Desenho de fantasias

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Figurino para Gianetta - Os Gondoleiros

O figurino é a criação de roupas para a aparência geral de um personagem ou artista. O traje pode se referir ao estilo de vestimenta particular de uma nação, classe ou período. Em muitos casos, pode contribuir para a plenitude do mundo artístico e visual que é único para uma produção teatral ou cinematográfica particular. Os designs mais básicos são produzidos para denotar status, fornecer proteção ou modéstia ou fornecer interesse visual a um personagem. [1] Os trajes podem ser de teatro , cinema ou apresentação musical, mas não podem se limitar a eles. O design do figurino não deve ser confundido com a coordenação do figurino, que envolve apenas a alteração das roupas existentes, embora ambos criemroupas de palco .

Quatro tipos de trajes são usados ​​no design teatral: históricos, fantásticos, dançantes e modernos. [2]

História [ editar ]

Acredita-se que os festivais e procissões da vila em homenagem a Dionísio (ver também: Dionísia ) entre os gregos antigos tenham sido a origem do teatro e, portanto, do traje de teatro. A escultura e as pinturas em vasos fornecem a evidência mais clara desse traje. [1] Por causa de seu estilo ritualizado de teatro, muitas máscaras foram usadas dando a cada personagem uma aparência específica e elas variavam dependendo se eram usadas para fins cômicos ou dramáticos. Algumas máscaras foram construídas com um lado alegre e também um lado sério no mesmo rosto, na tentativa de indicar uma mudança na emoção sem uma mudança de máscara. [3] O mesmo é verdade para os romanos, que continuaram a tradição da máscara, o que tornou a duplicação de papéis mais fácil.

Durante o final da Idade Média na Europa, representações dramáticas de histórias bíblicas prevaleciam, portanto, vestimentas cristãs reais, estilizadas a partir de trajes tradicionais da corte bizantina, eram usados ​​como fantasias para manter as performances o mais realistas possível. [1] A caracterização estereotipada foi a chave quando os artistas vestiram para este estilo de teatro. Na maioria dos casos, os atores tiveram que fornecer seus próprios trajes ao interpretar um personagem encontrado na vida diária. [4]

Mais tarde, na performance elisabetana durante os anos 1500-1600 na Inglaterra, o traje se tornou o elemento visual mais importante. As roupas eram muito caras porque apenas os melhores tecidos eram usados. A maioria dos personagens estava vestida à moda elisabetana, caso contrário, os trajes poderiam ser divididos em cinco categorias; “Ancient”, que estava fora de moda, a roupa usada para representar outro período; "Antigo", acréscimos mais antigos às roupas contemporâneas para distinguir personagens clássicos; Trajes oníricos e "fantasiosos" para personagens sobrenaturais ou alegóricos; Roupas "tradicionais" que representavam apenas algumas pessoas específicas, como Robin Hood, ou trajes "Nacionais ou Raciais" que tinham a intenção de separar um grupo específico de pessoas, mas não tendiam a ser historicamente precisas. [5]

"Normalmente, as roupas da moda eram usadas tanto na comédia quanto na tragédia até 1727, quando Adrienne Lecouvreur adotou o traje de corte formal e muito mais elaborado para a tragédia. Sua prática logo se tornou padrão para todas as heroínas trágicas" [6]Os atores principais começaram a competir entre si para ver quem teria o vestido de palco mais luxuoso. Essa prática continuou até por volta de 1750, quando os figurinos tornaram-se relevantes para o personagem novamente. A arte começou a copiar a vida e as características realistas foram favorecidas especialmente durante o século XIX. Por exemplo, Georg II, duque de Saxe-Meiningen, interessou-se pessoalmente pelo teatro e começou a administrar trupes. Ele defendeu a autenticidade e precisão do roteiro e período de tempo, portanto, ele se recusou a deixar os atores mexerem em seus próprios trajes. Ele também se certificou de que os materiais eram autênticos e específicos, usando cota de malha, armadura, espadas reais, etc. Nenhum substituto barato seria permitido. [7]

Em agosto de 1823, em uma edição do Álbum , James Planché publicou um artigo dizendo que mais atenção deveria ser dada ao período de tempo das peças de Shakespeare, especialmente quando se trata de fantasias. No mesmo ano, uma conversa casual levou a um dos efeitos mais duradouros de Planché no teatro britânico. Ele observou a Charles Kemble , o gerente de Covent Garden, que "embora mil libras fossem frequentemente gastas em uma pantomima de Natal ou em um espetáculo de Páscoa, as peças de Shakespeare foram colocadas no palco com cenários improvisados ​​e, na melhor das hipóteses, um vestido novo ou dois para os personagens principais. " [8] [9]Kemble "viu a possível vantagem de eletrodomésticos corretos pegando o gosto da cidade" e concordou em dar a Planché o controle do figurino para a próxima produção de King John , se ele realizasse a pesquisa, desenhasse os figurinos e supervisionasse a produção. [10] Planché tinha pouca experiência nesta área e procurou a ajuda de antiquários como Francis Douce e Sir Samuel Meyrick . A pesquisa envolveu os interesses latentes de Antiquário de Planché; estes passaram a ocupar uma parte cada vez maior de seu tempo mais tarde na vida. [11]

Apesar das reservas dos atores, King John foi um sucesso e levou a uma série de produções de Shakespeare com fantasias semelhantes de Kemble e Planché ( Henrique IV, Parte I , As You Like It , Otelo , Cymbeline , Julius Caesar ). [11] Os desenhos e representações do Rei João , Henrique IV , Como Gostais , Otelo , Hamlet e Mercador de Veneza foram publicados, embora não haja evidências de que Hamlet e o Mercador de Venezajamais foram produzidos com os figurinos historicamente precisos de Planché. Planché também escreveu várias peças ou adaptações que foram encenadas com trajes historicamente precisos ( Cortez , The Woman Never Vext , The Merchant's Wedding , Charles XII , The Partisans , The Brigand Chief e Hofer ). [12] Depois de 1830, embora ele ainda usasse trajes de época, ele não reivindicou mais precisão histórica para seu trabalho em peças. Seu trabalho em King John trouxe uma "revolução na prática do palco do século XIX" [12] que durou quase um século. [13]

Em 1923, o primeiro de uma série de inovadoras vestido moderno produções de Shakespeare peças, Cymbeline , dirigido por HK Ayliff , abriu em Barry Jackson 's Birmingham Repertory Theater em Inglaterra . [14]

Trajes históricos de Le Cateau Cambrésis, França

Os trajes do teatro chinês são muito importantes, especialmente na Ópera de Pequim. Eles geralmente são fortemente padronizados e de cores fortes. Os itens padrão consistem em pelo menos 300 peças e descrevem o tipo de personagem dos atores, idade e status social por meio de ornamentos, design, cor e acessórios. "A cor é sempre usada simbolicamente: vermelho para lealdade e posição elevada, amarelo para a realeza e carmesim escuro para bárbaros ou conselheiros militares." [15] Significado simbólico também é encontrado nos designs usados ​​para emblemas. Por exemplo, o tigre representa o poder e a força masculina. A maioria das roupas, independentemente da classe, é feita de materiais ricos e luxuosos. A maquiagem também é usada simbolicamente e muito importante para a aparência geral.

No drama Noh japonês, as máscaras são sempre usadas e o aspecto proeminente do traje. Eles são feitos de madeira e geralmente usados ​​por gerações. Existem cinco tipos básicos; masculino, feminino, idoso, divindades e monstros, todos com muitas variações. [16] As máscaras são trocadas frequentemente durante a peça. No Kabuki, outra forma de teatro japonês, os atores não usam máscaras, mas dependem muito da maquiagem para o visual geral. As características são exageradas ou removidas e, para algumas das funções atléticas, a musculatura é delineada em um padrão específico. Trajes tradicionais são usados ​​para cada papel, com base em trajes históricos que são alterados para um efeito dramático. "Alguns trajes pesam até 22 quilos e os assistentes de palco ajudam os atores a mantê-los devidamente organizados enquanto estão no palco" [17]

Desenho de processos [ editar ]

Uma mulher criando em uma oficina de fantasias no teatro de Praga .

O processo de design de figurino envolve muitas etapas e, embora difiram de gênero para gênero, um método básico é comumente usado.

1. Análise : O primeiro passo é uma análise do roteiro, composição musical, coreografia, etc. Os parâmetros do figurino para o show são estabelecidos e uma trama do traje rudimentar é criada. A trama do traje descreve qual personagem está em qual cena, quando os atores mudam e quais fantasias são mencionadas no roteiro.

2. Colaboração de design : uma fase importante no processo em que todos os designers se encontram com o diretor. Deve haver uma compreensão clara de para onde o show está indo. Os designers ficam na mesma página com o diretor em termos de temas para o show e qual mensagem eles querem que o público receba do show.

3. Pesquisa do figurino : Uma vez que o diretor e os designers estão na mesma página, o próximo passo é o figurinista reunir as pesquisas. Os figurinistas geralmente começam com a pesquisa do mundo da peça, onde encontram pesquisas para estabelecer o mundo onde a peça acontece. Isso ajuda os designers a estabelecer as regras do mundo e, por sua vez, entender melhor os personagens. O designer então fará uma ampla pesquisa sobre cada personagem para tentar estabelecer suas personalidades através de seus trajes.

4. Esboço preliminar e layout de cores : Uma vez que informações suficientes são obtidas, os figurinistas começam criando esboços preliminares. começando com rascunhos muito rápidos, o designer pode ter uma ideia básica de como o show vai ficar montado e se as regras do mundo estão sendo mantidas. O figurinista então fará esboços mais detalhados e descobrirá as roupas e cores específicas para o personagem. Os esboços ajudam a ver o show como um todo, sem que eles tenham que gastar muito tempo com eles.

5. Rascunhos finais : Uma vez que o figurinista e o diretor concordem com os figurinos e as ideias totalmente desenvolvidas, o designer criará os rascunhos finais. Eles são chamados de renderização e geralmente são pintados com aquarela ou tintas acrílicas. Esses esboços finais mostram como o designer deseja que o personagem se pareça e as cores do figurino.

[18]

Processo de produção [ editar ]

Exemplo de drapeado de tecido de musselina em um modelo de vestido

Uma vez que o show é desenhado, é necessário planejar onde os itens serão comprados. Existem quatro opções. As roupas podem ser:

  • Puxado, que se refere à pesquisa no estoque de uma loja de fantasias
  • Alugado
  • Comprado
  • Construído ou também conhecido como feito sob encomenda.

Existem duas maneiras pelas quais uma vestimenta pode começar a ser construída; padrão desenhado ou drapejado, e muitas vezes os dois métodos serão usados ​​juntos. A elaboração do padrão começa usando um conjunto de blocos de padrão básicos desenvolvidos a partir das medições do ator. Eles são desenhados primeiro no papel, depois transferidos para o tecido e costurados juntos para testar o ajuste. [19]

Draping envolve a manipulação de um pedaço de tecido em uma forma de vestido ou manequim que tem medidas intimamente relacionadas com os atores. É um processo que pega um pedaço de tecido plano e o modela para conformar o tecido a um corpo tridimensional por meio de corte e alfinetes.

Uma vez construído, no entanto, o traje não terminou de "funcionar". Um aspecto mais importante dos figurinos são as maneiras como afetam o desempenho dos atores e funcionam em seus cenários. Os melhores figurinistas constroem suas idéias originais após avaliar as condições visuais e espaciais dos figurinos. [20]

Veja também [ editar ]

Referências [ editar ]

  1. ^ a b c Eubank, Tortora, Keith, Phyllis G. (2005). Levantamento do Traje Histórico . Nova York: Fairchild Publications. p. 1
  2. ^ Grimball e Wells, Elizabeth B. e Rhea (1925). Trajando uma peça de teatro: Manual de artes inter-teatrais . The Century Co. p. 6. ASIN B0000D5ITV . 
  3. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). História do Teatro . EUA: Pearson Education Inc. p. 53. ISBN 0-205-47360-1.
  4. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). História do Teatro . EUA: Pearson Education Inc. p. 96. ISBN 0-205-47360-1.
  5. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). História do Teatro . EUA: Pearson Education Inc. p. 125. ISBN 0-205-47360-1.
  6. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). História do Teatro . EUA: Pearson Education Inc. p. 254. ISBN 0-205-47360-1.
  7. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). História do Teatro . EUA: Pearson Education Inc. p. 358. ISBN 0-205-47360-1.
  8. ^ Obituário, The New York Times , 15 de junho de 1880, p3
  9. ^ Reinhardt, The Costume Designs of James Robinson Planché , argumenta que uma carta publicada no The Album , agosto de 1823, pp298–304, assinada apenas 'P', que pedia mais atenção para ser dada ao figurino das peças de Shakespeare, e propôs um sistema de guarda-roupa em que todos os locais e períodos podiam ser acomodados, foi de fato escrito por Planché.
  10. ^ Obituário, The New York Times . O playbill por D. João afirma que, se a peça se encontra com "aprovação e patrocínio" mais das peças de Shakespeare será realizada "Vestida com o mesmo esplêndida, romance e estilo interessante".
  11. ^ a b Reinhardt, Os Desenhos de Trajes de James Robinson Planché , p526-7
  12. ^ a b Roy, Dicionário de Oxford da biografia nacional
  13. ^ Granville-Barker, Exit Planché - Enter Gilbert , p. 107
  14. ^ Morris, Sylvia (2012-01-13). "Inovando em Birmingham: Barry Jackson e o vestido moderno de Shakespeare" . O blog de Shakespeare . Página visitada em 2012-03-21 .
  15. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). História do Teatro . EUA: Pearson Education Inc. p. 201. ISBN 0-205-47360-1.
  16. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). História do Teatro . EUA: Pearson Education Inc. p. 206. ISBN 0-205-47360-1.
  17. ^ Brockett, Hildy, Oscar G., Franklin J. (2007). História do Teatro . EUA: Pearson Education Inc. p. 211. ISBN 0-205-47360-1.
  18. ^ Covey, Ingham, Liz, Rosemary (1992). O Manual do Costume Designer . Portsmouth, NH: Heinemann. pp. 15–100.
  19. ^ Covey, Ingham, Liz, Rosemary (2003). O Manual do Técnico do Traje . Portsmouth, NH: Heinemann. p. 98
  20. ^ Lugli, Emanuele. " " Traje como Aparência: Um Estudo das Modalidades de Existência dos Trajes de Cinema " .

Ligações externas [ editar ]