作曲

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クラシック作曲家モーツァルト

作曲ラテン compōnō ;文字通り「一緒に置く1」)は、書く人である音楽を、特に、クラシック音楽[1]を含め、いかなる形で声楽(のための歌手合唱団)、器楽電子音楽、音楽複数のフォームを組み合わせたものです。作曲家はクラシック音楽ミュージカルシアターブルースフォークミュージックジャズポピュラー音楽など、あらゆる音楽ジャンルの音楽を作成できます。作曲は、多くの場合、使用して書かれた楽譜に自分の作品を表現楽譜を

多くの作曲家は、音楽の熟練した演奏者でもあります。

作曲家と演奏者

記譜法はパフォーマーの一連の指示として機能しますが、パフォーマーがパフォーマンスでレンダリングされた作品の最終的な形式をどの程度決定するかについては、さまざまな可能性があります。

メロディーコードベースラインのすべてが音符で書かれている従来の西洋の楽器音楽でも、演奏者は、自分の演奏を変えるなどして、作品に芸術的な解釈を加えるためのある程度の自由度を持っています。または彼女のアーティキュレーションとフレージングフェルマータ(保持された音符)または一時停止の長さの選択、擦弦楽器、木管楽器、真鍮楽器の場合は、ビブラートポルタメントなどの表現効果を使用するかどうかの決定。歌手や器楽の演奏者にとって、以前に作曲され、記された音楽をどのように演奏するかを決定するプロセスは、「解釈」と呼ばれます。同じ音楽作品に対する異なる演奏者の解釈は、選択されるテンポ、演奏または歌のスタイル、またはメロディーの言い回しの点で大きく異なる可能性があります。自分の音楽を発表する作曲家やソングライターは、他の人の音楽を演奏する人と同じように通訳をしています。所与の時間と所与の場所に存在する選択と技法の標準的な本体は、演奏練習と呼ばれますが、解釈は一般に、演奏者の個々の選択を意味するために使用されます。[要出典]

多くの場合楽曲には1人の作者がいますが、常にそうであるとは限りません。音楽作品には複数の作曲家がいる可能性があります。これは、バンドが協力して曲を書くときの人気のある音楽や、1人で曲を書くことができるミュージカル劇場伴奏パートのオーケストレーション序曲の作成でよく発生します。オーケストレーターによって行われ、単語は第三者によって書かれる場合があります。

音楽は、単語、画像、または20世紀と21世紀には、歌手やミュージシャンが音楽の音を作成する方法を説明または表記するコンピュータープログラムで構成することもできます。この例は、風鈴がそよ風に揺れることから、グラフィック表記を使用する20世紀の前衛的な音楽、Aus den sieben Tagenなどのテキスト構成、楽曲の音を選択するコンピュータープログラムまで多岐にわたります。ランダム性と偶然性を多用する音楽は偶然性の音楽と呼ばれ、ジョン・ケージモートン・フェルドマンヴィトルト・ルトスワフスキなど、20世紀に活躍した現代の作曲家と関係があります。

音楽の個人差の性質と手段は、国の音楽文化とそれが書かれた期間によって異なります。たとえば、バロック時代、特に遅いテンポで作曲された音楽は、演奏者が即興の 装飾品を追加することを期待して、裸の輪郭で書かれることがよくありました。演奏中のメロディーラインに。このような自由は、一般的に後の時代に減少し、作曲家による強弱法、アーティキュレーションなどの形でのより詳細なスコアリングの使用の増加と相関しています。作曲家は、音楽がどのように解釈されることを望んでいるかについて一律により明確になりますが、これらがどの程度厳密かつ細かく指示されるかは、作曲家によって異なります。作曲家がパフォーマーへの指示でますます具体的かつ詳細になるこの傾向のために、最終的には作曲家の書面による意図への忠実さが高く評価されるようになる文化が発達しました(たとえば、原典版を参照))。この音楽文化は、一流のクラシック作曲家がしばしば演奏者によって抱かれている高い評価(崇敬の境界)にほぼ確実に関連しています。

古楽器の特にために、スコアに与えられた運動は、深刻な方法で、ある程度音楽を演奏エラボレーションの可能性を復活させたバロック音楽の早期からと音楽の古典時代。動きは、より大きなものを作成する方法と見なされる可能性があります演奏者が即興で演奏することを期待していた時期に作曲された作品の原作への忠実さ。クラシック音楽以外のジャンルでは、一般的に演奏者の方が自由度が高くなります。したがって、たとえば、西洋のポピュラー音楽の演奏者が以前の曲の「カバー」を作成する場合、オリジナルの正確な表現はほとんど期待できません。また、正確な忠実度は必ずしも高く評価されているわけではありません(有名なギターソロの「音符ごとの」トランスクリプションを除いて)。

西洋の芸術音楽では、作曲家は通常、自分の作曲をオーケストレーションしますが、ミュージカル劇場やポップミュージックでは、ソングライターはアレンジャー雇ってオーケストレーションを行うことがあります。場合によっては、ポップソングライターは表記法をまったく使用せず、代わりに自分の頭の中で曲を作曲してから、メモリから再生または録音することがあります。ジャズやポピュラー音楽では、影響力のある演奏者による注目すべき録音に、クラシック音楽で書かれた楽譜が演奏する重みが与えられます。作曲の研究は、伝統的に西洋のクラシック音楽の方法と実践の検討によって支配されてきましたが、作曲の定義は、人気のある伝統的な音楽の歌や器楽作品の作成に十分に広く、フリージャズのパフォーマーや、エウェのドラマーなどのアフリカのパーカッショニスト

歴史

作曲家と他のミュージシャンとの区別のレベルはさまざまであり、著作権[指定]や特定の音楽の個々の解釈に与えられる違いなどの問題に影響を与えます[要出典]ヨーロッパのクラシック音楽の発展において音楽を作曲する機能は、最初はそれを演奏することよりもそれほど重要ではありませんでした。[要出典]個々の作曲の保存はあまり注目されておらず、ミュージシャンは一般的に演奏のために作曲を変更することに何の不安もありませんでした。西洋の芸術音楽における作曲家の役割が固まり続けているのと同じくらい、別のイディオム(すなわち、ジャズ実験音楽)では、それはある意味でますます複雑または曖昧になっています。たとえば、特定の状況では、作曲家と演奏者サウンドデザイナーアレンジャープロデューサー、およびその他の役割の間の境界線がかなり曖昧になる可能性があります。

「作曲家」という用語は、クラシック、ジャズ、その他の形式の芸術伝統音楽に見られるような器楽の作曲家を指すためによく使用されます。で人気民俗音楽、作曲は通常と呼ばれる作曲家の音楽は、一般の形かかるので、歌を。 20世紀半ば以降、この用語は、オープンリール式テープや電子エフェクトユニットなどのさまざまな電子メディアのいずれかで作曲家が直接音響素材を作成するエレクトロアコースティック音楽の作成者に対応するように拡張されました。、テープやその他の録音物を再生するか、ライブの楽器奏者や歌手に録音済みの素材を演奏させることで、聴衆に提示することができます。これは、19世紀の器楽作曲の概念とは異なります。この概念では、作品は演奏者によって解釈される楽譜のみで表されていました

古代ギリシャ

音楽は古代ギリシャの社会的、文化的生活の重要な部分でし。学者がセイキロスの墓を発見したため、作曲家が古代ギリシャの時代に記譜された音楽を書いたことを私たちは知っています。紀元前200年から西暦100年の間に書かれた碑文[2]は、記譜法を含む完全な楽曲の世界で最も古い現存する例です。メロディーが歌詞と一緒に古代ギリシャの記譜法録音されているこの歌はトルコのアイドゥン近くエフェソスからそう遠くない)の墓石、石碑刻まれているのが見つかりました。それはヘレニズムイオン フリギア オクターブ種またはイアスティアントノスのいずれかの歌

西洋クラシック音楽

中世

レオニンまたはペロティヌス
ブレーブスがホミニスを死ぬ

中は中世の音楽時代(1400から476)、作曲は書いモノラル(単一旋律ライン)を唱えるローマカトリック教会のサービスを提供しています。その後、西洋音楽は、記譜法の進歩により、より芸術的な形式になり始めました。約800年以前から生き残っている唯一のヨーロッパの中世のレパートリーは、ローマカトリック教会の単調な典礼の 平易な歌であり、その中心的な伝統はグレゴリオ聖歌と呼ばれていました。これらの伝統と並んで神聖教会音楽の活気に満ちた伝統が存在していた世俗曲(非宗教的な歌を)。この時代の作曲家の例はレオニンですペロティヌスギヨームドマショー

ルネッサンス

TL de Victoria
Amicus meus

中にルネサンス音楽の時代(C。1600年から1400年)作曲は、次のような世俗的(非宗教的)なテーマ、約歌を書くことにもっと集中する傾向が見られた宮廷の愛。 1450年頃に印刷機が発明され、印刷された楽譜がはるかに安価になり、大量生産が容易になりました(印刷機が発明される前は、表記された音楽はすべて手作業でコピーされていました)。楽譜の入手可能性の増加は、作曲家の音楽スタイルをより迅速に、より広い地域に広めるのに役立ちました。 15世紀半ばまでに、作曲家は、さまざまなメロディーラインが同時に織り交ぜられた、豊かなポリフォニックな宗教音楽を書いていました。この時代の著名な作曲家には、ギヨームデュフェイが含まれますジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナトーマス・モーリーオルランド・デ・ラッソス音楽活動が教会から貴族の宮廷に移るにつれて、王、女王、王子は最高の作曲家を求めて競い合いました。多くの主要な重要な作曲家は、オランダ、ベルギー、フランス北部から来ました。彼らはフランドル楽派の作曲家と呼ばれています。彼らはヨーロッパ中、特にイタリアで重要な地位を占めていました。活気に満ちた音楽活動を行っている他の国には、ドイツ、イギリス、スペインが含まれます。

バロック

JSバッハ
トッカータとフーガ

中に音楽のバロック時代(1750年から1600年)、作曲は、彼らが書いた音楽の範囲と複雑さを拡大しました。バロック音楽の時代は、作曲家がオペラオーケストラを伴う劇的な声楽)を作成するためのインスピレーションを得るため古代ギリシャ音楽振り返ったときに始まりました。この時代に使用された音楽作曲家のもう1つの重要なスタイルは、対位法音楽でした。対位法の音楽には楽器で演奏されたり声で歌われたりする複数の独立したメロディーラインが含まれるため、このスタイルの作曲では作曲家が音楽理論の高度な知識を持っている必要がありました。作曲家が学ばなければならない厳格な対位法がありました。ドイツのバロック作曲家が小さなアンサンブルのために書いた含む文字列真鍮、および木管楽器、だけでなく、合唱団やキーボードなどの楽器のためのパイプオルガンハープシコード、およびクラヴィコード。この期間中に、作曲家は、フーガ発明ソナタ協奏曲など、さらに拡張され進化した後の期間に続くいくつかの主要な音楽形式を開発しました[3]後期バロック様式は、ポリフォニックに複雑で、豪華に装飾されていました。バロック時代の最も有名な作曲家の中には、クラウディオモンテヴェルディが含まれますハインリヒ・シュッツジャン・バティスト・ルリーディートリヒ・ブクステフーデアルカンジェロ・コレッリヘンリー・パーセルフランソワ・クープランアントニオ・ヴィヴァルディゲオルク・フィリップ・テレマンジャン・フィリップ・ラモーヨハン・セバスチャン・バッハジョージ・フリードリヒ・ヘンデル

古典主義

WAモーツァルト
交響曲40Gマイナー

クラシック時代(1750年から1830年)の音楽の作曲家は、古代ギリシャとローマの芸術と哲学、バランス、プロポーション、規律ある表現の理想に目を向けました。宗教的な作品を書くときとは別に、作曲家は、ほとんど声のようで歌える傾向のある器楽のメロディーを使用して、より軽く、より明確で、かなり単純なテクスチャーで書くことに移行しました。新しいジャンルは作曲家によって開発されました。主なスタイルはホモフォニーであり[4]、目立つメロディーと従属する弦の伴奏部分がはっきりと区別されます。

作曲家は器楽に焦点を合わせました。それは、バロック時代に最初に定義された音楽形式のさらなる発展によって支配されました:ソナタ協奏曲、そして交響曲。その他の主な種類であったトリオ弦楽四重奏セレナーデディヴェルティメント。ソナタは最も重要で発展した形でした。バロックの作曲家もソナタを書いたが、ソナタのクラシックスタイルは完全に異なっている。弦楽四重奏から交響曲や協奏曲まで、クラシック時代の主要な楽器形式はすべて、ソナタの構造に基づいていました。

クラシック時代に行われた最も重要な変更の1つは、公開コンサートの開発でした。貴族はコンサートや作曲のスポンサーとして依然として重要な役割を果たしましたが、作曲家は今では女王や王子の正社員でなくても生き残ることができました。クラシック音楽の人気の高まりは、オーケストラの数と種類の増加につながりました。オーケストラコンサートの拡大は、大きな公演スペースの建設を必要としました。交響曲、バレエの伴奏オペラオラトリオなどの声楽と器楽の混合ジャンルを含む交響曲が人気を博しました。

古典主義の最も有名な作曲家は、ジョセフ・ハイドンヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベンフランツ・シューベルトです。ベートーベンとシューベルトも、ロマン主義に向かって動き始めたため、クラシック時代の後半には作曲家と見なされています。

ロマン主義

R.ワーグナー
ワルキューレ

中にロマンチックな音楽の時代(C。1900年から1810年)、作曲はもっと情熱的な、劇的な表現力の部分に古典時代の剛性のスタイルとフォームを回しました。作曲家は自分たちの音楽の感情的な表現と力を増やそうとし、より深い真実や人間の感情を表現しようとしました。交響詩で、作曲家は器楽を使って物語を語り、イメージや風景を呼び起こそうとしました。一部の作曲家はフォークミュージックに触発された愛国的なオーケストラ音楽でナショナリズムのプライドを促進しました。作曲家にとって、音楽の感情的で表現力のある性質は、教科書や伝統に従うことよりも優先されるようになりました。ロマンチックな作曲家は特異性で成長し、シンクレティズムでさらに進んだ音楽の文脈(文学など)、歴史(歴史上の人物や伝説)、または自然そのものの中でさまざまな芸術形態を探求すること。ロマンチックな愛や憧れは、この時期に作曲された多くの作品で流行したテーマでした。場合によっては、古典派の形式的な構造が引き続き使用されていましたが(たとえば、弦楽四重奏交響曲で使用されるソナタ形式)、これらの形式は拡張および変更されました。多くの場合、作曲家は既存のジャンル、形式、機能に使用する新しいアプローチを模索していました。また、作曲家は、新しい主題により適していると見なされる新しいフォームを作成しました。オペラバレエは発展を続けました。[5]

1800年以降、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベンフランツ・シューベルトによって開発された音楽は、より劇的で表現力豊かなスタイルを導入しました。ベートーベンの場合、有機的に開発された鎖モチーフが最も重要な作曲単位としてメロディーに取って代わるようになりました(例は彼の第5交響曲で使用された独特の4音符の図です)。その後、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーアントニン・ドヴォルザークグスタフ・マーラーなどのロマン派の作曲家はより珍しい和音不協和音を使用しました劇的な緊張を生み出すために。彼らは複雑で、しばしばはるかに長い音楽作品を生み出しました。ロマン派後期、作曲家は拡張された和音変更された和音など調性の劇的な色の変化を探求し、新しい音の「色」を生み出しました。ロマン派時代の作曲家は、プレーヤーを追加し、新しい楽器を使用することでオーケストラのサイズを拡大し、より強力なサウンドを作成しました。一部のワグナーオーケストラには、複数のハープ、巨大な弦のセクション、ワグナーチューバが含まれていました

20世紀と21世紀の音楽

19世紀、新しい作曲が一般に知られるようになった重要な方法の1つは、アマチュア音楽愛好家が自宅でピアノやその他の楽器で演奏する楽譜の販売でした。20世紀の音楽、として音楽鑑賞で、広大な増加があったラジオ得て人気と蓄音機は、音楽を再生して配布するために使用されたが。 20世紀には、現代のクラシック作曲家アフリカ系アメリカ人の 即興ベースのジャズ音楽の影響を受けました。ジャズの影響は、サードストリーム音楽とレナードバーンスタインの作曲に見ることができます。の焦点アートミュージックは、新しいリズム、スタイル、サウンドの探求が特徴でした。イゴール・ストラヴィンスキーアーノルド・シェーンベルクジョン・ケージはすべて、20世紀の芸術音楽で影響力のある作曲家でした。ケージは、ラジオなど、通常は楽器とは考えられていない伝統的な古典楽器や珍しい音を出す装置の作曲を書きました。発明録音テープに編集した音楽への能力には、クラシック音楽の新しいサブジャンルを生み出したacousmatic [6]音楽院コンクリート作曲が使用して作品を作っている電子構図の学校、オープンリールのテープレコーダーをし、電子機器。

女性の役割

19世紀の作曲家兼ピアニストのクララシューマン

1993年、アメリカの音楽学者 Marcia Citronは、「なぜ女性が作曲した音楽は、標準的な「クラシック」レパートリーにそれほど限界がないのか」と尋ねました。[7] Citronは、「演奏された音楽作品の規範から女性作曲家を排除することにつながった慣行と態度を調べます。」彼女は、1800年代には、女性の作曲家は通常、大ホールでのオーケストラとの演奏を目的とした交響曲ではなく、小さなリサイタルでの演奏のためにアートソング書き、後者の作品は作曲家にとって最も重要なジャンルと見なされていたと主張します。女性の作曲家は多くの交響曲を書いていなかったので、彼らは作曲家として注目に値しないと見なされました。[7]

アビー・フィリップによれば、「女性ミュージシャンは、突破して自分たちにふさわしいクレジットを獲得するのに非常に苦労しました」。[8]中世の時代、芸術音楽のほとんどは宗教的(宗教的)目的で作成され、宗教指導者によって保持された女性の役割についての見解のために、修道女ヒルデガルトと一緒にこのタイプの音楽を作曲した女性はほとんどいませんでしたフォンビンゲンは例外の中にあります。音楽の歴史に関するほとんどの大学の教科書は、ほとんど独占的に男性の作曲家の役割について論じています。同様に、女性の作曲家による作品は、クラシック音楽の標準的なレパートリーの一部ではありません。では音楽の簡潔なオックスフォードの歴史、「クララShumann [原文のまま]は言及された唯一の女性作曲家の1人です」[8]が、一般的な練習期間の他の注目すべき女性作曲家にはファニーメンデルスゾーンセシルシャミナードが含まれ、おそらく20世紀半ばの作曲家の最も影響力のある教師はナディアブーランジェでした。[引用が必要]フィリップスは、「[d] 20世紀の間、作曲/演奏をしている女性は、男性よりもはるかに注目を集めていなかった」と述べています。[8]

今日の女性はコンサート音楽の分野でより真剣に受け止められていますが、認識、賞、雇用、および全体的な機会の統計は依然として男性に偏っています。[9]

クラスタリング

有名な作曲家は、歴史を通して特定の都市に集まる傾向があります。Grove Music Onlineにリストされている12,000人を超える著名な作曲家に基づいて、単語数測定技術を使用して、クラシック音楽の最も重要な都市を定量的に特定できます。[10]

パリは、すべての時代においてクラシック音楽の主要なハブでした。 15世紀と16世紀には5位でしたが、17世紀から20世紀には1位でした。ロンドンは2番目に意味のある都市でした。15世紀に8番目、16世紀に7番目、17世紀に5番目、18世紀と19世紀に2番目、20世紀に4番目でした。ローマは15世紀にランキングを上回り、16世紀と17世紀に2位、18世紀に8位、19世紀に9位に落ちましたが、20世紀には6位に戻りました。ベルリンは18世紀にのみトップ10にランクインし、19世紀と20世紀の両方で3番目に重要な都市にランクされました。ニューヨーク市は19世紀にランキングに入り(5位)、20世紀には2位になりました。パターンは、522人のトップ作曲家のサンプルと非常によく似ています。[11]

トレーニング

プロのクラシック作曲家は、多くの場合、子供時代から10代の間に、合唱団の歌手青少年オーケストラの演奏者、またはソロ楽器(ピアノパイプオルガンなど)の演奏者としてクラシック音楽を演奏した経験があります。ヴァイオリン)。作曲家を目指す10代の若者は、大学、温室、大学など、さまざまな正式なトレーニング環境で高等教育を継続できます。温室フランスとケベック(カナダ)の標準的な音楽トレーニングシステムである、は、作曲の学生にレッスンとアマチュアオーケストラと合唱の歌の経験を提供します。大学は、学士号、音楽修士号、音楽芸術博士号など、さまざまな作曲プログラムを提供していますまた、クラシックサマーキャンプやフェスティバルなど、さまざまなトレーニングプログラムがあり、学生は作曲家からコーチングを受ける機会があります。

学部

作曲の学士号(B.Mus。またはBMと呼ばれる)は、個別の作曲レッスン、アマチュアオーケストラ/合唱体験、音楽史、音楽理論、およびリベラルアーツコースの一連のコースを含む4年間のプログラムです(例: 、英文学)、これは学生により包括的な教育を提供します。通常、作文の学生は卒業する前に重要な曲や曲を完成させる必要があります。すべての作曲家がB.Musを持っているわけではありません。構成で; 作曲家はB.Musを保持することもできます。音楽パフォーマンスや音楽理論で。

マスター

作曲の修士号(M.mus。)は、作曲教授によるプライベートレッスン、アンサンブルの経験、音楽史と音楽理論の大学院コース、作曲学生の作品をフィーチャーした1つまたは2つのコンサートで構成されています。音楽の修士号(M.Mus。またはMMと呼ばれる)は、大学や温室で作曲を教えたい人にとって、必要最小限の資格であることがよくあります。M.Musの作曲家。大学の非常勤教授またはインストラクターになることもできますが、2010年代には、この学位でテニュアトラック 教授の地位を取得することは困難です。

博士号

テニュアトラックの教授になるために、多くの大学は博士号を必要とます。作曲では、主要な博士号は博士号ではなく、音楽芸術博士号です。博士号は音楽で授与されますが、通常は音楽学音楽理論などの科目で授与されます。

作曲の博士号(DMA、DMA、D.Mus.A。またはA.Mus.Dと呼ばれる)は、最高の芸術的および教育学的レベルで高度な研究の機会を提供し、通常は追加の54単位以上の時間を必要とします修士号を超えています(学士号を超えて約30単位以上です)。このため、入学は非常に選択的です。生徒は自分の作文の例を提出する必要があります。可能な場合、一部の学校では、生徒の作品のパフォーマンスのビデオまたはオーディオの録音も受け付けます。音楽史、音楽理論、耳のトレーニング/ディクテーション、および入学試験の試験が必要です。

学生は、教員構成教授の指導の下で重要な構成を準備する必要があります。一部の学校では、DMA作曲の生徒に作品のコンサートを提示するよう求めています。コンサートは通常、学校の歌手やミュージシャンによって行われます。高度なコースワークの完了と最小B平均は、DMAプログラムの他の典型的な要件です。DMAプログラム中に、作曲の学生は学部の音楽の学生を教える経験を積むかもしれません。

その他のルート

一部のクラシック作曲家は作曲プログラムを完了しませんでしたが、声や楽器の演奏や音楽理論焦点を当て、別の音楽職でのキャリアの過程で作曲スキルを磨きました。

雇用

中世の間、ほとんどの作曲家はカトリック教会で働き、平凡なメロディーなどの宗教的奉仕のために音楽を作曲しました。中にルネサンス音楽の時代、作曲は通常、貴族の雇用者のために働きました。貴族は通常、作曲家にミサなどのかなりの量の宗教音楽を制作することを要求しましたが、作曲家はまた、宮廷愛のトピックについて多くの非宗教的な歌を書きました:遠くからの偉大な女性の敬意を表する敬虔な愛。宮廷愛の歌はルネサンス時代に非常に人気がありました。中にバロック音楽の時代、多くの作曲は貴族や教会の従業員として採用されました。中に古典的な期間、作曲家は利益のためにより多くの公開コンサートを開催し始めました。これは作曲家が貴族や教会の仕事にあまり依存しないようにするのに役立ちました。この傾向は19世紀のロマン派音楽時代にも続いた20世紀になると、作曲家は大学や温室で教授としての就職を模索し始めました。20世紀には、作曲家は、曲や作品の楽譜出版物や作品の録音など、作品の販売からもお金を稼ぎました

も参照してください

参考文献

  1. ^ 「作曲家」コリンズ英語辞典2021-01-19を取得
  2. ^ Landels、John G.(1999)。古代ギリシャとローマの音楽ロンドンとニューヨーク:ラウトレッジ。ISBN 9780415167765
  3. ^ ソーンバーグ、エレイン; ローガン、ジャック。「バロック音楽」trumpet.sdsu.edu2015-09-05にオリジナルからアーカイブされまし2015年1027日取得
  4. ^ ブルーメ、フリードリヒ(1970)。クラシック音楽とロマン派音楽:包括的な調査ニューヨーク:WWノートン。
  5. ^ サベージ、ロジャー。「付随音楽」グローブミュージックオンライン2012年8月13取得
  6. ^ シェフェール、ピエール(1966)。Traitédesobjetsmusicauxパリ:ÉditionsduSeuil。
  7. ^ a b Citron、Marcia J.(1993)。ジェンダーとミュージカルキャノンCUPアーカイブISBN 9780521392921
  8. ^ a b c フィリップス、修道院(2011年9月1日)。「音楽における女性の歴史とジェンダーの役割」Rvanews.com 取得した2016年1月20日を
  9. ^ アレックスアンブローズ(2014年8月21日)。「彼女の音楽:今日の新興女性作曲家」WQXR 2020413日取得
  10. ^ Borowiecki、Karol; オハーガン、ジョン(2012)。「自動的に抽出されたデータに基づく歴史的パターン:古典的な作曲家の場合」歴史的社会調査(セクション「数量経済史」)AssociationFrançaisedeCliométrie。37(2):298–314 2012年10月13日取得
  11. ^ オハーガン、ジョン; Borowiecki、Karol(2010年7月8日)。「重要な作曲家の出生地、移行、およびクラスタリング」。歴史的方法43(2):81–90。土井10.1080 / 01615441003729945S2CID 128708194 

外部リンク