民族音楽

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民族音楽
1907年、ハンガリーのゾボルダラスでハンガリーの農民歌手を録音したベラ・バルトーク
伝統フォークミュージックの伝統のリスト
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楽器民族楽器
その他のトピック

フォークミュージックは、伝統的なフォークミュージックと、20世紀のフォークリバイバルの間に前者から発展した現代的なジャンルを含む音楽ジャンルです。フォークミュージックの種類によっては、ワールドミュージックと呼ばれることもあります。伝統的な民俗音楽はいくつかの方法で定義されています:口頭で伝達される音楽、未知の作曲家の音楽、伝統的な楽器で演奏される音楽、文化的または国家的アイデンティティに関する音楽、世代間で変化する音楽(民俗プロセス)、人々に関連する音楽フォークロア、または長期間にわたってカスタムによって演奏される音楽。コマーシャルは対照的ですクラシックスタイルこの用語は19世紀に始まりましたが、フォークミュージックはそれを超えています。

20世紀半ばから、新しい形式の人気のある民謡が伝統的な民謡から発展しました[要出典] 。このプロセスと期間は(2番目の)フォークリバイバルと呼ばれ、1960年代に頂点に達しました。この形式の音楽は、以前のフォーク形式と区別するために、現代のフォークミュージックまたはフォークリバイバル音楽と呼ばれることもあります。[1]より小さく、同様のリバイバルが他の時期に世界の他の場所で発生しましたが、フォークミュージックという用語は通常、それらのリバイバル中に作成された新しい音楽には適用されていません。このタイプのフォークミュージックには、フォークロックフォークメタルなどのフュージョンジャンルも含まれます、 その他。現代のフォークミュージックは一般的に伝統的なフォークミュージックとは異なるジャンルですが、アメリカ英語では同じ名前を共有し、多くの場合、伝統的なフォークミュージックと同じ演奏者や会場を共有しています。

伝統民謡

定義

フォークミュージックフォークソングフォークダンスという用語は比較的最近の表現です。これらは、1846年に英国の好古家ウィリアムトムズによって「文化のない階級の伝統、習慣、迷信」を表すために造られた民間伝承という用語の拡張です。[2]この用語はさらに、半世紀以上前にヨハン・ゴットフリート・ヘルダーとドイツのロマン派によって人気のある全国的な音楽に適用された「人々全体」という意味でのドイツ語の表現volkに由来します。[3]フォークミュージックは人々の音楽であると理解されていますが、オブザーバーはより正確な定義がわかりにくいと感じています。[4] [5]フォークミュージックという用語を使用すべきであることに同意しない人もいます。[4]フォークミュージックには特定の特徴がある傾向がありますが[2]、純粋に音楽的な用語で明確に区別することはできません。よくある意味の1つは、「作曲家が知られていない古い曲」の意味です[ 6 ] それに民俗的な性格を与えるコミュニティによって。」[7]

そのような定義は、「抽象的な音楽タイプではなく(文化的)プロセス...」、「継続性口頭伝達...文化的二分法の一方の側面を特徴づけるものとして見られ、もう一方の側面は下部だけに見られない」に依存します封建的、資本主義的、そしていくつかの東洋社会の層だけでなく、「原始的な」社会や「大衆文化」の一部にも。[8]広く使用されている定義の1つは、単に「フォークミュージックは人々が歌うものです」です。[9]

スコールズにとって[2]セシル・シャープベラ・バルトークにとって[10]、町の音楽とは異なる国の音楽の感覚がありました。フォークミュージックはすでに、「...過去または消滅しつつある(または、場合によっては、保存されるか、何らかの形で復活する)生き方の本物の表現として見られた」[11]、特に「影響を受けていないコミュニティアートミュージック」[7]および商業および印刷された歌による。ロイドはこれを拒否し、経済階級の単純な区別を支持した[10]が、彼にとって、真のフォークミュージックはチャールズ・シーガーの言葉によれば「下層階級と関連している」[12]。文化的および社会的に階層化された社会で。これらの用語では、フォークミュージックは「4つの音楽タイプからなるスキーマ:「プリミティブ」または「トライバル」、「エリート」または「アート」、「フォーク」、および「ポピュラー」」の一部と見なすことができます。[13]

このジャンルの音楽は、しばしば伝統音楽とも呼ばれます。通常、この用語は説明的なものにすぎませんが、ジャンルの名前として使用される場合もあります。たとえば、グラミー賞は以前、現代のフォークミュージックではないフォークミュージックに「伝統的な音楽」と「伝統的なフォーク」という用語を使用していました。[14]フォークミュージックには、ほとんどの先住民族の音楽が含まれる場合があります。[4]

特徴

歴史的な観点から、伝統的な民謡にはこれらの特徴がありました:[12]

  • それは口頭伝承を通して伝えられました。20世紀以前は、一般の人々は通常、読み書きができませんでした。彼らはそれらを暗記することによって歌を獲得しました。主に、これは本や記録または送信されたメディアによって仲介されませんでした。歌手は大判歌集を使ってレパートリーを拡張することができますが、これらの二次的な強化は、肉体で経験される一次的な歌と同じ性格のものです。
  • 音楽はしばしば国の文化に関連していました。それは文化的に特別でした。特定の地域や文化から。移民グループの文脈では、フォークミュージックは社会的結束のための追加の次元を獲得します。ギリシャ系オーストラリア人ソマリア系アメリカ人パンジャブ系カナダ人などが主流との違いを強調しようとする移民社会で特に目立ちます。彼らは祖父母の出身国で生まれた歌や踊りを学びます。
  • 彼らは歴史的および個人的なイベントを記念しています。クリスマス、イースター、メーデーなどの特定の日には、特定の曲が1年の周期を祝います。誕生日、結婚式、葬儀も歌、踊り、特別な衣装で記されることがあります。宗教的な祭りには、しばしばフォークミュージックの要素があります。これらのイベントでの合唱音楽は、子供やプロではない歌手を公の場に参加させ、音楽の美的品質とは関係のない感情的な絆を与えます。
  • 曲は、カスタムによって、長期間、通常は数世代にわたって演奏されてきました。

副作用として、次の特性が存在する場合があります。

  • 曲の著作権はありません。19世紀の何百もの民謡は作者を知っていますが、音楽出版の目的で伝統的であると見なされるまで口頭伝承を続けてきました。これは1940年代以降ずっと少なくなっています。今日、録音されたほとんどすべてのフォークソングはアレンジャーにクレジットされています。
  • 文化の融合:文化は時間とともに相互作用し変化するため、時間とともに進化する伝統的な歌は、異なる文化からの影響を取り入れて反映する可能性があります。関連する要素には、楽器、チューニングボイシングフレージング、主題、さらには制作方法が含まれる場合があります。

調整

フォークミュージックでは、は短い楽器の であり、メロディーであり、多くの場合、セクションが繰り返され、通常は何度も演奏されます。[15]構造的に類似している曲のコレクションは、曲ファミリーとして知られています。アメリカのミュージカルランドスケープは、「フォークミュージックの曲の最も一般的な形式はAABBであり、バイナリ形式としても知られています」と述べています。[16]

いくつかの伝統では、曲はメドレーまたは「セット」でつなぎ合わされることがあります[17]

起源

インド人は常にクラシック音楽とフォーク音楽を区別していましたが、過去にはクラシックインド音楽でさえレパートリーの書かれていない伝達に依存していました。
ネパールのフォークミュージシャン-NavneetAditya Waiba

人間の先史時代と歴史のほとんどを通して、録音された音楽を聞くことは不可能でした。[18] [19]音楽は、仕事と余暇の両方の間、そして宗教活動の間、一般の人々によって作られました。経済的生産の仕事はしばしば手作業で共同で行われました。[20] 肉体労働にはしばしば労働者による歌が含まれ、それはいくつかの実際的な目的を果たした。[21]繰り返しの作業の退屈を減らし、プッシュとプルを同期させながらリズムを保ち、植え付け除草刈り取りなどの多くの活動のペースを設定しました。脱穀織りフライス盤余暇には楽器を歌ったり演奏したりすることは、娯楽や歴史を語る一般的な形式でした。電気を利用できるテクノロジーと広範なリテラシーによって、他の形式の娯楽や情報共有が競争力を持つようになった今日よりもさらに一般的です。[22]

フォークミュージックは、それを生み出した社会の性格を反映しながら、口頭での伝染によって変化し、おそらくは卑劣な芸術音楽として始まったと考える人もいます。[2]多くの社会、特に文盲の社会では、フォークミュージックの文化的伝達には耳学ぶ必要がありますが、一部の文化では表記法が進化しています。[23]文化が異なれば、一方では「フォーク」音楽と、他方では「アート」と「コート」音楽の区別に関して異なる概念を持つ可能性があります。ポピュラー音楽のジャンルが急増する中で、一部の伝統的な民謡は「ワールドミュージック」または「ルーツミュージック」とも呼ばれるようになりました。[24]

伝統的なフォークミュージックとダンスを表す英語の用語「フォークロア」は、多くのヨーロッパ大陸の国々の語彙に登場し、それぞれに民謡のコレクターとリバイバル奏者がいました。[2]特にアメリカとドイツでは、「本物の」フォークと国民的で人気のある歌の区別は常に緩いです[2]。たとえば、スティーブン・フォスターなどの人気のソングライターはアメリカでは「フォーク」と呼ばれる可能性があります。[2] [ 25]国際フォークミュージック評議会定義により、この用語は、「...個々の作曲家に由来し、その後、コミュニティの書かれていない生きた伝統に吸収された音楽にも適用できます。ただし、この用語は、歌、ダンス、または曲をカバーしていません。それは既製のものに引き継がれ、変更されていません。」[26]

アメリカとイギリスでの第二次世界大戦後のフォークリバイバルは、新しいジャンルであるコンテンポラリーフォークミュージックを開始し、「フォークミュージック」という用語に追加の意味をもたらしました。伝統音楽の形。「コンテンポラリーフォーク」レコーディングの人気により、1959年のグラミー賞[27]に「フォーク」カテゴリが登場し、1970年に「ベストエスニックまたはトラディショナルレコーディング(トラディショナルブルーを含む)」に賛成して用語が削除されました[28]。 ] 1987年に「ベストトラディショナルフォークレコーディング」と「ベストコンテンポラリーフォークレコーディング」が区別されました。[29]その後、彼らは「伝統的な音楽」のカテゴリーを持ち、その後他のカテゴリーに進化しました。「フォーク」という用語は、21世紀の初めまでに、スコットランドのドノヴァン[30]や1960年代に登場したアメリカのボブディラン[31]などのシンガーソングライターをカバーする可能性があります。これにより、「フォークミュージック」がもはや伝統的なフォークミュージックだけを意味するのではないプロセスが完了しました。[6]

主題

アルメニアの伝統的なミュージシャン

伝統的なフォークミュージックには歌われた言葉が含まれることがよくありますが、フォークインストルメンタル音楽はダンスミュージックの伝統で一般的に発生します。多くの文化の伝統的な民謡に大きな物語詩が迫っています。[32] [33]これには、伝統的な叙事詩などの形式が含まれ、その多くはもともと口頭での演奏を目的としており、楽器を伴うこともあります。[34] [35]さまざまな文化の叙事詩の多くは、伝統的な物語の詩の短い断片からつなぎ合わされており、その叙事詩の構造、反復的な要素、およびメディアスレスでの頻繁な表現を説明していますプロットの開発。伝統的な物語の詩の他の形式は、戦いや嘆きの悲劇自然災害の結果に関連しています。[36]

時には、聖書の士師記にある勝利デボラ[37]のように、これらの歌は勝利を祝います。失われた戦いと戦争、そしてそれらの中で失われた命に対する嘆きは、多くの伝統において等しく顕著です。これらの嘆きは、戦いが戦われた原因を生かし続けます。[38] [39]伝統的な歌の物語は、ジョン・ヘンリー[40] [41]ロビンフッドなどのフォークヒーローもよく覚えています。[42]いくつかの伝統的な歌の物語は、超自然的な出来事や神秘的な死を思い起こさせます。[43]

賛美歌やその他の形式の宗教音楽は、多くの場合、伝統的で未知の起源のものです。[44]西洋の記譜法はもともと、グレゴリオ聖歌の線を保存するために作成されました。グレゴリオ聖歌は、その発明の前に、修道院のコミュニティで口頭の伝統として教えられていました。[45] [46]グリーンなどの伝統的な歌は急いで成長し、西洋のクリスマスキャロルや同様の伝統的な歌がそうであるように、Oはニーモニック形式で宗教的な伝承を提示します。[47]

労働歌はしばしばコールアンドレスポンス構造を特徴とし、それらを歌う労働者が歌のリズムに従って彼らの努力を調整できるように設計されています。[48]それらは頻繁に構成されますが、常にではありません。アメリカでは、活発な口承の伝統が、兵士が行進している間に歌われるジョディコール(「ダックワースの聖歌」)を保存しています。[49]プロの船員は、同様に大量のシーシャンティを使用した。[50] [51] 愛の詩は、しばしば悲劇的または後悔する性質のものであり、多くの民俗の伝統に顕著に表れています。[52] 童謡子供たちを楽しませたり静かにしたりするために使用されるナンセンス詩も、伝統的な歌の頻繁な主題です。[53]

フォークソングの変換とバリエーション

韓国の伝統的なミュージシャン

コミュニティを介して口コミで送信される音楽は、時間の経過とともに多くのバリエーションを開発します。これは、この種の送信では、単語ごとおよび音符ごとの正確さを生み出すことができないためです。確かに、多くの伝統的な歌手は非常に創造的であり、彼らが学んだ資料を故意に修正します。

たとえば、「私はあなたが毎日会わない男です」(Roud 975)という言葉はボドリアン図書館のブロードサイドから知られています。[54]日付はほぼ確実に1900年以前であり、アイルランドのようです。1958年にこの曲はカナダで録音されました(私の名前はパットで、私はそれを誇りに思っています)。アバディーン出身のスコットランド人旅行者ジーニー・ロバートソンは、1961年に次の録音バージョンを作成しました。彼女は、親戚の1人である「ジョックスチュワート」を参照するように変更しました。アイルランドの参照はありません。1976年、スコットランドの芸術家アーチーフィッシャーは、犬が撃たれたという言及を削除するために意図的に曲を変更しました。1985年にザ・ポーグスすべてのアイルランドの参照を復元することにより、それを完全に一周させました。独自の研究?]

変種は自然に増殖するので、「バーバラ・アレン」のようなバラードの単一の「本物の」バージョンのようなものがあると信じるのはナイーブです。俗謡のフィールド研究者(下記参照)は、英語圏の世界でこのバラードの無数のバージョンに遭遇しており、これらのバージョンはしばしば互いに大きく異なります。誰もがオリジナルであると確実に主張することはできず、「オリジナル」バージョンが何世紀も前に歌われなくなった可能性があります。多くのバージョンは、真正性を同等に主張することができます。

影響力のある民俗学者のセシル・シャープは、伝統的な歌のこれらの競合する変種は、生物学的自然淘汰に似た改善のプロセスを経るだろうと感じました。したがって、時間の経過とともに、それぞれの伝統的な歌が美的にこれまで以上に魅力的になることを期待します—それは、いわば、コミュニティによって完全にまとめて作曲されるでしょう。

人気のバラード形式への文学的な関心は、少なくともトーマス・パーシーウィリアム・ワーズワースにまでさかのぼりますイギリスのエリザベス朝とスチュアートの作曲家はしばしばフォークテーマから音楽を進化させ、クラシックスイートは様式化されたフォークダンスに基づいており、ジョセフハイドンのフォークメロディーの使用が注目されています。しかし、「フォーク」という用語の出現は、国民的アイデンティティが最も主張されたヨーロッパの端で特に強い「ヨーロッパ中の国民的感情の爆発」と一致しました。国民主義の作曲家は、中央ヨーロッパ、ロシア、スカンジナビア、スペイン、イギリスで登場しました:ドヴォルザークスメタナグリーグの音楽リムスキー=コルサコフブラームスリストデファラワーグナーシベリウスヴォーンウィリアムズバルトーク、その他多くの人々がフォークメロディーを利用しました。

地域フォーム

Naxiの伝統的なミュージシャン
シュタイアーマルク州グルントルゼーの伝統的なファイファー、シュタイアーマルクシュタイアーマルク州、1880年

ポピュラー音楽の台頭に直面した伝統的な民俗音楽の喪失は世界的な現象ですが[55]、それは世界中で一定の割合で発生するものではありません。[56]このプロセスは「文化の工業化と商業化が最も進んでいる」 [57]が最も進んでいるが、技術の進歩が低い状況でも徐々に起こっている。しかし、伝統的な民謡が文化的または国民的アイデンティティのバッジである国または地域では、伝統的な音楽の喪失は遅くなっています。[要出典]

初期のフォークミュージック、フィールドワーク、奨学金

19世紀にオーディオ録音技術が開発される前にフォークミュージックについて知られていることの多くは、学者、コレクター、支持者のフィールドワークと執筆から来ています。[58]

19世紀のヨーロッパ

19世紀以降、学者やアマチュア学者は、失われた音楽の伝統に注目し、人々の音楽を保存するためのさまざまな取り組みを開始しました。[59]そのような努力の1つは、19世紀後半のフランシス・ジェームズ・チャイルドによる、16世紀以前の英語とスコットランドの伝統(チャイルド・バラードと呼ばれる)の300以上のバラードのテキストの収集でした。[9]

チャイルドと同時に、サビーネ・ベアリング・グールド牧師と後にセシル・シャープは、英国民族舞踊民謡協会(EFDSS)になり、現在も残っているものの支援の下で、英国の田舎の伝統的な歌、音楽、ダンスの素晴らしい体を保存するために働きました。[60]シャープは、英語の伝統的な歌(彼自身の大幅に編集され、削除されたバージョン)を学校の子供たちに教えて、それらの歌の人気を復活させ、長くすることを期待して、ある程度の成功を収めてキャンペーンを行った。[61] [62] 1960年代から1970年代初頭から中期にかけて、アメリカの学者バートランド・ハリス・ブロンソンチャイルドキャノンとして知られるようになったものに関連するテキストと曲の両方の当時知られているバリエーションの徹底的な4巻のコレクションを公開しました。[63]彼はまた、口頭-聴覚の伝統の働きに関するいくつかの重要な理論を進歩させた。[64]

他の国でも同様の活動が行われていました。最も広範囲にわたるものの1つは、おそらく1894年から1915年の間に217,996のラトビアの民謡、Latvjudainasのテキストを含む6巻を出版しKrisjanisBaronsによってリガで行われた作業でした。[65]ノルウェーでは、ルドヴィク・マティアス・リンデマンなどのコレクターの作品が、エドヴァルド・グリーグによってピアノの叙情詩やその他の作品で広く使用され、非常に人気がありました。[66]

この頃、クラシック音楽の作曲家は伝統的な歌を集めることに強い関心を抱き、多くの作曲家が伝統的な音楽について独自のフィールドワークを行いました。これらには、イギリスのパーシー・グレインジャー[67]ラルフ・ヴォーン・ウィリアムズ[68]、ハンガリーのベラ・バルトーク[69]が含まれていました。これらの作曲家は、前任者の多くと同様に、民謡の編曲を行い、伝統的な素材をオリジナルのクラシック作曲に取り入れました。[70] [71]

北米

1916年(青)、1917年(緑)、1918年(赤)に英国の民俗学者セシルシャープが訪れたアパラチア南部と中央部の場所。シャープは、英国の先祖からこの地域の住民に受け継がれた「旧世界」の英語とスコットランドのバラードを求めました。彼はそのようなバラードを何百も集めました。最も生産的な地域はノースカロライナのブルーリッジ山脈とケンタッキーのカンバーランド山地です。

オーディオ録音技術の出現は、民俗学者に、消えゆく音楽形式を保存するための革新的なツールを提供しました。[72]初期のアメリカのフォークミュージック学者は、1800年代後半に出現したアメリカ民俗学会(AFS)に所属していた。[73]彼らの研究はネイティブアメリカンの音楽を含むように拡大したが、それでもフォークミュージックを孤立した社会で保存されている歴史的なアイテムとして扱っていた。[74]北米では、1930年代から1940年代にかけて、米国議会図書館は伝統的な音楽コレクターのロバートウィンズロウゴードン[75] アランローマックス[76] [77]の事務所を介して活動しました[78]と他の人は、できるだけ多くの北米のフィールド資料をキャプチャします。[79] ジョン・ローマックス(アラン・ローマックスの父)は、カウボーイや南部の黒人のようなアメリカのフォークミュージックをはっきりと研究した最初の著名な学者でした。彼の最初の主要な出版物は1911年、カウボーイソングスとその他のフロンティアバラードでした。[80]そして間違いなく彼の時代の最も著名な米国のフォークミュージック学者であり、特に1930年代と1940年代初頭のフォークミュージックの復活の始まりの間でした。セシル・シャープはアメリカでも働き、1916年から1918年にモード・カープルズオリーブ・デイム・キャンベルと共同でアパラチア山脈の伝統的な歌を録音しました。アメリカのフォークミュージックをカバーする最初の主要な学者と見なされています。[81]キャンベルとシャープは、現代映画の歌追い人の俳優によって他の名前で表されています。[82]

20世紀初頭のフォークスカラーの強力なテーマの1つは、地域主義でした[83]。特定の曲の歴史的ルーツではなく、米国の地域に基づいたフォークミュージック(および関連する文化)の多様性の分析です。[84] [85]その後、クラスと状況のダイナミクスがこれに追加されました。[86]最も著名な地域主義者は、民間伝承に特に関心のある文学者でした。[87] [88] カール・サンドバーグはしばしば作家および詩人として米国を旅した。[89]彼はまた彼の旅行で歌を集め、1927年にそれらを本The AmericanSongbagに出版した。[90]ヴァンダービルトで働いていた歴史家のレイチェル・ドナルドソンは、後にフォークミュージックの復活の分析でアメリカの鳴き鳥についてこれを述べました。「彼のフォークソングのコレクションで、サンドバーグはアメリカのフォークミュージックの一般的な理解にダイナミックなクラスを追加しました。これは初期のフォークミュージックの復活主義者がアメリカニズムの独自の見方を構築した基礎の最後の要素でした。サンドバーグのワーキングクラスのアメリカ人は他の学者、公的知識人、およびフォークロアリストがアメリカのフォークの独自の定義、フォークリバイバル奏者がアメリカのフォークミュージックの独自の理解を構築する際に使用した定義、および包括的なアメリカのアイデンティティを祝った、民族的人種的、および地域的に多様な市民」。[91]

1930年代以前は、フォークミュージックの研究は主に学者やコレクターの領域でした。1930年代には、大恐慌に関連することが多い、大規模なテーマ、共通性、テーマ、およびフォークミュージックのつながりが大衆や開業医でも発展するようになりました。[92]地域主義と文化多元主義は、影響力とテーマとして成長した。この間、フォークミュージックは政治的および社会的活動のテーマや運動に巻き込まれ始めました。[92] 2つの関連する進展は、アメリカ人に到達し影響を与える方法としてのフォークミュージックへの米国共産党の関心であった[93]。そして、大恐慌のレンズを通して、共産主義を可能なより良いシステムとして見ている政治的に活発な著名なフォークミュージシャンと学者。[94] ウディ・ガスリーは、そのような見通しを持つソングライターやアーティストを例示しています。[95]

フォークミュージックフェスティバルは1930年代に急増しました。[96] フランクリン・ルーズベルト大統領はフォークミュージックのファンであり、ホワイトハウスでフォークコンサートを主催し、しばしばフォークフェスティバルをひいきにした。[97] 1つの著名なフェスティバルは、1934年にミズーリ州セントルイスで設立されたサラガートルードノット全国フォークフェスティバルでした。[98]ワシントンポストの後援の下、フェスティバルは1937年からワシントンDCのコンスティテューションホールで開催されました。 1942年まで。[99]フォークミュージックの楽章、フェスティバル、そして戦時中の努力は、民主主義、文化的多元主義、文化や人種に基づく障壁の除去などの社会的財の力と見なされていました。[100]

1930年代のアメリカのフォークミュージックのリバイバル主義者は、さまざまな方法でフォークミュージックにアプローチしました。[101] 3つの主要な思想の流派が出現した:「伝統主義者」(例えば、サラ・ガートルード・ノットとジョン・ロマックス)は、故人の文化の産物としての歌の保存を強調した。「機能的な」民俗学者(例えば、ボトキンやアラン・ローマックス)は、歌は、それらの歌を生み出した伝統を保持する文化によって使用された場合にのみ関連性を保持すると主張しました。「左翼」の民俗復興主義者(例えば、チャールズ・シーガーやローレンス・ゲッレール)は、「社会的および政治的権利のための「人々」の闘争における」音楽の役割を強調した。[101] 1930年代の終わりまでに、これらや他の人々はアメリカのフォークミュージックを社会運動に変えていた。[101]

時々フォークミュージシャンは学者になり、彼ら自身を擁護します。たとえば、Jean Ritchie (1922–2015)は、ケンタッキー州バイパー出身の大家族の末っ子で、アパラチアの古い伝統的な歌の多くを保存していました。[102]アパラチア山脈が外部の影響力に開放されていた時代に生きていたリッチーは、大学教育を受け、最終的にニューヨーク市に移り、そこで家族のレパートリーの古典的な録音を数多く行い、これらの曲の重要な編集物を発表しました。[103]

2012年1月、米国議会図書館のAmerican Folklife Center、Association for Cultural Equityとともに、1946年のLomaxの膨大なアーカイブをリリースし、その後デジタル形式で記録することを発表しました。Lomaxは、彼の人生の最後の20年間を、彼がGlobal Jukeboxと呼んだインタラクティブマルチメディア教育用コンピュータープロジェクトに取り組んでいました。このプロジェクトには、 5,000時間の録音、400,000フィートのフィルム、3,000のビデオテープ、および5,000の写真が含まれていました。[104] 2012年3月の時点で、これは達成されています。1946年以降のLomaxの約17,400の録音が、オンラインで無料で利用できるようになりました。[105] [106]1946年に開始され、Cultural Equity協会によってデジタル化されて提供された、Alan Lomaxの独立したアーカイブからのこの資料は、「1933年から1942年に彼が作成したアセテートおよびアルミニウムディスクの何千もの以前の録音とは異なります。アメリカ議会図書館。この初期のコレクションには、有名なジェリーロールモートン、ウッディガスリー、リードベリー、マディウォーターズのセッション、およびハイチと東ケンタッキー(1937)で作成されたローマックスの驚異的なコレクションが含まれています。アメリカ議会図書館の センター」[105] 。

国および地域のフォーム

アフリカ

アフリカは広大な大陸であり[107]、その地域には独特の音楽的伝統があります。[108] [109]北アフリカの音楽は、ほとんどの場合、サハラ以南のアフリカ音楽の伝統とは異なる歴史を持っています。[110]

アフリカ系アメリカ人の音楽や、ソカカリプソズークなどの多くのカリブ海のジャンルを含む、アフリカンディアスポラの音楽とダンスの形式サンバキューバのルンバサルサなどのラテンアメリカの音楽ジャンルその他のクラーベ(リズム)ベースのジャンルは、アフリカの奴隷の音楽にさまざまな程度で設立され、アフリカのポピュラー音楽に影響を与えています。[111] [112]

アジア

パバン・ダス・バウル2009年ナインライブコンサートのバウル歌手

多くのアジア文明は、芸術/裁判所/古典的なスタイルと「フォーク」音楽を区別しています。[113] [114]たとえば、故アラム・ロハルは、フォークシンガーとして分類された南アジアの歌手の例です。[115]

Khunung Eshei / Khuland Esheiは、アジアの国であるインド、マニプールのメイテイ族の古代の民謡でありアジアの民謡の例であり、彼らがそれを独自のジャンルにどのように取り入れたかを示しています。[116]

中国のフォークミュージック

考古学的発見は7000年前の中国の民俗音楽にさかのぼります。[117]それは主にペンタトニックスケールに基づいています。[118]

漢族の伝統的な結婚式や葬式には、通常、スオナと呼ばれるオーボエの形式[119]と、チュイグショウと呼ばれる衝撃的なアンサンブルが含まれます。[120]口の器官sheng)、ショーム(suona)、フルート(dizi)、打楽器(特に雲鑼の ゴング)からなるアンサンブルは、北部の村で人気があります。[121]彼らの音楽は、北京、西安武台山天津の太廟音楽に由来している西安風と打楽器からなる太鼓音楽[122]は西安周辺で人気があり、中国以外でも商業的に人気があります。[123]もう一つの重要な楽器は、中国のパイプの一種である笙であり、アコーディオンなどのすべての西洋の自由簧気楽器の祖先である古代の楽器です[124]西洋式のブラスバンドが率いるパレードは一般的であり、ショーム/チュイグショウバンドとボリュームを競うことが多い。

福建省南部台湾では、NanyinまたはNanguanは伝統的なバラードのジャンルです。[125]それらは、シャオピパ、および他の伝統的な楽器を伴う女性によって歌われます。[126]音楽は一般的に悲しみに満ちており、通常は恋愛に苦しむ人々を扱っています。[127] [128]さらに南の汕頭客家潮州では、アンサンブルが人気があります。[129] 四州アンサンブルは、フルートと擦弦楽器または撥弦楽器を使用して、一部のリスナーの間で西洋で人気のある調和のとれたメロディアスな音楽を作成します。[130]これらは南京杭州、そして揚子江南部の他の場所で人気があります。[131] Jiangnan Sizhu (江南の絹と竹の音楽)は、上海の茶屋でアマチュアのミュージシャンによって演奏されることが多い器楽のスタイルです。[132] 広東音楽または広東音楽広州とその周辺地域の器楽です。[133]この地域の音楽が影響を受けた越劇(広東オペラ)の音楽[134]は、後に中国の自称「黄金時代」の間に人気が高まりました[135]

スリランカの伝統的なフォークミュージック

スリランカの芸術、音楽、踊りは自然の要素に由来し、仏教の環境で楽しんで発展してきました。[136]音楽にはいくつかの種類があり、使用する楽器の種類はごくわずかです。[137]民謡と詩は、懇親会で一緒に働くために使用されました。インドの影響を受けたクラシック音楽はユニークに成長しました。[138] [139] [140] [141]シンハラ・ライト・ミュージックの伝統的なドラマ、音楽、歌は、通常、スリランカです。[142] 神殿の絵画と彫刻は、鳥、象、野生動物、花、木を使用しており、伝統的な18の踊りは、鳥や動物の踊りを表しています。[143]例えば:

音楽の種類は次のとおりです。

  • 地元のドラマ音楽には、コーラム[147]とナダガムタイプが含まれます。[148]コーラム音楽は、主に悪魔払いの儀式でマスクダンスを伴う低地の曲に基づいています。[149] [150]それはあまり発達していない/進化していないと考えられており、民俗の伝統とより古い芸術形態の保存に忠実です。[151]約3〜4音に制限されており、一般の人々が娯楽や娯楽のために使用します。[152]
  • ナダガム音楽は、南インドの芸術家によって紹介された南インドのストリートドラマから影響を受けた、より発展した形式のドラマです。1824年にネゴンボ出身のPhillippuSinghoが、もともとテリング語で書かれたHngurankethaで HarishchandraNadagama」を演奏しましたその後、「マナメ」[153]「サンダキンドゥル」[154]などが紹介された。デヒワラのドン・バスティアンは、最初にインドのドラマを見てヌーシーを紹介し、次にジョン・デ・シルバが1886年にラマヤナヤと同じようにそれを開発した。[155]
  • シンハラ軽音楽は現在スリランカで最も人気のあるタイプの音楽であり、民俗音楽、コーラム音楽、ナダガム音楽、騒々しい音楽、映画音楽、クラシック音楽、西洋音楽などの影響を受けています。[156]何人かの芸術家は音楽を学ぶためにインドを訪れ、後に軽い音楽を紹介し始めた。アナンダ・サマラコーンはこの[157] [158]の先駆者であり、国歌も作曲しました。[159]

古典的なシンハラのオーケストラは5つのカテゴリーの楽器で構成されていますが、打楽器の中で、ドラムはダンスに不可欠です。[160] ドラムのリズムの活気に満ちたビートは、ダンスの基本を形成します。[161]ダンサーの足は床に跳ね返り、ドラムビートの複雑なリズムを反映したパターンで跳ねたり渦を巻いたりします。このドラムビートは、最初のヒアリングでは単純に見えるかもしれませんが、ドラマーが強烈なクレッシェンドをもたらすことがある複雑なリズムとバリエーションを習得するには長い時間がかかります。3つのスタイル(片面、両面、および平面)に分類される6つの一般的なタイプのドラムがあります。[162] [163]

  • 典型的なシンハラダンスはキャンディアンダンスとして識別されガタベラドラムはこのダンスに不可欠です[164]
  • ヤクベラは、ダンサーがマスクをかぶって悪魔の踊りを披露する低地の踊りで使用される悪魔の太鼓、つまり、高度に発達した芸術の形となった太鼓です。[165]
  • ダウラは型の太鼓で、かつてはタンマッタマとのコンパニオンドラムとして使用され、ビートに合わせて厳しく調整されていました。[166]
  • Thammattamaは、平らな両面ドラムです。ドラマーは、側面でドラムを叩く他の人とは異なり、スティックで上部の2つの面でドラムを叩きます。これは、前述のダウラのコンパニオンドラムです。[167]
  • 歌に添えるために使用される小さな双頭のハンドドラム。それは主にヴァンナムのような詩の踊りで聞かれます。[説明が必要]
  • ラバナは平らな面の円形ドラムで、いくつかのサイズがあります。[168]バンクラバナと呼ばれる大きなラバナは、円形の足の短いテーブルのように床に置く必要があり、数人(特に女性)がその周りに座って両手で叩くことができます。[169]これは、シンハラ人の新年などの祭りや結婚式などの式典で使用されます。[170]ラバナの響き渡るビートは、その時の楽しい気分を象徴しています。小さなラバナは、人がどこへ行ってもプレーヤーが運ぶので、モバイルドラムビートの一種です。[171]

その他の機器は次のとおりです。

  • タランパタ–弦でつながれた2つの小さなシンバル。[172]
  • 風のセクションは、クラリネットに似た楽器によって支配されています。説明が必要通常、ダンスには使用されません。シンハラ人の踊りは西洋の世界が知っているように音楽に設定されていないので、これは注意することが重要です。リズムが王様です。
  • シルバーやブラスなどの金属製のフルートは、キャンディアンダンスに合わせて甲高い音楽を生み出しますが、リードフルートの音楽の哀れな緊張は、悪魔の踊りで空気を貫く可能性があります。巻き貝ハクゲディヤ)は別の形の自然楽器であり、演奏者はそれを吹いて壮大な儀式の開会を発表します。[173]
  • Ravanahatha (ravanhatta、 rawanhattha、ravanastron、またはravana hasta veena)は、かつて西インドで人気があった擦弦楽器です。[174] [175]ラーヴァナ王の時代に、スリランカのヘラ文明に端を発したと考えられています。[176]ボウルはカットされたココナッツの殻でできており、その口は山羊の皮で覆われています。この貝殻には竹でできたダンディが付いています。[176]主要な弦は2つあります。1つは鋼で、もう1つは馬の毛のセットです。長い弓にはジングルベルがあります[177] [178]

オーストラリア

フォークソングの伝統は、イングランド、スコットランド、アイルランドからの初期の入植者によってオーストラリアに持ち込まれ、田舎の奥地で特別な足場を築きました。[179] [180]ブッシュバラードの形で書かれた韻を踏む歌、詩、物語は、しばしばブッシュのオーストラリアの巡回的で反抗的な精神に関連しており、作者やパフォーマーはしばしばブッシュバードと呼ばれます。[181] 19世紀は、ブッシュバラードの黄金時代でした。[182] 1950年代に録音がオーストラリア国立図書館のコレクションの基礎となったジョン・メレディスを含むいくつかのコレクターが曲をカタログ化した[181]

歌はオーストラリアの広く開かれた国での生活の個人的な物語を語っています。[183] [184]典型的な主題には、牛の採掘、飼育およびドローヴィング、羊の剪毛、放浪、戦争の話、1891年のオーストラリアの刈り取り機のストライキ、土地のない労働者階級と不法占拠者(地主)の間の階級闘争、およびネッドなどの無法者が含まれるケリー、そして愛の興味やトラックなどのより現代的な料理。[185]最も有名なブッシュバラードは、「オーストラリアの非公式国歌」と呼ばれている「ワルチングマチルダ」です。[186]

オーストラリア先住民の音楽には、アボリジニのオーストラリア人トレス海峡諸島民の音楽が含まれます。これらはまとめて先住民のオーストラリア人と呼ばれます。[187]それは、オーストラリア先住民によって実践されたさまざまな独特の伝統的な音楽スタイル、ならびにオーストラリア先住民の芸術家によって解釈および実行されたヨーロッパの伝統の現代的な音楽スタイルおよび融合の範囲を組み込んでいます。[188]音楽は、これらの人々の社会的文化的、儀式的儀式の不可欠な部分を形成し、数千年に及ぶ個人および集団の歴史から現在に至るまで続いています。[189] [190]伝統的な形式には、特定の地域またはオーストラリア先住民グループに固有の演奏および楽器の多くの側面が含まれます。[191]音楽の伝統の同等の要素は、オーストラリア大陸の大部分、さらにはそれを超えて一般的です。[192]トレス海峡諸島民の文化はニューギニアの隣接する地域の文化と関連しているので、彼らの音楽も関連している。音楽はオーストラリア先住民の文化的維持の重要な部分です。[193]

ヨーロッパ

ケルト伝統音楽

ケルト音楽は、ケルト民族の民俗音楽の伝統から発展した音楽ジャンルの幅広いグループを表すために、アーティスト、レコード会社、音楽店、音楽雑誌で使用される用語です。[194]これらの伝統には、アイルランドスコットランドマンクスコーニッシュウェールズ、およびブルトンの伝統が含まれます。[195]アストゥリアス語とガリシア語の音楽が含まれることが多いが、これが密接な音楽的関係を持っていることを示す重要な研究はない。[196] [197]ブルターニュ のフォークリバイバルは1950年代に「バガド」と「カンハディスカン」で始まり、1960年代半ばからアランスティーヴェルの作品を通じて世界的に有名になりました。[198]

アイルランドでは、クランシーブラザーズとトミーマケム(メンバーは全員アイルランド生まれでしたが、ニューヨークのグリニッジビレッジ[199]に拠点を置く間、グループは有名になりました)、ダブリナーズ[200] クラナド[201] プランクスティ[202 ] チーフタンズ[203] [204] The Pogues[205] The Corrs[206] The Irish Rovers[207]やその他のさまざまなフォークバンドは、過去数十年にわたって活性化と再普及のために多くのことを行ってきました。アイルランドの伝統音楽[208]これらのバンドは、多かれ少なかれアイルランド音楽の伝統に根ざしており、 SeamusEnnisPeterKennedyなどのアーティストの努力の恩恵を受けています。[198]

スコットランドではThe Corries[209] Silly Wizard[210] [211] Capercaillie[212] Runrig[213] Jackie Leven[214] Julie Fowlis[215] Karine Polwart[216] Alasdair Roberts[ 217] [218] ディック・ゴーハン[219] ウルフストーン[220] ラフの少年[221]およびサイレンサー[222]伝統的なスコットランドとゲール語のフォークソングをより現代的なジャンルとミックスすることにより、スコットランドのフォークを活気に満ちた新鮮な状態に保ちました。[223]これらの芸術家は、大陸ヨーロッパと北アメリカでも商業的に成功しています。[224]スコットランドの伝統的な音楽シーンには、マンラン[225] スキピニッシュ[226]バルアス[227]ブレアバッハ[228]などのバンドや、パッシー・リード[229 ]などのソロアーティストなど、才能が溢れています。 ]ロビン・ステイプルトン[230]とミーシャ・マクファーソン[231]は、近年多くの成功を収めています。[232]

中央および東ヨーロッパ

共産主義時代には、東側諸国での民族舞踊が州によって積極的に推進されました。[233]ロシアとポーランドのダンスグループは、1937年から1990年頃まで非共産主義のヨーロッパをツアーしました。[ 234]赤軍合唱団は多くのアルバムを録音し、最も人気のある軍楽隊になりました。[235]東ヨーロッパは、ユダヤ人のクレズマーの伝統の起源でもあります。[236]

バグパイプを演奏するĽubomírPárička、スロバキア

ポルカは中央ヨーロッパのダンスであり、ヨーロッパや南北アメリカでおなじみのダンスミュージックのジャンルあります。それは19世紀半ばにボヘミアで始まりました。[237]ポルカは今でも多くのヨーロッパ諸国で人気のあるフォークミュージックのジャンルであり、ポーランドラトビアリトアニアチェコ共和国オランダクロアチアスロベニアドイツハンガリーオーストリアスイスイタリアのフォークアーティストによって演奏されていますウクライナベラルーシロシアスロバキア[238]このダンスの地元の品種は、北欧諸国イギリスアイルランド共和国ラテンアメリカ(特にメキシコ)、および米国でも見られます。

カルミナ・ブラーナ[239]のようなLiederhandschriftenの写本によって永続化されたドイツのフォルクスリートは、中世のミンネザングマイスタージンガーの伝統にまでさかのぼります。[240]これらの民謡は、ドイツのロマン主義の18世紀後半に復活し[241]ヨハン・ゴットフリート・ヘルダーによって最初に宣伝され[242] [243] 、啓蒙主義他の支持者[244] 、後にアヒム・フォン・アルニムによって編集された[245 ] ]クレメンスブレンターノDes Knaben Wunderhorn[246]およびルートヴィヒウーラントによる。[247]

フォルクスムジークフォークダンスジャンル、特にバイエルンオーストリアスイスクーレイヘン)、南チロルのアルプス地方では、今日まで、工業化を背景に素朴なコミュニティにとどまっています[248] —低ドイツのシャンティまたはウィンナリート[249 ]Schrammelmusik)は注目すべき例外です。ゴレンスカ地方シュタイアーマルク州のスロベニアのフォークミュージックも、多作のロイゼスラックアンサンブルのようなアルプスの伝統に端を発しています。[250]伝統的なVolksmusikは、その派生物である商用のVolkstümlicheMusikと混同しないでください[251]

ハンガリーのグループMuzsikásは数多くのアメリカツアーを行い[252]、ハリウッド映画The English Patient [253]に参加し、歌手のMártaSebestyénはバンドDeepForestと協力しまし[254] 1970年代に始まったハンガリーのタンチャズ運動には、音楽学の専門家と熱狂的なアマチュアの間の強力な協力が含まれています。[255]しかし、伝統的なハンガリーの民俗音楽と民俗文化は、ハンガリーの一部の農村地域ではほとんど生き残っておらずトランシルバニアのハンガリー人の間でも姿を消し始めている。タンチャズ運動は、音楽、ダンス、衣装の幅広い民俗伝統を一緒に復活させ、新しい種類の音楽クラブを作成しました。[256]運動は、世界の他の場所のハンガリー民族コミュニティに広がった。[256]

バルカン音楽

バルカンの民謡は、オスマン帝国時代のバルカン民族の混ざり合いの影響を受けました[257]ボスニア・ヘルツェゴビナブルガリアクロアチアギリシャモンテネグロセルビアルーマニアマケドニア共和国アルバニア、ユーゴスラビアの歴史的州またはセルビア・モンテネグロ州連合、およびそのような地理的地域の音楽で構成されています。トラキア[258]一部の音楽は複雑なリズムが特徴です。[259]

注目すべき行為は、1989年にグラミー賞を受賞したブルガリアの声の謎です。 [260] [261]

バルカン民俗音楽全体の重要な部分は、タラバブラスバンド音楽と呼ばれる地元のロマーニ少数民族の音楽です。[262] [263]

北欧のフォークミュージック
ラトビアの男性のフォークアンサンブルVilki、2009年8月にApuolėで開催されたバルト海の 工芸品戦争Apuolė854のフェスティバルに出演

北欧のフォークミュージックには、北欧、特にスカンジナビア諸国の多くの伝統が含まれています。北欧諸国は通常、アイスランドノルウェーフィンランド、スウェーデン、デンマークグリーンランドを含むと見なされます。[264]エストニアラトビアリトアニアのバルト諸国含むと見なされることもあります。[265]

フィンランドのラセボルグで開催された2008FacesFestivalに出演するMariaGasolina

北欧諸国の多くの地域は特定の伝統を共有しており、デンマーク、スウェーデン、ノルウェーのプサルモディコンのように、その多くは大きく異なっています。[266]バルト三国(または、時にはエストニアのみ)とロシア北西部の一部を文化的類似性を共有するものとしてグループ化することは可能ですが[267]、関係は近年冷え込んでいます。[268]ノルウェー、スウェーデン、デンマーク、およびアイスランドとフェロー諸島の大西洋の島々とは対照的であり、これらは事実上その種の類似点を共有していません。グリーンランドのイヌイット文化には、独自の音楽的伝統があります。[269]フィンランドは、バルト諸国とスカンジナビア諸国の両方と多くの文化的類似点を共有しています。スウェーデン、ノルウェー、フィンランド、ロシアのサーメ人には独自の文化があり、近隣の文化と結びついています。[270]

スウェーデンのフォークミュージックは、主にスウェーデンで19世紀初頭に始まったフォークロアのコレクション作品に基づいた音楽のジャンルです。[271]スウェーデンのフォークミュージックの主要な楽器はフィドルです。[272]スウェーデンの伝統に特有のもう一つの一般的な楽器は、ニッケルハルパです。[273]ほとんどのスウェーデンの器楽はダンスミュージックです; スウェーデンのフォークミュージックの特徴的な音楽とダンスの形式は、polskaです。[274]スウェーデンの声楽と器楽の伝統は、曲を共有する傾向があります歴史的には、別々に実行されてきましたが。[275] 1970年代のフォークミュージックの復活を皮切りに、ボーカリストと楽器奏者もフォークミュージックのアンサンブルで一緒に演奏し始めました。

ラテンおよび南アメリカ

南北アメリカのフォークミュージックは、ヨーロッパの伝統音楽、アメリカ原住民の伝統音楽、そしてその大陸から奴隷と共に到着した部族のアフリカ音楽の3つの主要な音楽タイプの出会いと結合で構成されています。

ラテン音楽と南アメリカ音楽の特定のケースは、他のネイティブ音楽スタイル(カリブ海[277]やパンペアンなど)の中でアンデス音楽[276] 、スペインポルトガルのイベリア音楽、そして一般的に言えばアフリカの部族音楽を指します。中南米で差別化された音楽形式で進化する融合。

アンデスの音楽は、ケチュアアイマラ、およびヨーロッパとの接触の前にインカ帝国の一般的な地域に住んでいた他の人々の地域から来ています。[278]ボリビアエクアドル[279]チリ、コロンビアペルーベネズエラの一部の民俗音楽が含まれていますアンデスの音楽はラテンアメリカ全体でさまざまな程度で人気があり、その中心的な公共は地方や先住民の間であります。1970年代のヌエバカンシオン運動は、ラテンアメリカ全体でこのジャンルを復活させ、それが未知または忘れられていた場所にもたらしました。

ヌエバカンシオン(スペイン語で「新曲」)は、ラテンアメリカイベリアのフォークミュージック、フォークにインスパイアされた音楽、社会的に献身的な音楽の中での動きとジャンルです。いくつかの点で、その発展と役割は北米での2回目のフォークミュージックの復活に似ています。これには、英語のジャンル用語が一般的に適用されないことを除いて、伝統的なフォークミュージック、本質的に現代のフォークミュージックからのこの新しいジャンルの進化が含まれます。ヌエバカンシオンは、1970年代から1980年代にかけて、ポルトガル、スペイン、ラテンアメリカの社会的混乱に強力な役割を果たしたと認識されています。

ヌエバカンシオンは、1960年代にチリで「チリの新曲」として最初に登場しました。その後まもなく、スペインとラテンアメリカの地域で音楽スタイルが出現し、同様の名前で知られるようになりました。ヌエバカンシオンは伝統的なラテンアメリカのフォークミュージックを刷新し、その政治的な歌詞によって、すぐに革命運動、ラテンアメリカのニューレフト解放の神学ヒッピー、人権運動に関連付けられました。ラテンアメリカ全体で大きな人気を博し、 Rockenespañolの前身と見なされています。

クエッカは、チリ、ボリビアペルーの音楽スタイルとそれに関連するダンスのファミリーです。

TrovaSonは、オリエンテ州を起源とする伝統的なキューバ音楽のスタイルであり、ボレロコントラダンザなどのスペインの歌や踊り、アフロキューバのリズムやパーカッションの要素 からの影響が含まれています。

Moda de violaは、ブラジルのフォークミュージックに付けられた名前です。多くの場合、6弦のナイロンアコースティックギターで演奏されますが、最も伝統的な楽器はビオラカイピラです。歌は基本的に田舎で働く人々の生活の難しさを詳述しました。テーマは通常、土地、動物、民間伝承、不可能な愛と分離に関連付けられています。明るい曲もありますが、そのほとんどはノスタルジックでメランコリックです。

北米

カナダ
1943年の製材所で、打楽器用の棒を使ってフィドルを演奏するフランス系カナダ人の木こり。

カナダの伝統的な民謡は特に多様です。[280] 1960年代に移民法が自由化される前でさえ、カナダは民族的に多様であり、数十の異なる先住民およびヨーロッパのグループが存在していた。音楽に関しては、学者はカナダの伝統ではなく、民族の伝統(アカディアン音楽アイルランド-カナダ音楽ブラックフット音楽インヌ音楽イヌイット音楽メティスフィドルなど)とその後のカナダ東部地域の伝統(ニューファウンドランド音楽ケープブレトンフィドルケベコワ音楽など)

16世紀と17世紀に最初のフランス人とイギリス人の入植者が到着して以来、ヨーロッパ起源の伝統的なフォークミュージックがカナダに存在していました。 、プリンスエドワード島、およびケベック州のセントローレンス川渓谷。

毛皮貿易とその航海者は、これをさらに北と西にカナダにもたらしました。その後の製材作業と製材業者はこのプロセスを続けました。

19世紀初頭のオンタリオ州東部と南部、およびケベック州西部の農業集落は、英国と米国からの多くの英国系カナダ人のフォークソングとブロードサイドバラードの存続のための好ましい環境を確立しました。大規模な工業化にもかかわらず、フォークミュージックの伝統は今日まで多くの分野で続いています。オンタリオ州の北部では、フランコ・オンタリオンの大勢の人々がフランス起源のフォークミュージックを生かし続けていました。

大西洋の州の人口の多いアカディア人のコミュニティは、ケベック州を中心としたフランス起源のフォークミュージックの巨大なコーパスに彼らの歌の変種を提供しました。英国系カナダ人のフォークミュージックの豊富な情報源は、大西洋地域、特にニューファンドランドで見つけることができます。この音楽の民間伝承のモザイクを完成させるのは、特にケープブレトン島のスコットランドの集落のゲール語の音楽と、カナダ東部での存在が1840年代のアイルランドの飢饉に由来する何百ものアイルランドの歌であり、アイルランドから北アメリカへの大規模な移住を余儀なくされました。[280]

1974年にIsabelleMillsが書いた「カナダの歴史に関する知識」は、カナダの民謡のモザイクを理解する上で不可欠です。このモザイクの一部は、ヨーロッパ人とアングロサクソン人の入植者が新しいカナダの民謡にもたらしたカナダの民謡によって提供されます。土地。" [12]彼女は、ケベックのフランス植民地がどのようにしてフランス移民をもたらし、やがてイギリス、ドイツ、その他のヨーロッパ諸国からの移民の波が続き、すべてが故郷から音楽をもたらし、その一部は現在まで生き残っていると説明しています。民族誌学者で民俗学者のマリウス・バルボーは、1万をはるかに超えるフランスの民謡とその変種がカナダで収集されたと推定しました。古いものの多くはそれまでにフランスで亡くなりました。

専門的な有料エンターテインメントとしての音楽は、19世紀から20世紀初頭にかけて、カナダ、特に遠隔地の農村地域で比較的ゆっくりと成長しました。ダンスホール/ボードビルの都市の音楽クラブで人気が出て、ジャズが続く間、カナダの田舎はほとんど伝統的な音楽の土地のままでした。しかし、1920年代と1930年代にアメリカのラジオネットワークがカナダに放送を開始したとき、カナダの伝統音楽の聴衆は次第に減少し、アメリカのナッシュビルスタイルのカントリーミュージックやジャズのような都会的なスタイルを支持しました。カナダ音楽アメリカ化により、1930年代にカナダのラジオリーグは全国の公共放送局に働きかけ、最終的には1936年にカナダ放送協会(CBC)。CBCはラジオやその後のテレビサービスで伝統音楽を含むカナダの音楽を宣伝しましたが、「現代」のすべてのものに対する世紀半ばの熱狂は、ロックやポップ。しかし、カナダは1960年代のフォークミュージックの復活の影響を受け、モントリオールフォークワークショップやその他の全国のフォーククラブやコーヒーハウスなどの地元の会場が、新興のソングライターやパフォーマーのるつぼになり、外国。

アメリカ合衆国

アメリカの伝統音楽はルーツミュージックとも呼ばれます。ルーツミュージックは、ブルーグラスカントリーミュージックゴスペルオールドタイムミュージックジャグバンドアパラチアフォークブルースケイジャンネイティブアメリカンミュージックなど、幅広いカテゴリの音楽です。この音楽は、アメリカ原産であるか、アメリカで開発されたため、音楽学者を明らかに新しいものとして印象付けるほどにアメリカ人と見なされています。ロックンロールなど、後にアメリカで開発された音楽のベースとなったため、「ルーツミュージック」と見なされています。、現代のフォークミュージック、リズムアンドブルースジャズこれらのジャンルのいくつかは、伝統的な民謡であると考えられています。

フォークミュージックの復活

「それは自己永続的で再生的です。それはあなたが多年生のアメリカの歌と呼ぶものです。私はそれが復活、蘇生を必要としないと思います。それは生きて繁栄します。それは本当に18歳の人々がさらされる必要がありますでも、それは彼らの有無にかかわらず続くでしょう。フォークソングは、ラジオの何よりも、リリースされたものよりも強力です...それは、長い間続く声の蒸留であり、それが何ですそれらを強くします。」[284]

Ketch Secor

「フォークミュージックの復活」とは、伝統的なフォークミュージックへの新たな関心の期間、またはそれを変革するイベントまたは期間のいずれかを指します。後者には通常、社会活動の要素が含まれています。前者の顕著な例は、約1890年から1920年のブリティッシュフォークリバイバルです。後者の最も著名で影響力のある例(通常「フォークミュージックリバイバル」と呼ばれる範囲では、現代のフォークミュージックを生み出した英語圏を中心とした20世紀半ばのフォークリバイバルです。[285]この復活の説明については 、「現代のフォークミュージック」の記事を参照してください。

以前のリバイバルは西洋のクラシック音楽に影響を与えました。パーシー・グレインジャーラルフ・ヴォーン・ウィリアムズベラ・バルトークなどの作曲家は、フォークシンガーやミュージシャンのフィールドレコーディングやトランスクリプションを作成しました。

スペインでは、IsaacAlbéniz(1860–1909)が制作したピアノ作品は、Suite Iberia(1906–1909)を含む彼のスペインの伝統を反映しています。エンリケ・グラナドス(1867–1918)は、サルスエラ、スペインの軽快なオペラ、およびダンザス・エスパニョーラス–スペイン舞踊を作曲しました。マヌエル・デ・ファラ(1876–1946)は、アンダルシアのフラメンコのカンテ・ジョンドに興味を持ちました。その影響は、スペインの庭の夜Sietecancionespopularesespañolas(「7つのスペイン民謡」など)の多くの作品で強く感じられます。"、声とピアノのために)。フェルナンドソルフランシスコ・タレガは、スペインの国家楽器としてギターを確立しました。現代のスペインのフォークアーティスト(Mili MariaRussian Redなど)は、彼らの先祖の伝統を尊重しながら近代化しています。

フラメンコは、ガリシアのケルト音楽などの北部のスタイルと同様に、20世紀を通じて人気が高まりましたビゼーからラヴェルまでのフランスのクラシック作曲家もスペインのテーマを利用し、独特のスペインのジャンルが広く認識されるようになりました。

フォークミュージックのリバイバルやルーツリバイバルには、伝統音楽への新たな関心が高まっている世界中のさまざまな現象も含まれます。これは多くの場合、若者によるものであり、多くの場合、自国の伝統音楽であり、同じスタイルの新しい音楽の社会的認識、原因、および進化の新しい組み込みが含まれることがよくあります。ヌエバカンシオン、新しい形の社会的にコミットされた音楽の同様の進化は、スペイン語を話すいくつかの国で起こりました。

現代のフォークミュージック

フェスティバル

アメリカ合衆国

米国で最も初期のフォークミュージックフェスティバルは、ノースカロライナ州アッシュビルでバスコムラマーランズフォードによって設立されたマウンテンダンスアンドフォークフェスティバル[286] [287] 1928であると主張されることがあります。[288] National Folk Festival(USA)は、米国の巡回フォークフェスティバルです。[289] 1934年以来、それは伝統芸術のための全国評議会(NCTA)によって運営されており、全国の26のコミュニティで発表されています。[290]これらのコミュニティのいくつかを去った後、ナショナルフォークフェスティバルは、その結果としていくつかの地元で運営されているフォークフェスティバルをスピンオフしました。ローウェルフォークフェスティバル[291]リッチモンドフォークフェスティバル、[292]アメリカンフォークフェスティバル[293]そして最近ではモンタナフォークフェスティバル。[294]

ニューポートフォークフェスティバルは、ロードアイランド州ニューポートの近くで毎年開催されるフォークフェスティバルです。[295]それは、1959年から1970年まで、そして1985年から現在までのほとんどの年に実行され、毎年約10,000人が出席した。[296]

4日間のフィラデルフィアフォークフェスティバルは1962年に始まりました。[297]非営利のフィラデルフィアフォークソング協会が後援しています。[298]このイベントでは、ワールド/フュージョン、ケルト、シンガーソングライター、フォークロック、カントリー、クレズマー、ダンスなどのジャンルの現代アーティストと伝統アーティストが参加します。[299] [300]毎年8月の第3週末に開催されます。[301]このイベントは現在、約12,000人の訪問者を迎え、6つのステージでバンドを紹介しています。[302]

インディアナ州のハンターズムーンの饗宴には、年間約60,000人の訪問者が訪れます。[303]

イギリス

シドマスフェスティバルは1954年に始まり[304]、ケンブリッジフォークフェスティバルは1965年に始まりました。[305]イギリスのケンブリッジでのケンブリッジフォークフェスティバル、フォークミュージシャンとして招待できる人の定義が非常に広いことで有名です。[306]「クラブテント」により、参加者は多数の未知の芸術家を発見することができ、彼らはそれぞれ10分または15分間、フェスティバルの聴衆に作品を発表します。[307]

オーストラリア

ナショナルフォークフェスティバルはオーストラリアの最高のフォークフェスティバルイベントであり、50,000人以上が参加しています。[308] [309]ウッドフォードフォークフェスティバルポートフェアリーフォークフェスティバルは、同様にオーストラリア最大の主要な毎年恒例のイベントの1つであり、国際的なトップパフォーマーや多くの地元のアーティストを魅了しています。[310] [311]

カナダ

スタンロジャースは、オンタリオ州オーエンサウンドで毎年開催されるカナダのフォークフェスティバルサマーフォークの恒久的なフィクスチャであり、メインステージと円形劇場は「スタンロジャースメモリアルキャノピー」として捧げられています。[312]フェスティバルは伝統にしっかりと固定されており、ロジャーズの歌「メアリーエレンカーター」は、フェスティバルの観客やメドレーを含むすべての関係者によって歌われています。[313] [314]キャンモアフォークミュージックフェスティバルは、アルバータ州で最も長く続いているフォークミュージックフェスティバルです。[315]

その他

毎年8月に開催されるオンゲルマンランド地方のUrkultNäsåkerは、スウェーデン最大の世界音楽祭と言われています。[316]

も参照してください

参考文献

引用

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