ダブルベース

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ダブルベース
AGK bass1 full.jpg
フレンチスタイルの弓を備えたモダンなコントラバスの側面図と正面図
弦楽器
他の名前ベース、アップライトベース、ストリングベース、アコースティックベース、アコースティックストリングベース、コントラバス、コントラバスバイオ、ベースバイオ、ベースバイオリン、スタンドアップベース、ブルフィドル、ドッグハウスベース、ベースフィドル
分類 弦楽器擦弦楽器または撥弦楽器
ザックスホルンボステル分類321.322-71
で鳴らされる複合chordophone
発展した15〜19世紀
演奏範囲
範囲contrabass.png
関連機器
ミュージシャン
サウンドサンプル
ウォーキングベースラインを演奏するコントラバスのサンプル。

コントラバス、単にベース(または他の名前)とも呼ばれ、現代の交響楽団で最大かつ最も低いピッチの擦弦楽器[1]ですオクトバスなどの非正統的な追加を除く)。[2]チェロと構造が似ており、4本の弦がありますが、5本の弦もあります。

低音は、ヴァイオリン、ビオラ、チェロ[3]コンサートバンドとともに、オーケストラの弦楽セクションの標準メンバーであり、西洋クラシック音楽の協奏曲、ソロ、室内楽で取り上げられています。[4]ベースは、ジャズ、1950年代スタイルのブルースロックンロールロカビリーサイコビリー、伝統的なカントリーミュージックブルーグラスタンゴフォークミュージックなどの他のさまざまなジャンルで使用されています

低音は移調楽器であり、通常、譜表の下の過度の加線を避けるために、チューニングより1オクターブ高く表記されます。コントラバスは、弦が通常E 1、A 1、D 2、G 2にチューニングされている、5分の1ではなく4分の1 [5]ベースギタービオラなど)でチューニングされている唯一の現代の擦弦楽器です。

楽器の正確な系統はまだいくつかの議論の問題であり、学者は低音がバイオリンに由来するのかバイオリンファミリーに由来するのかについて分かれています。

コントラバスは、弓で演奏するか(arco)、弦を弾くか(pizzicato)、またはさまざまな特殊奏法で演奏します。オーケストラのレパートリーとタンゴ音楽では、アルコとピチカートの両方が使用されます。ジャズ、ブルース、ロカビリーでは、ピチカートが一般的です。クラシック音楽やジャズは、伝統的なブルーグラスと同様に、楽器によって音響的に生成される自然音を使用します。ファンク、ブルース、レゲエ、および関連するジャンルでは、コントラバスが増幅されることがよくあります。

説明

オスロジャズフェスティバルに出演するエレンアンドレアワン

コントラバスは、巻物からエンドピンまで約180 cm(6フィート)の高さです。[6]ただし、1⁄2や3⁄4など、プレーヤーの身長と手のサイズに対応する他サイズ利用できますこれらのサイズは、フルサイズまたは4⁄4ベースに対するサイズを反映していません1⁄2ベースは4⁄4ベース半分の長さではありませんが、15%小さいだけです。[7]それは通常、背中のカエデ、上部のトウヒ、指板の黒檀など、いくつかの種類の木材で構成されています。楽器がヴィオラダガンバの子孫なのかヴァイオリンの子孫なのかは定かではありませんが、伝統的にヴァイオリンファミリーと連携しています。コントラバスは、他のバイオリンファミリーの楽器と構造がほぼ同じですが、古いバイオリンファミリーに見られる機能も備えています。

オープンストリングのノートは、アコースティックまたはエレクトリックベースギターと同じE 1、A 1、D 2、およびG2です。しかし、バイオリンのような構造と長いスケールの長さを組み合わせた木の共鳴は、コントラバスにベースギターよりもはるかに豊かな音色を与え、弓を使用する能力に加えて、フレットレス指板は滑らかなグリッサンドレガト

演奏スタイル

他のバイオリンやヴィオラ・ファミリーの弦楽器と同様に、コントラバスは弓(アルコ)または弦を弾く(ピチカート)のいずれかで演奏されます。弓を使用する場合、プレーヤーはそれを伝統的に使用するか、弓の木を弦にぶつけることができます。オーケストラのレパートリーとタンゴ音楽では、アルコとピチカートの両方が使用されます。ジャズ、ブルース、ロカビリーでは、ピチカートが一般的です。ただし、現代のジャズでは、お辞儀を必要と するソロや時折書かれたパートを除きます。

古典的な教育学では、ほとんどすべての焦点は、弓を使って演奏し、良い弓の音を出すことにあります。重要なピチカートスキルの開発についてはほとんど作業が行われていません。[要出典]楽器の最低音域にある曲がった音は、フォルティッシモ強弱法で演奏すると、暗く、重く、強大な、あるいは威嚇するような効果を生み出します。ただし、繊細なピアニッシモで演奏したのと同じ低音で、響きのあるまろやかな伴奏ラインを作成できます。クラシックベースの学生は、デタシェレガートスタッカートなど、他の弦楽器奏者(バイオリンチェロなど)で使用されるさまざまな弓のアーティキュレーションをすべて学びますsforzatomartelé(「槌で打たれた」スタイル)、sul ponticellosul tastotremolospiccatosautilléこれらのアーティキュレーションのいくつかは組み合わせることができます。たとえば、スルポンティチェロとトレモロの組み合わせは、不気味で幽霊のような音を出すことができます。クラシックのベース奏者はオーケストラでピチカートのパートを演奏しますが、これらのパートは通常、速いパッセージではなく、単純な音符(四分音符、二分音符、全音符)を必要とします。

コントラバスはブルーグラスグループの標準的な楽器です。

クラシック奏者は、弦に接触している左手の指を揺らしたり震えさせたりして、ピッチのうねりを音色に移すことによって作成されるビブラートを使用して、曲がった音とピッツ音の両方を演奏します。ビブラートは、弦楽器の演奏に表現を加えるために使用されます。一般に、低音域の主な目標は弦楽器セクションに明確な基本ベースを提供することであるため、非常に大音量で低音域のパッセージはビブラートをほとんどまたはまったく使用せずに演奏されます中音域以上のメロディーは、通常、より多くのビブラートで演奏されます。ビブラートの速度と強さは、感情的で音楽的な効果のために演奏者によって変化します。

ジャズロカビリー、その他の関連ジャンルでは、ほとんどまたはすべてがピッツィカートの演奏に焦点を当てています。ジャズやジャンプブルースでは、ベーシストはピチカートをすばやく歩くベースラインを長時間演奏する必要があります。ジャズとロカビリーのベーシストは、動きの速いトリプレットと16分音符の数字を組み込んだ素早いソロを演奏できるようにする名手ピチカートテクニックを開発しています。一流のジャズ専門家によって演奏されるピジカートベースラインは、古典的なベーシストが標準的なオーケストラの文献で遭遇するピジカートベースラインよりもはるかに困難です。ジャズや関連するスタイルでは、ベーシストはしばしばセミパーカッシブな「ゴーストノートは「ベースラインに、リズミカルな感触を追加し、ベースラインにフィルを追加します。

コントラバス奏者は立っているか、高いスツールに座って、楽器を体に立てかけ、少し内側に向けて弦を楽に手の届くところに置きます。このスタンスは、低音の傾斜した肩の主な理由であり、バイオリンファミリーの他のメンバーとは一線を画しています。肩が狭いため、高音域で弦を弾くことが容易になります。[6]

歴史

いくつかの初期のベースは、既存のビオローネの変換でした。この1640年の絵は、演奏されているビオローネを示しています。

コントラバスは一般に、15世紀にヨーロッパで生まれた弦楽器ファミリーの現代の子孫と見なされており、ベースバイオリンと呼ばれています。[8]20世紀以前は、多くのコントラバスには3弦しかありませんでしたが、バイオリンファミリーの楽器に典型的な5〜6弦、またはバイオリンファミリーの4弦の楽器とは対照的です。コントラバスのプロポーションは、バイオリンやチェロのプロポーションとは異なります。たとえば、それはより深いです(前から後ろへの距離はバイオリンよりも比例してはるかに大きいです)。さらに、バイオリンの肩は膨らんでいますが、ほとんどのコントラバスは、バイオリンファミリーのメンバーのように、より急な傾斜で肩が刻まれています。多くの非常に古いコントラバスは、現代の技術で遊ぶのを助けるために肩を切ったり傾斜させたりしています。[9]これらの変更の前は、彼らの肩のデザインはバイオリンファミリーの楽器に近かった。

コントラバスは、 5分の1ではなく4分の1でチューニングされた唯一の現代の擦弦楽器です(以下のチューニングを参照)。楽器の正確な系統はまだ議論の余地があり、コントラバスがヴィオラ・ファミリーの直系の子孫であるという仮定は完全には解決されていません。

のコントラバスの新しい歴史の中で、ポール・ブランは、コントラバスはバイオリンファミリーの真のベースとしての起源を持っていると主張していますコントラバスの外観はビオラダガンバに似ているかもしれませんが、コントラバスの内部構造はバイオリンファミリーの楽器とほぼ同じであり、ビオラの内部構造とは大きく異なると彼は述べています。[10]

コントラバスのラリー・ハースト教授は、「現代のコントラバスは、バイオリンやヴィオラの家族の真のメンバーではない」と主張しています。彼は、「おそらくその最初の一般的な形は、ヴィオラ・ファミリーの最大のメンバーであるヴィオローネの形でした。現存する最も初期の低音のいくつかは、現代のトラップが取り付けられたヴィオローネ(C字型のサウンドホールを含む)です。」[11]ガスパーロ・ダ・サロによるものなど、いくつかの既存の楽器は、16世紀の6弦コントラバスヴィオローネから変換されました。[4]

用語

ケルンの「AltesPfandhaus」でカルテットと演奏するジャズベーシストのロンカーター

この楽器を演奏する人は、「ベーシスト」、「コントラバス奏者」、「コントラバス奏者」、「コントラバス奏者」、「コントラバス奏者」または「コントラバス奏者」と呼ばれます。コントラバスと コントラバスという名前は、楽器の音域を表しており、チェロより1オクターブ低い音を使用しますつまり、チェロを2倍にします)。[12] [13]古典的な演奏者の間での楽器の用語は、コントラバス(楽器のイタリア名であるコントラバスに由来)、ストリングベース(コンサートバンド金管楽器と区別するため、または単に低音

ジャズブルースロカビリー、その他のクラシック音楽以外のジャンルでは、この楽器は一般にアップライトベース、スタンドアップベース、またはアコースティックベースと呼ば通常エレクトリック)ベースギターと区別されます。フォークミュージックやブルーグラスミュージックでは、この楽器は「ベースフィドル」または「ベースバイオリン」(または、まれに「ドッグハウスベース」または「ブルフィドル」[14] )とも呼ばれます。バイオリンファミリーの楽器の一員として、アップライトベースの構造はアコースティックベースギターの構造とはかなり異なります。後者はエレキベースギターの派生物であり、通常はアコースティックギターのより大きくて頑丈なバリエーションのように作られています。

コントラバスは、紛らわしいことに、ビオローネベースバイオリンまたはベースビオと呼ばれることがあります他のカラフルな名前やニックネームは他の言語で見つかります。ハンガリー語では、コントラバスはnagybőgőと呼ばれ、その大きな声を表すと、大まかに「ビッグクライアー」と解釈されます。

デザイン

ブセット型のコントラバスの例:ルマノソラノによるマティアスクロッツ(1700)のリメイク
コントラバスの主要部分

一般に、コントラバスのデザインアウトラインの形状には、2つの主要なアプローチがあります。バイオリンの形(建設セクションのラベル付きの写真に示されています)。ヴィオラダガンバフォーム(この記事のヘッダー画像に表示)。さらに珍しいギター洋ナシの形と同様に、ブセットの形と呼ばれる3番目のあまり一般的ではないデザインも見つけることができます楽器の背面は、バイオリンのように丸く刻まれた背面から、バイオリンの家族のように平らで角度の付いた背面までさまざまです。

コントラバスは、弦を支える木製の彫刻が施されたブリッジ、2つのFホール弦のボールエンドが挿入されるテールピース(テールピースが固定されているなど、バイオリンファミリーのメンバーに似た多くのパーツを備えていますエンドピンマウント)、ペグボックスの近くの装飾用スクロール、指板とペグボックスの接合部に各弦用の溝が付いたナット、楽器の上部から中空のボディに振動を伝達する頑丈で厚いサウンドポスト弦の張力の圧力をサポートします。バイオリンファミリーの他の部分とは異なり、コントラバスは依然としてバイオリンからの影響を反映しており、一部はバイオリンから派生していると見なすことができます楽器のファミリー、特にヴィオローネは、ヴィオラファミリーの中で最も低音で最大のベースメンバーです。たとえば、ベースは、バイオリングループの標準である5度ではなく、バイオリンのように4度でチューニングされます。また、「肩」は、バイオリンに見られる鋭い角度ではなく、曲線で首に接していることに注意してください。弓で演奏される他のバイオリンやビオラファミリーの楽器と同様に(そして主にギターのような撥弦楽器や摘み楽器とは異なり)、コントラバスの橋は弧のような湾曲した形をしています。これは、擦弦楽器では、プレーヤーが個々の弦を演奏できなければならないためです。コントラバスがフラットブリッジの場合、A弦とD弦を個別に曲げることはできません。

コントラバスはまた、肩が通常傾斜していて、背中がしばしば角度を付けられているという点でバイオリンファミリーのメンバーとは異なります(両方とも、特に高音域で楽器に簡単にアクセスできるようにするため)。従来の木製の摩擦ペグが依然として主要なチューニング手段である他のバイオリンファミリーとは対照的に、マシンチューナーは常に取り付けられています。デザインの標準化の欠如は、1つのコントラバスが別のコントラバスとは非常に異なって聞こえ、見える可能性があることを意味します。

建設

コントラバスは、構造がバイオリンに最も近いものですが、バイオリンファミリーの最大かつ最低ピッチのメンバーであるビオローネ(「ラージバイオリン」)といくつかの顕著な類似点があります。ただし、ビオローネとは異なり、コントラバスの指板はフレットがなく、コントラバスの弦は少なくなっています(ほとんどのビオローネと同様に、ビオローネは一般に6本の弦を持っていましたが、一部の標本では5本または4本でした)。指板は黒檀でできています高品質の機器; より安価な学生用楽器では、他の木材を使用してから、黒く塗ったり染色したりすることができます(「エボナイジング」と呼ばれるプロセス)。指板は、ブリッジが湾曲しているのと同じ理由で、曲線を使用して丸みを帯びています。指板とブリッジが平らである場合、ベーシストは内側の2本の弦を個別に曲げることができません。曲がったブリッジと曲がった指板を使用することで、ベーシストは弓を4つの弦のいずれかに合わせて、個別に演奏することができます。バイオリンやビオラとは異なりますが、チェロと同様に、ベースの指板はE弦(チェロのC弦)の下でやや平らになっています。これは一般にロンバーグとして知られています。斜角。指板の大部分は演奏者が調整することはできません。調整は弦楽器製作者が行う必要があります。プロフェッショナル向けの非常に少数の高価なベースには、調整可能な指板があり、ネジ機構を使用して指板の高さを上下させることができます。

コントラバスとバイオリンファミリーの他のメンバーとの重要な違いは、ペグボックスの構造とチューニングメカニズムです。バイオリン、ビオラ、チェロはすべて、チューニング調整(弦の張力を締めたり緩めたりして弦のピッチを上げたり下げたりする)にフリクションペグを使用しますが、コントラバスには金属製のマシンヘッドとギアがあります。ペグの調整に関する課題の1つは、特にペグの穴が摩耗して拡大した場合、木製のペグとペグの穴の間の摩擦がペグを所定の位置に保持するには不十分になる可能性があることです。コントラバスのチューニングマシンのキーは、ウォームギアを駆動する金属ウォームを回転ますそれはひもを巻きます。キーを一方向に回すと弦が引き締まります(つまりピッチが上がります)。キーを反対方向に回すと、弦の張力が減少します(したがって、ピッチが下がります)。この開発により、テールピースのファインチューナー(バイオリン、ビオラ、チェロのプレーヤーにとって重要です。楽器は主要なピッチ調整にフリクションペグを使用するため)は不要ですが、それでも非常に少数のベーシストがそれらを使用しています。ベースにファインチューナーを使用する理由の1つは、Cの伸びが小さい楽器の場合、長い弦のプーリーシステムでは、キーの回転を弦の張力/ピッチの変化に効果的に変換できない可能性があることです。コントラバスの基部には、エンドピンと呼ばれるスパイク状またはゴム引きの端が付いた金属棒があり、床に置かれています。このエンドピン楽器の質量が大きいため、一般的にチェロよりも厚く、頑丈です。

完全に彫られたベース(プロのオーケストラベーシストやソリストが使用するタイプ)のコントラバス構造で最もよく使用される材料は、メープル(バック、ネック、リブ)、スプルース(トップ)、エボニー(指板、テールピース)です。テールピースは、他の種類の木材または非木材材料で作ることができます。より安価な低音は、通常、ラミネート加工された(合板)トップ、バック、およびリブで構成されているか、ラミネート加工されたバックとサイドおよび彫刻された無垢材のトップで製造されたハイブリッドモデルです。一部の2010年代の低価格から中価格のベースは、ウィローで作られています。学生モデルはグラスファイバーで作られています。20世紀半ばに製造され、一部の(通常はかなり高価な)ベースはカーボンファイバーで作られています。

この写真は、コントラバス(緑色の丸で囲んだ部分)の厚い魂柱を示しています。

ラミネート(合板)ベースは、音楽学校、青少年オーケストラ、人気のあるフォークミュージックの設定(ロカビリーサイコビリーブルースなど)で広く使用されており、湿気や熱、および身体的虐待に対して非常に耐性があります。彼らは学校の環境で遭遇する傾向があります(または、ブルースやフォークミュージシャンの場合、ツアーやバーでの演奏の危険性に遭遇します)。別のオプションは、ラミネート加工されたバックと彫刻または無垢材のトップを備えたハイブリッドボディベースです。それは完全に彫られた低音よりも安価で、(少なくともその背中に関しては)いくらか壊れにくいです。

サウンドポストベースバー内部構造のコンポーネントです。コントラバスのすべての部分は、弦の張力によって所定の位置に保持されているサウンドポスト、ブリッジ、テールピースを除いて接着されています(ただし、サウンドポストは通常​​、楽器の弦を緩めたり取り外したりしても、ベースが緩んでいる限り、所定の位置に留まります)一部のルティエは、サウンドポストが落ちるリスクを減らすために、一度に1本の弦だけを変更することを推奨しています。サウンドポストが落下した場合、サウンドポストを元の位置に戻すには弦楽器製作者が必要です。これは、Fホールに挿入されたツールを使用して行う必要があるためです。さらに、ブリッジの下のサウンドポストの正確な配置は、楽器が最高のサウンドを出すために不可欠です。基本的な橋は、各楽器の上部の形状に合わせてカスタマイズされた一枚の木から彫られています。学生用楽器の最も安価なブリッジは、楽器の上部の形状に合わせて足を紙やすりで磨くだけでカスタマイズできます。プロのベーシストの楽器の橋は、弦楽器製作者によって華やかに彫られている場合があります。

プロのベーシストは、金属製のネジ機構を備えた調整可能なブリッジを持っている可能性が高くなります。これにより、ベーシストは弦の高さを上げたり下げたりして、湿度や温度の変化に対応できます。金属製のチューニングマシンは、ペグボックスの側面に金属製のネジで取り付けられています。チューニングメカニズムは一般に高音のオーケストラ弦楽器とは異なりますが、一部のベースには、チェロやバイオリンのチューニングペグを模倣して、ペグボックスの側面から突き出た機能しない装飾的なチューニングペグがあります。[要出典]

有名なコントラバスメーカーは世界中から来ており、多くの場合、さまざまな国の特徴を表しています。最も人気のある(そして高価な)楽器はイタリアから来ており、ジョバンニ・パオロ・マグジーニガスパーロ・ダ・サロテストール家(カルロ・アントニオ、カルロ・ジュゼッペ、ジェナロ、ジョバンニ、パウロ・アントニオ)、セレスティーノ・プオロッティマッテオ・ゴフリラーによって作られたベースが含まれます。有名なメーカーのフランス語と英語のベースもプレイヤーに求められています。[要出典]

旅行楽器

2010年現在、いくつかのメーカーが旅行用楽器を製造しています。これは、楽器が航空会社の旅行要件を満たすように楽器のサイズを縮小する機能を備えたコントラバスです。トラベルベースは、ミュージシャンをツアーするために設計されています。あるタイプのトラベルベースは、演奏に必要なすべての機能を保持しながら、通常よりもはるかに小さいボディを備えています。これらの小さなボディの楽器はエレクトリックアップライトベースに似ていますが、違いは、小さなボディのトラベルベースにはまだかなり大きな中空のアコースティックサウンドチャンバーがあり、多くのEUBはソリッドボディであるか、小さな中空のチャンバーしかないことです。2番目のタイプのトラベルベースは、ヒンジ付きまたは取り外し可能なネックと通常のサイズのボディを備えています。ヒンジ付きまたは取り外し可能なネックにより、輸送用に梱包するときに機器が小さくなります。

文字列

橋と弦の詳細
ガット弦

コントラバスの歴史は、弦の技術の発展と密接に関連しています。これは、巻き上げられた弦または巻き上げられた弦がより小さな全体の中で低い音を達成するため、最初に楽器をより一般的に実用的にした、巻き上げられたガット弦の出現[12]でした。巻かれていない弦よりも弦の直径。[15]ラリー・ハースト教授は、「1650年代に巻き上げられたガットストリングが出現していなかったら、コントラバスは確実に絶滅していただろう」と主張している。[11]通常のガット弦に必要な太さにより、低音の弦はほとんど演奏できなくなり、低音域での迅速な演奏ができるようになりました。

20世紀以前は、コントラバスの弦は通常カットグットで作られていました。ただし、鋼の弦はピッチをよりよく保持し、弓で演奏したときにボリュームが大きくなるため、鋼が大部分を置き換えました。[16] [17] [18]ガット弦は湿度や温度の変化に対しても脆弱であり、スチール弦よりも壊れやすいです。

ガット弦は現在、バロックアンサンブル、ロカビリーバンド、伝統的なブルースバンド、ブルーグラスバンドで演奏するベーシストによって主に使用されています場合によっては、低いEとAは銀で巻かれ、それらに追加の質量を与えます。ガット弦は、1940年代と1950年代の録音で聞こえた暗くて「ゴツゴツした」音を提供します。ブルースの直立ベーシストである故ジェフ・サルリは、「1950年代から、スチール弦用のベースのネックをリセットし始めた」と語った。[19]ロカビリーとブルーグラスのベーシストも、「平手打ち」を行うのがはるかに簡単であるため、腸を好みます「直立したベーススタイル(弦を指板に衝撃的に叩きつけてクリックする)は、スチール弦よりもガット弦を使用します。これは、ガットが弾く指をそれほど傷つけないためです。ガット弦の安価な代替品はナイロン弦です。弦は純粋なナイロンで、下の弦はワイヤーで包まれたナイロンで、弦に質量を追加し、振動を遅くして、より低いピッチを促進します。

腸から鋼への変更は、過去100年にわたって楽器の演奏技術にも影響を与えてきました。スチール弦は指板の近くに設置することができ、さらに、弦は低い弦の高い位置で演奏することができ、それでもクリアな音色を生み出すことができます。古典的な19世紀のフランツシマンドルの方法では、低いE弦を高い位置で使用しません。これは、指板の上に高く設定された古いガット弦では、これらの高い位置で明確な音色を生成できなかったためです。ただし、最新のスチール弦を使用すると、ベーシストは、特に最新の軽量で低張力のスチール弦を使用する場合に、低EおよびA弦の高い位置でクリアな音色で演奏できます。

コントラバスのには、2つの異なる形式があります(以下を参照)。「フレンチ」または「オーバーハンド」の弓は、オーケストラの弦楽器ファミリーの他のメンバーで使用される弓と形状と実装が似ていますが、「ドイツ」または「バトラー」の弓は、通常、幅が広く、短く、 「握手」(または「弓のこ」)の位置。

フランス(上)とドイツの弓を比較

これらの2つの弓は、腕を動かし、弦に力と重量を分散させるさまざまな方法を提供します。フランスの弓の支持者は、プレーヤーが弓を保持する角度のために、それがより機動性があると主張します。ドイツの弓の支持者は、それによってプレーヤーが弦により多くの腕の重さを加えることができると主張しています。ただし、この2つの違いは、熟練したプレーヤーにとってはわずかであり、主要なオーケストラの現代のプレーヤーは両方の弓を使用します。

ドイツの弓

ドイツ風の弓

ドイツの弓(バトラーの弓と呼ばれることもあります)は、2つのデザインのうちの古い方です。弓のデザインとその持ち方は、古いヴィオラ楽器ファミリーに由来しています。古いヴィオラでは、カエルが弓を締めるためのネジ山を作る前に、プレーヤーは髪の緊張を維持するためにスティックと髪の間に2本の指で弓を保持していました。[20]ドイツの弓の使用の支持者は、ドイツの弓は、多くの力を必要とする重いストロークに使用する方が簡単であると主張しています。

フランスの弓と比較して、ドイツの弓は背の高いカエルを持っており、プレーヤーは、バイオリンファミリーの直立したメンバーと同様に、手のひらを上に傾けてそれを保持します。従来の正しい方法で保持すると、親指は必要な力を加えて目的の音を生成します。人差し指は、カエルがスティックと出会うポイントで弓と出会う。人差し指はまた、弓を傾けるときにカエルに上向きのトルクを加えます。小指(または「ピンキー」)は下からカエルを支え、薬指と中指は髪の毛とシャフトの間のスペースに置かれます。

フレンチボウ

フレンチスタイルの弓

フランスの弓は、19世紀の巨匠ジョヴァンニボッテジーニによって採用されるまで広く普及していませんでしたこのスタイルは、小さな弦楽器の伝統的な弓に似ています。手のひらを低音に向けて、演奏者の横に手を置いているかのように握ります。親指はカエルの隣の弓のシャフトに載っていますが、他の指は弓の反対側に垂れ下がっています。ピースのスタイルと同様に、さまざまなスタイルが指と親指のカーブを決定します。よりはっきりとしたカーブと弓の軽いホールドは、名手またはより繊細な部分に使用されますが、弓のより平坦なカーブとより頑丈なグリップは、デタッチ、スピッカト、スタッカートなどのストロークでの制御を容易にするためにある程度の力を犠牲にします。

フランスの弓を持ったベーシスト。カエルの隣の弓のシャフトに親指がどのように載っているかに注意してください。

船首の構造と材料

コントラバスの弓の長さはさまざまで、60〜75 cm(24〜30インチ)の範囲です。一般的に、ベースの弓はチェロの弓よりも短くて重いです。ブラジルボクとしても知られるペルナンブコは、高品質のスティック素材と見なされていますが、その希少性と費用のために、他の素材がますます使用されています。安価な学生用の弓は、頑丈なグラスファイバーで作られている場合があります。これにより、木製の弓よりもはるかに軽くなります(場合によっては、軽すぎて良い音を出すことができません)。学生の弓は、価値の低いブラジルボクの品種で作られている場合もあります。スネークウッドカーボンファイバーは、さまざまな品質の弓にも使用されています。コントラバスの弓のカエルは通常黒檀で作られています、スネークウッドとバッファローホーンは一部の弦楽器製作者によって使用されていますが。カエルは、ノブで締めたり緩めたりできるため、可動式です(すべてのバイオリンファミリーの弓のように)練習や演奏の最後に弓を緩めます。弓は、演奏する前に、プレーヤーが好む緊張感に達するまで締められます。上質な弓のカエルは、マザーオブパールの象眼 細工で飾られています。

弓はカエルの近くの弓の木製の部分に革の包みがあります。革のラッピングに加えて、金[要出典]または高品質の弓ので作られたワイヤーラッピングもあります。髪は通常馬の毛です弓の定期的なメンテナンスの一環として、弦楽器製作者が新鮮な馬の毛で弓を「再ヘアリング」し、とワイヤーラッピングを交換します。コントラバスの弓は、他の弦楽器の弓で使用される通常の白い馬の毛とは対照的に、白または黒の馬の毛、あるいはその2つの組み合わせ(「塩とコショウ」として知られています)で張られています。一部のベーシストは、わずかに粗い黒髪がより重く、より低い弦をよりよく「つかむ」と主張しています。[要出典]同様に、ベーシストや弦楽器製作者の中には、白い品種の方がより滑らかな音を出す方が簡単だと信じている人もいます。要出典一部のベーシストは赤毛(栗)も使用しています。[要出典]最低品質、最低コストの学生用弓のいくつかは、人工毛で作られています。人工毛には、本物の馬の毛のような小さな「棘」がないため、糸をうまく「つかむ」ことも、ロジンをうまくとることもできません。

ロジン

さまざまな種類のロジン

弦楽器奏者はロジンを弓の毛に適用して、弦を「つかみ」、振動させます。コントラバスロジンは一般的にバイオリンロジンよりも柔らかくて粘着性があり、髪が太い弦をよりよくつかむことができますが、プレーヤーは天候に応じて非常に硬い(バイオリンロジンのような)から非常に柔らかいまでさまざまな種類のロジンを使用します湿度、およびプレーヤーの好み。使用される量は、一般的に、演奏される音楽の種類とプレーヤーの個人的な好みによって異なります。ベーシストは、繊細な室内楽作品よりも大きなオーケストラ(ブラームス交響曲など)の作品に多くのロジンを適用する場合があります。[要出典]WiedoeftやPopのコントラバスロジンなどの一部のブランドのロジンは、柔らかく、暑い時期に溶けやすくなります。CarlssonやNymanHartsのコントラバスロジンなどの他のブランドは、より硬く、溶けにくいです。[要出典]

音の生成のメカニズム

弦自体は直径が比較的小さいため、空気をあまり動かさず、それ自体では多くの音を出すことができません。弦の振動エネルギーは、どういうわけか周囲の空気に伝達されなければなりません。これを行うには、弦がブリッジを振動させ、次にこれが上面を振動させます。ブリッジとベースのボディの組み合わせにより、ブリッジでの振幅は非常に小さいが、力の変動が比較的大きい(振動する弦の張力が周期的に変化するため)と、振幅が大きくなります。ブリッジは、低力の小振幅の振動を、低音のボディの上部にある低力の高振幅の振動に変換します。上部はサウンドポストで背面に接続されているため、背面も振動します。空気の 音響インピーダンス。

特定の音と音の生成メカニズム

アコースティックベースはフレットのない楽器であるため、弾いたり曲がったりすることによる弦の振動は、指板に対して指の位置の近くで弦が振動するため、可聴音を発生させます。このバスの音は音符にその特徴を与えます。

ピッチ

ベース(またはF)音部記号は、ほとんどのコントラバス音楽に使用されます。

コントラバスの最低音は、約41HzのE1(標準の4弦ベース)またはC 1 (約33 Hz)、または5弦を使用する場合はB 0 (約31 Hz)です。これは、平均的な人間の耳が独特のピッチとして知覚できる最低周波数より約1オクターブ上です。この記事の冒頭にある範囲の図に示されているように、楽器の指板範囲の上部は通常、D 5の近く、2オクターブとGストリングのオープンピッチ(G 2 )の5分の1上にあります。指板の端を超えて演奏するには、弦を少し横に引っ張ることができます。

コントラバス交響曲のパートは、演奏者がハーモニクス(フラジェオレットトーンとも呼ばれるを演奏する必要があることを示す場合があります。ノート。曲がった倍音は、現代音楽の「ガラスのような」音に使用されます。自然な倍音人工的な倍音の両方で、親指が音を止め、オクターブまたは他の倍音が相対的なノードポイントで弦に軽く触れることによってアクティブになり、楽器の範囲が大幅に広がります。コントラバスの名手協奏曲には、自然と人工の倍音がたくさん使われています。

標準のクラシックレパートリーのオーケストラパートでは、コントラバスが2オクターブと短三度の範囲(E1からG3)を超えることはめったになく標準のレパートリーには時折A 3が表示されます(このルールの例外はオルフのカルミナブラーナです)。 、3オクターブと完全四度が必要です)。この範囲の上限は、20世紀および21世紀のオーケストラパート(プロコフィエフキージェ中尉組曲( 1933年頃)のベースソロなど、D 4およびE 4までの高音域を必要とする)で大幅に拡張されています。 )。アッパーレンジの名手ソロプレーヤーは、特定のプレーヤーのスキルに依存するため、自然および人工の倍音を使用して達成することができます。この記事の冒頭にある範囲の図の高調波は、規範的ではなく代表的なものと見なすことができます。

5弦楽器には追加の弦があり、通常はE弦(B 0)の下の低いBに調整されます。まれに、Gストリング(C 3)の上のCに合わせて、より高いストリングが代わりに追加されることがあります。4弦楽器は、E弦の範囲をC 1(場合によってはB 0 )まで拡張するC拡張機能を備えている場合があります。

伝統的に、コントラバスは移調楽器です。コントラバスの音域の多くは標準の低音部記号より下にあるため、譜表の下に過度の加線を使用する必要がないように、音より1オクターブ高く表記されています。したがって、多くのモーツァルトとハイドンの交響曲で使用されているように、コントラバス奏者とチェロ奏者がベースとチェロを組み合わせたパートから演奏する場合、ベースはチェロの1オクターブ下でオクターブで演奏されます。この移調は、ベーシストがテナート音記号を読んでいる場合でも適用されます(ソロ演奏や一部のオーケストラパートで使用されます)。テナー記号は、チェロや真ちゅうの低い部分の作曲家によっても使用されます。テナーまたはト音記号を使用すると、楽器の高音域を示すときに、譜表の上の過度の元帳線を回避できます。他の表記法の伝統が存在します。イタリアのソロ音楽は通常、音の高さで書かれ、「古い」ドイツの方法は、音楽が音高で書かれた高音部記号を除いて、記譜法の1オクターブ下で鳴りました。

チューニング

定期的なチューニング

1947年にニューヨークでショーを演奏するコントラバス奏者のヴィヴィアン・ゲイリー

コントラバスは一般に4分の1で調整されますが、オーケストラの弦楽合奏ファミリーの他のメンバーは5分の1で調整されます(たとえば、バイオリンの4つの弦は、最低音から最高音まで:G–D–A– E)。低音の標準的なチューニング(最低音から最高音)はE–A–D–Gで、2番目の低いC(コンサートピッチ)より下のEから始まります。これはベースギターの標準的なチューニングと同じであり、標準的なギターのチューニングの4つの最低音の弦よりも1オクターブ低くなっています。19世紀以前は、多くのコントラバスには3本の弦しかありませんでした。「ジョヴァンニ・ボッテジーニ(1821–1889)は、当時イタリアで人気のあった3弦楽器を支持していました」[11]なぜなら「三弦楽器はより響きが良いと見なされていた」からです。[21]カタルーニャの多くのコブラバンドには、A–D–Gにチューニングされた従来の3弦コントラバスを使用しているプレーヤーがまだいます。[22]

クラシックのレパートリー全体で、標準的なコントラバスの範囲を下回るノートがあります。低E以下の音符は、後のバロック音楽の編曲や解釈で見られるコントラバスパートに定期的に現れますクラシック時代では、コントラバスは通常、チェロのパートを1オクターブ下に2倍にし、4弦コントラバスのEよ​​り下のCに降下する必要がある場合がありました。ロマン派時代と20世紀には、ワーグナー、マーラー、ブゾーニ、プロコフィエフなどの作曲家低いEより音符要求しました。

これらのメモをプレーヤーが利用できるようにする方法はいくつかあります。標準のコントラバス(E–A–D–G)を使用しているプレーヤーは、「E」より1オクターブ高い音を演奏するか、これがぎこちなく聞こえる場合は、パッセージ全体を1オクターブ上に移調することができます。プレーヤーは、低E弦を、曲に必要な最低音であるDまたはCに調整できます。4弦ベースには、「低Cエクステンション」を取り付けることができます(以下を参照)。または、プレーヤーは5弦の楽器を使用し、追加の低い弦をC、または(現代ではより一般的には)B、3オクターブ中央のCより半音下にチューニングすることもできます。いくつかの主要なヨーロッパのオーケストラは、5番目の弦のベースを使用しています。[23]

C拡張子

弦をC♯、D、E 、またはEで停止する木製の機械的「フィンガー」を備えたlow-Cエクステンション。低いEまでしか下がらないオーケストラの通路では、通常、ナットの「フィンガー」は閉じています。

ほとんどのプロのオーケストラ奏者は、 Cエクステンション付きの4弦コントラバスを使用しています。これは、ベースのヘッドに取り付けられた指板の追加セクションです。それは最も低い弦の下で指板を伸ばし、下向きの範囲の追加の4半音を与えます。最も低い弦は通常、チェロの最も低い音より1オクターブ下のC 1にチューニングされます(低音部分がチェロ部分を1オクターブ低くすることは非常に一般的です)。まれに、この弦が低いB 0に調整されることがあります。これは、オーケストラのレパートリーで、レスピーギの「ローマの松」などのBが必要な作品がいくつかあるためですまれに、一部のプレーヤーのB拡張子が低く、Bが最低音になっています。拡張機能にはいくつかの種類があります。

最も単純な機械的エクステンションでは、Eノート用のロッキングナットまたは「ゲート」を除いて、フィンガーボードエクステンションに取り付けられた機械的補助はありません。エクステンションノートを演奏するには、プレーヤーはスクロールの下の領域に戻って弦を指板に押し付けます。この「指のある」エクステンションの利点は、プレーヤーがエクステンションで停止したすべての音のイントネーションを調整できることと、金属製のキーやレバーからの機械的なノイズがないことです。「フィンガード」エクステンションの欠点は、エクステンションの低音と通常の指板の音をすばやく切り替えることが難しいことです。たとえば、G1とD1をすばやく切り替えるベースラインなどです

最も単純なタイプの機械的補助は、木製の「指」または「ゲート」を使用して、弦を押し下げてC♯、D、E 、またはEノートをフレットすることができます。このシステムは、低音Dなどの繰り返しペダルポイントがあるベースラインに特に役立ちます。これは、機械的な指で音符を所定の位置にロックすると、開いたときに最も低い弦が異なる音を鳴らすためです。

エクステンションで使用するための最も複雑な機械的補助は、機械と呼ばれる機械的レバーシステムですこのレバーシステムは、ファゴットなどのリード楽器のキーイングメカニズムに表面的に似ており、通常の指板の横(ナットの近く、E弦側)にレバーを取り付け、延長指板の金属製の「指」をリモートでアクティブにします。最も高価な金属製のレバーシステムは、木製の「指」システムと同様に、プレーヤーがエクステンション指板のノートを「ロック」する機能も提供します。これらのデバイスに対する批判の1つは、不要な金属のカチッという音が発生する可能性があることです。

木製の「フィンガー」エクステンションまたは金属の「フィンガー」マシンエクステンションの機械的な「フィンガー」がロックダウンまたは押し下げられると、ハンドフィンガーエクステンションで可能なように、 微音ピッチ調整またはグリッサンド効果を行うのは簡単ではありません。

最も一般的なタイプのエクステンションはCエクステンションですが、まれに、最低弦が通常低いB 0である5弦ベースの所有者は、2半音エクステンションを使用して、低いAを提供するか、非常にまれな低G拡張。

その他のチューニングバリエーション

少数のベーシストは、チェロのように5度で弦をチューニングします、1オクターブ低くなります(C 1 –G 1 –D 2 –A 2低から高)。このチューニングは、ジャズプレーヤーのレッドミッチェルによって使用され、一部のクラシックプレーヤー、特にカナダのベーシストであるジョエルクアリントンによって使用されています。低音を5度でチューニングすることを支持する人は、他のすべてのオーケストラ弦が5度(バイオリン、ビオラ、チェロ)でチューニングされているため、低音を同じチューニングアプローチにすることを指摘しています。5番目のチューニングは、ベーシストに標準のE–A–D–Gベースよりも広いピッチ範囲を提供します。これは、C1からA2までの範囲(拡張なし)であるためです5弦ベースを演奏する5度のチューニングを使用する一部のプレーヤーは、追加の高E 3弦を使用します(したがって、最低から最高へ:C–G–D–A–E)。4弦楽器しかなく、主にソリスティックな作品を演奏している5番目のチューニングベーシストの中には、G–D–A–Eチューニングを使用するため、低いC弦を省略し、高いEを得るものがあります。弦は小規模な楽器を使用しているため、運指がやや簡単になります。Berlioz–Strauss Treatise on Instrumentation(1844年に最初に出版された)は、「優れたオーケストラには、いくつかの4弦コントラバスが必要であり、そのうちのいくつかは5分の1と3分の1に調整されている」と述べています。次に、この本はE 1 –G 1 –D 2 –A2のチューニングを示しています)下から上への文字列。「4分の1に調整された他のコントラバスと一緒に、オープンストリングの組み合わせが利用可能になり、オーケストラの響きが大幅に向上します。」ただし、6弦のコントラバスは5分の1(C 1 –G 1 –D 2 –A 2 –E 3 –B 3)でチューニングできます。これははるかに広い範囲です。[要出典]

クラシックソロ演奏では、コントラバスは通常、全音階で高く調整されます(F♯1 B 1 –E 2 –A 2)。このより高い調律は「ソロ調律」と呼ばれ、通常の調律は「オーケストラ調律」と呼ばれます。ソロチューニングストリングは、通常のストリングよりも一般的に細いです。弦の張力はソロとオーケストラのチューニングで大きく異なるため、ゲージが軽い別の弦のセットがよく使用されます。弦は常にソロまたはオーケストラの調律用にラベル付けされ、公開されたソロ音楽はソロまたはオーケストラの調律用に配置されます。クーセヴィツキー協奏曲などの人気のあるソロや協奏曲ソロとオーケストラの両方のチューニングアレンジで利用できます。ソロ調律弦は、オーケストラのピッチで演奏するために音色を下げることができますが、弦はオーケストラの調律では投影されないことが多く、ピッチが不安定になる可能性があります。

現代の作曲家の中には、高度に専門化されたスコルダトゥーラを指定しているものもあります(意図的に開いた弦のチューニングを変更します)。開いた弦のピッチを変更すると、ペダルポイントや倍音としてさまざまな音符を使用できるようになります。 たとえば、ベリオは、SequenzaXIVbで弦E1 –G♯1– D 2 –G 2チューニングするようにプレーヤーに要求し、 ScelsiはF 1 –A 1 –D 2 –E2F1 –A 1の両方を要求しますNuitsF2 –E 2 _[要出典]一部の東ヨーロッパ諸国で使用されているソロチューニングの変形であり、あまり一般的ではない形式は(A 1 –D 2 –G 2 –C 3)です。これは、オーケストラチューニングから低Eストリングを省略してから、高Cストリング。5弦ベースのベーシストの中には、低いB 0弦の代わりに、高いC3弦を5番目の弦として使用する人もいます。高いCストリングを追加すると、高いテッシトゥーラ(範囲)でソロレパートリーの演奏が容易になります。別のオプションは、低C(または低B)拡張と高Cストリングの両方を利用することです。

5つの文字列

5弦のベースを選択する場合、プレーヤーは高音の弦(高C弦)と低音の弦(通常は低B)のどちらを追加するかを決めることができます。多くの更新を経て、6弦楽器の人気が復活しています。追加の5番目の弦に対応するために、指板は通常わずかに広げられ、上部はわずかに厚くなり、張力の増加に対応します。したがって、ほとんどの5弦ベースは、標準の4弦ベースよりもサイズが大きくなります。一部の5弦楽器は、4弦楽器に変換されます。これらは幅の広い指板を持っていないため、一部のプレーヤーは指やお辞儀をするのがより難しいと感じています。変換された4弦ベースは通常、張力の増加を補うために、新しい、より太いトップ、またはより軽い弦のいずれかを必要とします。

親指トーマスマーティンは5弦コントラバスを演奏します

6弦

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6弦コントラバスはCが高くBが低いのでとても便利で、何度かアップデートして実用化が進んでいます。演奏範囲が広いため、ソロやオーケストラの演奏に最適です。多くの人が、コントラバスの弦で弦を張り直し、チューニングをB 0 –E 1 –A 1 –D 2 –G 2 –C 3にすることで、6弦のビオローネでこれを達成しました。

演奏とパフォーマンスに関する考慮事項

体と手の位置

フランスのコントラバス奏者で作曲家のルノー・ガルシア・フォンスが演奏中

コントラバス奏者は、楽器を演奏するために立ったり座ったりします。楽器の高さは、プレーヤーが弓や弾き手で弦の希望の演奏ゾーンに到達できるようにエンドピンを調整することによって設定されます。立ったりお辞儀をしたりするベーシストは、人差し指を目の高さの最初または半分の位置に合わせてエンドピンを設定することがありますが、この点に関してはほとんど標準化されていません。座っているプレーヤーは、通常、プレーヤーのズボンの股下の長さ程度の高さのスツールを使用します。

伝統的に、コントラバス奏者はソロで演奏するために立ち、オーケストラやオペラのピットで演奏するために座っていました。現在、プレーヤーが両方のポジションで同等に熟練していることは珍しいため、一部のソリストは座って(Joel QuarringtonJeff Bradetich、ThierryBarbéなど)、一部のオーケストラベーシストは立っています。

楽器の高音域(G 3より上、Gは中央Cより下)で演奏する場合、プレーヤーは手を首の後ろからずらして平らにし、親指の側面を使って弦を押し下げます。このテクニックは、チェロでも使用されますが、親指の位置と呼ばれます。親指の位置で演奏している間、4番目の(小指)指を使用するプレーヤーはほとんどいません。通常、弱すぎて信頼できる音を出すことができないためです(これはチェロ奏者にも当てはまります)が、特に現代音楽では、極端なコードや特殊奏法が必要になる場合があります。その使用。

物理的な考慮事項

ロカビリーは指板に「平手打ち」を使用しているため、ロカビリーのスタイルは摘採手にとって非常に厳しいものになる可能性があります。弦は比較的高い張力を受けているため、低音での演奏は肉体的に厳しい場合があります。また、指板の音符間の間隔は、音階の長さと弦の間隔のために大きいため、ベースラインを演奏するには、プレーヤーは低い位置の音符と頻繁にシフトする位置で指を離す必要があります。すべての非フレット弦楽器と同様に、パフォーマーは正しいピッチを生成するために指を正確に配置することを学ぶ必要があります。腕が短い、または手が小さいベーシストの場合、ピッチ間の大きなスペースは、特に音符間のスペースが最大である最も低い範囲で、重大な課題を提示する可能性があります。しかし、親指の位置などの演奏技術の使用の増加や、より低い張力でのより軽いゲージの弦の使用などの低音の変更により、楽器の演奏の難しさが緩和されました。

ベースパーツは、高速通過、重音奏法、または範囲内の大きなジャンプが比較的少なくなっています。チェロはこれらのテクニックをより簡単に実行できる小さな楽器であるため、これらのパーツは通常チェロセクションに渡されます。

1990年代まで、子供サイズのコントラバスは広く普及していませんでした。ベースのサイズが大きいため、子供が3⁄4サイズのモデルを演奏できる高さと手のサイズになるまで楽器を演奏できませでし最も一般的なサイズ)。1990年代以降、小型の1⁄2、1⁄4、1⁄8さらに1⁄16サイズ楽器がより広く利用できるようになり子供たちはより若く始めることができ まし

ボリューム

楽器のサイズにもかかわらず、音楽のピッチが低いため、他の多くの楽器ほど大きくはありません大規模なオーケストラでは、通常4〜8人のベーシストが同じベースラインを一斉に演奏して、十分な音量を出します。最大のオーケストラでは、低音セクションには10人または12人ものプレーヤーがいる可能性がありますが、現代の予算の制約により、低音セクションはこれほど大きく珍しいものになっています。

オーケストラや室内楽でベースのソロパッセージを書く場合、作曲家は通常、オーケストラが軽いことを確認して、ベースを覆い隠さないようにします。クラシック音楽では増幅が使用されることはめったにありませんが、ベースソリストがフルオーケストラで協奏曲を演奏する場合は、アコースティックエンハンスメントと呼ばれる微妙な増幅が使用されることがあります。古典的な設定でのマイクとアンプの使用は、「...純粋主義者は、特定のホールの[古典的な]声[または]楽器の自然な音響音を変更してはならない」として、古典的なコミュニティ内で議論を引き起こしました。[24]

サイコビリーベーシストのジンボウォーレスとホートンヒート牧師がステージに登場15インチのキャビネット、4つの10インチのキャビネット、およびアンプの「ヘッド」で構成される彼の大きなバススタックに注目してください。

ジャズブルースなどの多くのジャンルでは、プレーヤーは専用のアンプとスピーカーを介して増幅を使用します。圧電ピックアップは、1⁄4インチのパッチケーブルでアンプに接続ますブルーグラスやジャズのプレーヤーは、通常、ブルース、サイコビリージャムバンドのプレーヤーよりも増幅率が低くなります。後者の場合、他のアンプや楽器からの全体的な音量が大きいと、不要なハウリングが発生する可能性があります。これは、低音の大きな表面積と内部の音量によって悪化する問題です。フィードバックの問題により、電子フィードバックエリミネーターデバイス(基本的に自動ノッチフィルター)などの技術的な修正が行われました。フィードバックが発生する周波数を特定して低減します)、エレクトリックアップライトベースなどの楽器は、コントラバスのような演奏特性を備えていますが、通常はサウンドボックスがほとんどまたはまったくないため、フィードバックの可能性が低くなります。一部のベーシストは、ステージ上の音量を下げるか、ベースアンプのスピーカーから離れて演奏することで、フィードバックの問題を軽減します。

ロカビリーとサイコビリーでは、指板に対して弦をパーカッシブに叩くことは、ベーシストスタイルの重要な部分です。圧電ピックアップは指板に叩かれる弦の音を再現するのが苦手なので、これらのジャンルのベーシストは、圧電ピックアップ(低音用)とミニチュアコンデンサーマイク(パーカッシブな叩く音を拾うため)の両方を使用することがよくあります。これらの2つの信号は、信号がベースアンプに送信される前に 、単純なミキサーを使用してブレンドされます。

交通機関

コントラバスはサイズが大きく、比較的壊れやすいため、取り扱いや運搬が面倒です。ほとんどのベーシストは、輸送中に楽器を保護するために、ギグバッグと呼ばれるソフトケースを使用しています。これらは、学生が使用する安価で薄いパッドなしのケース(引っかき傷や雨からのみ保護する)から、衝撃や衝撃からも保護するプロのプレーヤー用の厚くパッド入りのバージョンまで多岐にわたります。一部のベーシストは、硬い弓のケースに弓を入れて運びます。より高価なベースケースには、ボウケース用の大きなポケットがあります。プレーヤーは、小さなカートとエンドピンに取り付けられたホイールを使用して低音を動かすこともできます。一部の高価なパッド入りケースには、ケースにホイールが取り付けられています。高価格のパッド入りケースに見られるもう1つのオプションは、楽器の持ち運びを簡単にするバックパックストラップです。

コントラバス用のハードフライトケース

ハードフライトケースは、カーボンファイバーグラファイトグラスファイバー、またはケブラーのクッション性のある内部と頑丈な外部を備えています。優れたハードケースのコスト(数千米ドル)とそれらを輸送するための高い航空会社の料金は、ツアーの専門家に使用を制限する傾向があります。

アクセサリー

音色を暗くするためにベースブリッジに取り付けられた木製のミュート

コントラバス奏者は、さまざまなアクセサリーを使用して、演奏やリハーサルを行います。オーケストラ音楽では、3種類のミュートが使用されます。ブリッジにスライドする木製のミュート、ブリッジに接続するゴム製のミュート、ブリッジにフィットする真ちゅう製の重りを備えたワイヤーデバイスです。プレーヤーは、イタリア語の命令con sordino(「ミュートあり」)が低音部に表示されたときにミュートを使用し、 senza sordino(「ミュートなし」)の命令に応じてミュートを削除します。ミュートをオンにすると、低音のトーンはより静かに、より暗く、より暗くなります。ミュートのある擦弦楽器のパートは、鼻音を出すことができます。プレーヤーは、3番目のタイプのミュートである重いゴム製の練習用ミュートを使用して、他の人の邪魔をせずに静かに練習します(ホテルの部屋など)。

矢筒は弓を保持するための付属品です。それはしばしば革でできていて、それはネクタイまたはストラップで橋とテールピースに取り付けます。プレイヤーがピチカートのパートを演奏している間、弓を保持するために使用されます。

ヴォルフトーンエリミネーターは、ブリッジとテールピースの間の弦の部分で、特定の音のトーンの問題を引き起こす可能性のある不要な弦の振動を軽減するために使用されます側面にスロットが付いた円筒形の金属スリーブに使用されている側面を切り落としたゴム管です。金属製のシリンダーには、デバイスをストリングに固定するネジとナットがあります。弦に沿ったシリンダーの異なる配置は、オオカミのトーンが発生する頻度に影響を与えるか、排除します。これは本質的に、残響を低減する弦(および/または楽器本体)の固有振動数をわずかにシフトする減衰器です。[25]オオカミの音は、橋の下の弦が弦の演奏部分の音に近いピッチで共鳴することがあるために発生します。意図した音が橋の下の弦を同情的に振動させると、不協和音の「オオカミの音」または「オオカミの音」が発生する可能性があります。場合によっては、オオカミのトーンが十分に強いため、「うなり」の音が聞こえます。ヴォルフトーンは、ベースのノートG♯でよく発生します。[26] [27]

オーケストラでは、楽器はオーボエ奏者が演奏するAに合わせて調整されます。オーボエのチューニングAとベースのオープンAストリングの間に3オクターブのギャップがあるため(たとえば、440 Hzにチューニングするオーケストラでは、オーボエは440HzでA4を演奏しオープンA1を演奏します。低音の55Hz)オーボエ奏者がチューニングノートを演奏する短い時間の間に、耳で低音をチューニングするのは難しい場合があります。一方、ヴァイオリニストは、オーボエのチューニングノートと同じ周波数にA弦をチューニングします。D弦(オーボエAの1オクターブ下)でA倍音を演奏し、他の弦の倍音と一致させることにより、このコンテキストでコントラバスをチューニングするために一般的に使用される方法があります。ただし、一部のベースの倍音が開いた弦と完全に調和していないため、この方法は絶対確実ではありません。低音の調律を確実にするために、一部のベーシストは小さなディスプレイにピッチを表示する電子チューナーを使用します。ブルース、ロカビリー、ジャズなどのベースアンプを使用するスタイルで演奏するベーシストは、ストンプボックスを使用できます。-チューニング中に低音ピックアップをミュートするフォーマットの電子チューナー。

コントラバススタンドを使用して、楽器を所定の位置に保持し、地面から数インチ持ち上げます。スタンドは多種多様で、共通のデザインはありません。

クラシックレパートリー

ソロはコントラバス用に動作します

1700年代

ソロ楽器としてのコントラバスは18世紀に人気があり、その時代の最も人気のある作曲家の多くがコントラバスの曲を書きました。コントラバスは、しばしばヴィオローネと呼ばれ、地域ごとに異なるチューニングを使用していました。「ウィーン調律」(A 1 –D 2 –F♯2 –A 2人気で、場合によっては5弦または6弦が追加されました F 1 –A 1 –D 2 –F♯2 A 2)。[28]楽器の人気は、レオポルト・モーツァルトに記録されていますヴィオローネの第2版では、「5弦のヴィオローネを使えば、難しいパッセージを簡単に出すことができ、協奏曲、トリオ、ソロなどの非常に美しい演奏を聞くことができました」と書いています。

イタリアの低音の名手ドメニコ・ドラゴネッティは、作曲家が彼の楽器にもっと難しい部品を与えるように促すのを助けました。

コントラバスの最も初期の既知の協奏曲は、ジョセフ・ハイドン cによって書かれました。1763年、アイゼンシュタット図書館での火災で失われたと推定されています。最も初期に知られている既存の協奏曲は、コントラバス用の2つの協奏曲と、ヴィオラとコントラバス用のシンフォニア協奏曲を作曲したカール・ディッタース・フォン・ディッタースドルフによるものです。この時期に協奏曲を書いた他の作曲家には、ヨハン・バプテスト・ヴァンハルフランツ・アントン・ホフマイスター(3協奏曲)、レオポルト・コゼルフ、アントン・ツィンマーマンアントニオ・カプッツィウェンゼル・ピクル(2協奏曲)、ヨハン・マティアス・スペルガーが含まれます。(18協奏曲)。これらの名前の多くは当時の音楽界をリードする人物でしたが、現代の聴衆には一般的に知られていません。ヴォルフガングアマデウスモーツァルトのコンサートアリア、Per Questa Bella Mano、K.612のベース、コントラバスのオブリガート、オーケストラには、その時代のコントラバスのソロのための印象的な文章が含まれています。それは今日でも歌手とコントラバス奏者の両方の間で人気があります。

コントラバスは最終的に、より低い音とより大きな音を必要とするオーケストラのニーズに合うように進化しました。ヨーゼフ・ケンプファー、フリードリッヒ・ピシェルバーガー、ヨハネス・マティアス・スペルガーなど、18世紀半ばから後半にかけての主要なコントラバス奏者は、「ウィーン」の調律を採用しました。コントラバスの協奏曲を作曲したベーシストのヨハン・ヒンドル(1792–1862)は、コントラバスのチューニングの先駆者であり、コントラバスのターニングポイントとソロ作品での役割を示しました。ベーシストのドメニコ・ドラゴネッティは著名な音楽家であり、ハイドンとルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベンの知人でした。彼の演奏は故郷のイタリアからロシアツァーリ国までずっと知られており、ロンドンのフィルハーモニー協会とのコンサートで演奏する著名な場所を見つけましたベートーベンとドラゴネッティの友情は、交響曲のコントラバスのために、第5交響曲の第3楽章、第7交響曲の第2楽章、第9楽章の最後の楽章の印象的なパッセージなど、難しい別々のパートを書くように促した可能性があります。交響曲。これらのパートはチェロパートを2倍にしません。

ドラゴネッティはコントラバスのために10の協奏曲を書き、ベースとピアノのために多くのソロ作品を書きました。1824年の夏にロッシーニがロンドンに滞在したとき、彼はチェロのために人気のデュエットを作曲し、ドラゴネッティとデヴィッド・サロモンズのためにコントラバスを作曲しました。Dragonettiは、上から下にG–D–Aでチューニングされた3弦コントラバスで頻繁に演奏しました。19世紀のオーケストラでは、ベースの木製トップへの圧力が軽減され、より共鳴的なサウンドが生まれると考えられていたため、トップ3の弦のみを使用することがオーケストラのベースソリストやプリンシパルベーシストに人気がありました。また、19世紀に使用された低いEストリングは、調整や演奏が困難な腸で作られた太いコードでした。

1800年代

巨匠の19世紀のベーシスト兼作曲家のジョヴァンニボッテジーニと1716年のカルロアントニオテストールのベース

19世紀、オペラの指揮者、作曲家、ベーシストのジョヴァンニボッテジーニは、当時の「コントラバスのパガニーニ」と見なされ、ヴァイオリンの名手であり作曲家でもありました。ボッテジーニの低音協奏曲は、19世紀の人気のあるイタリアのオペラスタイルで書かれ、これまで見られなかった方法でコントラバスを活用しています。それらは、自然および人工の倍音の領域でさえ、楽器の最高音域への名手による演奏と大きな飛躍を必要とします。多くの19世紀および20世紀初頭のベーシストは、これらの曲を演奏できないと考えていましたが、2000年代には、頻繁に演奏されます。同時に、ベーシストの著名な学校はフランツ・シマンドル、テオドール・アルビン・フィンデイセン、ヨーゼフ・フラベ、ルートヴィヒ・マノリーアドルフ・ミシェクを含むチェコの地域が生まれました。シマンドルとフラベも教育学者であり、その方法論の本と研究は2000年代に使用され続けています。

1900年代–現在

20世紀初頭のコントラバスの主役は、ボストン交響楽団の指揮者として最もよく知られているセルゲイ・クーセビツキーでした。彼は現代でコントラバスをソロ楽器として普及させました。スチール弦によるコントラバスの改良とセットアップの改善により、ベースはこれまでになく高度なレベルで演奏されるようになり、ますます多くの作曲家がコントラバスの作品を書いています。世紀半ばからその後の数十年間に、ニコス・スカルコッタスの協奏曲(1942)、エドゥアルド・トゥビンの協奏曲(1948)、ラーシュ・エリク・ラーソンの協奏曲(1957)など、多くの新しい協奏曲がコントラバスのために作曲されました。 ガンサー・シュラーの協奏曲(1962)、ハンス・ヴェルナー・ヘンツェの協奏曲(1966年)とフランク・プロトの協奏曲第1番(1968年)。

コントラバスのためのソロは、ジョン・ケージのピアノとオーケストラのためのコンサートの一部であり、ソロとして、またはオーケストラやピアノの両方の他の部分と一緒に演奏することができます。同様に、オーケストラ作品AtlasEclipticalisの彼のソロコントラバスパートもソロとして演奏できます。バリエーションIバリエーションIIフォンタナミックスカートリッジミュージックなどのケージの不確定な作品ソロコントラバス奏者のために手配することができます。弦楽器奏者のための彼の作品26.1.1499は、多くの場合、ソロのコントラバス奏者によって実現されますが、バイオリニスト、バイオリスト、またはチェロ奏者によって演奏されることもあります。

1960年代から世紀の終わりまで、ゲーリー・カーはソロ楽器としてのコントラバスの主要な支持者であり、彼のために特別に書かれた何百もの新作や協奏曲の試運転や演奏に積極的でした。カーは、オルガ・クーセビツキーからクーセビツキーの有名なソロコントラバスを与えられ、40年間世界中のコンサートで演奏し、その後、才能のあるソリストがコンサートで使用するための楽器を国際ベーシスト協会に提供しました。この時期のもう1つの重要なパフォーマーであるバートラム・トゥレツキーは、300以上のコントラバス作品を委託して初演しました。

セルゲイ・クーセビツキーは、現代のコントラバスをソロ楽器として普及させました。

1970年代、1980年、1990年代の新しい協奏曲には、ニノロタのダブルベースとオーケストラのためのディヴェルティメント(1973)、アランリドウトのダブルベースと弦楽のための協奏曲(1974)、ジャンフランセの協奏曲(1975)、フランクプロトが含まれていました。の協奏曲第2番、エイノジュハニ・ラウタヴァーラの夕暮れの天使(1980)、ジャン・カルロ・メノッティの協奏曲(1983)、クリストファー・ラウズの協奏曲(1985)、ヘンリー・ブラントのゴースト・ネット(1988)、フランク・プロト■「ダブルベースとオーケストラのためのカルメンファンタジー」(1991)と「ピカソ後の4つのシーン」協奏曲第3番(1997)。ピーターマクスウェルデイビスコントラバスとオーケストラのため の叙情的なストラスクライド協奏曲第7番は、1992年にさかのぼります。

21世紀の最初の10年間、新しい協奏曲には、フランク・プロトの「パガニーニの9つの変奏曲」(2002年)、カレヴィ・アホの協奏曲(2005年)、ジョン・ハービソンコントラバス・ヴィオラ協奏曲(2006年)、アンドレ・プレヴィンが含まれます。 ■ヴァイオリン、コントラバス、オーケストラのためのダブル協奏曲(2007)と、コントラバス、ヴィオラ、弦楽のためのジョン・ウールリッチの「銀の弓へ」 (2014)。

レインゴリト・グリエールは、コントラバスとピアノのために間奏曲とタランテラを書いた。9、1番と2番、コントラバスとピアノのための前奏曲とスケルツォ、オペアンプ。32 No.1とNo.2。パウル・ヒンデミットは1949年にリズミカルに挑戦的なコントラバスソナタを書きました。フランクプロトはコントラバスとピアノのために彼のソナタ「1963」を書きました。ソビエト連邦では、ミェチスワフ・ワインベルク1971年にコントラバスソロのためにソナタ第1番を書きまし。コントラバス、コントラバス、トゥバなど。ヴィンセント・パーシケッティ彼が「たとえ話」と呼んだソロ作品を多くの楽器のために書いた。彼はコントラバスのためのたとえ話XVIIを書いた。ソフィア・グバイドゥリナ1975年にコントラバスとピアノのためにソナタを書きました。1976年にアメリカのミニマリスト作曲家トム・ジョンソンは「失敗-ソロ弦ベースにとって非常に難しい曲」を書きました。低音と同時に、曲がどれほど難しいか、そして間違いなく演奏を成功させる可能性がどれほど低いかを示すテキストを引用します。

1977年、オランダとハンガリーの作曲家Geza Fridは、スコルダトゥーラのコントラバスと弦楽オーケストラのために、サンサーンスル・カルナヴァル・デ・アニモー象のバリエーションのセットを書きました。1987年にローウェルリーバーマンはコントラバスとピアノ作品のために彼のソナタを書いた。24.フェルナンド・グリロがコントラバス用の「スイートNo.1」を書いた(1983/2005)。ジェイコブ・ドラックマンは、バレンタインというタイトルのソロコントラバスの作品を書きましたアメリカのコントラバスソリスト兼作曲家バートラム・トゥレツキー(1933年生まれ)彼によって、そして彼のために書かれた300以上の作品を演奏し、録音しました。彼は室内楽、バロック音楽、クラシック、ジャズ、ルネサンス音楽、即興音楽、世界音楽を書いています

米国のミニマリスト作曲家フィリップグラスは、ティンパニとコントラバスで得点した低音域に焦点を当てた前奏曲を書きました。イタリアの作曲家シルヴァーノ・ブッソッティは、1930年代から21世紀の最初の10年間に渡って作曲家として活躍し、1983年にコントラバスごとにネイキッドエンジェルフェイスというタイトルのベースのソロ作品を書きました。イタリアの作曲家フランコ・ドナトーニは、同じ年にコントラバスのためにレムと呼ばれる作品を書きました。1989年、フランスの作曲家パスカル・デュサパン(1955年生まれ)は、コントラバスのためにIn etOutというソロ曲を書きました1996年、ソルボンヌの訓練を受けたレバノンの作曲家、カリム・ハダドが作曲しましたラジオフランスのプレゼンスフェスティバルのCequi dortdansl'ombresacrée (「神聖な影で眠る彼」)。ルノーガルシアフォンス(1962年生まれ)はフランスのコントラバス奏者兼作曲家であり、オリエンタルベース(1997) のような彼の作品の録音にジャズ、フォーク、アジアの音楽を取り入れたことで有名です。

ソロベース用に書かれた最近の重要な2つの作品には、コントラバスと電子音用のマリオダヴィドフスキーのシンクロニズムNo.11と、コントラバス用のエリオットカーターのフィグメントIIIがあります。ドイツの作曲家ゲルハルト・ステイブラーは、Co-wie Kobalt(1989–90)に、「...コントラバスのソロとグランドオーケストラのための音楽」を書いています。チャールズ・ウォリネンは、コントラバス、ヴァイオリン、コンガドラム用のスピンオフトリオ、コントラバス、トゥバ、バストロンボーン用のトリオ、そして2007年にSynaxisにいくつかの重要な作品を追加しました。コントラバス、ホルン、オーボエ、クラリネットとティンパニと弦楽器用。ウクライナの作曲家アレクサンドル・シェチンスキーによるコントラバスとピアノのためのスイート「セブンスクリーンショット」(2005)には、多くの型破りな演奏方法を含むソロベースパートがあります。ドイツの作曲家クラウス・キューンルは、コントラバスとピアノのためにOffene Weite / Open Expanse(1998)とNachtschwarzes Meer、 ringsum (2005)を書きました。オーケストラ」、トロント交響楽団サスカトゥーン交響楽団と共演した曲、そして、小さなオーケストラのためのバージョンでは、ノバスコシア交響楽団と[29]作曲家のレイモンド・リューデケは、パブロ・ネルーダのテキストによるナレーション「The Book of Questions」で、コントラバス、フルート、ビオラの作品も作曲しました。[30]

2004年、イタリアのコントラバス奏者兼作曲家のステファノスコダニッビオは、ルチアーノベリオの2002年のソロチェロ作品SequenzaXIVのダブルベースアレンジを新しいタイトルSequenzaXIVbで行いました。

コントラバスの室内楽

コントラバスを含む確立された器楽アンサンブルがないため、室内楽での使用は、弦楽四重奏ピアノ三重奏曲などのアンサンブルの文献ほど網羅的ではありませんでした。それにもかかわらず、小アンサンブルと大アンサンブルの両方にコントラバスを組み込んだ 室内楽作品はかなりの数あります。

ピアノ五重奏曲のために書かれた、ピアノ、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバスの楽器を使った小さな作品があります。最も有名なのは、シューベルトのの第4楽章のバリエーションのセットで「トラウト五重奏曲」として知られる、メジャーのフランツ・シューベルトのピアノ五重奏曲です。ほぼ同じ時期に書かれたこの楽器の他の作品には、ヨハン・ネポムク・フンメルジョージ・オンスローヤン・ラディスラフ・デュセックルイーズ・ファランクフェルディナント・リースフランツ・リマーヨハン・バプテスト・クラマーヘルマン・ゲッツの作品が含まれますこの五重奏のための室内楽作品を書いた後の作曲家には、ラルフ・ヴォーン・ウィリアムズコリン・マシューズジョン・デアークフランク・プロトジョン・ウールリッチが含まれます。ピアノ、弦楽四重奏、コントラバス用に書かれた少し大きいセクステットは、フェリックスメンデルスゾーンミハイルグリンカリチャードウェルニックチャールズアイブスによって書かれました。

弦楽五重奏のジャンルでは、コントラバスの弦楽四重奏のための作品がいくつかあります。アントニン・ドヴォルザークの弦楽四重奏曲Op.77とヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトのGメジャーのセレナーデK.525(「アイネ・クライネ・ナハトムジーク」)は、ミゲル・デル・アギラの作品とともに、このレパートリーで最も人気のある作品です。弦楽四重奏と低音のノスタルジカ)、ダリウス・ミヨールイジ・ボッケリーニ(3五重奏)、ハロルド・シャペロパウル・ヒンデミットもう1つの例は、アリスターヒントンの弦楽五重奏曲(1969–77)で、ソロソプラノの主要部分も含まれています。ほぼ170分の長さで、それはほぼ間違いなくレパートリーの中で最大のそのような作品です。

コントラバスを使った少し小さい弦楽器には、ジョアキーノロッシーニによる6本の弦ソナタが含まれます。2つのヴァイオリン、チェロ、1804年の3日間で12歳で書かれたコントラバスです。これらは彼の最も有名な楽器作品であり、ウィンドカルテットに適合しています。フランツ・アントン・ホフマイスターは、ソロコントラバス、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロの4つの弦楽四重奏曲をニ長調で書きました。フランク・プロトは、ヴァイオリン、ヴィオラ、コントラバスのトリオ(1974)、ヴァイオリンとコントラバスの2つのデュオ(1967年と2005年)、オーボエ/イングリッシュホーンとコントラバス の10月のゲーム(1991年)を書いています。

コントラバスを取り入れたより大きな作品には、ベートーベンの七重奏曲E メジャー、オペアンプが含まれます。20、彼の生涯で最も有名な作品の1つで、クラリネット、ホルン、ファゴット、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、ベースで構成されています。クラリネット奏者のフェルディナンド・トロイヤーがフランツ・シューベルトに同様の部隊の作品を依頼したとき、彼はFメジャーの八重奏曲D.803にもう1つのヴァイオリンを追加しました。パウル・ヒンデミットはシューベルトと同じ楽器を自分のオクテットに使用しました。さらに大きな作品の領域では、モーツァルトは彼の「グランパルティータ」セレナーデ、K.361ために12の管楽器に加えてコントラバスを含め、マルティンは彼のノネットでコントラバスを使用しました木管五重奏曲、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス用。

混合アンサンブルでコントラバスを使用する室内楽作品の他の例には、セルゲイ・プロコフィエフの五重奏曲Gマイナー、オペアンプが含まれます。オーボエ、クラリネット、バイオリン、ビオラ、コントラバスの場合は39。ミゲル・デル・アギラのバスフルートとピアノ、弦楽四重奏、ベース、ファゴット用マランボ。フルート/ピッコロ、ビオラ、コントラバスのためのエルヴィン・シュルホフのコンチェルティーノ。フランク・プロトのバスクラリネット、チェロ、コントラバス、ナレーター用のアフリカ系アメリカ人の断片と、クラリネットと弦用のセクステット。フレッド・レーダールのヴァイオリン、ビオラ、チェロ、コントラバス用のワルツ。コントラバスとウィンドカルテットのためのモハメッドフェアロウズの連祷。マリオ・ダヴィドフスキーギター、ビオラ、チェロ、コントラバス用のフェスティーノ。ヤニス・クセナキスのモルシマ-ピアノ、ヴァイオリン、チェロ、コントラバス用のアモルシマ。Time forThreeやPROJECTTrioなどのコントラバスを利用した新しい音楽アンサンブルもあります

オーケストラのパッセージとソロ


\ newスコア{#(set-default-paper-size "b6")\ new Staff {\ relative c、{\ set Staff.midiInstrument =# "cello" \ time 3/4 \ key c \ minor \ clef "bass_8 "\ omit Staff.ClefModifier \ Tempo 4 = 240 \ omit Score.MetronomeMark \ partial 4 g ^ \ markup {\ halign#-0.5 \ bold" Allegro "}(\ pp | c ees g | c2 ees4 | d2 fis、4 )|  g2。〜 |  g2。 }}}
ベートーベンの交響曲第5番の第3楽章のオープニングは、低音のオーディション中にオーケストラの抜粋としてよく使用されます。

バロック時代とクラシック時代には、作曲家は通常、オーケストラのパッセージでコントラバスのチェロパートを2倍にしました。注目すべき例外は、交響曲第6番ル・マティン、第7番ル・ミディ、第8番ル・ソワール、第31番ホーン・シグナル、第45番別れでコントラバスのソロパッセージを作曲したハイドンです。ベースとチェロのパートをグループ化しました。ベートーベンは、ロマン派の時代に一般的になったコントラバスのパートを分離する道を開いた。ベートーベンの第5交響曲スケルツォトリオ、オーケストラの有名な抜粋であり、第4楽章の冒頭のレチタティーヴォも同様です。ベートーベンの交響曲第9番多くの19世紀の交響曲や協奏曲では、ベースとチェロのパートを分けることの典型的な影響は、ベースのパートがよりシンプルになり、チェロのパートがメロディックなラインと迅速な通過作業を獲得したことでした。[要出典]

現代のオーケストラのコントラバスセクションでは、通常、8人のコントラバス奏者が一斉に使用します。小規模なオーケストラには4つのコントラバスがあり、例外的なケースでは、ベースセクションに10人ものメンバーがいる場合があります。一部のコントラバス奏者が低Cのエクステンションを持ち、一部のダブルベーシストが通常の(低E)ベースを持っている場合、低Cのベーシストは、通常のコントラバスより1オクターブ下のパッセージを演奏することがあります。また、一部の作曲家はベース用に分割された(分割された)パートを作成します。音楽の上部と下部は、多くの場合、「外部」(聴衆の近く)と「内部」のプレーヤーに割り当てられます。低音のディビジパートを書く作曲家は、オクターブや5度などの 完全な音程を書くことがよくありますが、場合によっては3度と6度を使用します。


\ layout {indent = 0 ragged-right = ## t} \ new Score {#(set-default-paper-size "b6")\ new Staff {\ relative c、{\ set Staff.midiInstrument =# "cello" \ set Score.currentBarNumber =#92 \ time 4/4 \ key d \ major \ clef "bass_8" \ omit Staff.ClefModifier \ Tempo 2 = 60 \ omit Score.MetronomeMark \ bar "" fis2 \ p ^ \ markup {\ halign#-0.5 \ bold "Allegro assai"}(g4 a)|  a4(g fis e)|  d2(e4 fis)|  fis4。(e8)e2 |  \ break fis2(g4 a)|  a4(g fis e)|  d2(e4 fis)|  e4。(d8)d2}}}}

ベースはベートーベンの交響曲第9番の第4楽章のテーマを演奏します。

コンポジションがソロベースパートを必要とする場合、プリンシパルベースは常にそのパートを演奏します。セクションリーダー(またはプリンシパル)も、コンサートマスターが設定したお辞儀に基づいてお辞儀を決定します。場合によっては、ベースを演奏する要件に対応するために、プリンシパルベースがコンサートマスターとは少し異なるお辞儀を使用することがあります。主な低音はまた、低音セクションの入口を導きます。通常、入口の前で弓を持ち上げるか、手を引っ張るか、頭で入口を示すことによって、セクションが一緒に始まるようにします。主要なプロのオーケストラには通常、アシスタントのプリンシパルベースプレーヤーがいます。このプレーヤーは、ソロを演奏し、プリンシパルが不在の場合はベースセクションをリードします。

オーケストラのベースソロはややまれですが、いくつかの注目すべき例があります。父親がコントラバス奏者だったヨハネス・ブラームスは、交響曲の中でコントラバスのために多くの困難で目立つ部分を書きました。リヒャルト・シュトラウスはコントラバスの大胆なパートを割り当て、彼の交響詩とオペラは楽器を限界まで伸ばします。カミーユ・サン=サーンスの「動物の謝肉祭」の「象」はコントラバスの風刺的な肖像画であり、アメリカの名手ゲーリー・カーがニューヨーク・フィルハーモニックで「白鳥」(元々はチェロのために書かれた)を演奏してテレビデビューしました。レナード・バーンスタインが指揮の第3楽章グスタフ・マーラー最初の交響曲は、童謡フレール・ジャックを短調に移調したコントラバスのソロを特徴としています。セルゲイ・プロコフィエフキージェ中尉組曲は、「ロマンス」ムーブメントで難しい、非常に高いコントラバスソロを特徴としています。ベンジャミン・ブリテンの 『オーケストラへの若者のガイド』には、コントラバスセクションの目立つ一節が含まれています。

コントラバスアンサンブル

比較的まれではありますが、完全にコントラバスで構成されたアンサンブルも存在し、いくつかの作曲家がそのようなアンサンブルを作成または編曲しています。ガンサー・シュラージェイコブ・ドラックマン、ジェームズ・テニークラウス・キューンル、ロバート・シーリー、ヤン・アルム、ベルンハルト・アルト、ノーマン・ラドウィン、フランク・プロト、ヨーゼフ・ローバー、エーリヒ・ハルトマンコリン・ブランビー、ミロスラフ・ガジドス、セオドア・アルビン・フィンデイセンによる4つのコントラバスの作曲がありますロシア国立管弦楽団から委託されたデビッド・A・ジャッフェの「一塁手は誰だ?」[31]は、5つのコントラバスで得点されます。ベルトルト・フンメル8つのコントラバス用のシンフォニアピッコラ[32]より大きなアンサンブル作品には、ガリーナ・ウストヴォルスカヤの作曲第2番「コントラバス、ピアノ、木製の立方体」(1973年)、ホセ・セレブリエールの「ジョージとムリエル」(1986年)、コントラバス、ダブルが含まれます。ベースアンサンブル、コーラス、そしてゲルハルトサミュエルのWhat of my music!(1979)、ソプラノ、パーカッション、および30のコントラバス用。

コントラバスアンサンブルには、L'Orchestre de Contrebasses(6人のメンバー)、[33] Bass Instinct(6人のメンバー)、[34] Bassiona Amorosa(6人のメンバー)、[35] Chicago Bass Ensemble(4人以上のメンバー)、[36] が含まれます。 DanieleRoccatoとStefanoScodanibbioによって設立されたLudusGravis 、The Bass Gang(4人のメンバー)、[37] LPを制作したロンドンのPhilharmoniaOrchestraのメンバーによって設立されたLondonDouble Bass Ensemble(6人のメンバー)[ 38 ] Music Interludes by Londonブルートンミュージックレコードのコントラバスアンサンブル、コントラバス教授によって設立されたブルノコントラバスオーケストラ(14人のメンバー)JanáčekAcademyofMusicand Performing Artsとブルノフィルハーモニー管弦楽団の主なコントラバス奏者– Miloslav Jelinek、およびボール州立大学(12名)、シェナンドア大学ハート音楽学校のアンサンブル。テキサス州アマリロのアマリロベースベースには、かつて52人のコントラバス奏者が出演し[39] [40]、CalaRecordsでCDをリリースしたロンドンのコントラバスサウンドには10人のプレーヤーがいます。[41]

さらに、シカゴ交響楽団のローワーワッカーコンソートなど、一部のオーケストラのコントラバスセクションはアンサンブルとして機能します。[42]コントラバスアンサンブルの出版された作曲と編曲の数が増えており、国際ベーシスト協会は定期的にその会議やスポンサーでコントラバスアンサンブル(小さいアンサンブルと非常に大きい「マスベース」アンサンブルの両方)を特集しています。コントラバスアンサンブル作品の部門を含む隔年のデビッドウォルター作曲コンクール。

ジャズで使う

1890年頃から、初期のニューオーリンズのジャズアンサンブル(マーチ、ラグタイムディキシーランドの混合演奏)は、当初はチューバまたはスーザフォン(または場合によってはベースサックス)がベースラインを供給するマーチングバンドでした。音楽がバーや売春宿に移るにつれて、1920年代頃に直立したベースが徐々にこれらの管楽器に取って代わりました。[43]初期のベーシストの多くは、金管楽器(チューバ弦楽器の両方でコントラバスを使用していました。ベーシストは即興の「ウォーキング」ベースラインを演奏しました—コード進行の輪郭を描いたスケールベースおよびアルペジオベースのライン

増幅されていないアップライトベースは一般にジャズバンドで最も静かな楽器であるため、1920年代と1930年代の多くのプレーヤーはスラップスタイルを使用し、弦を叩いたり引っ張ったりして、指板に対してリズミカルな「スラップ」サウンドを生成しました。スラップスタイルは、単に弦を弾くよりもバンドの音をカットし、当時の録音機器は低周波数を好まなかったため、初期の録音で低音を聞き取りやすくしました。[44]スラップスタイルの詳細については、以下の「モダンなプレイスタイル」を参照してください。

ジャズベーシストのチャールズミンガスは、影響力のあるバンドリーダー兼作曲家でもあり、その音楽的関心はビバップからフリージャズにまで及びました。

ジャズベーシストは、特定のコード進行に対して伴奏ラインまたはソロを即興で演奏することが期待されています。彼らはまた、さまざまなスタイル(アフロキューバなど)に適したリズミカルなパターンを知っていることが期待されます。ビッグバンドで演奏するベーシストは、一部のアレンジメントではベースパートが書き込まれているため、書き込まれたベースラインも読み取れる必要があります。

多くの直立したベーシストがジャズの進化に貢献してきました。例としては、デューク・エリントン共演したジミー・ブラントンや、ビバップでの楽器の使用を開拓したオスカー・ペティフォードなどのスウィング時代のプレーヤーが含まれます。ポール・チェンバース(有名なカインド・オブ・ブルーのアルバムでマイルス・デイビスと協力した)は、弓でビバップのソロを演奏した最初のジャズベーシストの1人として有名になりました。テリー・プルメリはアルコ(曲がった)ソロの開発を促進し、ホーンのような技術的自由と明確なボーカルの曲がった音色を実現しました。一方、チャーリー・ヘイデンはオーネット・コールマンとの仕事で最もよく知られています。フリージャズのベースの役割を定義しました。

レイ・ブラウンスラム・スチュアートニールス・ヘニング・オルステド・ペダーセンなど、他の多くのベーシストがジャズの歴史の中心でした。ベボッパーに人気のあるスチュワートは、オクターブハミングと組み合わせた弓でソロを演奏しました。特に、チャールズ・ミンガスは、彼の技術的な才能と力強いサウンドで有名なベーシストであると同時に、高く評価されている作曲家でもありました。[45] スコット・ラファロは、インタラクティブで会話的なメロディーを好む代わりに、ソリストの後ろで対位法による「ウォーキング」からベースを解放することによって、世代のミュージシャンに影響を与えました。[46]ベースアンプの市販以来1950年代、ジャズベーシストは増幅を使用して楽器の自然な音量を増強しました。

エレキベースギターは早くも1951年にジャズで断続的に使用されていましたが、1970年代からベーシストのボブクランショウがサクソフォニストのソニーロリンズと共演し、フュージョンのパイオニアであるジャコパストリアススタンリークラークが一般的にベースギターをアップライトベースに置き換え始めました。ジャズフュージョンとラテンの影響を受けたジャズのジャズスタイルを除けば、直立したベースは依然としてジャズの主要なベース楽器です。撥弦楽器のベースの音と音色は、フレットベースのギターとは異なります。直立したベースは、弦が金属フレットで止められていないため、ベースギターとは異なるサウンドを生成します代わりに、途切れのない指板に連続した音域があります。同様に、ベースギターは通常、無垢材のボディを備えています。つまり、直立したベースの音響残響ではなく、弦の振動を電子的に増幅することによってサウンドが生成されます。

ソロのコントラバスの音とジャズでのその技術的使用の実例は、デイブ・ホランドのエメラルド・ティアーズ(1978)またはミロスラフ・ヴィトウスのエマージェンス(1986)で聞くことができますオランダはまた、代表的なタイトルであるMusic from Two Basses(1971)のアルバムを録音し、バレ・フィリップスと共演し、チェロに切り替えることもあります。

ブルーグラスとカントリーでの使用

弦楽器はブルーグラス音楽で最も一般的に使用されるベース楽器であり、ほとんどの場合引き抜かれますが、現代のブルーグラスベーシストの中には弓を使用している人もいます。ブルーグラスのベーシストはリズムセクションの一部であり、速いか遅いかにかかわらず、安定したビートを維持する責任があります。4
4
2
4
また3
4
時間。低音はまた、コード進行とハーモニーを維持します。Engelhardt-Link(以前のKay)ブランドの合板ラミネートベースは、ブルーグラスベーシストに長い間人気がありました。ほとんどのブルーグラスベーシストは3⁄4サイズのベースを使用しますが、フルサイズと5⁄8サイズベースも使用されます

ブルーグラスグループが使用するアップライトベース。圧電ピックアップ用のケーブルがブリッジから伸びているのが見えます。

初期のブルーグラス以前の伝統音楽は、しばしばチェロを伴っていました。チェリストのナタリー・ハースは、アメリカでは「...チェロを使ったアメリカの弦楽器バンドの古い写真、さらには古い録音」を見つけることができると指摘しています。しかし、「チェロはフォークミュージックでは見えなくなり、オーケストラと結びつくようになりました。」[47]チェロは、1990年代と21世紀の最初の10年までブルーグラスに再出現しなかった。現代のブルーグラスバンドの中には、大きくてやや壊れやすい直立したベースよりも持ち運びが簡単なため、エレクトリックベースを好むものがあります。ただし、ベースギターの音楽的な音は異なります。多くのミュージシャンは、アタックが遅く、アップライトベースのパーカッシブでウッディなトーンがエレクトリックベースよりも「素朴な」または「自然な」サウンドを与えると感じています。

ブルーグラスのベーシストの一般的なリズムには、(いくつかの例外を除いて)ビート1と3のプラッキングが含まれます。4
4
時間; で1と2を打ちます2
4
時間、そしてダウンビートで3
4
時間(ワルツ時間)。ブルーグラスのベースラインは通常シンプルで、通常、曲の大部分で各コードのルートと5番目に留まります。この規則には2つの主な例外があります。ブルーグラスのベーシストは、ダイアトニックウォークアップまたはウォークダウンを行うことがよくありますこの場合通常、コードが変更されたときに、1小節または2小節のすべてのビートを演奏します。さらに、ベーシストにソロが与えられた場合、ビートごとに音符 のあるウォーキングベースラインを演奏したり、ペンタトニックスケールの影響を受けたベースラインを演奏したりできます。

2008年にオクラホマ州ポンカシティで演奏するカントリーミュージックのベーシスト「TooSlim」(ライダーズインザスカイのフレッド労働者

初期のブルーグラスベーシストは、1944年からビルモンローのブルーグラスボーイズと共演したハワードワッツ(セドリックレインウォーターとも呼ばれます)でした。 [48]古典的なベーシスト、エドガーメイヤーは頻繁にニューグラスに分岐しました。時間、ジャズ、その他のジャンル。「私の一番のお気に入りはトッド・フィリップスです」、2005年4月にユニオンステーションのベーシスト、バリー・ベールスを宣言しました。「彼はブルーグラスについてまったく異なる考え方と演奏をもたらしました。[49]

直立したベースは、伝統的なカントリーウエスタンミュージックの標準的なベース楽器でした直立したベースはまだカントリーミュージックで時々使用されますが、エレクトリックベースはカントリーミュージックの大きないとこに取って代わりました。特に、新しい国など、1990年代と2000年代のよりポップなカントリースタイルではそうです。

スラップスタイルのベース

ブルーグラスベースの演奏では、スラップスタイルのベースが使用されることがあります。ブルーグラスのベーシストが指板に当たるまで、または指板に弦を当たるまで弦を引っ張って叩くと、低音のベース音に高音のパーカッシブな「カチカチ」または「平手打ち」の音が追加されます。タップダンサーの割れ目。平手打ちは、ブルーグラスのシーンで小さな論争の的となっています。マイク・バブのような平手打ちの専門家でさえ、「すべてのギグを平手打ちしないでください」とか、それが適切でない曲で言います。同様に、ライブショーでスラップスタイルを演奏するブルーグラスベーシストは、レコードでのスラップが少ないことがよくあります。バブと彼のメンターであるジェリー・マクーリーは、レコーディングでスラップベースを演奏することはめったにありません。ジャック・クックなどのベーシストが時折速い「クリンチ・マウンテン・ボーイズ・ソング」でベースを叩きながら、ミッシー・レインズ、ジェニー・キール、バリー・ベールス[めったに]スラップベース。[50]

中級ブルーグラスベースDVDでスラップベースを教えているブルーグラスベーシストのマークシャッツは、スラップベースは「私が録音した音楽ではスタイリスト的にあまり支配的ではなかった」と認めています。彼は、「伝統的なブルーグラスのスラップベースでさえ散発的にしか現れず、私がしたことのほとんどはそのより現代的な側面にありました(トニーライス、ティムオブライエン)」と述べています。シャッツは、「...レコーディングよりもライブの状況で使用する可能性が高い」と述べています。ソロの場合や、誰かのソロを消し去ることのない曲や曲の特定の場所に句読点を付ける場合です。 "。[51]アール・ゲートリーによる別のブルーグラスの方法である「ブルーグラス・ベースの演奏を学ぶ」も、ブルーグラスのスラップ・ベースのテクニックを教えています。このビデオで示されているように、急速なトリプレットスラップを再生します。[52]

ポピュラー音楽での使用

1950年代初頭、アップライトベースはロックンロール音楽の新しいスタイルの標準的なベース楽器でした。ビルヘイリー&ヒズコメッツのマーシャルライトルはほんの一例です。1940年代に、リズムアンドブルースと呼ばれる新しいスタイルのダンスミュージックが開発され、以前のスタイルのブルースとスイングの要素が組み込まれました。このスタイルの最初のイノベーターであるルイ・ジョーダンは、彼のグループであるティンパニ・ファイブのアップライトベースをフィーチャーしました。[53]

ロックンロールの新しいジャンルは主にリズムアンドブルースのモデルに基づいて構築されており、ジャズ、カントリー、ブルーグラスからも強い要素が派生しているため、アップライトベースは1950年代を通じてポップラインナップの不可欠な部分であり続けました。しかし、これらの状況で楽器を使用する直立したベーシストは、固有の問題に直面していました。彼らはより大きなホーン楽器(そして後に増幅されたエレキギター)と競争することを余儀なくされ、ベースパートを聞き取りにくくしました。直立した低音は、フィードバックの 遠吠えを起こしやすいため、大音量のコンサート会場の設定では増幅するのが困難です。[54]また、アップライトベースは大きくて輸送が難しいため、バンドのツアーで輸送上の問題が発生しました。一部のグループでは、スラップベースがドラマーの代わりにバンドパーカッションとして利用されていました。ビル・ヘイリー&ヒズ・サドルメン(コメッツの前身グループ)の場合は、1952年後半までレコーディングやライブパフォーマンスにドラマーを使用していませんでした。これ以前は、スラップベースはパーカッションに依存していました。これには、ヘイリーのバージョンの「ロックザジョイント」や「ロケット88」などのレコーディングも含まれます。[55]

1951年、レオフェンダーは、商業的に成功した最初のエレクトリックベースギターであるプレシジョンベースをリリースしました。[56]エレクトリックベースは、内蔵の磁気ピックアップで簡単に増幅でき、持ち運びが簡単で(エレキギターより1フィート未満長い)、金属製のフレットのおかげで、アップライトベースよりもチューニングが簡単です。1960年代と1970年代には、バンドはより大きな音量で演奏し、より大きな会場で演奏していました。エレクトリックベースは、この時代のポップスやロックミュージックが要求する巨大で高度に増幅されたスタジアムを埋め尽くすベーストーンを提供することができ、アップライトベースはポピュラー音楽シーンの脚光を浴びることから後退しました。

ベーシストのミロスラフ・ヴィトウスの写真:

直立したベースは、ルーツロックアメリカーナのトレンドの一部として、以前の形式のフォークやカントリーミュージックへの新たな関心もあって、1980年代半ばにポピュラー音楽で復活し始めました。1990年代には、電気音響の水平および直立ベースのピックアップとアンプの設計が改善され、ベーシストはアコースティック楽器から優れたクリアな増幅音を簡単に得ることができました。ベアネイキッド・レディースのように、一部の人気バンドは、エレクトリックベースではなくアップライトベースでサウンドを固定することにしましたロックバンドがアコースティック楽器のみで演奏するMTVでの「プラグを抜かれた」演奏の傾向は、直立したベースとアコースティックベースギター

2009年のショーで撮影されたベアネイキッドレディースのジムクリーガン

BarenakedLadiesのJimCreeggan主にアップライトベースを演奏しますが、バンドのキャリアを通じてベースギターを演奏する機会が増えています。オルタナティブロックグループOwlのChrisWyseは、エレクトリックベースとコントラバスの組み合わせを使用しています。オーストラリアのフォーク/ポップグループTheSeekersのAtholGuyは、アップライトベースを演奏します。オーストラリアのフォークロックグループであるジョンバトラートリオのシャノンバーチャール[57]は、アップライトベースを多用し、ベターマンなどの曲で拡張ライブソロを演奏しています。インディー/ポップバンドDepartmentofEaglesによる2008年のアルバムInEar Park、「Teenagers」と「InEarPark」の曲では擦弦楽器のベースが非常に目立つようにフィーチャーされています。ノルウェーのオンパロックバンドKaizersOrchestraは、ライブとレコーディングの両方でアップライトベースを独占的に使用しています。[58]

フランスのコンテンポラリーポップデュエット「Whataday」は、ボーカルとタイプライターを使ったコントラバスの拡張ピチカートテクニックを使用しています[59]。

ハンクウィリアムズIIIのベーシスト(特にジェイソンブラウン、ジョーバック、ザックシェッド)は、録音だけでなく、ハンクIIIのライブパフォーマンスのカントリーセットやヘルビリーセットでも、アスジャックセットのエレクトリックベースに切り替える前に、アップライトベースを使用しました。

1970年代後半、サイコビリーのロカビリーパンクのジャンルは、スラップベースのロカビリーの伝統に基づいて継続および拡張されました。キム・ネクロマンジェフ・クレッヘなどのベーシストは、ベースを打楽器に変えるラピッドスラップベースを演奏する機能を開発しました。

現代の演奏スタイル

小さなジャズギグでコントラバスを増幅するために使用される中型ベースアンプ

人気のある音楽ジャンルでは、楽器は通常増幅されて演奏され、ほとんどの場合、指、ピチカートで演奏されますスタイル。ピチカートのスタイルは、プレーヤーやジャンルによって異なります。一部のプレーヤーは、特にウォーキングベースラインやスローテンポのバラードの場合、1本、2本、または3本の指の側面で演奏します。これは、より強く、より堅実なトーンを作成することを目的としているためです。一部のプレーヤーは、指のより軽快な先端を使用して、動きの速いソロパッセージを演奏したり、静かな曲を軽く弾いたりします。アンプにはイコライゼーションコントロールがあり、ベーシストが特定の周波数(多くの場合低音周波数)を強調し、一部の周波数(多くの場合高周波数)を強調解除できるため、増幅を使用すると、プレーヤーは楽器のトーンをより細かく制御できます。指のノイズが少ないこと)。

増幅されていないアコースティックベースの音色は、楽器の中空体の周波数応答性によって制限されます。つまり、非常に低いピッチは、高いピッチほど大きくない場合があります。アンプとイコライザーデバイスを使用すると、ベーシストは低周波数をブーストでき、周波数応答が変化します。さらに、アンプを使用すると、楽器のサステインを高めることができます。これは、バラードの伴奏や、音符を保持したメロディックなソロに特に役立ちます。

伝統的なジャズ、スウィングポルカ、ロカビリー、サイコビリーの音楽では、スラップスタイルで演奏されることがあります。これは、弦がベースラインのメインノートの間で指板に「叩かれ」、スネアドラムのようなパーカッシブなサウンドを生成する、ピチカートの活発なバージョンです。メインノートは通常どおりに演奏されるか、指板から弦を引き離して指板から跳ね返るように離すと、予想されるピッチに加えて独特のパーカッシブなアタックが生成されます。注目すべきスラップスタイルのベーシストは、そのテクニックの使用がしばしば高度にシンコペーションされ、巧妙であり、ベースラインの音符の間に2、3、4、またはそれ以上のスラップを補間することがありました。

「スラップスタイル」は、60年代半ばから(特にスライ&ザファミリーストーンのラリーグラハム)、スラップアンドポップと呼ばれるテクニックを開発したエレクトリックベースギタープレーヤーに影響を与えた可能性があります弦を叩き、スラップ音を鳴らしながらも音を鳴らし、指板に当たるように弦を引き戻すために、引っ張る手のインデックスまたは中指で、上記のポップな音を実現します。モータウンのベーシストであるジェームス・ジャマーソンは、録音されたトラックのポストプロダクション(「甘味」)でエレクトリックベースを強化するためにコントラバスを日常的に使用していました。[要出典]

コントラバス

歴史的

モダン

現代(1900年代)

クラシック

コントラバスソリストのゲーリー・カー

イーストマン音楽学校で教えたことで知られる米国のベーシスト、オスカーG.ジマーマン(1910〜 1987年)など、最も影響力のある現代のクラシックコントラバス奏者の中には、演奏スキルだけでなく教育への貢献でも知られています。 、ミシガン州のインターロッケン国立音楽キ​​ャンプでの44の夏と、指板全体を6つの位置に分割する新しいベースメソッドを開発したフランスのベーシストFrançoisRabbath(1931年生まれ)。名手ソロスキルで有名なベーシストには、アメリカの教育者でパフォーマーのゲーリーカー(1941年生まれ)、フィンランドの作曲家テッポハウタアホが含まれます。(1941年生まれ)、イタリアの作曲家フェルナンドグリロ、米国の作曲家エドガーメイヤーより長いリストについては、現代のクラシックコントラバスプレーヤーのリストを参照してください。

ジャズ

1940年代から1950年代の著名なジャズベーシストには、ベーシストのジミーブラントン(1918〜1942)が含まれ、デュークエリントンスウィングバンドでの短い在職期間(結核による彼の死により短縮された)により、楽器に新しいメロディックでハーモニックなソロのアイデアがもたらされました。ベーシストのレイ・ブラウン(1926–2002)は、ベボッパーズのディジー・ガレスピーオスカー・ピーターソンアート・テイタムチャーリー・パーカーを支援し、モダン・ジャズ・カルテットを結成したことで知られています。ハードバップベーシストのロン・カーター(1937年生まれ)3,500枚のアルバムに出演し、セロニアス・モンクウェス・モンゴメリーのLPや多くのブルーノートレコードのアーティストを含む、ジャズ史上最も録音されたベーシストの1人になりました。マイルス・デイビス・クインテット(カインド・オブ・ブルーを録音した画期的なモーダル・ジャズを含む)や他の多くの1950年代と1960年代のリズム・セクションのメンバーであるポール・チェンバース(1935–1969)は、彼の巧妙な即興演奏で知られていました。

ジャズシーンの新しい「若いライオン」の1人であるクリスチャンマクブライド(1972年生まれ)は、4つのグラミー賞を受賞しています。

1960年代以降の実験的な時代、そしてフリージャズとジャズロックのフュージョンは、影響力のあるベーシストを何人か生み出しました。作曲家兼バンドリーダーでもあったチャールズ・ミンガス(1922–1979)は、ハードバップとブラックゴスペルフリージャズ、クラシック音楽を融合させた音楽を制作しました。フリージャズとポストバップのベーシスト、チャーリーヘイデン(1937〜 2014年)は、サクソフォニストのオーネットコールマンとの長い付き合いと、実験グループである1970年代の解放音楽オーケストラでの役割で最もよく知られています。ビル・エヴァンスと共演したエディ・ゴメスジョージ・ムラーツオスカー・ピーターソンはそれぞれ、ピチカートの流暢さとメロディックなフレージングへの期待をさらに高めたと認められています。フュージョンの名手スタンリー・クラーク(1951年生まれ)は、アップライトベースとエレクトリックベースの両方での器用さで有名です。テリー・プルメリは、ホーンのようなアルコの流暢さとボーカルの響きで有名です。

1990年代と21世紀の最初の10年間に、新しい「若いライオン」の1人はクリスチャンマクブライド1972生まれ)でした。 2003年のVerticalVisionなどのアルバムをリリースしています。もう1人の若いベーシストは、27歳ですでにグラミー賞の最優秀新人アーティストを 獲得したエスペランサスポルディング(1984年生まれ)です。

その他の人気ジャンル

有名なクラシックプレーヤーであることに加えて、エドガーメイヤーはブルーグラスニューグラスのサークルでよく知られています。トッドフィリップスは別の著名なブルーグラスプレーヤーです。有名なロカビリーベーシストには、ビルブラックマーシャルライトルビルヘイリー&ヒズコメッツ)、リーロッカー(1980年代のロカビリーリバイバルのストレイキャッツ)が含まれます。

1990年代と21世紀の最初の10年間の著名なロカビリーの復活主義者とサイコビリーのパフォーマーには、スコットオーウェン(オーストラリアのバンドThe Living End)、ジンボウォレス(米国のバンドReverend Horton Heat)、キムネクロマンネクロマンティクス)、パトリシアデイHorrorPops)、Geoff KresgeTiger Army、元AFI)。ウィリー・ディクソン(1915–1992)は、リズムアンドブルースの歴史の中で最も著名な人物の1人でした。直立したベーシストであることに加えて、彼は数十のR&Bヒットを書き、プロデューサーとして働いていました。彼はまた、チャック・ベリーのロックンロールのヒット曲でベースを弾いています。El Rio Trio(オランダ出身)のような他の多くのロカビリーバンドも、この楽器を仕事に使用しています。ポピュラー音楽のコントラバス奏者のリストも参照してください

教育学とトレーニング

コントラバスの教授法とトレーニングは、ジャンルや国によって大きく異なります。古典的なコントラバスには、数世紀前にさかのぼる教育学の歴史があります。これには、学生が左手の持久力と正確さを発達させ、お辞儀を制御するのに役立つ指導マニュアル、研究、進歩的な演習が含まれます。古典的なトレーニング方法は国によって異なります。ヨーロッパの主要国の多くは、特定の方法に関連付けられています(たとえば、フランスのエドゥアールナニー法やドイツのフランツシマンドル法)。古典的な訓練では、右手の指導の大部分はお辞儀の音の生成に焦点を合わせています。さまざまなピチカートトーンの研究にほとんど時間を費やしていません。

対照的に、ジャズやブルースなど、主にまたは排他的にピチカート(摘採)を使用するジャンルでは、さまざまなスタイルのテンポの音楽に使用されるさまざまなピチカートスタイルの種類を学ぶことに多大な時間と労力が費やされます。たとえば、ジャズでは、意欲的なベーシストは、指の側面を使用してバラードの完全で深みのあるサウンドを作成したり、指先を使用して高速で歩くベースラインやソロを使用したりするなど、さまざまなピチカートトーンを実行する方法を学ぶ必要があります。 、ミュートまたは部分的にミュートされたストリングをレーキすることにより 、さまざまなパーカッシブなゴーストノートを演奏します。

正式なトレーニング

2009年12月10日に2009年のノーベル平和賞コンサートで演奏するジャズ歌手/ベーシストのエスペランサスポルディング

すべてのジャンルの中で、クラシックとジャズには、最も確立された包括的な指導とトレーニングのシステムがあります。古典的な環境では、子供たちは楽器のプライベートレッスンを受けたり、子供や青少年のオーケストラで演奏したりすることができます。プロのクラシックベーシストになることを目指す10代の若者は、大学、温室、大学など、さまざまな正式なトレーニング環境で勉強を続けることができます。大学は、低音のパフォーマンスの証明書と卒業証書を提供しています。

フランスとケベック(カナダ)の標準的な音楽トレーニングシステムであるコンサバトリーは、コントラバス奏者にレッスンとアマチュアオーケストラ体験を提供します。大学は、学士号、音楽修士号、音楽芸術博士号など、さまざまなコントラバスプログラムを提供しています。また、クラシックサマーキャンプやオーケストラ、オペラ、室内楽のトレーニングフェスティバルなど、さまざまなトレーニングプログラムがあり、学生はさまざまな音楽を演奏することができます。

低音パフォーマンスの学士号(B.Mus。またはBMと呼ばれる)は、個別の低音レッスン、アマチュアオーケストラの経験、および音楽史、音楽理論、およびリベラルアーツコースの一連のコースを含む4年間のプログラムです(例:英文学)、これは学生により包括的な教育を提供します。通常、ベースパフォーマンスの学生は、協奏曲、ソナタ、バロック組曲など、コントラバスのソロ音楽のリサイタルをいくつか演奏します。

コントラバス演奏の音楽修士(M.mus。)は、プライベートレッスン、アンサンブルエクスペリエンス、オーケストラコントラバスパートの演奏指導、音楽史と音楽理論の大学院コース、および1つまたは2つのソロリサイタルで構成されています。音楽の修士号(M.Mus。またはMMと呼ばれる)は、大学や温室でコントラバスの教授になりたい人にとって、しばしば必要な資格です。

マンハッタン音楽学校のティモシーコブ教授は、2000年代後半にベースレッスンを教えていました。彼のベースは、エクステンションのピッチを演奏するためのボタンを備えた金属製の「マシン」を備えた低Cエクステンションを備えています。

コントラバスのパフォーマンスの名誉音楽学博士(DMA、DMA、D.Mus.A。またはA.Mus.D.と呼ばれる)の学位は、最高の芸術的および教育的レベルで高度な研究の機会を提供し、通常は追加の54が必要です+修士号を超える単位時間(学士号を超える約30単位以上)。このため、入学は非常に選択的です。音楽史、音楽理論、耳のトレーニング/ディクテーション、および入試-リサイタルの試験が必要です。学生は、博士論文を伴う講義リサイタル、高度なコースワーク、および最小B平均を含む多数のリサイタル(約6回)を実行します。これは、DMAプログラムの他の典型的な要件です。

ジャズの初期の歴史を通して、コントラバス奏者は楽器を非公式に学ぶか、ロン・カーターやチャールズ・ミンガスの場合のように早い段階でクラシックのトレーニングを受けることから学びました。1980年代と1990年代に、大学はジャズパフォーマンスの卒業証書と学位を導入し始めました。ジャズの卒業証書または音楽学士プログラムの学生は、個別のベースレッスンを受け、経験豊富なプレーヤーからの指導を受けて小さなジャズコンボを体験し、ジャズビッグバンドで演奏します。クラシックトレーニングプログラムと同様に、ジャズプログラムには、音楽史と音楽理論のクラスルームコースも含まれます。ジャズプログラムでは、これらのコースはジャズの歴史のさまざまな時代に焦点を当てています。Swing、Bebop、fusionなど。理論コースは、ジャズの即興演奏やジャズのコンピング(伴奏)で使用される音楽スキルとジャズの曲の作曲に焦点を当てています。ジャズサマーキャンプやトレーニングフェスティバル/セミナーもあり、学生は新しいスキルやスタイルを学ぶことができます。

非公式トレーニング

ブルース、ロカビリー、サイコビリーなどの他のジャンルでは、教育システムとトレーニングシーケンスは、形式化および制度化されていません。ブルースベースのパフォーマンスや、ロカビリーベースで複数年の卒業証書を提供する温室には学位はありません。ただし、さまざまな本、演奏方法、および1990年代以降、教育用DVD(たとえば、ロカビリースタイルのスラップベースの演奏方法)があります。そのため、これらの他のジャンルのパフォーマーは、ベースメソッドの本やDVDを使用した非公式な学習、プライベートレッスンやコーチングの受講、レコードやCDからの学習など、さまざまなルートから来る傾向があります。場合によっては、ブルースやロカビリーのベーシストは、クラシックまたはジャズの教育システム(たとえば、青少年オーケストラや高校のビッグバンド)を通じて初期トレーニングを受けている可能性があります。タンゴなどのジャンルでは、

キャリア

コントラバスのキャリアは、ジャンルや地域や国によって大きく異なります。ほとんどのベーシストは、パフォーマンスと教育の仕事の組み合わせから生計を立てています。ほとんどのパフォーマンスジョブを取得するための最初のステップは、オーディションで演奏することです。ジャズ指向のステージバンドなど、一部のスタイルの音楽では、ベーシストは、印刷された音楽をサイトリーディングしたり、アンサンブルを使用して標準的な曲( Now's the Timeなどのジャズスタンダードなど)を演奏したりするよう求められる場合があります。同様に、ロックまたはブルースのバンドでは、オーディション対象者はさまざまなロックまたはブルースの基準を演奏するように求められる場合があります。ブルースバンドの直立したベーシストのオーディションは、ロカビリースタイルの「スラップ」であるスウィングスタイルのウォーキングベースラインで演奏するように求められる場合があります。ベースライン(弦が指板にパーカッシブに打たれる)と1950年代のバラード。ポップミュージックやロックミュージックのいくつかのスタイルでベーシストとしての役割をオーディションする人は、バックアップシンガーとしてハーモニーボーカルを演奏する能力を示すことが期待される場合があります。一部のポップやロックのグループでは、ベーシストは、エレクトリックベース、キーボード、アコースティックギターなど、他の楽器を演奏するように求められる場合があります。バンドがクラシックロックや新しいカントリーソング を演奏している場合、エレクトリックベースを演奏する能力はカントリーグループで広く期待されています。

1952年のドイツのコントラバスセクション。左側のプレーヤーはドイツの弓を使用しています。

クラシック音楽

クラシック音楽では、ベーシストはオーケストラで仕事をしたり、大学や音楽院のプログラムや学位に入学したりするためのオーディションを受けます。クラシックベースのオーディションでは、演奏者は通常、ソロチェロ用のJSバッハスイートからのムーブメント、またはベース協奏曲からのムーブメントとオーケストラ文学からのさまざまな抜粋を演奏します。抜粋は通常、オーケストラ文学からのベースパートとベースソロの中で最も技術的に挑戦的なパートです。低音オーディションで最も一般的に要求されるオーケストラの抜粋のいくつかは、ベートーベンの交響曲第5、7、9番からのものです。シュトラウスの英雄の生涯ドンファン; モーツァルトの交響曲第35、39、40番。ブラームスの交響曲第1番と第2番。ストラヴィンスキーのプルシネッラ; ショスタコーヴィチの交響曲第5番。ヒナステラ協奏交響曲; チャイコフスキーの交響曲第4番。マーラーの交響曲第2番。J.S.バッハのスイートNo.2 in B; ベルリオーズ交響曲ファンタスティックメンデルスゾーンの交響曲第4番。ヴェルディオペラオテロマーラーの交響曲第1番、ブリテンオーケストラへの青年ガイドプロコフィエフキージェ中尉組曲[60]

も参照してください

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外部リンク

さらに読む

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  • ゴールズビー、ジョン、ジャズベースブック:テクニックと伝統サンフランシスコ、Backbeat Books、2002年。
  • オブライエン、オリン。コントラバスノートブック:完全な専門家のためのアイデア、ヒント、およびポインター。ニューヨーク:Carl Fisher、2016。ISBN978-0825888830 
  • シマンドル、フランツ、ダブルベースの新しい方法カール・フィッシャー、1984年。
  • タンブローニ、ピーター、ダブルバス演奏入門イリノイ州オークパーク、www.MostlyBass.com、2014年。
  • バートラム・トゥレツキー。現代のコントラバスバークレー、カリフォルニア大学出版、1989年。