bananarama, Kay-Dee e Tramp. Esses selos geralmente são lançados em discos de 45 rpm. Apesar de se especializar em música para DJs de funk raros, houve alguns cruzamentos na indústria da música mainstream, como a aparição de Sharon Jones em 2005 no Late Night with Conan O'Brien . Aqueles que misturam acid jazz , acid house , trip hop e outros gêneros com funk incluem Tom Tom Club , [97] Brainticket, [98] Groove Armada , et ai. [99] [100]

O funk também foi incorporado à música R&B moderna por muitas cantoras, como Beyoncé com seu hit de 2003 " Crazy in Love " (que mostra os Chi-Lites "Are You My Woman"), Mariah Carey em 2005 com " Get Your Number " (que sampleia " Just an Illusion " da banda britânica Imagination ), Jennifer Lopez em 2005 com " Get Right " (que sampleia o som da trompa de " Soul Power '74 " de Maceo Parker ), Amerie com sua música " 1 Thing "(que mostra os medidores' "Oh, Calcutá!"), e também Tamar Braxton em 2013 com " The One " (que mostra " Juicy Fruit " de Mtume ).

funktronica anos 2010

Durante os anos 2000 e início de 2010, algumas bandas de punk funk como Out Hud e MongFish mongol se apresentaram na cena do indie rock . A banda indie Rilo Kiley , de acordo com sua tendência de explorar uma variedade de estilos rochosos, incorporou o funk em sua música " The Moneymaker " no álbum Under the Blacklight . Prince, com seus álbuns posteriores, deu um renascimento ao som do funk com músicas como "The Everlasting Now", " Musicology ", "Ol' Skool Company" e " Black Sweat ". Partícula , [101]por exemplo, faz parte de uma cena que combinou os elementos da música digital feita com computadores, sintetizadores e samples com instrumentos analógicos, sons e elementos de improvisação e composição do funk. [102] [103]

Derivados

A partir do início dos anos 1970, o funk desenvolveu vários subgêneros. Enquanto George Clinton e o Parliament estavam fazendo uma variação mais difícil do funk, bandas como Kool and the Gang , Ohio Players e Earth, Wind and Fire estavam fazendo música funk influenciada pelo disco. [104]

Funk rock

Funk rock (também escrito como funk-rock ou funk/rock ) funde elementos de funk e rock . [105] Sua primeira encarnação foi ouvida no final dos anos 60 até meados dos anos 70 por músicos como Jimi Hendrix , Frank Zappa , Gary Wright , David Bowie , Mother's Finest e Funkadelic em seus álbuns anteriores.

Muitos instrumentos podem ser incorporados ao funk rock, mas o som geral é definido por uma batida definitiva de baixo ou bateria e guitarras elétricas . Os ritmos do baixo e da bateria são influenciados pelo funk, mas com mais intensidade, enquanto a guitarra pode ser influenciada pelo funk ou pelo rock, geralmente com distorção . Prince , Jesse Johnson , Red Hot Chili Peppers e Fishbone são grandes artistas do funk rock.

Avant-funk

O termo "avant-funk" tem sido usado para descrever atos que combinavam o funk com as preocupações do art rock . [106] Simon Frith descreveu o estilo como uma aplicação da mentalidade do rock progressivo ao ritmo ao invés de melodia e harmonia. [106] Simon Reynolds caracterizou o avant-funk como um tipo de psicodelia em que "o esquecimento deveria ser alcançado não pela elevação acima do corpo, mas pela imersão no físico, perda de si através do animalismo". [106]

Talking Heads combinou funk com elementos do art rock .

Atos no gênero incluem a banda alemã de krautrock Can , [107] artistas de funk americanos Sly Stone e George Clinton , [108] e uma onda de artistas do início dos anos 1980 no Reino Unido e nos EUA (incluindo Public Image Ltd , Talking Heads , The Pop Group , Gang of Four , Bauhaus , Cabaret Voltaire , Defunkt , A Certain Ratio e 23 Skidoo ) [109] que abraçaram estilos de música de dança negra como disco e funk. [110]Os artistas da cena no wave nova-iorquina do final dos anos 1970 também exploraram o avant-funk, influenciados por figuras como Ornette Coleman . [111] Reynolds observou as preocupações desses artistas com questões como alienação , repressão e tecnocracia da modernidade ocidental . [106]

Go-go

Go-go originou-se na área de Washington, DC , com a qual permanece associado, juntamente com outros pontos do Meio-Atlântico. Inspirado em cantores como Chuck Brown , o "Padrinho do Go-go", é uma mistura de funk, rhythm and blues e do início do hip hop , com foco em instrumentos de percussão lo-fi e jam em pessoa no lugar de faixas de dança . Como tal, é principalmente uma música de dança com ênfase na chamada e resposta do público ao vivo . Ritmos go-go também são incorporados à percussão de rua.

Boogie

Boogie (ou eletro-funk) é uma música eletrônica influenciada principalmente pelo funk e pós-disco. A abordagem minimalista do boogie, composta por sintetizadores e teclados, ajudou a estabelecer a electro e house music. Boogie, ao contrário do electro, enfatiza as técnicas de tapa do baixo, mas também dos sintetizadores de baixo. Os artistas incluem Vicky "D" , Komiko , Peech Boys , Kashif e, mais tarde, Evelyn King .

Eletrofunk

Electro funk é um híbrido de música eletrônica e funk. Ele segue essencialmente a mesma forma do funk, e mantém as características do funk, mas é feito inteiramente (ou parcialmente) com o uso de instrumentos eletrônicos como o TR-808 . Vocoders ou talkboxes eram comumente implementados para transformar os vocais. A banda pioneira de electro Zapp costumava usar esses instrumentos em sua música. Bootsy Collins também começou a incorporar um som mais eletrônico em álbuns solo posteriores . Outros artistas incluem Herbie Hancock , Afrika Bambaataa , Egyptian Lover , Vaughan Mason & Crew ,Estrela da meia-noite e Cybotron .

Funk metal

O funk metal (às vezes composto de forma diferente, como o funk-metal ) é um gênero de música de fusão que surgiu na década de 1980, como parte do movimento do metal alternativo . Normalmente incorpora elementos de funk e heavy metal (muitas vezes thrash metal ) e, em alguns casos, outros estilos, como punk e música experimental . Ele apresenta riffs de guitarra pesados de heavy metal , os ritmos de baixo pulsantes característicos do funk e, às vezes , rimas no estilo hip hop em um rock alternativoabordagem da composição. Um exemplo primário é a banda de rock totalmente afro-americana Living Color , que foi considerada "pioneira do funk-metal" pela Rolling Stone . [112] Durante o final dos anos 1980 e início dos anos 1990, o estilo era mais prevalente na Califórnia - particularmente Los Angeles e San Francisco . [113] [114]

G-funk

Dr. Dre (foto em 2011) foi um dos criadores influentes do G-funk.

G-funk é um gênero de música de fusão que combina gangsta rap e funk. É geralmente considerado como tendo sido inventado por rappers da Costa Oeste e tornado famoso pelo Dr. Dre . Ele incorpora sintetizadores melódicos e multicamadas, grooves hipnóticos lentos, um baixo profundo, vocais femininos de fundo, a extensa amostragem de músicas P-Funk e um sintetizador de onda de serra de portamento de alta frequência. Ao contrário de outros atos de rap anteriores que também utilizavam samples de funk (como EPMD e Bomb Squad ), o G-funk costumava usar menos samples inalterados por música.

Timba funk

Timba é uma forma de música de dança popular cubana funky. Em 1990, várias bandas cubanas incorporaram elementos de funk e hip-hop em seus arranjos e expandiram a instrumentação do conjunto tradicional com uma bateria americana, saxofones e um formato de dois teclados. Bandas de timba como La Charanga Habanera ou Bamboleo costumam ter trompas ou outros instrumentos tocando partes curtas de músicas de Earth, Wind and Fire , Kool and the Gang ou outras bandas de funk dos EUA. Enquanto muitos motivos de funk exibem uma estrutura baseada em clave , eles são criados intuitivamente, sem a intenção consciente de alinhar as várias partes a um padrão-guia . Timba incorpora motivos funk em uma estrutura de clave aberta e intencional.

Jam funk

Funk jam é um gênero de música de fusão que surgiu na década de 1990. Ele normalmente incorpora elementos de funk e guitarra frequentemente exploratória, juntamente com improvisações estendidas de gêneros cruzados; muitas vezes incluindo elementos de jazz , ambiente , eletrônico , americana e hip hop , incluindo letras improvisadas. Phish , Soul Rebels Brass Band , Galactic e Soulive são exemplos de bandas de funk que tocam funk jam.

Impacto social

Mulheres e funk

Chaka Khan (nascida em 1953) foi chamada de "Rainha do Funk".

Apesar da popularidade do funk na música moderna, poucas pessoas examinaram o trabalho das mulheres funk . Mulheres funk notáveis ​​incluem Chaka Khan , Labelle , Brides of Funkenstein , Klymaxx , Mother's Finest , Lyn Collins , Betty Davis e Teena Marie. Como a crítica cultural Cheryl Keyes explica em seu ensaio "She Was Too Black for Rock and Too Hard for Soul: (Re)discovering the Musical Career of Betty Mabry Davis", a maior parte do conhecimento em torno do funk se concentrou no trabalho cultural dos homens. Ela afirma que "Betty Davis é uma artista cujo nome não foi anunciado como uma pioneira nos anais do funk e do rock. A maioria dos escritos sobre esses gêneros musicais tem tradicionalmente colocado artistas masculinos como Jimi Hendrix, George Clinton (do Parliament-Funkadelic) e o baixista Larry Graham como formadores de opinião na formação de uma sensibilidade ao rock." [115]

Em The Feminist Funk Power of Betty Davis and Renée Stout , Nikki A. Greene [116] observa que o estilo provocativo e controverso de Davis a ajudou a ganhar popularidade na década de 1970, quando ela se concentrou em assuntos sexualmente motivados e auto-capacitados. Além disso, isso afetou a capacidade do jovem artista de atrair grandes audiências e sucesso comercial. Greene também observa que Davis nunca foi nomeado porta-voz oficial ou defensor dos direitos civis e dos movimentos feministas da época, embora mais recentemente [ quando? ] seu trabalho se tornou um símbolo de liberação sexual para mulheres de cor. A música de Davis "If I'm In Luck I Just Might Get Picked Up", em seu álbum de estreia auto-intitulado, gerou polêmica e foi banida pelo DetroitNAACP . [117] Maureen Mahan, musicóloga e antropóloga, examina o impacto de Davis na indústria da música e no público americano em seu artigo "They Say She's Different: Race, Gender, Genre, and the Liberated Black Femininity of Betty Davis".

Laina Dawes, autora de What Are You Doing Here: A Black Woman's Life and Liberation in Heavy Metal , acredita que a política de respeitabilidade é a razão pela qual artistas como Davis não recebem o mesmo reconhecimento que seus colegas homens: "Eu culpo o que chamo de política de respeitabilidade como parte do motivo pelo qual algumas mulheres do funk-rock dos anos 70 não são mais conhecidas. Apesar da importância de sua música e presença, muitas das mulheres do funk-rock representavam o comportamento agressivo e a sexualidade que muitas pessoas não conheciam confortável com." [118]

Janelle Monáe (nascida em 1985) faz parte de uma nova onda de artistas femininas do funk.

De acordo com Francesca T. Royster, no livro de Rickey Vincent , Funk: The Music, The People, and The Rhythm of The One , ele analisa o impacto de Labelle, mas apenas em seções limitadas. Royster critica a análise de Vincent sobre o grupo, afirmando: "É uma pena, então, que Vincent dê tão pouca atenção às performances de Labelle em seu estudo. Isso reflete, infelizmente, um sexismo ainda consistente que molda a avaliação da música funk . , a análise de Labelle de Vincent é breve – compartilhando um único parágrafo com as Pointer Sisters em seu subcapítulo de três páginas, 'Mulheres divertidas'. Ele escreve que enquanto ' Lady Marmalade' 'estourou a tampa dos padrões de insinuações sexuais e disparou o status de estrela do grupo', a 'imagem brilhante da banda caiu na ressaca disco e foi finalmente desperdiçada quando o trio se separou em busca de status solo "(Vincent, 1996, 192). [119] Muitas artistas femininas que são consideradas do gênero funk, também compartilham músicas dos gêneros disco , soul e R&B ; Labelle se enquadra nessa categoria de mulheres que são divididas entre os gêneros devido a uma visão crítica da teoria musical e da história do sexismo nos Estados Unidos. [120]

Nos últimos anos, [ quando? ] artistas como Janelle Monáe abriram as portas para mais estudos e análises sobre o impacto feminino no gênero funk. [ duvidoso ] O estilo de Monáe distorce os conceitos de gênero , sexualidade e auto-expressão de uma maneira semelhante à forma como alguns pioneiros masculinos do funk romperam fronteiras. [121] Seus álbuns giram em torno de conceitos afro-futuristas , centrando-se em elementos de empoderamento feminino e negro e visões de um futuro distópico . [122]Em seu artigo, "Janelle Monáe e Afro-sonic Feminist Funk", Matthew Valnes escreve que o envolvimento de Monae no gênero funk é justaposto com a visão tradicional do funk como um gênero centrado no homem. Valnes reconhece que o funk é dominado por homens, mas fornece uma visão das circunstâncias sociais que levaram a essa situação. [121] [ esclarecimento necessário ]

As influências de Monáe incluem seu mentor Prince, Funkadelic, Lauryn Hill e outros artistas de funk e R&B, mas de acordo com Emily Lordi, "[Betty] Davis raramente é listada entre as muitas influências de Janelle Monáe, e certamente os conceitos de alta tecnologia da jovem cantora, virtuosos performances e músicas meticulosamente produzidas estão longe da estética proto-punk de Davis. Mas... como Davis, ela também está intimamente ligada a um mentor visionário (Prince). O título do álbum de 2013 de Monáe, The Electric Lady , alude a Electric Ladyland de Hendrix , mas também cita implicitamente o círculo de mulheres que inspiraram o próprio Hendrix: esse grupo, chamado Cosmic Ladies ou Electric Ladies, era liderado pelo amante de Hendrix, Devon Wilson e Betty Davis." [123]

Veja também

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Leitura adicional