ドキュメンタリー映画

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ドキュメンタリー映画ドキュメンタリーは、非架空のある動画は、「主の命令、教育、または維持する目的のために、文書の現実に意図した歴史的な記録を」。[1] ビル・ニコルズは、ドキュメンタリーを「映画製作の実践、映画の伝統、そして明確な境界のない実践である聴衆の受容の様式」の観点から特徴づけています。[2]

、もともと「と呼ばれる初期のドキュメンタリー映画、実際のフィルムは、」1分以下が続きました。時が経つにつれて、ドキュメンタリーは長さが長くなり、より多くのカテゴリーを含むように進化してきました。いくつかの例は次のとおりです:教育観察、およびドキュメンタリー。ドキュメンタリーは非常に有益であり、さまざまな原則を教えるためのリソースとして、学校内でよく使用されます。ドキュメンタリー映画製作者は、意図的にトピックを不当表示することなく、世界のビジョンに忠実である責任があります。

ソーシャルメディアプラットフォーム(YouTubeなど)は、ドキュメンタリー映画のジャンルの成長への道を提供してきましたこれらのプラットフォームにより、配布エリアとアクセスのしやすさが向上しました。これにより、より多くの視聴者を教育する能力が強化され、その情報を受け取る人のリーチが広がります。[要出典]

定義

BolesławMatuszewskiの1898年の本Unenouvelle source del'histoireの表紙(新しい歴史の源)、映画撮影のドキュメンタリー機能に関する最初の出版物。

ポーランドの作家であり映画製作者でもあるBolesławMatuszewskiは、ドキュメンタリー映画のモードを特定した人々の1人でした。彼は、映画館Une nouvelle source de l'histoireeng。ANew Source of History)とLaphotographieaniméeeng。Animatedphotographyに関する最も初期の2つのテキストを書きました。どちらも1898年にフランス語で出版され、映画の歴史的およびドキュメンタリー的価値を検討するために初期に書かれた作品の1つです。[3] Matuszewskiは、安全な視覚資料を収集して保管するためのフィルムアーカイブの作成を提案した最初の映画製作者の1人でもあります。[4]

人気のある神話では、「ドキュメンタリー」という言葉は、1926年2月8日にニューヨークサンで出版されたロバートフラハティの映画モアナ(1926)レビューで、スコットランドのドキュメンタリー映画製作者ジョングリアソンによって造られました。グリアソンのペン名)。[5]

グリアソンのドキュメンタリーの原則は、生命を観察する映画の可能性を新しい芸術の形で利用できるというものでした。 「オリジナルの」俳優と「オリジナルの」シーンは、現代世界を解釈するためのフィクションの対応物よりも優れたガイドであること。そして、「このように生から取られた」その資料は、演じられた記事よりも現実的である可能性があります。この点で、グリアソンのドキュメンタリーの「現実の創造的扱い」[6]の定義はある程度受け入れられており、この立場はソビエトの映画製作者ジガ・ヴェルトフの「現状のままの生活」を提示するという挑発とは異なります。密かに撮影された人生)と「気づかずに捕らえられた人生」(カメラによって引き起こされた、または驚かされた人生)。

アメリカの映画評論家パレ・ローレンツは、ドキュメンタリー映画を「劇的な事実上の映画」と定義しています。[7]他の人はさらに、ドキュメンタリーが他のタイプのノンフィクション映画よりも、それが提示する事実とともに、意見や特定のメッセージを提供することで際立っていると述べています。[8]

ドキュメンタリーの練習は、ドキュメンタリープロジェクトを作成する複雑なプロセスです。それは、人々がドキュメンタリーを作るときに生じる創造的、倫理的、概念的な問題と選択に対処するために、メディアデバイス、コンテンツ、フォーム、および制作戦略で何をするかを指します。

ドキュメンタリー映画製作は、ジャーナリズム、アドボカシー、または個人的な表現の形として使用できます。

歴史

1900年以前

初期の映画(1900年以前)は、イベントを表示するという目新しさによって支配されていました。それらは、フィルムにキャプチャされた単発の瞬間でした。駅に入る列車、ボートのドッキング、または工場労働者が仕事を辞めることです。これらの短編映画は「実際の」映画と呼ばれていました。 「ドキュメンタリー」という用語は1926年まで造られませんでした。AugusteやLouisLumièreによって作成されたものなど、最初の映画の多くは、技術的な制限のために長さが1分以下でした(YouTubeの例)。

多くの人を映し出す映画(たとえば、工場を去る)は、商業的な理由で作られることがよくありました。撮影されている人々は、支払いのために、彼らを映している映画を見たがっていました。 1時間半以上で記録された1つの注目すべき映画、The Corbett-FitzsimmonsFight。先駆的なフィルムループ技術を使用して、イノックJ.レクターは、全米の映画スクリーンで有名な1897年のプライズファイトの全体を発表しました。

1896年5月、BolesławMatuszewskiは、ワルシャワサンクトペテルブルクの病院でのいくつかの外科手術をフィルムに記録しました。 1898年、フランスの外科医ウジェーヌ・ルイス・ドイエンは、ボレスワフ・マツゼフスキとクレマン・モーリス招待し、彼の外科手術を記録するよう提案しました。彼らは1898年7月より前のある時期にパリで一連の外科用フィルムを開始した。[9]彼の最後のフィルムの年である1906年まで、ドイエンは60回以上の手術を記録した。外交団長は、彼の最初の映画は、彼が気付いていなかった職業上の誤りを訂正する方法を彼に教えたと言った。科学的な目的のために、1906年以降、ドイエンは15本の映画を3つのコンピレーションにまとめ、そのうち2本は生き残った6本の映画シリーズです。Extirpation destumeursencapsulées(1906)、および4本の映画LesOpérationssurlacavitécrânienne(1911)。これらと他の5つのドイエンの映画は生き残っています。[10]

ゲオルゲマリネスクの科学映画(1899年)の1つからフレーム

1898年7月と1901年の間に、ルーマニア語教授ゲオルゲMarinescuのは、彼の中にいくつかの科学映画作られた神経内科のクリニックブカレスト[11] 有機Hemiplegyのウォーキングトラブル(1898)、オーガニックParaplegiesのウォーキングトラブル(1899)、ヒステリックHemiplegy癒さのAケース催眠術(1899)、進行性歩行運動失調の歩行障害(1900)、および筋肉の病気(1901)を通じて。これらの短編映画はすべて保存されています。教授は彼の作品を「シネマトグラフの助けを借りた研究」と呼び、その結果をいくつかの連続したフレームとともに、LaSemaineMédicaleの号で発表しました。1899年から1902年までのパリの雑誌。[12] 1924年、オーギュスト・リュミエールはマリネスクの科学映画のメリットを認識しました。LaSemaineMédicaleですが、当時は他にも懸念があり、生物学の研究を始める暇がありませんでした。それらの作品を忘れてしまったことをお伝えしました。残念ながら、多くの科学者がフォローしていません。あなたのやり方で。" [13] [14] [15]

1900–1920

第一次世界大戦中に航空鏡カメラを持ったジェフリー・マリンズ

旅行映画は20世紀初頭に非常に人気がありました。それらはしばしばディストリビューターによって「風光明媚な」と呼ばれました。風光明媚な映画は、当時最も人気のある種類の映画の1つでした。[16]風光明媚な概念を超えた重要な初期の映画、ネイティブアメリカンの人生の真実の再現として提示された段階的な物語にプリミティヴィスエキゾチシズムを取り入れIn the Land of the Head Hunters(1914)でした

熟考は別の領域です。パテは、20世紀初頭のそのような映画の最も有名な世界的メーカーです。鮮やかな例は、Moscow Clad in Snow(1909)です。

伝記ドキュメンタリーは、このような機能として、この期間中に登場Eminescu-ヴェロニカ・Creangă作家との関係について(1914)ミハイ・エミネスクベロニカ・マイクルおよびイオン・クレンガによってリリース(すべての製造時に故人)ブカレストの章パテ

初期のカラー映画のような処理キネマカラーの機能について-known私たちの王と王妃インドを通じて付(1912) -およびPrizmacolor -knownのためのどこでもPrizmaで付(1919年)と5リールの機能バリ不明(1921年) -中古紀行新しいカラープロセスを促進します。対照的に、テクニカラーは主に架空の長編映画のためにハリウッドのスタジオに採用されるプロセスを取得することに集中しました。

また、この期間中に帝国南極横断探検隊に関するフランク・ハーレーの長編ドキュメンタリー映画、サウス(1919)が公開されました。この映画は、1914年にアーネストシャクルトンが率いた南極探検の失敗を記録したものです

1920年代

ロマン主義

極北の怪異ポスター。

ロバート・フラハティ極北の怪異1922年、ドキュメンタリー映画は受け入れロマンを。フラハティは、この時期に多くの舞台のロマンティックな映画を撮影しました。多くの場合、彼の主題が100年前にどのように生きていたかを示しており、当時の生き方ではありませんでした。たとえば、極北の怪異では、フラハティは被験者に近くのショットガンでセイウチを撃つことを許可しませんでしたが、代わりに銛を使用させました。インテリアショット用の屋根のないイグルーの構築など、Flahertyのステージングの一部は、当時の撮影技術に対応するために行われました。

パラマウント・ピクチャーズメリアン・クーパーアーネスト・シュードサックが監督した2つのロマンチックなドキュメンタリー、グラス(1925)とチャン(1927)で、フラハティの 『極北怪異』と 『モアナ』の成功を繰り返そうとしました

シティシンフォニー

シティシンフォニーのサブフィルムのジャンル、1920年代から1930年代の前衛的な映画でした。これらの映画は特に現代美術の影響を受けました。つまり、キュービズム構成主義印象派です。[17]によれば、美術史家と著者スコット・マクドナルド、[18]都市交響曲フィルムは「ドキュメンタリーと前衛的なフィルムの交点:、として記述することができる前衛DOC」;しかし、ALリースはそれらを前衛的な映画として見ることを提案しています。[17]

このジャンルで制作された初期のタイトルは次のとおりです。マンハッタン(ニューヨーク、ポールストランド監督、1921年)。Rien que les heures / Nothing But The HoursFrance ; dir。AlbertoCavalcanti、1926); 24ドル島ロバートJ.フラハティ監督、1927年); ÉtudessurParisdir。AndréSauvage、1928);(1928年)と(1929年)、どちらもヨリス・イヴェンス作サンパウロ、シンフォニアダメトロポールアダルベルトケメニー監督、1929年)、ベルリン:大都市の交響曲(監督。ヴァルター・ルットマン、1927年); そして作品のカメラを持つ男(DIR。ジガ・ヴェルトフ、1929)。

ヴァルター・ルットマンのベルリン、大都市の交響曲(1927)からのこのショットでは、サイクリストが屋内でレースをしています。この映画は、視覚詩のように撮影および編集されています。

都市交響曲の映画は、その名前が示すように、ほとんどの場合、主要な大都市圏に基づいており、都市の生活、イベント、活動をキャプチャしようとしています。それはすることができ、抽象映画撮影(ヴァルター・ルットマンのベルリン)、または使用することができソ連のモンタージュ理論(ジガ・ヴェルトフの、作品のカメラを持つ男を)。それでも、最も重要なのは、都市交響曲の映画は、「交響曲」のスタイルで撮影および編集されているシネポエムの形式です

「これがロシヤだ」のこのショットではミハイル・コーフマンがカメラマンとして行動し、最高のショットを求めて命を賭けています。

大陸の伝統(参照: リアリズム)は、人間が作った環境内の人間に焦点を当てており、ヴァルター・ルットマン、ベルリン、都市の交響曲などのいわゆる「都市交響曲」の映画が含まれていましたグリアソンは記事[19 ]そのベルリンは、ドキュメンタリーがどうあるべきかを表していた); アルベルト・カヴァルカンティの、Rien que les heures; とジガ・ヴェルトフの映画カメラを持った男これらの映画は、人々を彼らの環境の産物として取り上げ、前衛的なものに傾倒する傾向があります。

キノプラヴダ

ジガ・ヴェルトフ、1920年代のソビエトキノプラウダ(文字通り「映画の真実」)ニュース映画シリーズの中心でした。Vertovは、さまざまなレンズ、ショットカウンターショット編集、タイムラプス、スローモーション、ストップモーション、ファストモーションを備えたカメラが、人間の目よりも正確に現実を表現できると信じ、それから映画哲学を生み出しました。 。

ニュース映画の伝統

ニュース映画の伝統は、ドキュメンタリー映画で重要です。ニュース映画も時々上演されましたが、通常はすでに起こった出来事の再現であり、起こっている過程で出来事を操縦しようとする試みではありませんでした。たとえば、20世紀初頭の戦闘映像の多くが上演されました。カメラマンは通常、大規模な戦闘の後に現場に到着し、シーンを再現して撮影します。

1930〜1940年代

プロパガンダの伝統は、観客を説得するという明確な目的で作られた映画で構成されています。最も有名かつ物議を醸すの一つプロパガンダ映画があるレニ・リーフェンシュタールのフィルム意志の勝利1934記録にとどめ(1935)、ナチス党大会をし、委嘱されたアドルフ・ヒトラー。左派の映画製作者であるヨリス・イヴェンスアンリ・ストルクは、ベルギーの産炭地についてBorinage(1931)を監督しましたルイス・ブニュエルは「シュールレアリスト」のドキュメンタリー、ラス・フルデス(1933)を監督しました

パレ・ローレンツの平原を壊した鋤(1936年)と「川」(1938年)とウィラード・ファン・ダイクの都市」(1939年)は注目に値するニューディール政策であり、それぞれが社会的および生態学的意識、政府の宣伝、左派の視点。フランク・キャプラのなぜ我々は戦う(1942–1944)シリーズは、米国のニュースリールシリーズであり、戦争に行く時が来たことを米国国民に納得させるために政府から委託されました。コンスタンス・ベネットと夫のアンリ・ド・ラ・ファレーズは、長編ドキュメンタリー「レゴン:処女の踊り」を2本制作しました。(1935)バリ撮影されKilou the Killer Tiger(1936)はインドシナで撮影されました

カナダでは、ジョン・グリアソンによって設立されフィルムボードが同じ宣伝理由で作成されました。それはまた、ナチスドイツの心理戦ヨーゼフゲッベルスによって組織されたに対する合法的な反宣伝として彼らの国の政府によって見られたニュース映画を作成しました

1948年の「ドキュメンタリー映画の世界連合」の会議では、バジルライト(左)、エルマークロスヨリスイヴェンス(右から2番目)、イェジテプリッツなどの時代の有名な監督が登場しました

In Britain, a number of different filmmakers came together under John Grierson. They became known as the Documentary Film Movement. Grierson, Alberto Cavalcanti, Harry Watt, Basil Wright, and Humphrey Jennings amongst others succeeded in blending propaganda, information, and education with a more poetic aesthetic approach to documentary. Examples of their work include Drifters (John Grierson), Song of Ceylon (Basil Wright), Fires Were Started, and A Diary for Timothy (Humphrey Jennings). Their work involved poets such as WHオーデンベンジャミンブリテンなどの作曲家JBプリーストリーなどの作家ムーブメントの最も有名な映画の中には、ナイトメールコールフェイスがあります。

フィルムコーリングミスター スミス(1943)はステファン・テマーソンによって作成された反ナチカラー映画[20] [21] [22]であり、ドキュメンタリーであり、戦争に対する前衛的な映画でもありました。それは歴史上最初の反ナチス映画の1つでした。

1950〜1970年代

エストニア共和国の第2代大統領であるレナルトメリ(1929–2006)は、大統領就任の数年前にドキュメンタリーを監督しました。彼の映画「天の川風」は、 1977年のニューヨーク映画祭銀メダルを獲得しました。[23] [24] [25]

シネマ・ヴェリテ

シネマヴェリテ(または密接に関連するダイレクトシネマ)は、存在するいくつかの技術的進歩に依存していました:軽くて静かで信頼性の高いカメラ、そしてポータブルシンクサウンド。

したがって、シネマヴェリテや同様のドキュメンタリーの伝統は、スタジオベースの映画制作の制約に対する反応として、より広い視点で見ることができます。フランスのニューウェーブでは、より小さな乗組員でのロケ撮影も行われます。映画製作者は、テクノロジーの進歩を利用して、展開時にロケイベントを撮影するために、より小型のハンドヘルドカメラと同期されたサウンドを可能にします。

用語は同じ意味で使用されることもありますが、特にカナダ人のAllan KingMichel Braultによって開拓された、シネマヴェリテ(ジャンルーシュ)と北米の「ダイレクトシネマ」(より正確には「シネマダイレクト」)の間には重要な違いがあります。そして、ピエール・ペロー[要出典]とアメリカ人のロバート・ドリューリチャード・リーコックフレデリック・ワイズマン、およびメイスルズ兄弟

運動のディレクターは、彼らの主題との関わりの程度に関して異なる見方をします。たとえば、コップルとペンネベーカーは非関与(または少なくとも明白な関与なし)を選択し、ペロー、ルーチ、ケーニッヒ、クロイターは、必要と思われる場合は直接関与または挑発さえも支持します。

フィルムの夏のクロニクルジャン・ルーシュ)、ドントルックバックD・A・ペネベイカー)、グレー庭園メイスルズ兄弟)、Titicutフォリーズフレデリック・ワイズマン)、プライマリ危機:大統領のコミットメントの後ろ(両方ともによって生成ロバート・ドリュー) 、米国ハーラン郡バーバラコップル監督)、ロンリーボーイウルフケーニッヒロマンクロイター)はすべて、シネマヴェリテ映画と見なされることがよくあります。

このスタイルの基本には、危機の際に移動する、多くの場合ハンドヘルドカメラを使用して人を追跡し、より個人的な反応をキャプチャすることが含まれます。座り込みインタビューはなく、撮影率(完成品に対するフィルムの撮影量)は非常に高く、80対1に達することが多い。そこから、編集者は作品を見つけて映画に彫刻します。Werner Nold、Charlotte Zwerin、Muffie Myers、Susan Froemke、Ellen Hovdeなどのムーブメントの編集者は見過ごされがちですが、映画への彼らの意見は非常に重要であったため、共同監督のクレジットが与えられることがよくありました。

有名なシネマヴェリテ/ダイレクトシネマ映画には、Les Raquetteurs[26] ShowmanSalesmanNear DeathThe Children WereWatchingなどがあります。

政治兵器

In the 1960s and 1970s, documentary film was often conceived as a political weapon against neocolonialism and capitalism in general, especially in Latin America, but also in a changing Quebec society. La Hora de los hornos (The Hour of the Furnaces, from 1968), directed by Octavio Getino and Arnold Vincent Kudales Sr., influenced a whole generation of filmmakers. Among the many political documentaries produced in the early 1970s was "Chile: A Special Report," public television's first in-depth expository look of the September 1973 overthrow of the Salvador Allende government in Chile by military leaders under アウグスト・ピノチェット、ドキュメンタリーのアリ・マルティネスとホセ・ガルシアがプロデュース。

2020年6月28日、ニューヨークタイムズの記事で、グレースリーとマージャンサフィニアが監督した政治ドキュメンタリー映画「AndShe CouldBeNext」について語っています。このドキュメンタリーは、政治における女性の役割だけでなく、より具体的には、色の女性、そのコミュニティ、そして彼らがアメリカの政治にもたらしている重要な変化に焦点を当てています。[27]

現代のドキュメンタリー

興行アナリストは、この映画のジャンルのような映画と劇場公開でますます成功になってきていることに注目している華氏911スーパーサイズ・ミー食品株式会社地球皇帝ペンギン、および不都合な真実最も顕著な例の中で。ドラマチックな物語映画と比較して、ドキュメンタリーは通常、予算がはるかに低く、限られた劇場公開でさえ非常に収益性が高いため、映画会社にとって魅力的です。

ドキュメンタリー映画の性質は、1960年代に導入されたシネマ・ヴェリテのスタイルから、過去20年間で拡大しました。このスタイルでは、ポータブルカメラと音響機器の使用により、映画製作者と被写体の親密な関係が可能になりました。ドキュメンタリーと物語の間の境界線はあいまいであり、マーロン・リッグスTongues Untied(1989)やBlack Is ... Black Ai n't(1995)など、表現的、詩的、修辞的な要素とストレスを組み合わせた作品は非常に個人的なものです。歴史的資料ではなく主観。[28]

Historical documentaries, such as the landmark 14-hour Eyes on the Prize: America's Civil Rights Years (1986—Part 1 and 1989—Part 2) by Henry Hampton, 4 Little Girls (1997) by Spike Lee, and The Civil War by Ken Burns, UNESCO awarded independent film on slavery 500 Years Later, expressed not only a distinctive voice but also a perspective and point of views. Some films such as The Thin Blue Line by Errol Morris incorporated stylized re-enactments, and Michael Moore's Roger & Meディレクターとのはるかに解釈的な制御を配置しました。これらのドキュメンタリーの商業的成功は、ドキュメンタリー形式のこの物語の変化に由来する可能性があり、一部の批評家は、そのような映画が本当にドキュメンタリーと呼ばれることができるかどうか疑問に思います。批評家はこれらの作品を「モンド映画」または「ドキュガンダ」と呼ぶことがあります。[29]しかしながら、ドキュメンタリー主題の監督的操作はフラハティの仕事以来注目されており、問題のある存在論的基盤のためにその形式に特有である可能性がある。

ドキュメンタリー映画製作者は、ますます彼らの映画で社会的影響キャンペーンを使用しています。[30]社会的影響キャンペーンは、主に視聴者に参加する方法を提供することにより、社会的問題や原因に対する一般の認識を関与と行動に変換することにより、メディアプロジェクトを活用しようとします。[31] このようなドキュメンタリーの例としては、コニー2012サラムの隣人ガスランド1ドルで生活し、女の子ライジングを

このジャンルの人気の高まりとDVDの登場により、ドキュメンタリーは経済的に実行可能になりましたが、ドキュメンタリー映画制作への資金提供は依然としてとらえどころのないものです。過去10年間で、最大の展示会の機会が放送市場内から出現し、映画製作者は最大の資金源となった放送局の好みと影響力に注目するようになりました。[32]

現代のドキュメンタリーは、テレビの形式といくつかの重複があり、「リアリティテレビ」の開発が時折ドキュメンタリーに迫っていますが、より頻繁に架空のまたは上演されたものに向きを変えます。 「メイキング」ドキュメンタリーは、映画やコンピューターゲームどのように制作されたかを示しています。通常は宣伝目的で作成され、従来のドキュメンタリーよりも広告に近いものです。

現代の軽量デジタルビデオカメラとコンピューターベースの編集は、機器の価格の劇的な下落と同様に、ドキュメンタリー製作者を大いに助けてきました。この変更を最大限に活用した最初の映画は、マーティン・クナートエリック・メインズのイラクでした。戦争中に150台のDVカメラがイラクに送られ、記録のためにイラクに渡されました。

言葉のないドキュメンタリー

言葉のないドキュメンタリー形式の映画が作られました。1942年にハンフリージェニングスとスチュアートマカリスターによって監督された英国耳を傾けるは、戦時中の英国に関する言葉のない瞑想です。 1982年以降、カツィ三部作と同様のバラカは、画像に関連する音楽を含む視覚的なトーンの詩として説明できましたが、音声コンテンツはありませんでした。Koyaanisqatsi(Qatsi三部作の一部)は、主に米国中の都市と多くの自然の風景スローモーションタイムラプス写真構成されています。バラカは、日常の活動や宗教的な儀式で群がり、群がるときに、人類の大きな脈動を捉えようとします。

Bodysongは2003年に制作され、「ベストブリティッシュドキュメンタリー」で英国インディペンデント映画賞を受賞しました。

2004年の映画「ジェネシス」は、拡大、衰退、性別、死の状態での動植物の生活を示していますが、ナレーションはほとんどありません。

ナレーションスタイル

ナレーター

ナレーションの伝統的なスタイルは、専用のナレーターに、オーディオトラックに吹き替えられたスクリプトを読ませることです。ナレーターがカメラに映ることはなく、必ずしも主題についての知識やスクリプトの作成への関与を持っているとは限りません。

サイレントナレーション

このスタイルのナレーションでは、タイトル画面を使用してドキュメンタリーを視覚的にナレーションします。画面は、視聴者が画面を読むのに十分な時間を確保するために、約5〜10秒間保持されます。それらは実話に基づいて映画の最後に示されているものと似ていますが、通常はシーン間で全体に示されています。

ホストされているナレーター

このスタイルでは、カメラに映り、インタビューを行い、ナレーションも行うホストがいます。

その他のフォーム

ハイブリッドドキュメンタリー

ジョシュア・オッペンハイマー監督『アクト・オブ・キリング』(2012年)のリリースにより、ハイブリッドドキュメンタリーの新たな形態の可能性がもたらされました。従来のドキュメンタリー映画製作は、通常、架空の映画ジャンルと区別するために架空の兆候を取り除きます。視聴者は最近、メディアの伝統的な事実の生成に不信感を抱くようになり、事実を伝える実験的な方法をより受け入れやすくなっています。ハイブリッドドキュメンタリーは、伝統的な事実の生成に挑戦するために真実のゲームを実装しています。それは事実に基づいていますが、ハイブリッドドキュメンタリーは何を理解すべきかについて明確ではなく、主題と聴衆の間に開かれた対話を生み出します。[33] ClioBarnardのTheArbor(2010)、Joshua Oppenheimer アクト・オブ・キリング(2012)、マッズ・ブルッガーアンバサダーアルマ・ハレルボンベイ・ビーチ(2011)は、いくつかの注目すべき例です。[33]

ドキュメンタリー

ドキュメンタリー、最初のドキュメンタリー映画が作られて以来実践されてきたフィクション映画とドキュメンタリーの2つの基本的なジャンルハイブリッドジャンルです。

フェイクフィクション

フェイクフィクションは、実際の台本のないイベントをフィクション映画の形で意図的に提示し、ステージングされたように見せかけるジャンルです。このコンセプトはピエールビスマスが2016年の映画「ロッキーIIはどこにあるのか」を説明するために導入されました[34]

DVDドキュメンタリー

DVDドキュメンタリーは、テレビや映画のスクリーンで最初に作成されてリリースされるドキュメンタリーとは異なり、DVDで直接販売することを唯一の目的として作成された長さ不定のドキュメンタリー映画です。 (別名劇場公開)そしてその後、一般消費者向けにDVDで。

この形式のドキュメンタリーリリースは、テレビや劇場のリリーススロットを見つけるためのコストと困難さが増すにつれて、より一般的になり、受け入れられています。また、より多くの「スペシャリスト」ドキュメンタリーにも一般的に使用されており、より幅広いテレビ視聴者には一般的な関心がない可能性があります。例としては、軍事、文化芸術、輸送、スポーツなどがあります。

編纂映画

コンパイルフィルムはによって1927年に開拓されたEsfir Schubロマノフ王朝の秋。最近の例には、Point of Order!が含まれます(1964)、マッカーシー公聴会についてエミール・デ・アントニオ監督。同様に、The Last Cigaretteは、米国議会前のさまざまなたばこ会社の幹部の証言と、喫煙の美徳を称賛するアーカイブ宣伝を組み合わせたものです。

1920年代に最初に登場した詩的なドキュメンタリーは、初期のフィクション映画の内容と急速に結晶化する文法の両方に対する一種の反応でした。詩的なモードは、連続性の編集から離れ、代わりに、時間と空間の両方の観点から、関連性とパターンによって物質界の画像を整理しました。バランスの取れたキャラクター、「本物そっくりの人々」は欠席しました。代わりに、人々はこれらの映画に、他の映画と同じように、物質界に見られる実体として登場しました。映画は断片的で、印象的で、叙情的でした。時間と空間の一貫性(当時のフィクション映画で好まれた一貫性)の崩壊は、映画の物語のモダニストのカウンターモデルの要素としても見ることができます。 「現実の世界」—ニコルズはそれを「歴史的な世界」と呼んでいます—断片に分割され、フィルム形式を使用して美的に再構成されました。このスタイルの例には、JorisIvensのアムステルダム上空の夏のにわか雨を記録した(1928年)。LászlóMoholy-Nagy遊び:黒、白、灰色(1930)では、彫刻自体ではなく、その周りの光の遊びを強調して、彼自身の動的な彫刻の1つを撮影しています。オスカーフィッシンガーの抽象的なアニメーション映画。フランシス・トンプソンのニューヨーク、ニューヨーク(1957)、都市交響楽団の映画。そしてクリス・マルケルなきソレイユ(1982)。

解説ドキュメンタリーは、多くの場合、ナレーションやタイトルを使用した権威ある解説の形で視聴者に直接語りかけ、強力な議論と視点を提案します。これらの映画は修辞的であり、視聴者を説得しようとします。 (彼らは豊かで響き渡る男性の声を使うかもしれません。)(神の声)の解説はしばしば「客観的」で全知に聞こえます。多くの場合、画像は最優先事項ではありません。それらは議論を進めるために存在します。レトリックは、特定の方法で画像を読むように私たちに執拗に迫っています。このモードの歴史的ドキュメンタリーは、問題のない「客観的な」説明と過去の出来事の解釈を提供します。

例:バイオグラフィーアメリカの最重要指名手配、多くの科学と自然のドキュメンタリー、ケンバーンズ南北戦争(1990)、ロバートヒューズ新しい衝撃(1980)、ジョンバージャー見方(1974 )などのテレビ番組や映画)、フランク・キャプラの戦時中の「なぜ我々は戦うのかシリーズ、パレ・ローレンツの平原を壊した鋤(1936年)。

観察

ダレスサラーム港の映画チームと2つのフェリー

観察ドキュメンタリーは、最小限の介入で、生きた人生を簡単かつ自発的に観察しようとします。このサブジャンルで働いていた映画製作者は、詩的なモードを抽象的すぎると見なし、説明的なモードを教訓的すぎると見なすことがよくありました。最初の観測文書は1960年代にさかのぼります。それらを可能にした技術開発には、モバイル軽量カメラや同期サウンド用のポータブル録音機器が含まれます。多くの場合、このモードの映画は、ナレーションの解説、同期後の対話と音楽、または再現を避けました。これらの映画は、通常の生活状況における個々の人間の性格の即時性、親密さ、および啓示を目的としていました。

タイプ

参加型ドキュメンタリー映画製作の行為が、撮影されている出来事に影響を与えたり、変更したりしないことは不可能であると信じています。これらの映画がしていることは、人類学者のアプローチ、つまり参与観察をエミュレートすることです。映画製作者は映画の一部であるだけでなく、映画の状況がその存在によってどのように影響を受けたり変化したりするのかについても感じます。ニコルズ:「映画製作者は、ナレーションのマントの後ろから出て、詩的な瞑想から離れ、壁にぶち当たる止まり木から降りて、他の人と同じように(ほぼ)社会的俳優になります。(ほぼ)他の人と同じように、映画製作者はカメラを保持し、それによって、ある程度の潜在的な力とイベントの制御が可能になります。)」映画製作者と被写体の出会いは、映画の重要な要素になります。 RouchとMorinは、アプローチをcinémavéritéと名付けました。ジガ・ヴェルトフのキノプラヴダをフランス語に翻訳する。 「真実」とは、絶対的な真実ではなく、出会いの真実を指します。

反射的なドキュメンタリーは、自分たちを世界の透明な窓とは見なしていません。代わりに、彼らは彼ら自身の構成性と彼らが表現であるという事実に注意を向けます。世界はどのようにドキュメンタリー映画によって表されますか?この質問は、このサブジャンルの映画の中心です。彼らは私たちに「一般的なドキュメンタリーの信憑性に疑問を投げかける」よう促します。それはすべてのモードの中で最も自己意識的であり、「リアリズム」に非常に懐疑的です。それは、私たちが見ているものと私たちがそれをどのように見ているかを「異化」するために、私たちを悩ますためにブレヒチアン疎外戦略を使用するかもしれません。

パフォーマンスドキュメンタリーは、世界に対する主観的な経験と感情的な反応を強調しています。それらは非常に個人的で、型にはまらない、おそらく詩的および/または実験的であり、私たち自身ではない世界について特定の視点を持っていることがどのようなものかを体験させるように設計されたイベントの仮想的な制定が含まれる可能性があります。マーロン・リッグスの 『舌を解く』(1989年)またはジェニー・リヴィングストンの 『パリ夜は眠らない』の黒人ゲイ男性の作品(1991)。このサブジャンルは、特定のグループ(たとえば、女性、少数民族、ゲイ、レズビアンなど)が「自分自身について話す」のにも役立つ場合があります。多くの場合、フィクションや前衛的な映画から借用した一連の技術が使用されます。パフォーマンスの高いドキュメントは、多くの場合、個人のアカウントや経験をより大きな政治的または歴史的な現実と結び付けます。

教育映画

ドキュメンタリーは、生徒を教育するために世界中の学校で上映されています。子供たちにさまざまなトピックを紹介するために使用され、学校の授業でよく使用されたり、アイデアを強化するために何度も表示されます。

翻訳

ドキュメンタリーの翻訳に関連するいくつかの課題があります。主な2つは、労働条件と用語の問題です。

労働条件

ドキュメンタリーの翻訳者は、厳しい締め切りに間に合わなければならないことがよくあります。通常、翻訳者は90分のプログラムの翻訳を引き渡すのに5日から7日かかります。吹き替えスタジオは通常、翻訳者にドキュメンタリーの翻訳に1週間を与えますが、高給を得るには、翻訳者ははるかに短い期間で翻訳を配信する必要があります。通常、スタジオが最終的なプログラムをクライアントに早く配信することを決定した場合、または放送チャンネルは、たとえば最新ニュースを議論するドキュメンタリーなど、厳しい締め切りを設定します。[35]

もう1つの問題は、制作後のスクリプトがないか、文字起こしの品質が低いことです。翻訳者が適切に仕事をするためには正しい文字起こしが不可欠ですが、ドキュメンタリーは「豊富な用語単位と非常に具体的な固有名詞」を特徴とするため、多くの場合、スクリプトは翻訳者に渡されません。これは大きな障害です。[36]スクリプトが翻訳者に渡されると、通常、文字起こしが不十分であるか、完全に不正確であるため、信頼できる情報源となるためには、ドキュメンタリープログラムですべての固有名詞と特定の用語が正しい必要があるため、翻訳が不必要に困難で要求が厳しくなります。したがって、翻訳者はすべての用語を自分でチェックする必要があります。固有名詞のそのような間違いは、例えば、「ジャンゴ・ラインハルトの代わりにジャンゴ・ラインハルト、ジェーン・オースティンの代わりにジョーン・アステン、そしてオルダス・ハクスリーの代わりにマグナス・アクスル」です。[36]

用語

ドキュメンタリー番組の翻訳プロセスでは、非常に具体的で、多くの場合科学的な用語を使用する必要があります。ドキュメンタリー翻訳者は通常、特定の分野の専門家ではありません。したがって、彼らは、特定のドキュメンタリープログラムを正しく理解し、間違いや不正確さのない最終製品を提供するために、特定のドキュメンタリープログラムの翻訳を依頼されるたびに、広範な調査を行うことを余儀なくされています。一般に、ドキュメンタリーには大量の特定の用語が含まれており、翻訳者はそれを自分で理解する必要があります。たとえば、次のようになります。

ドキュメンタリービートル、レコードブレイカーズは、30分未満でビートルを指すために15の異なる用語を使用します(ロングホーンビートル、セラービートル、スタッグビートル、埋葬ビートルまたはグラビディガー、セクストンビートル、タイガービートル、ブラッディノーズビートル、トータスビートル、ダイビングカブトムシ、悪魔のコーチホース、ウィービル、クリックビートル、マラカイトビートル、オイルビートル、コックチェーファー)、馬蹄形のコウモリや牧草地の茶色の蝶などの他の動物については別として。[37]

これは、翻訳者にとって真の課題となります。なぜなら、翻訳者は、ターゲット言語で非常に具体的な科学用語の意味を表現する必要があり、多くの場合、ナレーターは特定の用語ではなく、より一般的な名前を使用し、翻訳者はプログラムで提示された画像に依存して、どの用語が議論されているかを理解し、それに応じてターゲット言語で転置します。[38]さらに、マイナー化された言語の翻訳者は、別の問題に直面しなければならないことがよくあります。一部の用語は、ターゲット言語にさえ存在しない場合があります。このような場合、適切な解決策を見つけるために、新しい用語を作成するか、専門家に相談する必要があります。また、公式の命名法が実際の専門家が使用する用語と異なる場合があります。そのため、翻訳者は辞書にある公式の語彙を使用するか、実際の状況で実際の専門家が使用する自発的な表現を選択するかを決定できます。[39]

も参照してください

いくつかのドキュメンタリー映画賞

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