neoclasicismo

De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a navegación Saltar a buscar
Psique revivida por el beso de Cupido ; de Antonio Canova ; 1787; mármol; 155 cm × 168 cm; Lumbrera
Charles Towneley en su galería de esculturas ; de Johann Zoffany ; 1782; óleo sobre lienzo; alto: 127 cm, ancho: 102 cm; Museo y galería de arte Towneley Hall ( Burnley , Reino Unido)

El neoclasicismo (también escrito como neoclasicismo ) fue un movimiento cultural occidental en las artes decorativas y visuales , la literatura , el teatro , la música y la arquitectura que se inspiró en el arte y la cultura de la antigüedad clásica . El neoclasicismo nació en Roma en gran parte gracias a los escritos de Johann Joachim Winckelmann , en el momento del redescubrimiento de Pompeya y Herculano , pero su popularidad se extendió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte europeos terminó suGrand Tour y regresaron de Italia a sus países de origen con ideales grecorromanos recién redescubiertos. [1] [2] El principal movimiento neoclásico coincidió con el Siglo de las Luces del siglo XVIII y continuó hasta principios del siglo XIX, compitiendo lateralmente con el romanticismo . En arquitectura, el estilo continuó durante los siglos XIX, XX y hasta el XXI.

El neoclasicismo europeo en las artes visuales comenzó c. 1760 en oposición al estilo rococó entonces dominante . La arquitectura rococó enfatiza la gracia, la ornamentación y la asimetría; La arquitectura neoclásica se basa en los principios de la simplicidad y la simetría, que se consideraban virtudes de las artes de Roma y la Grecia antigua , y se extrajeron más inmediatamente del clasicismo renacentista del siglo XVI . Cada "neo"-clasicismo selecciona algunos modelos entre la gama de posibles clásicos que tiene a su disposición, e ignora otros. Los escritores y conversadores neoclásicos, mecenas y coleccionistas, artistas y escultores de 1765-1830 rindieron homenaje a una idea de la generación deFidias , pero los ejemplos de esculturas que en realidad adoptaron probablemente eran copias romanas de esculturas helenísticas . Ignoraron tanto el arte griego arcaico como las obras de la Antigüedad tardía . El arte "rococó" de la antigua Palmyra llegó como una revelación, a través de grabados en The Ruins of Palmyra de Wood . Incluso Grecia estaba casi sin visitar, un remanso accidentado del Imperio Otomano , peligroso para explorar, por lo que la apreciación de la arquitectura griega por parte de los neoclásicos estuvo mediada a través de dibujos y grabados , que sutilmente suavizaron y regularizaron, "corregieron" y "restauraron" los monumentos. de Grecia, no siempre conscientemente.

El estilo Imperio , una segunda fase del Neoclasicismo en arquitectura y artes decorativas , tuvo su centro cultural en París en la época napoleónica . Especialmente en la arquitectura, pero también en otros campos, el neoclasicismo siguió siendo una fuerza mucho después de principios del siglo XIX, con oleadas periódicas de renacimiento en el siglo XX e incluso en el XXI, especialmente en los Estados Unidos y Rusia.

Historia

El neoclasicismo es un renacimiento de los muchos estilos y el espíritu de la antigüedad clásica inspirado directamente en el período clásico, [3] que coincidió y reflejó los desarrollos en la filosofía y otras áreas de la Era de la Ilustración, y fue inicialmente una reacción contra los excesos de la estilo rococó anterior . [4] Si bien el movimiento a menudo se describe como la contraparte opuesta del romanticismo , esta es una gran simplificación excesiva que tiende a no ser sostenible cuando se consideran artistas u obras específicas. El caso del supuesto principal paladín del neoclasicismo tardío, Ingres , lo demuestra especialmente bien. [5]El renacimiento se puede remontar al establecimiento de la arqueología formal . [6] [7]

Johann Joachim Winckelmann , a menudo llamado "el padre de la arqueología" [8]

Los escritos de Johann Joachim Winckelmann fueron importantes para dar forma a este movimiento tanto en la arquitectura como en las artes visuales. Sus libros Pensamientos sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del arte antiguo", 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre el arte griego antiguo y el romano, y definir períodos dentro del arte griego. arte, trazando una trayectoria desde el crecimiento hasta la madurez y luego la imitación o la decadencia que continúa teniendo influencia hasta el día de hoy. Winckelmann creía que el arte debería apuntar a la "noble simplicidad y la grandeza tranquila", [9]y elogió el idealismo del arte griego, en el que dijo que encontramos "no solo la naturaleza en su forma más bella, sino también algo más allá de la naturaleza, a saber, ciertas formas ideales de su belleza, que, como nos enseña un antiguo intérprete de Platón , provienen de imágenes creado solo por la mente". La teoría distaba mucho de ser nueva en el arte occidental, pero su énfasis en la copia cercana de los modelos griegos fue: "La única forma de que seamos grandes o, si es posible, inimitables, es imitar a los antiguos". [10]

Con la llegada del Grand Tour , comenzó una moda de coleccionar antigüedades que sentó las bases de muchas grandes colecciones que difundieron un renacimiento neoclásico en toda Europa. [11] El "neoclasicismo" en cada arte implica un canon particular de un modelo "clásico".

En inglés, el término "neoclasicismo" se usa principalmente para las artes visuales; el movimiento similar en la literatura inglesa , que comenzó considerablemente antes, se llama literatura de Augusto . Esto, que había sido dominante durante varias décadas, estaba comenzando a declinar cuando el neoclasicismo en las artes visuales se puso de moda. Aunque los términos difieren, la situación en la literatura francesa era similar. En música, el período vio el surgimiento de la música clásica , y el "neoclasicismo" se usa para los desarrollos del siglo XX . Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck representaron un enfoque específicamente neoclásico, explicado en detalle en su prefacio a la partitura publicada de Alceste.(1769), que tenía como objetivo reformar la ópera eliminando la ornamentación , aumentando el papel del coro en línea con la tragedia griega y utilizando líneas melódicas más simples y sin adornos. [12]

Antón Rafael Mengs ; Sentencia de París ; alrededor de 1757; óleo sobre lienzo; altura: 226 cm, ancho: 295 cm, comprado por Catalina la Grande del estudio; Museo del Hermitage ( San Petersburgo , Rusia)

El término "neoclásico" no se inventó hasta mediados del siglo XIX, y en ese momento el estilo se describió con términos como "el verdadero estilo", "reformado" y "renacimiento"; lo que se consideraba revivido variaba considerablemente. Ciertamente, los modelos antiguos estaban muy involucrados, pero el estilo también podría considerarse como un renacimiento del Renacimiento, y especialmente en Francia como un retorno al barroco más austero y noble de la época de Luis XIV , por el cual se había desarrollado una nostalgia considerable. cuando la posición militar y política dominante de Francia comenzó un grave declive. [13] Ingreso 'renacimiento, a la desaprobación de los críticos.

El neoclasicismo fue más fuerte en la arquitectura , la escultura y las artes decorativas , donde los modelos clásicos en el mismo medio eran relativamente numerosos y accesibles; ejemplos de pintura antigua que demostraron las cualidades que la escritura de Winckelmann encontró en la escultura estaban y están ausentes. Winckelmann participó en la difusión del conocimiento de las primeras grandes pinturas romanas que se descubrieron, en Pompeya y Herculano y, como la mayoría de los contemporáneos excepto Gavin Hamilton , no quedó impresionado por ellas, citando los comentarios de Plinio el Joven sobre el declive de la pintura en su periodo [14]

En cuanto a la pintura, la pintura griega se había perdido por completo: los pintores neoclásicos la revivieron con imaginación, en parte a través de frisos en bajorrelieve , mosaicos y pintura de cerámica, y en parte a través de los ejemplos de pintura y decoración del Alto Renacimiento de la generación de Rafael , los frescos de Nerón. Domus Aurea , Pompeya y Herculano , y por renovada admiración de Nicolas Poussin. Gran parte de la pintura "neoclásica" es más clasicista en el tema que en cualquier otra cosa. Una disputa feroz, pero a menudo muy mal informada, se desató durante décadas sobre los méritos relativos del arte griego y romano, con Winckelmann y sus compañeros helenistas generalmente en el lado ganador. [15]

Pintura y grabado

Juramento de los Horacios ; de Jacques-Louis David ; 1784; óleo sobre lienzo; 3,3 x 4,27 m; lumbrera [16]

Es difícil recuperar la naturaleza radical y emocionante de la pintura neoclásica temprana para el público contemporáneo; ahora les parece "insípido" y "casi completamente carente de interés para nosotros" incluso a aquellos escritores que se inclinan favorablemente hacia él: algunos de los comentarios de Kenneth Clark sobre el ambicioso Parnassus de Anton Raphael Mengs en Villa Albani , [17] por el artista a quien su su amigo Winckelmann lo describió como "el mayor artista propio, y quizás de épocas posteriores". [18] Los dibujos, posteriormente convertidos en grabados , de John Flaxman utilizaron dibujos lineales muy simples (considerados como el medio clásico más puro [19]) y figuras en su mayoría de perfil para representar La Odisea y otros temas, y una vez "dispararon a la juventud artística de Europa", pero ahora están "descuidados", [20] mientras que las pinturas de historia de Angelica Kauffman , principalmente una retratista, se describen como teniendo "una untuosa suavidad y tedio" de Fritz Novotny . [21] La frivolidad rococó y el movimiento barroco habían desaparecido, pero muchos artistas se esforzaron por poner algo en su lugar y, en ausencia de ejemplos antiguos de pintura de historia, además de los jarrones griegos usados ​​por Flaxman, Rafael tendía a ser usado como un modelo sustituto, como recomendaba Winckelmann.

La obra de otros artistas, que difícilmente podría calificarse de insípida, combina aspectos del romanticismo con un estilo generalmente neoclásico, y forma parte de la historia de ambos movimientos. El pintor germano-danés Asmus Jacob Carstens terminó muy pocas de las grandes obras mitológicas que planeó, dejando principalmente dibujos y estudios de color que a menudo logran acercarse a la receta de Winckelmann de "noble simplicidad y calma grandeza". [22] A diferencia de los esquemas no realizados de Carstens, los aguafuertes de Giovanni Battista Piranesi fueron numerosos y rentables, y fueron retirados por aquellos que hicieron el Grand Tour .a todas partes de Europa. Su tema principal eran los edificios y las ruinas de Roma, y ​​lo antiguo lo estimulaba más que lo moderno. La atmósfera un tanto inquietante de muchas de sus Vedute (vistas) se vuelve dominante en su serie de 16 grabados de Carceri d'Invenzione ("Prisiones imaginarias") cuya "arquitectura ciclópea opresiva" transmite "sueños de miedo y frustración". [23] Johann Heinrich Füssli , nacido en Suiza, pasó la mayor parte de su carrera en Inglaterra, y aunque su estilo fundamental se basaba en los principios neoclásicos, sus temas y su tratamiento reflejaban más a menudo la corriente "gótica" del romanticismo y buscaban evocar el drama y la excitación.

El neoclasicismo en la pintura ganó un nuevo sentido de dirección con el sensacional éxito del Juramento de los Horacios de Jacques - Louis David en el Salón de París de 1785 . A pesar de su evocación de las virtudes republicanas, se trataba de un encargo del gobierno real, que David insistió en pintar en Roma. David logró combinar un estilo idealista con dramatismo y contundencia. La perspectiva central es perpendicular al plano del cuadro, acentuada por la tenue arcada trasera, contra la que se disponen las figuras heroicas como en un friso , con un toque de iluminación artificial y puesta en escena de ópera , y el colorido clásico de Nicolas Poussin .. David se convirtió rápidamente en el líder del arte francés y, después de la Revolución Francesa, se convirtió en un político con el control de gran parte del patrocinio del gobierno en el arte. Consiguió conservar su influencia en el período napoleónico , recurriendo a obras francamente propagandísticas, pero tuvo que abandonar Francia para exiliarse en Bruselas con la Restauración borbónica . [24]

Los muchos estudiantes de David incluyeron a Jean-Auguste-Dominique Ingres , quien se vio a sí mismo como un clasicista a lo largo de su larga carrera, a pesar de un estilo maduro que tiene una relación equívoca con la corriente principal del Neoclasicismo, y muchas desviaciones posteriores hacia el Orientalismo y el estilo Trovador que son difícil de distinguir de los de sus contemporáneos descaradamente románticos, excepto por la primacía que sus obras siempre dan al dibujo. Expuso en el Salón durante más de 60 años, desde 1802 hasta los inicios del impresionismo , pero su estilo, una vez formado, cambió poco. [25]

Escultura

Las Tres Gracias ; de Antonio Canova ; 1813–1816; mármol; altura: 1,82 m; Museo del Hermitage ( San Petersburgo , Rusia) [31]

Si la pintura neoclásica sufría de falta de modelos antiguos, la escultura neoclásica tendía a sufrir un exceso de ellos, aunque los ejemplos de escultura griega real del "período clásico" que comenzó alrededor del 500 a. C. eran entonces muy pocos; las obras más apreciadas eran en su mayoría copias romanas. [32] Los principales escultores neoclásicos disfrutaron de una gran reputación en su época, pero ahora son menos considerados, con la excepción de Jean-Antoine Houdon., cuyo trabajo fue principalmente retratos, muy a menudo como bustos, que no sacrifican una fuerte impresión de la personalidad del retratado al idealismo. Su estilo se volvió más clásico a medida que continuaba su larga carrera, y representa una progresión bastante suave desde el encanto rococó hasta la dignidad clásica. A diferencia de algunos escultores neoclásicos, no insistió en que sus modelos usaran vestimenta romana o estuvieran desnudos. Retrató a la mayoría de las figuras notables de la Ilustración y viajó a Estados Unidos para producir una estatua de George Washington , así como bustos de Thomas Jefferson , Ben Franklin y otros fundadores de la nueva república. [33] [34]

Antonio Canova y el danés Bertel Thorvaldsen tenían su sede en Roma y, además de los retratos, produjeron muchas figuras y grupos ambiciosos de tamaño natural; ambos representaban la fuerte tendencia idealizadora de la escultura neoclásica. Canova tiene ligereza y gracia, donde Thorvaldsen es más severo; la diferencia se ejemplifica en sus respectivos grupos de las Tres Gracias . [35] Todos estos, y Flaxman, todavía estaban activos en la década de 1820, y el romanticismo tardó en impactar la escultura, donde las versiones del neoclasicismo siguieron siendo el estilo dominante durante la mayor parte del siglo XIX.

Uno de los primeros neoclásicos en escultura fue el sueco Johan Tobias Sergel . [36] John Flaxman también fue, o principalmente, un escultor, que en su mayoría produjo relieves severamente clásicos que son comparables en estilo a sus grabados; también diseñó y modeló cerámica neoclásica para Josiah Wedgwood durante varios años. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph , uno de los pocos escultores neoclásicos que murieron jóvenes, fueron los principales artistas alemanes, [37] con Franz Anton von Zauner en Austria. El escultor austríaco del barroco tardío Franz Xaver Messerschmidtse volvió hacia el neoclasicismo a mitad de su carrera, poco antes de que aparentemente sufriera algún tipo de crisis mental, después de lo cual se retiró al campo y se dedicó a las muy distintivas "cabezas de personajes" de figuras calvas con expresiones faciales extremas. [38] Al igual que las Carceri de Piranesi , éstas disfrutaron de un gran resurgimiento del interés durante la era del psicoanálisis a principios del siglo XX. El escultor neoclásico holandés Mathieu Kessels estudió con Thorvaldsen y trabajó casi exclusivamente en Roma.

Dado que antes de la década de 1830 Estados Unidos no tenía una tradición escultórica propia, salvo en las áreas de lápidas, veletas y mascarones de proa de barcos, [39] se adoptó allí el estilo neoclásico europeo, que prevalecería durante décadas y años. se ejemplifica en las esculturas de Horatio Greenough , Harriet Hosmer , Hiram Powers , Randolph Rogers y William Henry Rinehart .

Arquitectura y artes decorativas

Hôtel Gouthiére en Rue Pierre-Bullet no. 6 (París), fecha desconocida, arquitecto desconocido
"La sala etrusca ", procedente de Potsdam (Alemania), c. 1840, ilustración de Friedrich Wilhelm Klose

El arte neoclásico era tradicional y nuevo, histórico y moderno, conservador y progresista, todo al mismo tiempo. [43]

El neoclasicismo primero ganó influencia en Inglaterra y Francia, a través de una generación de estudiantes de arte franceses formados en Roma e influenciados por los escritos de Winckelmann, y fue rápidamente adoptado por círculos progresistas en otros países como Suecia, Polonia y Rusia. Al principio, la decoración clasicista se injertó en formas europeas familiares, como en los interiores del amante de Catalina II , el conde Orlov , diseñados por un arquitecto italiano con un equipo de estucadores italianos : solo los medallones ovales aislados como camafeos y el bajorrelieve al aire libre toque de neoclasicismo; los muebles son completamente rococó italianos.

Una segunda ola neoclásica, más severa, más estudiada (a través de grabados ) y más conscientemente arqueológica, se asocia con el apogeo del Imperio Napoleónico . En Francia, la primera fase del Neoclasicismo se expresó en el "estilo Luis XVI", y la segunda en los estilos denominados "Directorio" o Imperio . El estilo rococó siguió siendo popular en Italia hasta que los regímenes napoleónicos trajeron el nuevo clasicismo arqueológico, que fue adoptado como una declaración política por los italianos jóvenes, progresistas y urbanos con inclinaciones republicanas. [ ¿según quién? ]

En las artes decorativas, el neoclasicismo se ejemplifica en los muebles Empire fabricados en París, Londres, Nueva York, Berlín; en muebles Biedermeier hechos en Austria; en los museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, el Banco de Inglaterra de Sir John Soane en Londres y el " capitolio " recién construido en Washington, DC; y en los bajorrelieves y jarrones de "basaltos negros" de Wedgwood . El estilo era internacional; El arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores palaciegos de estilo italiano para Catalina II la Grande , nacida en Alemania, en el San Petersburgo ruso.

En el interior, el neoclasicismo hizo un descubrimiento del auténtico interior clásico, inspirado en los redescubrimientos de Pompeya y Herculano . Estos habían comenzado a fines de la década de 1740, pero solo lograron una amplia audiencia en la década de 1760, [44] con los primeros volúmenes lujosos de distribución estrictamente controlada de Le Antichità di Ercolano ( Las antigüedades de Herculano ). Las antigüedades de Herculano demostraron que incluso los interiores más clasicistas del barroco , o las estancias más "romanas" de William Kent se basaban en basílicas y templetes .la arquitectura exterior se convirtió de afuera hacia adentro, de ahí su apariencia a menudo grandilocuente para los ojos modernos: marcos de ventanas con frontones convertidos en espejos dorados , chimeneas coronadas con frentes de templos. Los nuevos interiores buscaban recrear un vocabulario auténticamente romano y genuinamente interior.

Las técnicas empleadas en el estilo incluían motivos más planos y livianos, esculpidos en bajorrelieve similar a un friso o pintados en monótonos en camaïeu ("como camafeos"), medallones aislados o jarrones o bustos o bucrania u otros motivos, suspendidos en guirnaldas de laurel o cinta , con esbeltos arabescos sobre fondos, quizás, de "rojo pompeyano" o tintes pálidos, o colores piedra. El estilo en Francia fue inicialmente un estilo parisino, el Goût grec ("estilo griego"), no un estilo cortesano; cuando Luis XVI accedió al trono en 1774, María Antonieta, su reina amante de la moda, llevó a la corte el estilo "Luis XVI". Sin embargo, no hubo ningún intento real de emplear las formas básicas de los muebles romanos hasta alrededor del cambio de siglo, y era más probable que los fabricantes de muebles tomaran prestado de la arquitectura antigua, al igual que los plateros tenían más probabilidades de tomar de la cerámica y la piedra antiguas. tallado que metalistería: "Diseñadores y artesanos ... parecen haber tenido un placer casi perverso en transferir motivos de un medio a otro". [45]

Château de Malmaison , 1800, habitación de la emperatriz Joséphine , en la cúspide entre el estilo Directorio y el estilo Imperio

Aproximadamente desde 1800, una nueva afluencia de ejemplos arquitectónicos griegos, vistos a través de aguafuertes y grabados, dio un nuevo impulso al neoclasicismo, el renacimiento griego . Al mismo tiempo, el estilo Imperio fue una ola más grandiosa de neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas. Basado principalmente en los estilos imperiales romanos, se originó y tomó su nombre del gobierno de Napoleón en el Primer Imperio Francés , donde se pretendía idealizar el liderazgo de Napoleón y el estado francés. El estilo corresponde al estilo Biedermeier más burgués en los países de habla alemana, estilo federal en los Estados Unidos, [44] el estilo Regenciaen Gran Bretaña y el estilo Napoleón en Suecia. Según el historiador de arte Hugh Honor , "lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neoclásico, el Imperio marca su rápido declive y se transforma una vez más en un mero renacimiento antiguo, vaciado de todas las ideas nobles". y fuerza de convicción que había inspirado sus obras maestras". [46] Una fase anterior del estilo se denominó estilo Adam en Gran Bretaña y "Louis Seize", o Luis XVI, en Francia.

El neoclasicismo continuó siendo una fuerza importante en el arte académico durante el siglo XIX y más allá, una antítesis constante del romanticismo o los renacimientos góticos , aunque desde finales del siglo XIX en adelante, a menudo se lo consideraba antimoderno, o incluso reaccionario, en influyentes críticas. círculos [ quien? ] Los centros de varias ciudades europeas, en particular San Petersburgo y Munich , llegaron a parecerse mucho a museos de arquitectura neoclásica.

La arquitectura del renacimiento gótico (a menudo vinculada con el movimiento cultural romántico), un estilo que se originó en el siglo XVIII y que creció en popularidad a lo largo del siglo XIX, contrastaba con el neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se caracterizó por estilos, líneas geométricas y orden con influencia griega y romana, la arquitectura del renacimiento gótico puso énfasis en los edificios de aspecto medieval, a menudo hechos para tener una apariencia rústica y "romántica".

Francia

Estilo Luis XVI (1760-1789)

El Petit Trianon ( Versalles , Francia), 1764, de Ange-Jacques Gabriel [47]

Marca la transición del Rococó al Clasicismo. A diferencia del Clasicismo de Luis XIV , que transformaba los ornamentos en símbolos, el estilo Luis XVI los representa de la forma más realista y natural posible, es decir, las ramas de laurel son realmente ramas de laurel, las rosas lo mismo, etc. Uno de los principales principios decorativos es la simetría. En interiores, los colores utilizados son muy brillantes, incluyendo blanco, gris claro, azul brillante, rosa, amarillo, lila muy claro y dorado. Se evitan los excesos de ornamentación. [48]La vuelta a la antigüedad es sinónimo sobre todo de vuelta a las líneas rectas: las estrictas verticales y horizontales estaban a la orden del día. Ya no se toleraban los serpentinos, salvo el semicírculo u óvalo ocasional. La decoración de interiores también hizo honor a este gusto por el rigor, con el resultado de que las superficies planas y los ángulos rectos volvieron a estar de moda. El ornamento se utilizó para mediar en esta severidad, pero nunca interfirió con las líneas básicas y siempre se dispuso simétricamente alrededor de un eje central. Aun así, los ébénistes a menudo inclinaban los ángulos delanteros para evitar una rigidez excesiva. [49]

Los motivos decorativos del estilo Luis XVI se inspiraron en la antigüedad , el estilo Luis XIV y la naturaleza. Elementos característicos del estilo: antorcha atravesada por una vaina con flechas, discos imbricados, guilloché , lazos dobles, braseros humeantes, repeticiones lineales de pequeños motivos ( rosetas , cuentas, oves), trofeo o medallones florales colgados de una cinta anudada , hojas de acanto , gallooning, entrelazado, meandros , cornucopias , mascarones , urnas antiguas, trípodes, quemadores de perfume, delfines, cabezas de carnero y león, quimeras y grifos. Los motivos arquitectónicos grecorromanos también son muy utilizados: estriados , pilastras (estriadas y no estriadas), balaustres estriados (torcidos y rectos), columnas ( acopladas y no acopladas, a veces sustituidas por cariátides ), ménsulas de volutas , triglifos con guttae (en relieve y trampantojos ). -l'œil ). [50]

Estilo directorio (1789-1804)

Estilo imperio (1804-1815)

Es representante de la nueva sociedad francesa que ha salido de la revolución que marcó la pauta en todos los campos de la vida, incluido el arte. En esta época se inventa la máquina Jacquard (que revoluciona todo el sistema de costura, hasta entonces manual). Uno de los colores dominantes es el rojo, decorado con bronce dorado . También se utilizan colores vivos, como el blanco, el crema , el violeta, el marrón, el azul, el rojo oscuro, con pequeños adornos de bronce dorado. La arquitectura interior incluye paneles de madera decorados con relieves dorados (sobre un fondo blanco o de color). Los motivos se colocan geométricamente. Las paredes están cubiertas de estucos , papel tapiz o telas. repisas de chimeneaestán hechos de mármol blanco, teniendo cariátides en sus esquinas, u otros elementos: obeliscos , esfinges , leones alados, etc. En su parte superior se colocaron objetos de bronce, incluidos relojes de sobremesa . Las puertas consisten en simples paneles rectangulares, decorados con una figura central de inspiración pompeyana. Los tejidos imperio son los damascos con fondo azul o marrón, los satenes con fondo verde, rosa o morado, los terciopelos de los mismos colores, los broches brocados con oro o plata y los tejidos de algodón. Todos estos se utilizaban en interiores para cortinas, para revestir determinados muebles, para cojines o tapicería (el cuero también se utiliza para tapizar). [62]

Toda la ornamentación imperio se rige por un riguroso espíritu de simetría que recuerda al estilo Luis XIV . Generalmente, los motivos de los lados derecho e izquierdo de una pieza se corresponden entre sí en cada detalle; cuando no lo hacen, los motivos individuales en sí son completamente simétricos en su composición: cabezas antiguas con trenzas idénticas que caen sobre cada hombro, figuras frontales de la Victoria con túnicas dispuestas simétricamente, rosetones idénticos o cisnes que flanquean una placa de bloqueo, etc. Como Luis XIV , Napoleón tenía un conjunto de emblemas inequívocamente asociados con su gobierno, sobre todo el águila, la abeja, las estrellas y las iniciales I (de Imperator ) y N ( de Imperator).Napoleón ), que solían estar inscritos dentro de una corona de laurel imperial. Los motivos utilizados incluyen: figuras de la Victoria con ramas de palma, bailarinas griegas, mujeres desnudas y vestidas, figuras de carros antiguos, putti alados , mascarones de Apolo , Hermes y la Gorgona , cisnes, leones, cabezas de bueyes, caballos y bestias salvajes, mariposas, garras, quimeras aladas , esfinges , bucrania , caballitos de mar, coronas de roble anudadas por finas cintas colgantes, vides trepadoras, rinceaux de amapola , rosetas, ramas de palma y laurel. Greco-romanos hay muchos: hojas de acanto rígidas y planas , palmetas , cornucopias , cuentas, ánforas , trípodes, discos imbricados, caduceos de Mercurio , jarrones, yelmos, antorchas encendidas, trompetistas alados e instrumentos musicales antiguos (tubas, cascabeles y especialmente liras ). A pesar de su derivación antigua, las estrías y los triglifos que prevalecieron bajo Luis XVI están abandonados. Los motivos del Renacimiento egipcio son especialmente comunes al comienzo del período: escarabajos , capiteles de loto, discos alados, obeliscos, pirámides , figuras vestidas de némesis , cariátides en gaine sostenidas por pies descalzos y con tocados de mujeres egipcias. [63]

Italia

Desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el siglo XIX, Italia pasó por una gran cantidad de cambios socioeconómicos, varias invasiones extranjeras y el turbulento Risorgimento, que resultó en la unificación italiana en 1861. Así, el arte italiano pasó por una serie de pequeños y grandes cambios de estilo.

El Neoclasicismo italiano fue la manifestación más temprana del período general conocido como Neoclasicismo y duró más que las otras variantes nacionales del neoclasicismo. Se desarrolló en oposición al estilo barroco alrededor de c.1750 y duró hasta c.1850. El neoclasicismo comenzó alrededor del período del redescubrimiento de Pompeya y se extendió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte regresó a sus países del Grand Tour en Italia con ideales grecorromanos redescubiertos. Primero se centró en Roma, donde artistas como Antonio Canova y Jacques-Louis David estuvieron activos en la segunda mitad del siglo XVIII, antes de mudarse a París. Pintores de Vedute, como Canaletto y Giovanni Paolo Panini, también disfrutaron de un gran éxito durante el Grand Tour.

La literatura clasicista tuvo un gran impacto en el movimiento Risorgimento: las principales figuras del período incluyen a Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti y Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi y Alessandro Manzoni (sobrino de Cesare Beccaria), quienes también fueron influenciados por la Ilustración francesa. y el romanticismo alemán. El virtuoso violinista Paganini y las óperas de Rossini, Donnizetti, Bellini y, más tarde, Verdi dominaron la escena de la música clásica y romántica italiana.

El arte de Francesco Hayez y especialmente el de los Macchiaioli representaron una ruptura con la escuela clásica, que llegó a su fin con la unificación de Italia (ver arte moderno y contemporáneo italiano). El Neoclasicismo fue el último estilo nacido en Italia, después del Renacimiento y el Barroco, en extenderse a todo el Arte Occidental.

Reino Unido

El estilo Adam fue creado por dos hermanos, Adam y James , quienes publicaron en 1777 un volumen de aguafuertes con ornamentación interior. En la decoración interior realizada según los dibujos de Robert Adam, las paredes, techos, puertas y cualquier otra superficie, se dividen en grandes paneles: rectangulares, redondos, cuadrados, con estucos y motivos grecorromanos en los bordes. Los ornamentos utilizados incluyen festones , perlas, bandas de huevos y dardos , medallones y cualquier otro motivo utilizado durante la antigüedad clásica (especialmente la etrusca ).unos). Elementos decorativos como jarrones de piedra en forma de urna, platería dorada, lámparas y estatuillas tienen la misma fuente de inspiración, la antigüedad clásica. El estilo Adam enfatiza los refinados espejos rectangulares, enmarcados como cuadros (en marcos con hojas estilizadas), o con un frontón sobre ellos, que sostiene una urna o un medallón. Otro diseño de los espejos Adam tiene forma de ventana veneciana , con un gran espejo central entre otros dos más delgados y alargados. Otro tipo de espejos son los ovalados, generalmente decorados con festones. Los muebles de este estilo tienen una estructura similar a los muebles Luis XVI . [68]

Además del estilo Adam, cuando se trata de artes decorativas, Inglaterra también es conocida por el fabricante de cerámica Josiah Wedgwood (1730-1795), quien estableció una alfarería llamada Etruria. La vajilla Wedgwood está hecha de un material llamado jasperware, un tipo de gres duro y de grano fino. Los jarrones Wedgwood suelen estar decorados con relieves en dos colores, siendo en la mayoría de los casos las figuras blancas y el fondo azul.

Estados Unidos

En el continente americano , la arquitectura y la decoración de interiores han estado muy influenciadas por los estilos desarrollados en Europa. El gusto francés ha marcado mucho su presencia en los estados del sur (después de la Revolución Francesa se han mudado aquí algunos emigrantes, y en Canadá gran parte de la población es de origen francés). El espíritu práctico y la situación material de los estadounidenses en ese momento le dieron a los interiores una atmósfera típica. Todos los muebles americanos, alfombras, vajillas, cerámica y platería, con todas las influencias europeas, y a veces islámicas , turcas o asiáticas ., fueron hechos de conformidad con las normas americanas, el gusto y los requisitos funcionales. Ha existido en Estados Unidos una época del estilo Queen Anne , y una de estilo Chippendale . Un estilo propio, el estilo federal, se desarrolló por completo en el siglo XVIII y principios del XIX, y floreció influenciado por el gusto británico. Bajo el impulso del Neoclasicismo se han creado arquitectura, interiores y mobiliario. El estilo, aunque tiene numerosas características que difieren de un estado a otro, es unitario. Las estructuras de la arquitectura, los interiores y el mobiliario son clasicistas e incorporan influencias barrocas y rococó . Las formas utilizadas incluyen rectángulos, óvalos y medias lunas. Estucoo los paneles de madera de paredes y techos reproducen motivos clasicistas. Los muebles suelen estar decorados con marquetería floral e incrustaciones de bronce o latón (a veces dorado ). [75]

Jardines

En Inglaterra, la literatura de Augusto tenía un paralelo directo con el estilo de diseño de paisajes de Augusto. Los vínculos se ven claramente en la obra de Alexander Pope . Los mejores ejemplos sobrevivientes de jardines ingleses neoclásicos son Chiswick House , Stowe House y Stourhead . [78]

Neoclasicismo y moda

Retrato de Antoine Valedau de 1809

En la moda, el neoclasicismo influyó en la sencillez mucho mayor de los vestidos de mujer y la moda duradera para el blanco, desde mucho antes de la Revolución Francesa, pero no fue hasta después que los intentos exhaustivos de imitar estilos antiguos se pusieron de moda en Francia. al menos para las mujeres. Durante mucho tiempo, las damas a la moda habían usado trajes clásicos que se hacían pasar por alguna figura de la mitología griega o romana en un retrato (en particular, hubo una ola de retratos de este tipo de la joven modelo Emma, ​​​​Lady Hamilton de la década de 1780), pero esos trajes solo se usaban para el retrato sentado y los bailes de máscaras hasta la época revolucionaria, y quizás, como otros estilos exóticos, como desnudez en casa. Pero los estilos usados ​​en los retratos de Juliette Récamier ,Joséphine de Beauharnais , Thérésa Tallien y otras creadoras de tendencias parisinas también estaban dispuestas a salir en público. Al ver a Mme Tallien en la ópera, Talleyrand bromeó diciendo: " Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement! " ("No se puede estar más suntuosamente desvestido"). En 1788, justo antes de la Revolución, la retratista de la corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun había celebrado una cena griega en la que las damas vestían sencillas túnicas griegas blancas. [79] Los peinados clásicos más cortos, siempre que sea posible con rizos, fueron menos controvertidos y ampliamente adoptados, y ahora el cabello estaba descubierto incluso al aire libre; a excepción del vestido de noche, gorrosu otras cubiertas se habían usado típicamente incluso en interiores antes. En su lugar, se usaban finas cintas o filetes de estilo griego para atar o decorar el cabello.

Vestidos muy ligeros y holgados, generalmente blancos y a menudo con los brazos sorprendentemente desnudos, se elevaban transparentes desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, donde había un dobladillo delgado muy enfatizado o un lazo alrededor del cuerpo, a menudo en un color diferente. La forma ahora se conoce a menudo como la silueta del Imperio , aunque es anterior al Primer Imperio francés de Napoleón, pero su primera emperatriz Joséphine de Beauharnais influyó en su difusión por Europa. Un chal o abrigo rectangular largo, muy a menudo de color rojo liso pero con un borde decorado en los retratos, ayudaba en climas más fríos y aparentemente se colocaba alrededor del estómago cuando se estaba sentado, para lo cual se favorecían las posturas semi-recostadas. [80] A principios del siglo XIX, estos estilos se habían extendido ampliamente por toda Europa.

La moda neoclásica para hombres fue mucho más problemática, y en realidad nunca despegó más que para el cabello, donde jugó un papel importante en los estilos más cortos que finalmente enviaron el uso de pelucas y luego polvos blancos para el cabello para hombres más jóvenes. El pantalón había sido el símbolo del bárbaro para griegos y romanos, pero fuera del taller del pintor o, sobre todo, del escultor, pocos hombres estaban dispuestos a abandonarlo. De hecho, el período vio el triunfo del pantalón puro, o pantalón , sobre el culotte o calzones hasta la rodilla del Antiguo Régimen .. Incluso cuando David diseñó un nuevo "traje nacional" francés a pedido del gobierno durante el apogeo del entusiasmo revolucionario por cambiar todo en 1792, incluía calzas bastante ajustadas debajo de un abrigo que llegaba hasta la rodilla. Una alta proporción de jóvenes acomodados pasó gran parte del período clave en el servicio militar debido a las Guerras Revolucionarias Francesas , y el uniforme militar, que comenzó a enfatizar las chaquetas que eran cortas en el frente, dando una vista completa de los pantalones ajustados. pantalones ajustados, se usaba a menudo cuando no estaba de servicio e influyó en los estilos masculinos civiles.

El problema de los pantalones había sido reconocido por los artistas como una barrera para crear pinturas de historia contemporánea ; al igual que otros elementos de la vestimenta contemporánea, muchos artistas y críticos los consideraban irremediablemente feos y poco heroicos. Se utilizaron varias estratagemas para evitar representarlos en escenas modernas. En James Dawkins y Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) de Gavin Hamilton , los dos caballeros anticuarios se muestran con túnicas árabes parecidas a togas. En Watson y el tiburón (1778) de John Singleton Copley, la figura principal podría mostrarse desnuda de manera plausible, y la composición es tal que de los otros ocho hombres que se muestran, solo uno muestra una sola pierna con calzones de manera prominente. Sin embargo, los estadounidenses Copley y Benjamin West lideraron a los artistas que demostraron con éxito que los pantalones podían usarse en escenas heroicas, con obras como The Death of General Wolfe (1770) de West y The Death of Major Peirson, 6 de enero de 1781 (1783) de Copley, aunque el pantalón todavía se evitaba cuidadosamente en La balsa de la Medusa , completada en 1819.

Los peinados masculinos de inspiración clásica incluían el Bedford Crop , posiblemente el precursor de la mayoría de los estilos masculinos modernos, que fue inventado por el político radical Francis Russell, quinto duque de Bedford como protesta contra un impuesto sobre el polvo para el cabello ; animó a sus amigos a adoptarlo apostándoles que no lo harían. Otro estilo influyente (o grupo de estilos) fue nombrado por los franceses "à la Titus" en honor a Titus Junius Brutus (de hecho no es el emperador romano Titus como se supone a menudo), con el pelo corto y en capas pero algo recogido en la coronilla, a menudo con tupés restringidos o mechones colgando; las variantes son familiares del cabello de Napoleón y Jorge IVdel Reino Unido Se suponía que el estilo había sido introducido por el actor François-Joseph Talma , quien eclipsó a sus co-actores con peluca cuando aparecía en producciones de obras como Brutus de Voltaire (sobre Lucius Junius Brutus , que ordena la ejecución de su hijo Titus). . En 1799, una revista de moda parisina informó que incluso los hombres calvos estaban adoptando pelucas Titus, [81] y el estilo también lo usaban las mujeres, el Journal de Paris informó en 1802 que "más de la mitad de las mujeres elegantes usaban su cabello o peluca à la Tito [ 82]

Neoclasicismo posterior

El edificio Oeste (1941) de la Galería Nacional de Arte de Washington
Parte de una serie sobre
Clasicismo
antigüedad clásica
Era de iluminacion
neoclasicismo del siglo XX

En la arquitectura estadounidense, el neoclasicismo fue una expresión del movimiento renacentista estadounidense , ca. 1890-1917; su última manifestación fue en la arquitectura Beaux-Arts , y sus grandes proyectos públicos finales fueron el Lincoln Memorial (muy criticado en ese momento), la Galería Nacional de Arte en Washington, DC (también fuertemente criticada por la comunidad arquitectónica por ser un pensamiento atrasado y pasado de moda en su diseño), y el Roosevelt Memorial del Museo Americano de Historia Natural . Estos se consideraron anacronismos estilísticos cuando se terminaron. En el Raj británico, el urbanismo monumental de Sir Edwin Lutyens para Nueva Delhimarca el ocaso del neoclasicismo. La Segunda Guerra Mundial iba a hacer añicos la mayor parte del anhelo (y la imitación) de una época mítica.

Los arquitectos modernistas conservadores como Auguste Perret en Francia mantuvieron los ritmos y espacios de la arquitectura columnar incluso en los edificios de las fábricas. Donde una columnata habría sido denunciada como "reaccionaria", los paneles estriados en forma de pilastra de un edificio bajo un friso repetido parecían "progresistas". Pablo Picasso experimentó con motivos clasicistas en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial , y el estilo Art Deco que salió a la luz después de la Exposición de las Artes Decorativas de París de 1925 , a menudo se basó en motivos neoclásicos sin expresarlos abiertamente: severo, en bloquecómodas de É.-J. Ruhlmann o Süe & Mare ; frescos frisos de damiselas y gacelas en muy bajo relieve en todos los medios; vestidos de moda que fueron drapeados o cortados al bies para recrear líneas griegas; la danza artística de Isadora Duncan ; el estilo Streamline Moderne de las oficinas de correos de EE. UU. y los edificios de los tribunales de condado construidos hasta 1950; y la moneda de diez centavos de Roosevelt .

Hubo todo un movimiento del siglo XX en las Artes que también se llamó Neoclasicismo. Abarcaba al menos la música, la filosofía y la literatura. Fue entre el final de la Primera Guerra Mundial y el final de la Segunda Guerra Mundial. (Para obtener información sobre los aspectos musicales, consulte Música clásica del siglo XX y Neoclasicismo en la música . Para obtener información sobre los aspectos filosóficos, consulte Grandes libros ).

Este movimiento neoclásico literario rechazó el romanticismo extremo de (por ejemplo) Dada , a favor de la moderación, la religión (específicamente el cristianismo) y un programa político reaccionario. Aunque los cimientos de este movimiento en la literatura inglesa fueron puestos por TE Hulme , los neoclásicos más famosos fueron TS Eliot y Wyndham Lewis . En Rusia, el movimiento cristalizó ya en 1910 bajo el nombre de acmeísmo , con Anna Akhmatova y Osip Mandelshtam como principales representantes.

En la música

El neoclasicismo en la música es un movimiento del siglo XX; en este caso es el Clásico y el Barrocoestilos musicales de los siglos XVII y XVIII, con su afición a los temas griegos y romanos, que estaban siendo revividos, no la música del mundo antiguo en sí. (A principios del siglo XX aún no se había distinguido el período barroco en la música, en el que se inspiraron principalmente los compositores neoclásicos, de lo que ahora llamamos el período clásico). El movimiento fue una reacción en la primera parte del siglo XX a la desintegración del cromatismo de el romanticismo tardío y el impresionismo, surgiendo en paralelo con el modernismo musical, que buscaba abandonar por completo la tonalidad tonal. Manifestó un deseo de limpieza y simplicidad de estilo, lo que permitió una paráfrasis bastante disonante de los procedimientos clásicos, pero buscó volar las telarañas del romanticismo y los destellos crepusculares del impresionismo .a favor de ritmos audaces, armonía asertiva y formas seccionales limpias, coincidiendo con la moda de la danza y el vestuario "clásicos" reconstruidos en el ballet y la educación física .

La suite de danza de los siglos XVII y XVIII había tenido un renacimiento menor antes de la Primera Guerra Mundial, pero los neoclásicos no estaban del todo contentos con el diatonismo sin modificar, y tendían a enfatizar la brillante disonancia de las suspensiones y ornamentos, las cualidades angulares de la armonía modal del siglo XVII y el líneas enérgicas de escritura parcial contrapuntística. Los aires y danzas ancestrales de Respighi (1917) abrió el camino para el tipo de sonido al que aspiraban los neoclásicos. Aunque la práctica de tomar prestados estilos musicales del pasado no ha sido infrecuente a lo largo de la historia musical, las músicas artísticas han pasado por períodos en los que los músicos utilizaron técnicas modernas junto con formas o armonías más antiguas para crear nuevos tipos de obras. Las características compositivas notables son: hacer referencia a la tonalidad diatónica, formas convencionales (suites de baile, concerti grossi, formas de sonata, etc.), la idea de música absoluta libre de asociaciones descriptivas o emotivas, el uso de texturas musicales ligeras y una expresión musical concisa. . En la música clásica, esto se percibió más notablemente entre las décadas de 1920 y 1950. Ígor Stravinskyes el compositor más conocido que usa este estilo; efectivamente comenzó la revolución musical con su Octeto para instrumentos de viento al estilo de Bach (1923). Una obra individual particular que representa bien este estilo es la Sinfonía clásica n.° 1 en re de Prokofiev , que recuerda el estilo sinfónico de Haydn o Mozart . El ballet neoclásico, tal como lo innovó George Balanchine , despejó el estilo imperial ruso en términos de vestuario, pasos y narrativa, al tiempo que introdujo innovaciones técnicas.

Arquitectura en Rusia y la Unión Soviética

Palacio Ostankino , diseñado por Francesco Camporesi y terminado en 1798, en Moscú, Rusia

En 1905-1914, la arquitectura rusa pasó por un período breve pero influyente de renacimiento neoclásico ; la tendencia comenzó con la recreación del estilo Imperio del período alejandrino y se expandió rápidamente a una variedad de escuelas neorrenacentistas, palladianas y modernizadas, pero reconociblemente clásicas. Fueron dirigidos por arquitectos nacidos en la década de 1870, que alcanzaron su apogeo creativo antes de la Primera Guerra Mundial, como Ivan Fomin , Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky . Cuando la economía se recuperó en la década de 1920, estos arquitectos y sus seguidores continuaron trabajando en un entorno principalmente modernista ; algunos (Zholtovsky) siguieron estrictamente el canon clásico, otros (Fomin, Schuko,Ilya Golosov ) desarrollaron sus propios estilos modernizados. [83]

Finca Arkhangelskoye

Con la represión de la independencia de los arquitectos y la negación oficial del modernismo (1932), demostrada por el concurso internacional para el Palacio de los Sóviets , el neoclasicismo se promovió instantáneamente como una de las opciones en la arquitectura estalinista , aunque no como la única opción. Convivió con la arquitectura moderadamente modernista de Boris Iofan , rayana en el Art Deco contemporáneo (Schuko); nuevamente, los ejemplos más puros del estilo fueron producidos por la escuela de Zholtovsky, que siguió siendo un fenómeno aislado. La intervención política fue un desastre para los líderes constructivistas , pero fue bien recibida por los arquitectos de las escuelas clásicas.

El neoclasicismo fue una elección fácil para la URSS ya que no se basaba en tecnologías de construcción modernas ( estructura de acero u hormigón armado ) y podía reproducirse en la mampostería tradicional . Por lo tanto, los diseños de Zholtovsky, Fomin y otros maestros antiguos se replicaron fácilmente en pueblos remotos bajo un estricto racionamiento de materiales . La mejora de la tecnología de la construcción después de la Segunda Guerra Mundial permitió a los arquitectos estalinistas aventurarse en la construcción de rascacielos, aunque estilísticamente estos rascacielos (incluida la arquitectura "exportada" del Palacio de la Cultura y la Ciencia , Varsovia y ShanghaiCentro Internacional de Convenciones) comparten poco con los modelos clásicos. El neoclasicismo y el neorrenacimiento persistieron en proyectos residenciales y de oficinas menos exigentes hasta 1955, cuando Nikita Khrushchev puso fin a la costosa arquitectura estalinista.

Arquitectura en el siglo XXI

Centro Sinfónico Schermerhorn , 2006

Después de una pausa durante el período de dominio de la arquitectura moderna (aproximadamente después de la Segunda Guerra Mundial hasta mediados de la década de 1980), el neoclasicismo ha experimentado un resurgimiento.

A partir de la primera década del siglo XXI, la arquitectura neoclásica contemporánea generalmente se clasifica bajo el término general de Nueva Arquitectura Clásica . A veces también se le conoce como neohistorismo o tradicionalismo. [84] Además, una serie de piezas de arquitectura posmoderna se inspiran e incluyen referencias explícitas al Neoclasicismo, el Barrio de Antígona y el Teatro Nacional de Cataluña en Barcelona entre ellos. La arquitectura posmoderna incluye ocasionalmente elementos históricos, como columnas, capiteles o el tímpano.

Para la arquitectura de estilo tradicional sincero que se apega a la arquitectura, los materiales y la artesanía regionales, se utiliza principalmente el término Arquitectura Tradicional (o vernácula). El Premio de Arquitectura Driehaus se otorga a los principales contribuyentes en el campo de la arquitectura tradicional o clásica del siglo XXI, y viene con un premio en metálico dos veces mayor que el del Premio Pritzker modernista . [85]

En los Estados Unidos, varios edificios públicos contemporáneos están construidos en estilo neoclásico, siendo un ejemplo el Centro Sinfónico Schermerhorn de 2006 en Nashville .

En Gran Bretaña, varios arquitectos están activos en el estilo neoclásico. Ejemplos de su trabajo incluyen dos bibliotecas universitarias: la Biblioteca Maitland Robinson de Quinlan Terry en Downing College y la Biblioteca Sackler de Robert Adam Architects .

Véase también

Notas

  1. ^ Stevenson, Angus (2010-08-19). Diccionario Oxford de inglés . ISBN 9780199571123.
  2. ^ Kohle, Hubertus (7 de agosto de 2006). "El camino de Roma a París. El nacimiento de un Neoclasicismo moderno" . Jacques Louis David. Nuevas perspectivas .
  3. ^ Irwin, David G. (1997). Neoclasicismo A&I (Arte e Ideas) . Prensa Phaidon. ISBN 978-0-7148-3369-9.
  4. ^ Honor, 17-25; Novotni, 21
  5. ^ Un tema recurrente en Clark: 19-23, 58-62, 69, 97-98 (sobre Ingres); Honor, 187-190; Novotni, 86-87
  6. ^ Lingo, Estelle Cecile (2007). François Duquesnoy y el ideal griego . Prensa de la Universidad de Yale; Primera edición. págs.  161 . ISBN 978-0-300-12483-5.
  7. ^ Talbott, página (1995). Sabana clásica: bellas artes y artes decorativas, 1800-1840 . Prensa de la Universidad de Georgia. pags. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
  8. ^ Cunningham, Reich, Lawrence S., John J. (2009). Cultura y valores: un estudio de las humanidades . publicación de Wadsworth; 7 edición. pags. 104. ISBN 978-0-495-56877-3.
  9. ^ Honor, 57-62, 61 citado
  10. ^ Ambas citas de las primeras páginas de "Reflexiones sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura"
  11. ^ Dyson, Stephen L. (2006). En busca de pasados ​​antiguos: una historia de la arqueología clásica en los siglos XIX y XX . Prensa de la Universidad de Yale. págs. xii. ISBN 978-0-300-11097-5.
  12. ^ Honor, 21
  13. ^ Honor, 11, 23-25
  14. ^ Honor, 44-46; Novotni, 21
  15. ^ Honor, 43-62
  16. ^ a b Fortenberry 2017 , pág. 276.
  17. ^ Clark, 20 (citado); Honor, 14; imagen de la pintura (para ser justos, otras obras de Mengs tienen más éxito)
  18. ^ Honor, 31-32 (31 citado)
  19. ^ Honor, 113-114
  20. ^ Honor, 14
  21. ^ Novotni, 62
  22. ^ Novotni, 51-54
  23. ^ Clark, 45-58 (47-48 citado); Honor, 50-57
  24. ^ Honor, 34-37; Clark, 21-26; Novotni, 19-22
  25. ^ Novotni, 39-47; Clark, 97-145; Honor, 187-190
  26. ^ Fortenberry 2017 , pág. 275.
  27. ^ Morrill, Rebecca (2019). Grandes Mujeres Artistas . Phaidón. pags. 413. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  28. ^ Morrill, Rebecca (2019). Grandes Mujeres Artistas . Phaidón. pags. 211. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  29. ^ Morrill, Rebecca (2019). Grandes Mujeres Artistas . Phaidón. pags. 419. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  30. ^ Kessler, Erwin (2018). Tricolor (en inglés y rumano). Vellant. pags. 49. ISBN 978-606-980-055-3.
  31. ^ Fortenberry 2017 , pág. 278.
  32. ^ Novotni, 378
  33. ^ Novotni, 378–379
  34. ^ Chinard, Gilbert, ed., Houdon in America Arno PressNy, 1979, una reimpresión de un libro publicado por la Universidad Johns Hopkins, 1930
  35. ^ Novotni, 379-384
  36. ^ Novotni, 384-385
  37. ^ Novotni, 388-389
  38. ^ Novotni, 390-392
  39. ^ Gerdts, William H., Escultura neoclásica estadounidense: la resurrección de mármol , Viking Press, Nueva York, 1973 p. 11
  40. ^ ARTE ● Arquitectura ● Pintura ● Escultura ● Gráfica ● Diseño . 2011. pág. 313. ISBN 978-1-4454-5585-3.
  41. ^ Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (en francés). Hazán. pags. 264. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  42. ^ Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (en francés). Hazán. pags. 265. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  43. ^ Palmer, Alisson Lee. Diccionario histórico de arte y arquitectura neoclásicos . pags. 1.
  44. ^ a b Gontar
  45. ^ Honor, 110–111, 110 citado
  46. ^ Honor, 171–184, 171 citado
  47. ^ Jones 2014 , pág. 273.
  48. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en rumano). Cerces. págs. 200, 201 y 202.
  49. ^ Silvia, Chadenet (2001). Muebles Franceses • De Luis XIII al Art Deco . Little, Brown y Compañía. pags. 71.
  50. ^ Silvia, Chadenet (2001). Muebles Franceses • De Luis XIII al Art Deco . Little, Brown y Compañía. pags. 72.
  51. ^ de Martin 1925 , pág. 11
  52. ^ Jones 2014 , pág. 276.
  53. ^ de Martin 1925 , pág. 13
  54. ^ Jacquemart, Alberto (2012). Arte Decorativo . Parkstone. pags. 65. ISBN 978-1-84484-899-7.
  55. ^ Larbodiere, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (en francés). Massín. pags. 105. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  56. ^ de Martin 1925 , pág. 17
  57. ^ "Gabinete de esquina - Instituto de Arte de Chicago" .
  58. ^ de Martin 1925 , pág. 61.
  59. ^ a b Jacquemart, Albert (2012). Arte Decorativo . Parkstone. pags. 61. ISBN 978-1-84484-899-7.
  60. ^ "RELOJ ASTRONÓMICO" . madparis.fr . Consultado el 23 de mayo de 2021 .
  61. ^ "Bergère du salon de Madame Récamier (OA 11384 a 11391), d'une paire avec OA 11386" . colecciones.louvre.fr . Consultado el 23 de mayo de 2022 .
  62. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en rumano). Cerces. págs. 217, 219, 220 y 221.
  63. ^ Silvia, Chadenet (2001). Muebles Franceses • De Luis XIII al Art Deco . Little, Brown y Compañía. pags. 103 y 105.
  64. ^ Jones 2014 , pág. 275.
  65. ^ a b Hopkins 2014 , pág. 111.
  66. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Símbolos de Poder • Napoleón y el Arte del Estilo Imperio • 1800-1815 . pags. 209. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  67. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Símbolos de Poder • Napoleón y el Arte del Estilo Imperio • 1800-1815 . pags. 32. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  68. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en rumano). Cerces. págs. 253, 255 y 256.
  69. ^ a b Hopkins 2014 , pág. 103.
  70. ^ Bailey 2012 , págs. 226.
  71. ^ Fortenberry 2017 , pág. 274.
  72. ^ Farthing, Stephen (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta urbană (en rumano). Rao. pags. 260. ISBN 978-606-006-392-6.
  73. ^ Hopkins 2014 , pág. 104.
  74. ^ "Urna cubierta - Museo de arte de Cleveland" . 30 de octubre de 2018 . Consultado el 6 de mayo de 2022 .
  75. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en rumano). Cerces. págs. 269, 270 y 271.
  76. ^ a b Hodge 2019 , pág. 112.
  77. ^ Hodge 2019 , pág. 31
  78. ^ Turner, Turner (2013). Jardines británicos: historia, filosofía y diseño, Capítulo 6 Jardines y paisajes neoclásicos 1730-1800 . Londres: Routledge. pags. 456. ISBN 978-0415518789.
  79. ^ Caza, 244
  80. ^ Caza, 244-245
  81. ^ Caza, 243
  82. ^ Rifelj, 35
  83. ^ "Los orígenes del modernismo en la arquitectura rusa" . Content.cdlib.org . Consultado el 12 de febrero de 2012 .
  84. ^ "Arquitectura neoclásica. Tradicionalismo. Historicismo" .
  85. ^ Premio Driehaus para la nueva arquitectura clásica en Notre Dame SoA : juntos, el premio Driehaus de $ 200,000 y el premio Reed de $ 50,000 representan el reconocimiento más significativo para el clasicismo en el entorno construido contemporáneo. ; retenido el 7 de marzo de 2014

Referencias

Lectura adicional

  • Marrón, Kevin (2017). Artista y mecenas: arte de corte y revolución en Bruselas a finales del Antiguo Régimen , Dutch Crossing, Taylor y Francis
  • Eriksen, Svend. Neoclasicismo temprano en Francia (1974)
  • Friedlaender, Walter (1952). David to Delacroix (publicado originalmente en alemán; reimpreso en 1980)
  • Gromort, Georges, con ensayo introductorio de Richard Sammons (2001). Los Elementos de la Arquitectura Clásica (Serie de América Clásica en Arte y Arquitectura)
  • Harrison, Carlos; Paul Wood y Jason Gaiger (eds) (2000; repr. 2003). Arte en teoría 1648–1815: una antología de ideas cambiantes
  • Hartop, Christopher, con prólogo de Tim Knox (2010). El ideal clásico: plata inglesa, 1760–1840 , exh. gato. Cambridge: John Adamson ISBN 978-0-9524322-9-6 
  • Irwin, David (1966). Arte Neoclásico Inglés: Estudios de Inspiración y Gusto
  • Johnson, James William. “¿Qué fue el neoclasicismo?” Revista de Estudios Británicos , vol. 9, núm. 1, 1969, págs. 49–70. en línea
  • Rosenblum, Robert (1967). Transformaciones en el arte de finales del siglo XVIII

Enlaces externos

Wikimedia Commons tiene medios relacionados con el neoclasicismo .
Retrieved from "https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Neoclassicism&oldid=1105175098"
0.11351680755615