Crítica de arte

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Macacos como juízes de arte , 1889, Gabriel von Max

A crítica de arte é a discussão ou avaliação da arte visual . [1] [2] [3] Os críticos de arte geralmente criticam a arte no contexto da estética ou da teoria da beleza. [2] [3] Um objetivo da crítica de arte é a busca de uma base racional para a apreciação da arte [1] [2] [3] , mas é questionável se tal crítica pode transcender as circunstâncias sociopolíticas predominantes. [4]

A variedade de movimentos artísticos resultou em uma divisão da crítica de arte em diferentes disciplinas que podem usar critérios diferentes para seus julgamentos. [3] [5] A divisão mais comum no campo da crítica é entre crítica histórica e avaliação, uma forma de história da arte , e crítica contemporânea do trabalho de artistas vivos. [1] [2] [3]

Apesar das percepções de que a crítica de arte é uma atividade de risco muito menor do que fazer arte, as opiniões sobre a arte atual estão sempre sujeitas a correções drásticas com o passar do tempo. [2] Os críticos do passado são muitas vezes ridicularizados por dispensar artistas agora venerados (como os primeiros trabalhos dos impressionistas ). [3] [6] [7] Alguns movimentos artísticos foram nomeados depreciativamente pelos críticos, com o nome mais tarde adotado como uma espécie de distintivo de honra pelos artistas do estilo (por exemplo, Impressionismo , Cubismo ), com o significado original negativo esquecido. [6] [8] [9]

Os artistas muitas vezes tiveram um relacionamento difícil com seus críticos. Os artistas geralmente precisam de opiniões positivas dos críticos para que seu trabalho seja visto e comprado; infelizmente para os artistas, somente as gerações posteriores poderão entendê-lo. [2] [10]

A arte é uma parte importante do ser humano e pode ser encontrada em todos os aspectos de nossas vidas, independentemente da cultura ou época. Existem muitas variáveis ​​diferentes que determinam o julgamento da arte, como estética, cognição ou percepção. A arte pode ser objetiva ou subjetiva com base na preferência pessoal em relação à estética e à forma. Pode basear-se nos elementos e princípios do design e na aceitação social e cultural. A arte é um instinto humano básico com uma gama diversificada de formas e expressões. A arte pode ficar sozinha com um julgamento instantâneo ou pode ser vista com um conhecimento mais profundo e educado. Teorias estéticas, pragmáticas, expressivas, formalistas, relativistas, processionais, de imitação, rituais, cognitivas, miméticas e pós-modernas são algumas das muitas teorias para criticar e apreciar a arte.[ citação necessária ]

Definição

A crítica de arte tem muitos e muitas vezes numerosos pontos de vista subjetivos que são quase tão variados quanto as pessoas que a praticam. [2] [3] É difícil chegar a uma definição mais estável do que a atividade relacionada à discussão e interpretação da arte e seu valor. [3] Dependendo de quem está escrevendo sobre o assunto, a própria "crítica de arte" pode ser obviada como um objetivo direto ou pode incluir a história da arte em sua estrutura. [3] Independentemente dos problemas de definição, a crítica de arte pode se referir à história do ofício em seus ensaios e a própria história da arte pode usar métodos críticos implicitamente. [2] [3] [7] De acordo com o historiador da arteR. Siva Kumar , "As fronteiras entre história da arte e crítica de arte... não são mais tão firmemente traçadas como costumavam ser. Talvez tenha começado com os historiadores da arte se interessando pela arte moderna." [11]

Metodologia

A crítica de arte inclui um aspecto descritivo, [3] onde a obra de arte é suficientemente traduzida em palavras para permitir que um caso seja feito. [2] [3] [7] [12] A avaliação de uma obra de arte que segue a descrição (ou se intercala com ela) depende tanto da produção do artista quanto da experiência do crítico. [2] [3] [9] Há em uma atividade com um componente subjetivo tão marcante uma variedade de maneiras pelas quais ela pode ser exercida. [2] [3] [7] Como extremos em um espectro possível, [13] enquanto alguns preferem simplesmente observar as impressões imediatas causadas por um objeto artístico, [2] [3]outros preferem uma abordagem mais sistemática, recorrendo ao conhecimento técnico, à teoria estética privilegiada e ao contexto sociocultural conhecido em que o artista está imerso para discernir sua intenção. [2] [3] [7]

História

As críticas à arte provavelmente se originaram com as origens da própria arte, como evidenciam os textos encontrados nas obras de Platão , Vitrúvio ou Agostinho de Hipona , entre outros, que contêm formas primitivas de crítica de arte. [3] Além disso, patronos ricos empregaram, pelo menos desde o início do Renascimento , avaliadores de arte intermediários para auxiliá-los na aquisição de encomendas e/ou peças acabadas. [14] [15]

Origens

Jonathan Richardson cunhou o termo "crítica de arte" em 1719.

A crítica de arte como gênero de escrita, obteve sua forma moderna no século XVIII. [3] O primeiro uso do termo crítica de arte foi pelo pintor inglês Jonathan Richardson em sua publicação de 1719 An Essay on the Whole Art of Criticism . Neste trabalho, ele tentou criar um sistema objetivo para a classificação das obras de arte. Sete categorias, incluindo desenho, composição, invenção e coloração, receberam uma pontuação de 0 a 18, que foram combinadas para dar uma pontuação final. O termo que ele introduziu rapidamente pegou, especialmente quando a classe média inglesa começou a ser mais criteriosa em suas aquisições de arte, como símbolos de seu status social ostentado. [16]

Na França e na Inglaterra em meados de 1700, o interesse público pela arte começou a se tornar generalizado, e a arte era exibida regularmente nos Salões de Paris e nas Exposições de Verão de Londres. Os primeiros escritores a adquirir uma reputação individual como críticos de arte na França do século XVIII foram Jean-Baptiste Dubos com suas Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1718) [17] que granjeou a aclamação de Voltaire pela sagacidade de sua abordagem à teoria estética; [18] e Étienne La Font de Saint-Yenne com Reflexions sur quelques cause de l'état présent de la peinture en France que escreveu sobre o Salão de 1746, [19]comentando sobre o quadro socioeconômico da produção do então popular estilo artístico barroco , [20] o que levou a uma percepção de sentimentos antimonarquistas no texto. [21]

O escritor francês do século 18 Denis Diderot avançou muito no meio da crítica de arte. O "Salão de 1765" de Diderot [22] foi uma das primeiras tentativas reais de capturar a arte em palavras. [23] De acordo com o historiador de arte Thomas E. Crow , "Quando Diderot se dedicou à crítica de arte, foi na esteira da primeira geração de escritores profissionais que se dedicaram a oferecer descrições e julgamentos de pintura e escultura contemporâneas. tal comentário foi um produto da instituição igualmente nova de exposições públicas regulares, gratuitas da arte mais recente". [24]

Enquanto isso, na Inglaterra, uma exposição da Society of Arts em 1762 e, mais tarde, em 1766, provocou uma enxurrada de panfletos críticos, embora anônimos. Jornais e periódicos do período, como o London Chronicle , começaram a carregar colunas para crítica de arte; uma forma que decolou com a fundação da Royal Academy em 1768. Na década de 1770, o Morning Chronicle tornou-se o primeiro jornal a revisar sistematicamente a arte apresentada em exposições. [16]

Século 19

John Ruskin , o crítico de arte proeminente da Inglaterra do século 19.

A partir do século XIX, a crítica de arte tornou-se uma vocação mais comum e até uma profissão, [3] desenvolvendo por vezes métodos formalizados baseados em teorias estéticas particulares . [2] [3] [5] [13] Na França, surgiu na década de 1820 uma cisão entre os proponentes das formas tradicionais de arte neoclássica e a nova moda romântica . Os neoclássicos, sob Étienne-Jean Delécluze, defenderam o ideal clássico e preferiram a forma cuidadosamente acabada nas pinturas. Românticos, como Stendhal, criticou os estilos antigos como excessivamente estereotipados e desprovidos de qualquer sentimento. Em vez disso, eles defenderam as novas nuances expressivas, idealistas e emocionais da arte romântica. Um debate semelhante, embora mais silencioso, também ocorreu na Inglaterra. [16]

Um dos críticos proeminentes na Inglaterra na época foi William Hazlitt , pintor e ensaísta. Ele escreveu sobre seu profundo prazer pela arte e sua crença de que as artes poderiam ser usadas para melhorar a generosidade de espírito da humanidade e o conhecimento do mundo ao seu redor. Ele fazia parte de uma onda crescente de críticos ingleses que começaram a ficar inquietos com a direção cada vez mais abstrata em que a arte da paisagem de JMW Turner estava se movendo. [16]

Um dos grandes críticos do século XIX foi John Ruskin . Em 1843 ele publicou Pintores Modernos , que repetia conceitos de "Paisagem e Pintura de Retrato" em The Yankee (1829) do primeiro crítico de arte americano John Neal [25] em sua distinção entre "coisas vistas pelo artista" e "coisas como elas são." [26] Por meio de uma análise meticulosa e atenção aos detalhes, Ruskin alcançou o que o historiador de arte EH Gombrich chamou de "o trabalho de crítica de arte científica mais ambicioso já tentado". Ruskin tornou-se conhecido por sua prosa rica e fluida, e mais tarde na vida ele se ramificou para se tornar um crítico ativo e abrangente,Arte renascentista , incluindo as Pedras de Veneza .

A crítica de arte de Charles Baudelaire , Salon of 1845 , chocou seu público com suas ideias.

Outra figura dominante na crítica de arte do século XIX, foi o poeta francês Charles Baudelaire , cuja primeira obra publicada foi sua crítica de arte Salon of 1845 , [27] que atraiu atenção imediata por sua ousadia. [28] Muitas de suas opiniões críticas eram novas em seu tempo, [28] incluindo sua defesa de Eugène Delacroix . [29] Quando o famoso Olympia de Édouard Manet (1865), um retrato de uma cortesã nua, provocou um escândalo por seu realismo flagrante, [30] Baudelaire trabalhou em particular para sustentar seu amigo. [31]Ele afirmou que "a crítica deve ser parcial, apaixonada, política - ou seja, formada de um ponto de vista exclusivo, mas também de um ponto de vista que abre o maior número de horizontes". Procurou deslocar o debate das velhas posições binárias das décadas anteriores, declarando que "o verdadeiro pintor será aquele que conseguir arrancar da vida contemporânea seu aspecto épico e nos fazer ver e compreender, com cor ou desenho, quão grande e poéticos somos em nossas gravatas e nossas botas polidas". [16]

Em 1877, John Ruskin ridicularizou Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket depois que o artista, James McNeill Whistler , o mostrou na Grosvenor Gallery : [32] ouvir um coxcomb pedir duzentos guinéus para jogar um pote de tinta na cara do público." [33] Essa crítica provocou Whistler a processar o crítico por difamação. [34] [35] O processo judicial que se seguiu provou ser uma vitória de Pirro para Whistler. [36] [37] [38]

Virada do século XX

Auto-retrato de Roger Fry , descrito pelo historiador de arte Kenneth Clark como "incomparavelmente a maior influência no gosto desde Ruskin ... Na medida em que o gosto pode ser alterado por um homem, foi alterado por Roger Fry". [39]

No final do século XIX, um movimento em direção à abstração, em oposição ao conteúdo específico, começou a ganhar terreno na Inglaterra, notadamente defendido pelo dramaturgo Oscar Wilde . No início do século XX, essas atitudes se fundiram formalmente em uma filosofia coerente, por meio do trabalho dos membros do Grupo Bloomsbury , Roger Fry e Clive Bell . [40] [41] Como historiador da arte na década de 1890, Fry ficou intrigado com a nova arte modernista e seu afastamento da representação tradicional. Sua exposição de 1910 do que ele chamou de pós-impressionistaa arte atraiu muitas críticas por sua iconoclastia. Ele se defendeu vigorosamente em uma palestra, na qual argumentou que a arte havia se movido para tentar descobrir a linguagem da pura imaginação, em vez da captura científica séria e, em sua opinião, desonesta da paisagem. [42] [43] O argumento de Fry provou ser muito influente na época, especialmente entre a elite progressista. Virginia Woolf observou que: "por volta de dezembro de 1910 [a data em que Fry deu sua palestra] o caráter humano mudou". [16]

Independentemente, e ao mesmo tempo, Clive Bell argumentou em seu livro Art de 1914 que toda obra de arte tem sua "forma significativa" particular, enquanto o assunto convencional era essencialmente irrelevante. Este trabalho lançou as bases para a abordagem formalista da arte. [5] Em 1920, Fry argumentou que "é tudo a mesma coisa para mim se eu representar um Cristo ou uma panela , pois é a forma, e não o objeto em si, que me interessa". Além de ser um defensor do formalismo, ele argumentou que o valor da arte está em sua capacidade de produzir uma experiência estética distinta no espectador. uma experiência que ele chamou de "emoção estética". Ele a definiu como aquela experiência que é despertada pela forma significativa. Ele também sugeriu que a razão pela qual experimentamos emoção estética em resposta à forma significativa de uma obra de arte é que percebemos essa forma como uma expressão de uma experiência que o artista tem. A experiência do artista, por sua vez, ele sugeriu, foi a experiência de ver objetos comuns no mundo como pura forma: a experiência que se tem quando se vê algo não como um meio para outra coisa, mas como um fim em si mesmo. [44]

Herbert Read foi um defensor de artistas britânicos modernos como Paul Nash , Ben Nicholson , Henry Moore e Barbara Hepworth e tornou-se associado ao grupo de artes contemporâneas de Nash, Unit One. Ele se concentrou no modernismo de Pablo Picasso e Georges Braque , e publicou um influente ensaio de 1929 sobre o significado da arte em The Listener . [45] [46] [47] [48] Ele também editou a revista Burlington Magazine (1933–38) e ajudou a organizar a Exposição Surrealista Internacional de Londres em 1936. [49]

Desde 1945

Como no caso de Baudelaire no século XIX, o fenômeno do poeta-crítico reapareceu no século XX, quando o poeta francês Apollinaire se tornou o campeão do cubismo. [50] [51] Mais tarde, o escritor francês e herói da Resistência André Malraux escreveu extensivamente sobre arte, [52] indo muito além dos limites de sua Europa natal. [ 53] Sua convicção de que a vanguarda na América Latina estava no muralismo mexicano ( Orozco , Rivera e Siqueiros ) mudou depois de sua viagem a Buenos Airesem 1958. Depois de visitar os ateliês de vários artistas argentinos na companhia do jovem diretor do Museu de Arte Moderna de Buenos Aires Rafael Squirru , Malraux declarou a nova vanguarda nos novos movimentos artísticos da Argentina . [ carece de fontes ] Squirru, poeta-crítico que se tornou Diretor Cultural da OEA em Washington, DC , durante a década de 1960, foi o último a entrevistar Edward Hopper antes de sua morte, contribuindo para o ressurgimento do interesse pelo artista americano. [54]

Na década de 1940 havia não apenas poucas galerias ( The Art of This Century ), mas também poucos críticos dispostos a seguir o trabalho da Vanguarda de Nova York . [55] Havia também alguns artistas com formação literária, entre eles Robert Motherwell e Barnett Newman , que também atuavam como críticos. [56] [57] [58]

Embora Nova York e o mundo não estivessem familiarizados com a vanguarda de Nova York , [55] no final da década de 1940, a maioria dos artistas que se tornaram nomes conhecidos hoje tinham seus críticos patronos bem estabelecidos. [59] Clement Greenberg defendeu Jackson Pollock e os pintores de campos de cores como Clyfford Still , Mark Rothko , Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Hans Hofmann . [60] [61] [62] [63] [64] [65] [66] Harold Rosenberg parecia preferir os pintores de ação como Willem de Kooninge Franz Kline . [67] [68] Thomas B. Hess , o editor-chefe da ARTnews , defendeu Willem de Kooning . [69]

Os novos críticos elevaram seus protegidos ao colocar outros artistas como "seguidores" ou ignorando aqueles que não serviam ao seu objetivo promocional. [5] [70] Como exemplo, em 1958, Mark Tobey "tornou-se o primeiro pintor americano desde Whistler (1895) a ganhar o prêmio máximo na Bienal de Veneza. As duas principais revistas de arte de Nova York não estavam interessadas. Arts mencionou o histórico evento apenas em uma coluna de notícias e Art News (editor-gerente: Thomas B. Hess) o ignorou completamente . [71]

Barnett Newman , um membro falecido do Uptown Group escreveu prefácios e resenhas de catálogos e, no final da década de 1940, tornou-se um artista expositor na Betty Parsons Gallery. Sua primeira exposição individual foi em 1948. Logo após sua primeira exposição, Barnett Newman comentou em uma das Sessões de Artistas no Studio 35: "Estamos no processo de fazer o mundo, até certo ponto, à nossa própria imagem". [72] Utilizando suas habilidades de escrita, Newman lutou a cada passo do caminho para reforçar sua imagem recém-estabelecida como artista e promover seu trabalho. Um exemplo é sua carta a Sidney Janis em 9 de abril de 1955:

É verdade que Rothko fala do lutador. Ele luta, no entanto, para se submeter ao mundo filisteu. Minha luta contra a sociedade burguesa envolveu a rejeição total dela. [73]

A pessoa que mais teve a ver com a promoção desse estilo foi um trotskista de Nova York , Clement Greenberg . [5] [59] Como crítico de arte de longa data da Partisan Review e da The Nation , ele se tornou um proponente precoce e letrado do Expressionismo Abstrato. [5] O artista Robert Motherwell , endinheirado, juntou-se a Greenberg na promoção de um estilo que se encaixava no clima político e na rebeldia intelectual da época. [74]

Clement Greenberg proclamou o Expressionismo Abstrato e Jackson Pollock em particular como o epítome do valor estético. Greenberg apoiou o trabalho de Pollock em bases formalistas como simplesmente a melhor pintura de sua época e a culminação de uma tradição artística que remontava ao cubismo e Cézanne a Monet , na qual a pintura se tornava cada vez mais "pura" e mais concentrada no que era "essencial" para ela , a realização de marcas em uma superfície plana. [75]

O trabalho de Jackson Pollock sempre polarizou os críticos. Harold Rosenberg falou da transformação da pintura em drama existencial na obra de Pollock, em que "o que iria para a tela não era um quadro, mas um acontecimento". "O grande momento veio quando se decidiu pintar 'só para pintar'. O gesto na tela era um gesto de libertação do valor - político, estético, moral." [76]

Um dos críticos mais vocais do expressionismo abstrato na época foi o crítico de arte do New York Times John Canaday . [77] Meyer Schapiro e Leo Steinberg também foram importantes historiadores da arte do pós-guerra que expressaram apoio ao expressionismo abstrato. [78] [79] Durante o início e meados dos anos sessenta, os críticos de arte mais jovens Michael Fried , Rosalind Krauss e Robert Hughes acrescentaram insights consideráveis ​​sobre a dialética crítica que continua a crescer em torno do expressionismo abstrato. [80] [81] [82]

Crítica de arte feminista

A crítica de arte feminista surgiu na década de 1970 a partir do movimento feminista mais amplo como o exame crítico das representações visuais das mulheres na arte e da arte produzida por mulheres . [83] Continua a ser um importante campo da crítica de arte.

Hoje

Os críticos de arte hoje trabalham não apenas na mídia impressa e em revistas especializadas de arte, bem como em jornais. Críticos de arte também aparecem na internet, TV e rádio, bem como em museus e galerias. [1] [84] Muitos também são empregados em universidades ou como arte-educadores para museus. Os críticos de arte organizam exposições e são frequentemente contratados para escrever catálogos de exposições. [1] [2] Os críticos de arte têm sua própria organização, uma organização não governamental da UNESCO , chamada Associação Internacional de Críticos de Arte , que tem cerca de 76 seções nacionais e uma seção política não alinhada para refugiados e exilados. [85]

Blogs de arte

Desde o início do século 21, sites de crítica de arte online e blogs de arte surgiram em todo o mundo para adicionar suas vozes ao mundo da arte. [86] [87] Muitos desses escritores usam recursos de mídia social como Facebook, Twitter, Tumblr e Google+ para apresentar aos leitores suas opiniões sobre crítica de arte.

Veja também

Referências

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