俳優

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俳優または女優以下を参照)は、パフォーマンスでキャラクターを演じる人物です。[1]俳優は、劇場の伝統的なメディア、または映画ラジオテレビなどの現代のメディアで「肉体で」演じます。類似のギリシャ語はὑποκριτήςhupokritḗs)で、文字通り「答える人」です。[2]俳優の役割の解釈—演技の芸術-実在の人物または架空の人物に基づくかどうかにかかわらず、演じられる役割に関係します。これは、劇場で巻物が使われていることから「俳優の役割」と呼ばれることもあります。ある種の実験的なパフォーマンスアートのように、俳優が「自分で遊んでいる」ときでも解釈が起こります。

以前は、古代ギリシャ中世の世界、そしてウィリアムシェイクスピアの時代のイギリスでは、男性だけが俳優になることができ、女性の役割は一般的に男性または男の子によって演じられていました。[3] 古代ローマは女性の舞台パフォーマーを許可していましたが、話す部分を与えられたのはごく少数でした。しかし、イタリアコメディア・デラルテは、プロの女性が早い段階で演奏することを可能にしました。ルクレツィア・ディ・シエナは、1564年10月10日から俳優の契約に基づいており、ヴィンチェンツァ・アルマーニバーバラ・フラミニアとともに、名前で知られる最初のイタリアの女優と呼ばれています。イタリア(そしてヨーロッパ)で最初のプリマドンナスと最初の十分に文書化された女優として。[4] 1660年のイギリス王政復古 後、イギリスでは女性が舞台に登場し始めた。現代では、特にパントマイムや一部のオペラでは、女性が男の子や若い男性の役割を果たすことがあります。[5]

歴史

演技俳優の最初の記録された事件は、紀元前534年に発生しました(ただし、長年にわたるカレンダーの変更により、正確に判断することは困難です)劇や物語のキャラクターとして。テスピスの演技以前は、ギリシャの物語は歌、踊り、そして第三者の物語でしか表現されていませんでした。テスピスに敬意を表して、俳優は一般的にテスピスと呼ばれます古代ギリシャの劇場で独占的に男性俳優が演じたのは悲劇コメディそしてサテュロス劇[6]西洋の劇場は、ローマ人の下でかなり発展し、拡大しました。古代ローマの劇場は、ストリートシアター、ヌードダンス、アクロバットのフェスティバルパフォーマンスから、シットコムコメディのステージング、ハイスタイルで口頭で精巧な悲劇に至るまで、繁栄し多様な芸術形式でした

西ローマ帝国が4世紀から5世紀にかけて崩壊するにつれ、ローマ帝国の権力の座はコンスタンティノープルビザンチン帝国に移りました。記録によるとパントマイム、悲劇コメディダンス、その他の娯楽のシーンや朗読が非常に人気がありまし5世紀から、西ヨーロッパは一般的な混乱の時代に突入しました。俳優の小さな遊牧民のバンドは、期間中ヨーロッパ中を旅し、聴衆を見つけることができるところならどこでも演じました。彼らが粗野なシーン以外のものを生み出したという証拠はありません。[7]伝統的に、俳優は高い地位にありませんでした。したがって、中世初期には、旅行中の演技部隊はしばしば不信感を持って見られていました。中世初期の俳優は暗黒時代に教会によって非難されました。彼らは危険で、不道徳で、異教徒であると見なされていたからです。ヨーロッパの多くの地域では、この地域と時代の伝統的な信念は、俳優がキリスト教の埋葬を受けることができないことを意味していました。

中世初期に、ヨーロッパの教会は聖書の出来事の脚色されたバージョンを上演し始めました。11世紀半ばまでに、典礼劇はロシアからスカンジナビア、そしてイタリアへと広がりました。愚か者の饗宴はコメディの開発を奨励しました。中世後期には、127の町で戯曲が上演されました。これらの神秘劇には、俳優が悪魔悪役道化師を演じるコメディが含まれていることがよくあります[8]これらの劇の俳優の大多数は地元の人々から引き出されました。イギリスのアマチュアパフォーマーは男性だけでしたが、他の国では女性パフォーマーがいました。

中世にはいくつかの世俗的な戯曲が上演されましたが、その初期のものは1276年のアダムデラハレによるグリーンウッドの戯曲です。風刺的なシーンや、妖精やその他の超自然的な出来事などの民俗資料が含まれています。茶番劇も13世紀以降劇的に人気が高まりました。中世後期の終わりに、プロの俳優がイギリスとヨーロッパに現れ始めました。リチャード3世ヘンリー7世は、どちらもプロの俳優の小さな会社を維持していました。16世紀半ばに始まり、Commedia dell'arte劇団は何世紀にもわたってヨーロッパ中で活発な即興のプレイレットを演奏しました。Commedia dell'arteは俳優中心の劇場で、必要な風景はほとんどなく、小道具もほとんど必要ありませんでした。演劇は、俳優が即興で演じた状況、複雑さ、行動の結果を提供する緩い枠組みでした。劇はストックキャラクターを使用しました。劇団は通常13から14人のメンバーで構成されていました。ほとんどの俳優は、彼らの役割のサイズとほぼ同等の演劇の利益の一部を支払われました。

典型的なエリザベス朝のオープンルーフプレイハウスであるスワンのアリーナステージ進行中のパフォーマンスの1596年のスケッチ

神秘劇、「道徳劇」、アテナイの悲劇を再現しようとした「大学演劇」など、いくつかの中世演劇の伝統から派生したルネッサンス劇場。イタリアのコンメディア・デラルテの伝統や、法廷で頻繁に上演される精巧な仮面劇も、公立劇場の形成に貢献しました。エリザベス1世の治世以前から、プレーヤーの会社は一流の貴族の世帯に所属し、さまざまな場所で季節ごとに演奏していました。これらは、エリザベス朝の舞台で演奏するプロのプレーヤーの基盤となりました

舞台へのピューリタンの反対がロンドン内のすべての演劇の公演を禁止したとき、劇場の発展と演技の機会は終わりました。ピューリタンは劇場を不道徳と見なしていました。1660年の劇場の再開は、英国の演劇のルネッサンスを示しました。1660年から1710年までの王政復古期に書かれ、演じられた英国王政復古コメディは、総称して「王政復古コメディ」と呼ばれます。王政復古コメディは、その性的な露骨さで有名です。この時点で、女性は女性の役割だけで、初めて英語の舞台に登場することが許可されました。この時期には、最初のプロの女優が登場し、最初の有名人俳優が登場しました。

19世紀

ベルのヘンリー・アーヴィング、1874年

19世紀になると、俳優の否定的な評判は大きく逆転し、演技は名誉ある人気のある職業や芸術になりました。[9]観客が彼らのお気に入りの「スター」に群がったので、有名人としての俳優の台頭は移行を提供しました。独自の会社を設立し、俳優、プロダクション、資金調達を管理する俳優マネージャーに新しい役割が生まれました。[10]成功したとき、彼らは彼らの作品に群がった恒久的な顧客を築き上げました。彼らは、シェイクスピアのような有名な戯曲のレパートリーを演奏して、全国をツアーすることで観客を増やすことができました。新聞、プライベートクラブ、パブ、コーヒーショップは、スターとプロダクションの相対的なメリットを評価する活発な議論で賑わいました。ヘンリー・アーヴィング(1838-1905)は、イギリスの俳優マネージャーの中で最も成功した人物でした。[11]アーヴィングは、シェイクスピアの役割と、観客ではなく舞台に注意を向けられるように家の明かりを消すなどの革新で有名でした。彼の会社は、英国、ヨーロッパ、米国をツアーし、スター俳優の力を示し、熱狂的な聴衆を引き付ける役割を称えました。1895年の彼の騎士団は、英国社会のより高いサークルへの完全な受け入れを示しました。[12]

20世紀

ジョンハドソンの妻のシューベルト劇場のプレゼンテーションのプレイビルカバー

20世紀初頭までに、大規模な制作の経済学は俳優-マネージャーモデルに取って代わりました。演技と演出の天才を兼ね備えた人を見つけるのは難しすぎたため、舞台監督とその後の演出家としての役割が専門化されました。財政的には、大都市から運営するにははるかに大きな資本が必要でした。解決策は、 Theatrical SyndicateEdward Laurillard、特にThe ShubertOrganizationなどによる一連の劇場の企業所有でした観光客に対応することで、大都市の劇場は、非常に人気のある演劇、特にミュージカルの長期にわたる人気をますます高めています。有名スターはさらに不可欠になりました。[13]

テクニック

  • 古典的な演技は、身体の表現、声、想像力、個人化、即興、外部刺激、およびスクリプト分析を統合する演技の哲学です。これは、コンスタンチン・スタニスラフスキーミシェル・サン・ドニなど、選ばれた古典的な俳優や監督の理論とシステムに基づいています
  • スタニスラフスキーの方法としても知られるスタニスラフスキーのシステムでは、俳優は自分の感情や経験を利用して、描写するキャラクターの「真実」を伝えます。俳優はキャラクターの考え方に身を置き、キャラクターのより本物の描写を与えるために共通点を見つけます。
  • メソッド演技は、リー・ストラスバーグによって定式化されたように、俳優が演じるキャラクターのより良い特徴付けを達成するために俳優を訓練するために基づく一連の技術ですストラスバーグの方法は、彼らの役割の感情的で認知的な理解を深めるために、俳優は彼ら自身の経験を使って彼らのキャラクターと個人的に同一視するべきであるという考えに基づいています。これは、スタニスラフスキーのシステムの側面に基づいています。ステラアドラーサンフォードマイズナーなどの他の演技技法もスタニスラフスキーのアイデアに基づいていますが、これらは「メソッド演技」とは見なされません。[14]
  • メイズナー技術では、俳優が本物であるかのように他の俳優に完全に集中する必要があり、彼らはその瞬間にのみ存在します。これは、シーン内の俳優を観客にとってより本物らしく見せるための方法です。それは、演技が他の人々や状況に対する人々の反応にその表現を見いだすという原則に基づいています。それはスタニスラフスキーのシステムに基づいていますか?

異性として

以前は、一部の社会では、男性だけが俳優になることができました。古代ギリシャ古代ローマ[15]中世の世界では、女性が舞台に立つことは恥ずべきことであると考えられていました。それにもかかわらず、女性は古代ローマで演奏し、16世紀にイタリアのコンメディアデラルテの舞台に再び登場しました。ルクレツィアディシエナは、古代ローマ以来、おそらく最初のプロの女優になりました。フランスやスペインにも、16世紀には女性俳優がいました。しかし、ウィリアムシェイクスピアのイギリスでは、女性の役割は一般的に男性または男の子によって演じられていました。[3]

1660年の英国王政復古後、18年間のピューリタンによる演劇の禁止が解除されたとき、女性がイギリスの舞台に登場し始めました。マーガレット・ヒューズは、英国の舞台で最初のプロの女優として認められることがよくあります。[16]以前は、イタリアのコンメディア・デッラルテを訪れた会社のメンバーである アンジェリカ・マルティネリは、早くも1578年にイギリスで公演を行いましたが[17]、そのような外国人ゲスト出演はまれな例外であり、プロのイギリス人女優はいませんでした。イングランド。この禁止は、チャールズ2世の治世中に、彼が舞台で女優を見ることを楽しんだこともあり、終了しました。[18]具体的には、チャールズ2世がトマス・キリグルーとウィリアム・ダヴェナントに特許証を発行深刻」ドラマを上演する2つのロンドンの劇団を設立する独占権を付与しました。[19]

OEDによると、女優という用語が最初に登場したのは1608年で、ミドルトンによるものです。19世紀には、女優はしばしば遊女であり、乱交に関連していたため、多くの人が女性を否定的に行動していると見なしていましこれらの偏見にもかかわらず、19世紀には、最初の女性俳優の「スター」、特にサラ・ベルナールも見られました。[20]

日本では、江戸時代に女性が舞台に立つことを禁じられたときに、女形、つまり女性の役割を担う男性が歌舞伎劇場で使用されました。この慣習は続きます。京劇のような中国のドラマのいくつかの形式では、男性は伝統的に女性の役割を含むすべての役割を果たしましたが、Shaoxingのオペラでは女性が男性を含むすべての役割を演じることがよくあります。[21]

現代では、女性は時々男の子や若い男性の役割を果たしました。たとえば、ピーターパンの舞台の役割は、英国のパントマイムのほとんどのプリンシパルボーイと同様に、伝統的に女性が演じています。オペラには、伝統的に女性が歌ういくつかの「ズボン役」があり、通常はメゾソプラノです。例としては、ヘンゼルとグレーテルのヘンゼルフィガロの結婚のチェルビーノ、ばらの騎士のオクタヴィアンがあります。

男性の役割を演じる女性は、注目すべき例外を除いて、映画では珍しいです。1982年、スティナ・エクブラッドはファニーとアレクサンダー神秘的なイスマエル・レツィンスキーを演じ、リンダ・ハント危険な年にビリー・クワンを演じたことでアカデミー助演女優賞を受賞しました。2007年、ケイトブランシェットは、1960年代にボブディランの架空の代表であるジュードクインを「アイムノットゼア」で演じたことで、アカデミー助演女優賞にノミネートされました

2000年代には、ライブシアターで男性を演じる女性は、性別が重要ではない役割で多数の男性キャラクターを演じるシェイクスピア作品など、古い劇のプレゼンテーションで特に一般的です。[5]

コミック効果の異性として俳優のドレスを着ることも、コミック劇場や映画の長年の伝統です。シェイクスピアのコメディのほとんどには、真夏の夜の夢のフルートなど、あからさまな女装の例が含まます映画「フォーラムへの途中で起こった面白いこと」は、ジャック・ギルフォードが若い花嫁の格好をしていることを主演しています。トニー・カーティスジャック・レモンは、ビリー・ワイルダーの映画「お熱いのがお好き」でギャングから逃れるために女性を装ったことで有名です。コミック効果のための女装は、ほとんどのキャリーオン映画で頻繁に使用されるデバイスでした。ダスティン・ホフマンロビン・ウィリアムズはそれぞれ、女性に扮したほとんどのシーンを演じ たヒットコメディ映画(それぞれトッツィーミセスダウトファイア)に出演しています。

時折、問題はさらに複雑になります。たとえば、女性が男性として行動する女性を演じる場合、ビクター/ビクトリアのジュリーアンドリュースシェイクスピアインラブのグウィネスパルトロウなど、女性のふりをします。『いとしのパット:映画』では、映画鑑賞者は両性具有の主人公であるパットとクリス(ジュリア・スウィーニーデイブ・フォーリーが演じる)の性別を知ることはありません。同様に、前述のフィガロの結婚の例では、チェルビーノ(女性が描く男性キャラクター)がドレスアップして女性のように振る舞うシーンがあります。シーン内の他のキャラクターは、性別役割の難読化の1つのレベルを認識していますが、視聴者は2つのレベルを認識しています。

いくつかの現代的な役割は、役割の性別の流動性を強調するために異性のメンバーによって演じられています。ヘアスプレーのエドナターンブラッドは1988年のオリジナル映画ディバインブロードウェイミュージカルでハーヴェイファイアスタイン2007年の映画ミュージカルジョントラボルタによって演じられましたエディ・レッドメインは、2015年のThe Danish Girlでリリーエルベトランスジェンダーの女性)を演じたアカデミー賞にノミネートされました[22]

用語女優

ヘレナ・モドルゼイェフスカ、ポーランド系アメリカ人の女優、タデウシュ・アイドゥキエヴィチ作、 1880年

古代ギリシャの劇場とは対照的に、古代ローマの劇場では女性の出演者が許可されていました。彼らの大多数は話す役割ではなくダンスのために雇用されることはめったにありませんでしたが、ローマには少数の女優が話す役割で雇用されまし。コピオラファビア・アレテ、そして彼らはまた、明らかに非常に裕福だった彼ら自身の演技ギルド、ソシアエ・ミマエを結成しました。[23] この職業は古代末期に消滅したようだ。

女性は17世紀後半までイギリスで公演を開始しませんでしたが、16世紀後半以降、イタリア、スペイン、フランスに出演しました。1564年10月10日からローマで演技契約を結んでいるルクレツィアディシエナは、名前で知られる最初のイタリアの女優と呼ばれ、ヴィンチェンツァアルマーニバーバラフラミニアが最初のプリマドンナであり、イタリアで最初の十分に文書化された女優です(およびヨーロッパ)。[4]

1660年にイギリスで女性が最初に舞台に登場し始めたとき、俳優または女優という用語は最初は女性の出演者と同じ意味で使用されていましたが、後にフランスの俳優の影響を受けて、女優は劇場や映画で女性に一般的に使用される用語になりました。語源は、-essが追加されたアクターからの単純な派生語です。[24]男女のパフォーマーのグループに言及する場合、俳優が好まれます。[25]

職業の中で、中立的な用語の再採用は、一般的な文化的生活への女性の貢献が見直されていた1950年と60年代の戦後の期間にさかのぼります。[26]オブザーバーガーディアンが2010年に新しい共同スタイルガイドを発表したとき、「男性と女性の両方の俳優に['actor']を使用します。賞の名前の場合を除いて女優を使用しないでください。たとえば、アカデミー主演女優賞を受賞しました。 "。[25]ガイドの著者は、「女優は、作家、コメディアン、マネージャー、「女性医師」、「男性看護師」、および職業が主に1つの性別の保護であった時代にさかのぼる同様の廃止された用語と同じカテゴリに分類されると述べました(通常は男性)。」。)「ウーピーゴールドバーグ紙とのインタビューでそれを述べたように: '女優は女性しか演じることができません。私は俳優です-私は何でも演じることができます。 「俳優」または「女優」の使用。エクイティのスポークスパーソンは、組合はこの問題についてコンセンサスがあるとは信じておらず、「...主題は職業を分割している」と述べた。[25] 2009年、ロサンゼルスタイムズは、「女優」は、女性の受賞者に与えられる主要な演技[27](たとえば、アカデミー主演女優賞)で使用される一般的な用語であると述べました。

アメリカの映画に関しては、無声映画時代や映画製作法の黎明期の映画では、ジェンダーニュートラルな用語「プレーヤー」が一般的でしたが、映画の文脈では2000年代には一般的です。古風なものと見なされます。[要出典]ただし、「プレーヤー」は劇場で使用され続けており、多くの場合、アメリカのプレーヤーイーストウェストプレーヤーなどの劇場グループまたは会社の名前に組み込まれています。また、即興劇場の俳優を紹介することもできます。 「プレイヤー」として。[28]

同一労働同一賃金

2015年、フォーブスは「... 2014年の売上高100本の映画のうち21本だけが女性のリードまたは共同主演を演じましたが、売上高100本の映画の登場人物の28.1%だけが女性でした...」と報告しました。[29]「米国では、あらゆる規模の給与に業界全体の[ギャップ]があります。平均して、白人女性は白人男性が稼ぐ1ドルあたり78セントを稼ぎ、ヒスパニック系女性は白人男性1ドルあたり56セント、黒人女性は64セント、ネイティブアメリカンの女性はわずか59セントを稼ぎます。」[29] フォーブスの分析2013年の米国の演技給与は、「...その年のフォーブスのトップペイドアクターのリストに載っている男性は2人になった」と判断しました。1/2高給の女優の何倍ものお金。これは、ハリウッドの最高の報酬を受けた女優が、最高の報酬を受けた男性が作った1ドルあたりわずか40セントを稼いだことを意味します。」[30] [31] [32]

タイプ

劇場映画テレビラジオで働く俳優は、特定のスキルを学ぶ必要があります。あるタイプの演技でうまく機能するテクニックは、別のタイプの演技ではうまく機能しない場合があります。

劇場で

舞台で演じるには、俳優は「ステージ左」や「ステージ右」など、脚本に登場する舞台の方向性を学ぶ必要があります。これらの方向性は、俳優が観客に向かってステージに立っているときの俳優の視点に基づいています。俳優はまた、ステージの方向「アップステージ」(観客から離れる)と「ダウンステージ」(観客に向かう)の意味を学ぶ必要があります[33]劇場の俳優は、ブロッキングを学ぶ必要があります。演劇中にステージ上を移動します。」ほとんどのスクリプトは、いくつかのブロッキングを指定します。ディレクターはまた、ステージを横切る、小道具を手に取って使用するなど、ブロックについての指示を出します。[33]

一部の演劇俳優は、舞台での戦闘をシミュレートする殺陣を学ぶ必要があります。アクターは、白兵戦または剣の戦いをシミュレートする必要がある場合があります。俳優は、振り付けされた一連の戦闘アクションを学ぶのを助ける戦闘ディレクターによって指導されます。[33]

映画で

無声映画

1894年から1920年代後半まで、映画は無声映画でした。無声映画俳優はボディーランゲージ顔の表情を強調し、観客は俳優が画面上で感じていることや描写していることをよりよく理解できるようにしました。多くの無声映画の演技は、現代の観客を単純化または野蛮なものとして攻撃する傾向があります。メロドラマ的な演技スタイルは、場合によっては、以前の舞台経験から移された習慣俳優でした。ヴォードヴィル劇場は、多くのアメリカの無声映画俳優にとって特に人気のある起源でした。[34]マーシャル・ニーラン監督からのこの爆発の原因は、映画に舞台俳優が広く存在していたことでした。1917年:「写真に登場したステージの人々が早く出るほど、写真は良くなります。」他のケースでは、ジョン・グリフィス・レイなどの監督は、俳優に、強調のために実物よりも大きな表現を提供するように要求しました。早くも1914年に、アメリカの視聴者は画面上でより自然なものを好むことを知らせ始めていました。[35]

ヨーロッパとアメリカの先駆的な映画監督は、1910年代初頭までに、舞台とスクリーンの媒体のさまざまな制限と自由を認識していました。無声映画は、舞台とスクリーンの違いが明らかになるにつれて、1910年代半ばにヴォードヴィリアンが少なくなりました。DWグリフィスなどの監督の仕事により、撮影は舞台のようなものではなくなり、当時の革命的なクローズアップショットは微妙で自然な演技を可能にしました。アメリカでは、DWグリフィスの会社であるBiograph Studiosが、舞台ではなく映画館に合わせて行われた革新的な演出と演技で知られるようになりました。グリフィスは、演劇が映画では見栄えが良くないことに気づき、俳優や女優に数週間の映画演技トレーニングを受講する必要がありました。[36]

リリアン・ギッシュは、舞台とスクリーンの演技の決定的な違いを認識し、新しい映画の舞台技術を開拓したことから、この時代の彼女の作品で映画の「最初の真の女優」と呼ばれています。アルベール・カペラーニモーリス・トゥールヌールなどの監督は、映画の中で自然主義を主張し始めました。1920年代半ばまでに、多くのアメリカの無声映画はより自然主義的な演技スタイルを採用しましたが、すべての俳優や監督が自然主義的で控えめな演技をすぐに受け入れたわけではありません。1927年まで、メトロポリスなどの表現主義的な演技スタイルを特徴とする映画がまだリリースされていました。[35]

ウィスコンシン大学の無声映画学者であるアントン・ケースによれば、アメリカの無声映画は、ドイツの無声映画に見られる技術の影響を受けて、1913年から1921年の間に演技技術の変化を見始めました。これは主に、「映画監督、プロデューサー、カメラマン、照明、舞台技術者、俳優、女優を含む」ワイマール共和国からの移民の流入に起因しています。[37]

映画における音の出現

映画俳優は、彼らの前にあるカメラに慣れ、快適になることを学ぶ必要があります。[38]映画俳優は、自分たちの「目印」を見つけてそれを維持することを学ぶ必要があります。これは、テープでマークされた床上の位置です。この位置は、ライトとカメラの焦点が最適化される場所です。映画俳優はまた、上手に準備し、画面上で上手にテストを行う方法を学ぶ必要があります。スクリーンテストは、スクリプトの一部を撮影したオーディションです。

リピート公演のキャラクターを開発する演劇俳優とは異なり、映画俳優は連続性に欠けており、すでに完全に開発されたキャラクターですべてのシーンに来ることを余儀なくされています(最終的に現れる順序とは逆に撮影されることもあります)。[36]

「映画はどんなに小さなジェスチャーでも捉えて拡大するので、映画は劇場よりも俳優に派手で様式化された身体的パフォーマンスを要求します。」「感情のパフォーマンスは、マスターする映画の演技の最も難しい側面です。...映画俳優は、信頼できるキャラクターを作成するために、微妙な顔のダニ、矢筒、眉の小さなリフトに頼らなければなりません。」[36]一部の劇場スターは、「...劇場から映画館への移行に成功しました(たとえば、ローレンスオリヴィエグレンクローズジュリーアンドリュース)が、そうでない人もいます...」 [36]

テレビで

「テレビセットには、通常、セットに角度を付けた複数のカメラがあります。画面上の演技に不慣れな俳優は、どのカメラを調べるかについて混乱する可能性があります。」[33] TV俳優は、ラベリアマイク(ラベリアマイク)の使い方を学ぶ必要があります。[33] TV俳優は、「フレーム」の概念を理解する必要があります。「フレームという用語は、カメラのレンズがキャプチャしている領域を指します。」[33] 演技業界には、番組に上陸できる4種類のテレビの役割があります。それぞれのタイプは、目立ち、出現の頻度、および支払いが異なります。最初のものはシリーズレギュラーとして知られています—パーマネントキャストの一部としてのショーの主な俳優。繰り返しの俳優役割は、シリーズの複数のエピソードに登場する契約を結んでいます。共演者の役割は、通常1つのエピソードにのみ表示される小さな話し方の役割です。ゲスト出演者は共演者の役割よりも大きな役割であり、キャラクターはエピソードの中心的な焦点であるか、プロットに不可欠であることがよくあります。

ラジオで

オランダでのラジオドラマの録音(1949年; Spaarnestad Photo

ラジオドラマは、ドラマ化された純粋な音響パフォーマンスであり、ラジオで放送されるか、テープやCDなどのオーディオメディアで公開されます。視覚的な要素がないラジオドラマは、会話、音楽、効果音に依存して、リスナーがキャラクターやストーリーを想像できるようにします。「物理的な側面では聴覚的ですが、心理的な側面では視覚的な力と同じくらい強力です。」[39]

ラジオドラマは、1920年代に最初に開発されてから10年以内に広く普及しました。1940年代までに、それは主要な国際的な人気のある娯楽でした。しかし、1950年代のテレビの出現により、ラジオドラマはその人気の一部を失い、一部の国では大勢の視聴者を取り戻すことができませんでした。ただし、OTR(昔のラジオ)の録音は、コレクターや美術館のオーディオアーカイブ、およびインターネットアーカイブなどのいくつかのオンラインサイトで今日も存続しています

2011年の時点で、米国の地上波ラジオでのラジオドラマの存在は最小限です。アメリカのラジオドラマの多くは、過去数十年の番組の再放送またはポッドキャストに制限されています。しかし、他の国々にはまだラジオドラマの繁栄の伝統があります。たとえば英国では、BBCは、ラジオ3ラジオ4ラジオ4エクストラで、毎年何百もの新しいラジオプレイを制作し、放送しています。ポッドキャスティングは、ビンテージ番組の配信に加えて、新しいラジオドラマを作成する手段も提供しています。

「オーディオドラマ」[40]または「オーディオシアター」という用語は、「ラジオドラマ」と同義語として使用されることがありますが、1つの可能な区別があります。オーディオドラマまたはオーディオシアターは、必ずしもラジオでの放送を特に意図しているとは限りません。オーディオドラマは、新しく制作されたものであれ、OTRクラシックであれ、CDカセットテープポッドキャストWebキャスト、および従来の放送ラジオで見つけることができます。

デジタル録音とインターネット配信の進歩のおかげで、ラジオドラマは復活を遂げています。[41]

も参照してください

参考文献

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ソース

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さらに読む

外部リンク

  • 全米映画俳優組合(SAG):米国の映画俳優とテレビ俳優を代表する組合。
  • Actors'Equity Association(AEA):米国の演劇俳優と舞台監督を代表する組合。
  • 米国テレビラジオ芸術家連盟(AFTRA):米国のテレビおよびラジオの俳優と放送局(放送中のジャーナリストなど)を代表する組合。
  • 英国俳優労働組合:俳優、歌手、ダンサー、振付家、舞台監督、劇場の監督とデザイナー、バラエティとサーカスのアーティスト、テレビとラジオのプレゼンター、ウォークオンとサポートのアーティスト、スタントパフォーマーとディレクターを含む英国のアーティストを代表する労働組合と劇場の戦いの監督。
  • Media Entertainment&Arts Alliance:メディア、エンターテインメント、スポーツ、アート業界のすべての人を代表するオーストラリア/ニュージーランドの労働組合。