Animação

Animação é uma técnica de produção cinematográfica pela qual imagens estáticas são manipuladas para criar imagens em movimento . Na animação tradicional , as imagens são desenhadas ou pintadas à mão em folhas de celuloide transparentes ( cels ) para serem fotografadas e exibidas em filme. A animação foi reconhecida como um meio artístico, especificamente na indústria do entretenimento . Muitas animações são animações tradicionais ou animações de computador feitas com imagens geradas por computador (CGI). A animação em stop motion , em particular a claymation , continuou a existir ao lado dessas outras formas.

A animação é contrastada com o filme live-action , embora os dois não existam isoladamente. Muitos cineastas produziram filmes que são um híbrido dos dois . À medida que o CGI se aproxima cada vez mais das imagens fotográficas , os cineastas podem facilmente compor animações 3D em seus filmes em vez de usar efeitos práticos para efeitos visuais chamativos (VFX).

A animação por computador pode ser uma animação 3D muito detalhada , enquanto a animação por computador 2D (que pode ter a aparência de animação tradicional) pode ser usada por razões estilísticas, baixa largura de banda ou renderizações mais rápidas em tempo real . Outros métodos comuns de animação aplicam uma técnica de stop motion a objetos bidimensionais e tridimensionais, como recortes de papel , fantoches ou figuras de argila .

Um desenho animado no sentido de animação é um filme animado, geralmente curto, apresentando um estilo visual exagerado. O estilo se inspira em histórias em quadrinhos , geralmente apresentando animais antropomórficos , super-heróis ou as aventuras de protagonistas humanos. Especialmente com animais que formam uma relação natural predador/presa (por exemplo, gatos e ratos, coiotes e pássaros), a ação geralmente se concentra em quedas violentas , como quedas, colisões e explosões que seriam letais na vida real. Um desenho animado também pode ser um desenho ainda humorístico, geralmente com os mesmos elementos dos desenhos animados, mas com versões estáticas.

A ilusão da animação — como em filmes em geral — tem sido tradicionalmente atribuída à persistência da visão e, mais tarde, ao fenômeno phi e ao movimento beta , mas as causas neurológicas exatas ainda são incertas. A ilusão de movimento causada por uma rápida sucessão de imagens que diferem minimamente umas das outras, com interrupções imperceptíveis, é um efeito estroboscópico . Enquanto os animadores tradicionalmente costumavam desenhar cada parte dos movimentos e mudanças de figuras em células transparentes que podiam ser movidas sobre um fundo separado, a animação por computador é geralmente baseada em caminhos de programação entre quadros-chave para manobrar figuras criadas digitalmente em um ambiente criado digitalmente.

Mídias de animação mecânica analógica que dependem da exibição rápida de imagens sequenciais incluem o phenakistiscope , o zootrope , o flip book , o praxinoscope e o filme. Televisão e vídeo são mídias de animação eletrônica populares que originalmente eram analógicas e agora operam digitalmente . Para exibição em computadores, tecnologias como o GIF animado e a animação Flash foram desenvolvidas.

Além de curtas-metragens , longas-metragens , séries de televisão , GIFs animados e outras mídias dedicadas à exibição de imagens em movimento, a animação também é predominante em videogames , gráficos em movimento , interfaces de usuário e efeitos visuais . ^[1]

O movimento físico de partes de imagem por meio de mecânica simples — por exemplo, imagens em movimento em shows de lanternas mágicas — também pode ser considerado animação. A manipulação mecânica de bonecos e objetos tridimensionais para emular seres vivos tem uma história muito longa em autômatos . Autômatos eletrônicos foram popularizados pela Disney como animatrônicos .

A palavra animação deriva do latim animātiōn , radical de animātiō , que significa 'doação de vida'. ^[2] O significado anterior da palavra inglesa é 'vivacidade' e tem sido usado por muito mais tempo do que o significado de 'meio de imagem em movimento'.

Muito antes do início da animação moderna, o público em todo o mundo era cativado pela magia dos personagens em movimento. Durante séculos, artistas e artesãos mestres deram vida a fantoches, autômatos , fantoches de sombra e lanternas fantásticas , inspirando a imaginação por meio de maravilhas fisicamente manipuladas. ^[3]

Em 1833, o disco estroboscópico (mais conhecido como fenacistiscópio ) introduziu o princípio da animação moderna, que também seria aplicado no zootrópio (introduzido em 1866), no flip book (1868), no praxinoscópio (1877) e no filme .

Quando a cinematografia finalmente surgiu na década de 1890, a maravilha dos detalhes realistas no novo meio foi vista como sua maior realização. Demorou anos até que a animação encontrasse seu caminho para os cinemas. O curta de sucesso The Haunted Hotel (1907) de J. Stuart Blackton popularizou o stop motion e supostamente inspirou Émile Cohl a criar Fantasmagorie (1908), considerado o exemplo mais antigo conhecido de uma animação tradicional completa (desenhada à mão) em filme cinematográfico padrão. Outros grandes curtas-metragens artísticos e muito influentes foram criados por Ladislas Starevich com suas animações de fantoches desde 1910 e por Winsor McCay com animação detalhada desenhada à mão em filmes como Little Nemo (1911) e Gertie the Dinosaur (1914). ^[4]

Durante a década de 1910, a produção de " desenhos animados " tornou-se uma indústria nos EUA. ^[5] O produtor de sucesso John Randolph Bray e o animador Earl Hurd patentearam o processo de animação em cel que dominou a indústria da animação pelo resto do século. ^{[6] [7]} Felix the Cat , que estreou em 1919, tornou-se o primeiro personagem animal antropomórfico totalmente realizado na história da animação americana. ^[8]

Em 1928, Steamboat Willie , com Mickey Mouse e Minnie Mouse , popularizou o filme com som sincronizado e colocou o estúdio Walt Disney na vanguarda da indústria de animação. Embora a produção real da Disney Animation em relação à produção global total de animação, sempre tenha sido muito pequena; o estúdio dominou esmagadoramente as "normas estéticas" da animação desde então. ^[9]

O enorme sucesso de Mickey Mouse é visto como o início da era de ouro da animação americana que duraria até a década de 1960. Os Estados Unidos dominaram o mercado mundial de animação com uma infinidade de curtas-metragens de animação em cel. ^[10] Vários estúdios introduziriam personagens que se tornariam muito populares e teriam carreiras duradouras, incluindo Walt Disney Productions ' Pateta (1932) e Pato Donald (1934), Fleischer Studios / Paramount Cartoon Studios ' Out of the Inkwell ' Koko the Clown (1918), Bimbo e Betty Boop (1930), Popeye (1933) e Casper the Friendly Ghost (1945), Warner Bros. Cartoon Studios ' Looney Tunes ' Porky Pig (1935), Daffy Duck (1937), Elmer Fudd (1937-1940), Bugs Bunny (1938-1940), Tweety (1942), Sylvester the Cat (1945), Wile E. Coyote and the Road Runner (1949), MGM cartoon studio ' Tom e Jerry (1940) e Droopy , Universal Cartoon Studios ' Woody Woodpecker (1940), Mighty Mouse (1942), da Terrytoons / 20th Century Fox , e Pantera Cor de Rosa (1963), da United Artists .

Em 1917, o diretor ítalo-argentino Quirino Cristiani fez o primeiro longa-metragem El Apóstol (hoje perdido ), que se tornou um sucesso comercial e de crítica. Foi seguido por Sin dejar rastros, de Cristiani , em 1918, mas um dia após sua estreia, o filme foi confiscado pelo governo. ^[12]

Depois de trabalhar nele por três anos, Lotte Reiniger lançou o longa-metragem de animação de silhueta alemão Die Abenteuer des Prinzen Achmed em 1926, o mais antigo filme de animação existente. ^[13]

Em 1937, o Walt Disney Studios estreou seu primeiro longa de animação (usando a técnica Rotoscope inventada por Max Fleischer em 1915) Branca de Neve e os Sete Anões , ainda um dos filmes de animação tradicionais de maior bilheteria em maio de 2020. ^[atualizar][ ^{14] [15]} Os estúdios Fleischer seguiram esse exemplo em 1939 com As Viagens de Gulliver com algum sucesso. Em parte devido aos mercados estrangeiros terem sido cortados pela Segunda Guerra Mundial, os próximos filmes da Disney, Pinóquio , Fantasia (ambos de 1940), o segundo filme de animação do Fleischer Studios, Mr. Bug Goes to Town (1941–1942) e os filmes da Disney Cinderela (1950), Alice no País das Maravilhas (1951) e A Dama e o Vagabundo (1955) fracassaram nas bilheterias. Durante décadas depois, a Disney seria o único estúdio americano a produzir regularmente longas-metragens de animação, até que Ralph Bakshi se tornou o primeiro a também lançar mais do que um punhado de longas-metragens. O Sullivan-Bluth Studios começou a produzir regularmente longas-metragens de animação começando com An American Tail em 1986. ^[16]

Embora relativamente poucos títulos tenham se tornado tão bem-sucedidos quanto os filmes da Disney, outros países desenvolveram suas próprias indústrias de animação que produziam animações teatrais curtas e longas em uma ampla variedade de estilos, incluindo, com relativa frequência, técnicas de animação em stop motion e cutout . O estúdio de animação soviético Soyuzmultfilm , fundado em 1936, produzia 20 filmes (incluindo curtas) por ano em média e atingiu 1.582 títulos em 2018. China, Tchecoslováquia/República Tcheca, Itália, França e Bélgica foram outros países que mais do que ocasionalmente lançaram longas-metragens, enquanto o Japão se tornou uma verdadeira potência da produção de animação, com seu próprio estilo de anime reconhecível e influente de animação limitada eficaz . ^{[ citação necessária ]}

A animação se tornou muito popular na televisão desde a década de 1950, quando os aparelhos de televisão começaram a se tornar comuns na maioria dos países desenvolvidos. Os desenhos animados eram programados principalmente para crianças, em horários convenientes, e especialmente os jovens dos EUA passavam muitas horas assistindo aos desenhos animados nas manhãs de sábado . Muitos desenhos animados clássicos encontraram uma nova vida na telinha e, no final da década de 1950, a produção de novos desenhos animados começou a mudar de lançamentos teatrais para séries de TV. A Hanna-Barbera Productions foi especialmente prolífica e teve grandes séries de sucesso, como The Flintstones (1960–1966) (a primeira série animada do horário nobre ), Scooby-Doo (desde 1969) e a coprodução belga The Smurfs (1981–1989). As restrições da programação da televisão americana e a demanda por uma quantidade enorme resultaram em métodos de animação limitados mais baratos e rápidos e roteiros muito mais formulados. A qualidade diminuiu até que animações mais ousadas surgiram no final dos anos 1980 e no início dos anos 1990 com séries de sucesso, o primeiro desenho animado dos Simpsons (1987), que mais tarde se desenvolveu em seu próprio programa (em 1989) e Bob Esponja Calça Quadrada (desde 1999) como parte de um "renascimento" da animação americana. ^{[ citação necessária ]}

Embora as séries animadas dos EUA também tenham gerado sucesso internacionalmente, muitos outros países produziram sua própria programação voltada para crianças, preferindo, com relativa frequência, stop motion e fantoches em vez de animação em cel. As séries de TV de anime japonesas se tornaram muito bem-sucedidas internacionalmente desde a década de 1960, e os produtores europeus que buscavam animadores de cel acessíveis frequentemente iniciavam coproduções com estúdios japoneses, resultando em séries de sucesso como Barbapapa (Holanda/Japão/França 1973–1977), Wickie und die starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky the Viking) (Áustria/Alemanha/Japão 1974), Maya the Honey Bee (Japão/Alemanha 1975) e The Jungle Book (Itália/Japão 1989). ^{[ citação necessária ]}

A animação por computador foi desenvolvida gradualmente desde a década de 1940. A animação wireframe 3D começou a aparecer no mainstream na década de 1970, com uma aparição inicial (curta) no thriller de ficção científica Futureworld (1976). ^[17]

The Rescuers Down Under foi o primeiro longa-metragem a ser criado completamente digitalmente sem uma câmera. ^[18] Foi produzido usando o Computer Animation Production System (CAPS), desenvolvido pela Pixar em colaboração com a The Walt Disney Company no final dos anos 1980, em um estilo semelhante à animação cel tradicional. ^{[19] [20] [21]}

O chamado estilo 3D, mais frequentemente associado à animação por computador, tornou-se a técnica dominante após o sucesso de Toy Story (1995) da Pixar, o primeiro longa-metragem de animação por computador neste estilo. ^[22]

A maioria dos estúdios de animação cel passou a produzir principalmente filmes animados por computador por volta da década de 1990, pois provou ser mais barato e lucrativo. Não apenas o estilo de animação 3D muito popular foi gerado com computadores, mas também a maioria dos filmes e séries com uma aparência mais tradicional feita à mão, na qual as características encantadoras da animação cel podiam ser emuladas com software, enquanto novas ferramentas digitais ajudavam a desenvolver novos estilos e efeitos. ^{[23] [24] [25] [26] [27] [28]}

Em 2010, o mercado de animação foi estimado em cerca de US$ 80 bilhões. ^[29] Em 2021, o valor aumentou para cerca de US$ 370 bilhões. ^[30] Os longas-metragens de animação retornaram as maiores margens brutas (cerca de 52%) de todos os gêneros cinematográficos entre 2004 e 2013. ^[31] A animação como arte e indústria continua a prosperar no início da década de 2020. ^{[32] [33] [34]}

A clareza da animação a torna uma ferramenta poderosa para instrução, enquanto sua maleabilidade total também permite exageros que podem ser empregados para transmitir emoções fortes e frustrar a realidade. Portanto, tem sido amplamente usada para outros propósitos além do mero entretenimento. ^[35]

Durante a Segunda Guerra Mundial, a animação foi amplamente explorada para propaganda. Muitos estúdios americanos , incluindo Warner Bros. e Disney, emprestaram seus talentos e seus personagens de desenho animado para transmitir ao público certos valores de guerra. Alguns países, incluindo China, Japão e Reino Unido, produziram seu primeiro longa-metragem de animação para seus esforços de guerra. ^{[ citação necessária ]}

A animação tem sido muito popular em comerciais de televisão, tanto devido ao seu apelo gráfico, quanto ao humor que pode fornecer. Alguns personagens animados em comerciais sobreviveram por décadas, como Snap, Crackle e Pop em anúncios de cereais Kellogg's. ^[36] Tex Avery foi o produtor dos primeiros comerciais Raid " Kills Bugs Dead " em 1966, que foram muito bem-sucedidos para a empresa. ^[37]

Além do sucesso nos cinemas e nas séries de televisão, muitos personagens de desenhos animados também se mostraram lucrativos quando licenciados para todos os tipos de produtos e para outras mídias.

A animação tem sido tradicionalmente muito relacionada às histórias em quadrinhos . Enquanto muitos personagens de histórias em quadrinhos encontraram seu caminho para a tela (o que geralmente é o caso no Japão, onde muitos mangás são adaptados para anime ), personagens animados originais também aparecem comumente em histórias em quadrinhos e revistas. De forma um tanto semelhante, personagens e enredos para videogames (uma forma interativa de animação que se tornou seu próprio meio) foram derivados de filmes e vice-versa. ^[38]

Parte do conteúdo original produzido para a tela pode ser usado e comercializado em outras mídias. Histórias e imagens podem ser facilmente adaptadas para livros infantis e outras mídias impressas. Músicas e canções apareceram em discos e como mídia de streaming. ^{[ citação necessária ]}

Enquanto muitas empresas de animação exploram comercialmente suas criações fora da mídia de imagem em movimento, a The Walt Disney Company é o exemplo mais conhecido e extremo. Desde que foi licenciada pela primeira vez para um tablet de escrita infantil em 1929, seu mascote Mickey Mouse foi retratado em uma enorme quantidade de produtos , assim como muitos outros personagens da Disney. Isso pode ter influenciado algum uso pejorativo do nome Mickey , mas os produtos licenciados da Disney vendem bem, e a chamada Disneyana tem muitos colecionadores ávidos, e até mesmo um dedicado Disneyana Fan Club (desde 1984). ^[39]

A Disneylândia foi inaugurada em 1955 e apresenta muitas atrações baseadas nos personagens de desenho animado da Disney. Seu enorme sucesso gerou vários outros parques temáticos e resorts da Disney . Os ganhos da Disney com os parques temáticos têm sido relativamente frequentemente maiores do que os de seus filmes.

Como em qualquer outra forma de mídia, a animação instituiu prêmios de excelência na área. Muitos fazem parte de programas de premiação de filmes gerais ou regionais, como o Prêmio Galo de Ouro da China para Melhor Animação (desde 1981). Programas de premiação dedicados à animação, com muitas categorias, incluem o Annie Awards da ASIFA-Hollywood , o Emile Awards na Europa e o Anima Mundi Awards no Brasil. ^{[40] [41] [42]}

Além dos prêmios da Academia de Melhor Curta-Metragem de Animação (desde 1932) e Melhor Longa-Metragem de Animação (desde 2002), filmes de animação foram indicados e premiados em outras categorias, com relativa frequência, Melhor Canção Original e Melhor Trilha Sonora Original .

A Bela e a Fera foi o primeiro filme de animação indicado ao prêmio de Melhor Filme , em 1991. Up (2009) e Toy Story 3 (2010) também receberam indicações ao prêmio de Melhor Filme, depois que a academia expandiu o número de indicados de cinco para dez. ^[43]

A criação de obras de animação não triviais (ou seja, mais longas do que alguns segundos) desenvolveu-se como uma forma de produção cinematográfica , com certos aspectos únicos. ^[44] As características comuns aos filmes de ação ao vivo e de animação são a intensidade do trabalho e os altos custos de produção. ^[45]

A diferença mais importante é que, uma vez que um filme está na fase de produção, o custo marginal de mais uma tomada é maior para filmes de animação do que para filmes de ação ao vivo. ^[46] É relativamente fácil para um diretor pedir mais uma tomada durante a fotografia principal de um filme de ação ao vivo, mas cada tomada em um filme de animação deve ser renderizada manualmente por animadores (embora a tarefa de renderizar tomadas ligeiramente diferentes tenha se tornado menos tediosa pela animação por computador moderna). ^[47] É inútil para um estúdio pagar os salários de dezenas de animadores para passar semanas criando uma cena visualmente deslumbrante de cinco minutos se essa cena não conseguir avançar efetivamente o enredo do filme. ^[48] Assim, os estúdios de animação começando com a Disney começaram a prática na década de 1930 de manter departamentos de história onde os artistas de storyboard desenvolvem cada cena por meio de storyboards , entregando o filme aos animadores somente depois que a equipe de produção estiver satisfeita de que todas as cenas fazem sentido como um todo. ^[49] Embora os filmes de ação ao vivo agora também tenham storyboards, eles têm mais liberdade para se afastar dos storyboards (ou seja, improvisação em tempo real). ^{[ citação necessária ] [50]}

Outro problema exclusivo da animação é a exigência de manter a consistência de um filme do início ao fim, mesmo que os filmes tenham se tornado mais longos e as equipes tenham se tornado maiores. Os animadores, como todos os artistas, necessariamente têm estilos individuais, mas devem subordinar sua individualidade de forma consistente a qualquer estilo empregado em um filme específico. ^[51] Desde o início da década de 1980, equipes de cerca de 500 a 600 pessoas, das quais 50 a 70 são animadores, normalmente criam filmes de animação de longa-metragem. É relativamente fácil para dois ou três artistas combinarem seus estilos; sincronizar os de dezenas de artistas é mais difícil. ^[52]

Este problema é geralmente resolvido tendo um grupo separado de artistas de desenvolvimento visual desenvolvendo uma aparência geral e paleta para cada filme antes do início da animação. Os designers de personagens na equipe de desenvolvimento visual desenham folhas de modelo para mostrar como cada personagem deve se parecer com diferentes expressões faciais, colocados em diferentes posições e vistos de diferentes ângulos. ^{[53] [54]} Em projetos tradicionalmente animados, as maquetes eram frequentemente esculpidas para ajudar ainda mais os animadores a ver como os personagens ficariam de diferentes ângulos. ^{[55] [53]}

Ao contrário dos filmes de ação ao vivo, os filmes de animação eram tradicionalmente desenvolvidos além do estágio de sinopse por meio do formato de storyboard; os artistas de storyboard recebiam então o crédito por escrever o filme. ^[56] No início da década de 1960, os estúdios de animação começaram a contratar roteiristas profissionais para escrever roteiros (ao mesmo tempo em que continuavam a usar departamentos de história) e os roteiros se tornaram comuns para filmes de animação no final da década de 1980. ^{[ citação necessária ]}

A animação tradicional (também chamada de animação cel ou animação desenhada à mão) é o processo usado na maioria dos filmes de animação do século XX. ^[57] Os quadros individuais de um filme de animação tradicional são fotografias de desenhos, primeiro desenhados no papel. ^[58] Para criar a ilusão de movimento, cada desenho difere ligeiramente do anterior. Os desenhos dos animadores são traçados ou fotocopiados em folhas de acetato transparentes chamadas cels , ^[59] que são preenchidas com tintas em cores ou tons atribuídos no lado oposto aos desenhos de linha. ^[60] Os cels de personagens completos são fotografados um por um contra um fundo pintado por uma câmera de tribuna em filme cinematográfico. ^[61]

O processo tradicional de animação cel tornou-se obsoleto no início do século XXI. Em filmes modernos de animação tradicional, os desenhos dos animadores e os fundos são digitalizados ou desenhados diretamente em um sistema de computador. ^{[1] [62]} Vários programas de software são usados ​​para colorir os desenhos e simular o movimento e os efeitos da câmera. ^[63] A peça animada final é enviada para uma das várias mídias de entrega, incluindo o filme tradicional de 35 mm e mídias mais recentes com vídeo digital . ^{[64] [1]} O "visual" da animação cel tradicional ainda é preservado, e o trabalho dos animadores de personagens permaneceu essencialmente o mesmo nos últimos 90 anos. ^[55] Alguns produtores de animação usaram o termo "tradigital" (um jogo de palavras com as palavras "tradicional" e "digital") para descrever a animação cel que usa tecnologia de computador significativa.

Exemplos de longas-metragens de animação tradicional incluem Pinóquio (Estados Unidos, 1940), ^[65] A Revolução dos Bichos (Reino Unido, 1954), Lucky e Zorba (Itália, 1998) e O Ilusionista (britânico-francês, 2010). Filmes de animação tradicional produzidos com o auxílio da tecnologia computacional incluem O Rei Leão (EUA, 1994), Anastasia (EUA, 1997), O Príncipe do Egito (EUA, 1998), Akira (Japão, 1988), ^[66] A Viagem de Chihiro (Japão, 2001), Os Trigêmeos de Belleville (França, 2003) e O Segredo de Kells (irlandês-francês-belga, 2009).

Animação completa é o processo de produção de filmes animados tradicionalmente de alta qualidade que usam regularmente desenhos detalhados e movimentos plausíveis, ^[67] tendo uma animação suave. ^[68] Filmes totalmente animados podem ser feitos em uma variedade de estilos, desde obras animadas mais realisticamente como aquelas produzidas pelo estúdio Walt Disney ( A Pequena Sereia , A Bela e a Fera , Aladdin , O Rei Leão ) até os estilos mais 'cartoon' do estúdio de animação Warner Bros. Muitos dos filmes de animação da Disney são exemplos de animação completa, assim como obras não Disney, The Secret of NIMH (EUA, 1982), The Iron Giant (EUA, 1999) e Nocturna (Espanha, 2007). Filmes totalmente animados são frequentemente animados em "dois", às vezes em "uns", o que significa que 12 a 24 desenhos são necessários para um único segundo de filme. ^[69]

A animação limitada envolve o uso de desenhos menos detalhados ou mais estilizados e métodos de movimento, geralmente uma animação de movimento irregular ou "saltitante". ^[70] A animação limitada usa menos desenhos por segundo, limitando assim a fluidez da animação. Esta é uma técnica mais econômica. Pioneira pelos artistas do estúdio americano United Productions of America , ^[71] a animação limitada pode ser usada como um método de expressão artística estilizada, como em Gerald McBoing-Boing (EUA, 1951), Yellow Submarine (Reino Unido, 1968) e certos animes produzidos no Japão. ^[72] Seu uso principal, no entanto, tem sido na produção de conteúdo animado de baixo custo para mídia para televisão (o trabalho de Hanna-Barbera, ^[73] Filmation , ^[74] e outros estúdios de animação para TV ^[75] ) e mais tarde a Internet ( desenhos animados da web ).

Rotoscopia é uma técnica patenteada por Max Fleischer em 1917, onde os animadores traçam o movimento da ação ao vivo, quadro a quadro. ^[76] O filme de origem pode ser copiado diretamente dos contornos dos atores em desenhos animados, ^[77] como em O Senhor dos Anéis (EUA, 1978), ou usado de forma estilizada e expressiva, como em Waking Life (EUA, 2001) e A Scanner Darkly (EUA, 2006). Alguns outros exemplos são Fire and Ice (EUA, 1983), Heavy Metal (1981) e Aku no Hana (Japão, 2013). ^{[ citação necessária ]}

Live-action/animação é uma técnica que combina personagens desenhados à mão em cenas de ação ao vivo ou atores de ação ao vivo em cenas animadas. ^[78] Um dos primeiros usos foi em Koko the Clown quando Koko foi desenhado sobre cenas de ação ao vivo. ^[79] Walt Disney e Ub Iwerks criaram uma série de Alice Comedies (1923–1927), na qual uma garota de ação ao vivo entra em um mundo animado. Outros exemplos incluem Allegro Non Troppo (Itália, 1976), Who Framed Roger Rabbit (EUA, 1988), Volere volare (Itália 1991), Space Jam (EUA, 1996) e Osmosis Jones (EUA, 2001). ^{[ citação necessária ]}

Stop motion é usado para descrever animação criada pela manipulação física de objetos do mundo real e fotografando-os um quadro de filme por vez para criar a ilusão de movimento. ^[80] Existem muitos tipos diferentes de animação stop-motion, geralmente nomeados de acordo com os materiais usados ​​para criar a animação. ^[81] O software de computador está amplamente disponível para criar esse tipo de animação; a animação stop-motion tradicional geralmente é menos cara, mas consome mais tempo para ser produzida do que a animação de computador atual. ^[81]

Parar movimento

Geralmente envolve bonecos de stop-motion interagindo em um ambiente construído, em contraste com a interação do mundo real na animação de modelos. ^[82] Os bonecos geralmente têm uma armadura dentro deles para mantê-los parados e firmes para restringir seu movimento a articulações específicas. ^[83] Exemplos incluem The Tale of the Fox (França, 1937), The Nightmare Before Christmas (EUA, 1993), Corpse Bride (EUA, 2005), Coraline (EUA, 2009), os filmes de Jiří Trnka e a série de televisão de comédia e esquetes de animação para adultos Robot Chicken (EUA, 2005-presente).

Bonecos

Criados usando técnicas desenvolvidas por George Pal , ^[84] são filmes animados com marionetes que normalmente usam uma versão diferente de uma marionete para quadros diferentes, em vez de manipular uma marionete existente. ^[85]

Animação em argila ou animação em plasticina

(Frequentemente chamado de claymation , que, no entanto, é um nome de marca registrada ). Ele usa figuras feitas de argila ou um material maleável semelhante para criar animação em stop-motion. ^{[80] [86]} As figuras podem ter uma armadura ou estrutura de arame dentro, semelhante à animação de fantoches relacionada (abaixo), que pode ser manipulada para posicionar as figuras. ^[87] Alternativamente, as figuras podem ser feitas inteiramente de argila, nos filmes de Bruce Bickford , onde criaturas de argila se transformam em uma variedade de formas diferentes. Exemplos de obras animadas em argila incluem The Gumby Show (EUA, 1957–1967), Mio Mao (Itália, 1974–2005), curtas Morph (Reino Unido, 1977–2000), curtas Wallace & Gromit (Reino Unido, a partir de 1989), Dimensions of Dialogue de Jan Švankmajer ( Tchecoslováquia , 1982), The Trap Door (Reino Unido, 1984). Os filmes incluem Wallace & Gromit: A Maldição do Coelho-Homem , A Fuga das Galinhas e As Aventuras de Mark Twain . ^[88]

Animação Strata-cut

Mais comumente, uma forma de animação em argila na qual um longo "pão" de argila, compactado internamente e carregado com imagens variadas, é cortado em folhas finas, com a câmera de animação tirando um quadro da extremidade do pão para cada corte, eventualmente revelando o movimento das imagens internas. ^[89]

Animação de recorte

Um tipo de animação stop-motion produzida pela movimentação de peças bidimensionais de papel ou tecido. ^[90] Exemplos incluem as sequências animadas de Terry Gilliam de Monty Python's Flying Circus (Reino Unido, 1969–1974); Fantastic Planet (França/Tchecoslováquia, 1973); Tale of Tales (Rússia, 1979), Matt Stone e Trey Parker a primeira animação recortada South Park (1992), o episódio piloto da série de sitcom para adultos (e às vezes em episódios) de South Park (EUA, 1997) e o videoclipe Live for the moment, da banda Verona Riots (produzido por Alberto Serrano e Nívola Uyá, Espanha 2014).

Animação de silhueta

Uma variante da animação recortada na qual os personagens são iluminados por trás e visíveis apenas como silhuetas. ^[91] Exemplos incluem As Aventuras do Príncipe Achmed ( República de Weimar , 1926) e Príncipes e Princesas (França, 2000).

Animação de modelo

Animação stop-motion criada para interagir e existir como parte de um mundo de ação ao vivo. ^[92] Intercalação, efeitos foscos e telas divididas são frequentemente empregados para misturar personagens ou objetos stop-motion com atores e cenários ao vivo. ^[93] Exemplos incluem o trabalho de Ray Harryhausen , como visto nos filmes, Jasão e os Argonautas (1963), ^[94] e o trabalho de Willis H. O'Brien em filmes, King Kong (1933).

Vá em frente

Uma variante da animação de modelo que usa várias técnicas para criar desfoque de movimento entre quadros de filme, o que não está presente no stop motion tradicional. ^[95] A técnica foi inventada pela Industrial Light & Magic e Phil Tippett para criar cenas de efeitos especiais para o filme Star Wars: Episódio V - O Império Contra-Ataca (1980). ^[96] Outro exemplo é o dragão chamado "Vermithrax" do filme Dragonslayer de 1981. ^[97]

Animação de objetos

O uso de objetos inanimados regulares em animação stop-motion, em oposição a itens especialmente criados. ^[98]

Animação gráfica

Utiliza material gráfico visual plano não desenhado (fotografias, recortes de jornais, revistas, etc.), que às vezes são manipulados quadro a quadro para criar movimento. ^[99] Em outras ocasiões, os gráficos permanecem estacionários, enquanto a câmera stop-motion é movida para criar ação na tela.

Filme de tijolos

Um subgênero de animação de objetos que envolve o uso de Lego ou outros brinquedos de tijolos semelhantes para fazer uma animação. ^{[100] [101]} Eles tiveram um aumento recente em popularidade com o advento de sites de compartilhamento de vídeo, YouTube e a disponibilidade de câmeras baratas e software de animação . ^[102]

Pixilação

Envolve o uso de humanos vivos como personagens em stop-motion. ^[103] Isso permite uma série de efeitos surreais, incluindo desaparecimentos e reaparecimentos, permitindo que as pessoas pareçam deslizar pelo chão e outros efeitos. ^[103] Exemplos de pixilação incluem os curtas The Secret Adventures of Tom Thumb e Angry Kid , e o vencedor do Oscar Neighbours de Norman McLaren .

A animação por computador abrange uma variedade de técnicas, sendo o fator unificador que a animação é criada digitalmente em um computador. ^{[63] [104]} As técnicas de animação 2D tendem a se concentrar na manipulação de imagens, enquanto as técnicas 3D geralmente constroem mundos virtuais nos quais personagens e objetos se movem e interagem. ^[105] A animação 3D pode criar imagens que parecem reais para o espectador. ^[106]

Figuras de animação 2D são criadas ou editadas no computador usando gráficos de bitmap 2D e gráficos vetoriais 2D . ^[107] Isso inclui versões computadorizadas automatizadas de técnicas tradicionais de animação, morphing interpolado , ^[108] onion skinning ^[109] e rotoscopia interpolada. A animação 2D tem muitas aplicações, incluindo After Effects Animation, animação analógica por computador , animação Flash e animação PowerPoint . Cinemagraphs são fotografias estáticas na forma de um arquivo GIF animado , do qual parte é animada. ^[110]

A animação de convecção de linha final é uma técnica usada em animação 2D, ^[111] para dar aos artistas e animadores mais influência e controle sobre o produto final, já que tudo é feito no mesmo departamento. ^[112] Falando sobre o uso dessa abordagem em Paperman , John Kahrs disse que "Nossos animadores podem mudar as coisas, realmente apagar a camada inferior de CG se quiserem e mudar o perfil do braço." ^[113]

Ao trabalhar com animações de jogos, animações 2D esqueléticas são comumente criadas usando ferramentas como Spine, DragonBones, Blender COA Tools, Rive e o editor Unity integrado. O principal benefício dessa abordagem é a capacidade de reutilizar imagens, o que reduz a quantidade de gráficos armazenados na RAM. Esse princípio de maximizar a eficiência de recursos significa que, ao reutilizar elementos existentes, você pode aprimorar o apelo visual das animações sem precisar criar gráficos adicionais. ^[114]

A animação 3D é modelada e manipulada digitalmente por um animador. O criador do modelo 3D geralmente começa criando uma malha poligonal 3D para o animador manipular. ^[115] Uma malha normalmente inclui muitos vértices que são conectados por arestas e faces, que dão a aparência visual de forma a um objeto 3D ou ambiente 3D. ^[115] Às vezes, a malha recebe uma estrutura esquelética digital interna chamada armadura que pode ser usada para controlar a malha ponderando os vértices. ^{[116] [117]} Esse processo é chamado de rigging e pode ser usado em conjunto com quadros-chave para criar movimento. ^[118]

Outras técnicas podem ser aplicadas, funções matemáticas (por exemplo, gravidade, simulações de partículas), pele ou cabelo simulados, e efeitos, simulações de fogo e água . ^[119] Essas técnicas se enquadram na categoria de dinâmica 3D. ^[120]

• O sombreamento cel é usado para imitar a animação tradicional usando software de computador. ^[121] O sombreamento parece rígido, com menos mistura de cores. Exemplos incluem Skyland (2007, França), The Iron Giant (1999, EUA), Futurama (1999, EUA) Appleseed Ex Machina (2007, Japão), The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002, Japão), The Legend of Zelda: Breath of the Wild (2017, Japão)
• Machinima – Filmes criados por captura de tela em videogames e mundos virtuais. O termo se originou da introdução do software na demoscene dos anos 1980 , bem como das gravações dos anos 1990 dovideogame de tiro em primeira pessoa Quake .
• A captura de movimento é usada quando atores de ação ao vivo usam trajes especiais que permitem que os computadores copiem seus movimentos em personagens de CG. ^{[122] [123]} Exemplos incluem Polar Express (2004, EUA), Beowulf (2007, EUA), A Christmas Carol (2009, EUA), The Adventures of Tintin (2011, EUA) kochadiiyan (2014, Índia)
• A animação por computador é usada principalmente para animações que tentam se assemelhar à vida real, mas têm uma aparência estilizada de desenho animado, usando renderização avançada que imita em detalhes a pele, plantas, água, fogo, nuvens, etc. ^[124] Exemplos incluem Up (2009, EUA), Como Treinar o Seu Dragão (2010, EUA)
• A animação baseada em física é uma animação que usa simulações de computador . ^[125]

• Animatrônica é o uso da mecatrônica para criar máquinas que parecem animadas em vez de robóticas.
  • Audio-Animatronics é uma forma de animação robótica , combinada com animação 3D, criada pela Walt Disney Imagineering para shows e atrações em parques temáticos da Disney que se movem e fazem barulho (geralmente um discurso ou música gravada). ^[126] Eles são fixados em qualquer coisa que os suporte. Eles podem sentar e ficar de pé, e não podem andar. Um Audio-Animatron é diferente de um robô do tipo andróide , pois usa movimentos e sons pré-gravados, em vez de responder a estímulos externos. Em 2009, a Disney criou uma versão interativa da tecnologia chamada Autonomatronics. ^[127]
  • O Linear Animation Generator é uma forma de animação que usa quadros de imagens estáticos instalados em um túnel ou poço. A ilusão de animação é criada colocando o espectador em um movimento linear, paralelo aos quadros de imagens instalados. ^[128]
• Chuckimation é um tipo de animação criado pelos criadores da série de televisão Action League Now! em que personagens/adereços são lançados, ou atirados para longe da câmera ou balançados para simular a fala de mãos invisíveis. ^[129]
• A Lanterna Mágica usava slides mecânicos para projetar imagens em movimento. Acredita-se que Christiaan Huygens tenha inventado a Lanterna Mágica em meados de 1600. ^[130]

• Hidrotecnia : técnica que inclui luzes, água, fogo, neblina e lasers, com projeções de alta definição em telas de névoa. ^[131]
• Animação desenhada em filme : uma técnica em que a filmagem é produzida criando as imagens diretamente no estoque de filme ; por exemplo, por Norman McLaren , ^[132] Len Lye e Stan Brakhage .
• Animação com tinta sobre vidro : uma técnica para fazer filmes de animação através da manipulação de tintas a óleo de secagem lenta em folhas de vidro, ^[133] por exemplo por Aleksandr Petrov . ^[134]
• Animação de apagamento : uma técnica que usa mídia 2D tradicional, fotografada ao longo do tempo conforme o artista manipula a imagem. Por exemplo, William Kentridge é famoso por seusfilmes de apagamento a carvão , ^[135] e Piotr Dumała por sua técnica de autor de animar arranhões em gesso. ^[136]
• Animação Pinscreen : faz uso de uma tela cheia de pinos móveis que podem ser movidos para dentro ou para fora pressionando um objeto na tela. ^[137] A tela é iluminada lateralmente para que os pinos projetem sombras. A técnica tem sido usada para criar filmes animados com uma gama de efeitos texturais difíceis de serem alcançados com animação cel tradicional. ^[138]
• Animação de areia : a areia é movida em um pedaço de vidro com iluminação traseira ou frontal para criar cada quadro de um filme de animação. ^[139] Isso cria um efeito interessante quando animado por causa do contraste de luz . ^[140]
• Flip book : um flip book (às vezes, especialmente no inglês britânico, chamado de flick book) é um livro com uma série de imagens que variam gradualmente de uma página para a outra, de modo que quando as páginas são viradas rapidamente, as imagens parecem animadas simulando movimento ou alguma outra mudança. ^{[141] [142]} Os flip books são frequentemente livros ilustrados para crianças, ^[143] eles também são voltados para adultos e empregam uma série de fotografias em vez de desenhos. Os flip books nem sempre são livros separados, eles aparecem como um recurso adicional em livros ou revistas comuns, geralmente nos cantos das páginas. ^[141] Pacotes de software e sites também estão disponíveis para converter arquivos de vídeo digital em flip books personalizados. ^[144]
• Animação de personagens
• Animação multi-esboço
• Animação de efeitos especiais
• Animação 2.5D : Uma mistura de elementos de animação 2D e 3D que enfatizam a ilusão de profundidade utilizando o efeito pseudo-3D. ^[145] Durante a década de 1970, o termo “2.5D” começou a ganhar reconhecimento. ^[146] Mas sua origem vem de animes e mangás durante a década de 1920, onde produções teatrais eram populares. ^[147] Adaptações para o palco de séries de anime populares apresentavam performances ao vivo de dubladores chamados 2.5D. ^[146]

• A criação de um curta de desenho animado de 8 minutos
• "Animando", um filme de 12 minutos que demonstra 10 técnicas diferentes de animação (e ensina como usá-las) (arquivado em 1º de outubro de 2009).