Música clásica

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Cuarteto de cuerda actuando para el año 2006 de Mozart en Viena

La música clásica se refiere más comúnmente a la tradición musical formal del mundo occidental , considerada distinta de la música folclórica occidental o las tradiciones musicales populares . [1] [n 1] En un sentido más general, el término también puede referirse a la música que evidencia cualidades formales similares en culturas no occidentales . [n 2] Originario de Europa Occidental con la música de la Iglesia cristiana primitiva , los musicólogos modernos a menudo la clasifican en eras: Medieval (500-1400), Renacimiento(1400-1600), Barroco (1600-1750), Clásica (1750-1820), Romántica (1800-1910), Modernista (1890-1975) y Posmoderna / Contemporánea (1950-presente). Estos períodos y sus fechas son todos generalizaciones aproximadas y representan cambios estilísticos graduales que variaron en intensidad y prominencia en todo el mundo occidental.

El término "música clásica" no apareció hasta principios del siglo XIX, en un intento de canonizar claramente el período desde Johann Sebastian Bach hasta Ludwig van Beethoven como una edad de oro. [2] La referencia más antigua a la "música clásica" registrada por el Oxford English Dictionary es aproximadamente de 1829. [3] [ verificación fallida ] [4]

Una característica distintiva de la música clásica occidental es el uso de la notación de pentagrama , en uso desde aproximadamente el siglo XI. [5] [6] Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial. Los compositores utilizan la notación de pentagrama occidental para indicar al intérprete los tonos y la duración de una pieza musical. [5] Incluye tanto música sagrada (religiosa) como secular . En contraste con los estilos más populares que adoptaron la canción ( estrofa) una forma o una derivación de esta forma, la música clásica se ha destacado por el desarrollo de formas muy sofisticadas de música instrumental como la sinfonía , el concierto , la fuga , la sonata y estilos mixtos vocales e instrumentales como la ópera , la cantata y la masa . [7]

Características

Dada la amplia gama de estilos de la música clásica europea, desde el canto llano medieval cantado por los monjes hasta las sinfonías clásicas y románticas para orquesta de los años 1700 y 1800 hasta composiciones atonales de vanguardia de los años 1900, es difícil enumerar las características que se pueden atribuir a todas las obras de ese tipo. No obstante, una característica universal de la música clásica escrita desde finales del siglo XIII es [8] la aplicación invariable de un sistema estandarizado de notación mensural precisa (que evolucionó a la notación de compás moderna después de 1600) para todas las composiciones y su interpretación precisa. [9]Otro es la creación y desarrollo de piezas complejas de obras instrumentales en solitario (por ejemplo, la fuga ). Las primeras sinfonías se produjeron durante el período clásico . A partir de mediados del siglo XVIII, el conjunto sinfónico y las composiciones se convirtieron en elementos destacados de la música clásica. [10]

Complejidad

Las obras de repertorio clásico a menudo exhiben complejidad en el uso de orquestación , contrapunto , armonía , desarrollo musical , ritmo , fraseo , textura y forma . Mientras que la mayoría de los estilos populares se escriben normalmente en forma de canción , la música clásica se destaca por el desarrollo de formas musicales instrumentales altamente sofisticadas, [7] como el concierto , la sinfonía y la sonata . La música clásica también se destaca por el uso de sofisticadas formas vocales / instrumentales, como la ópera . [[cita requerida ]En la ópera, los solistas vocales y los coros interpretan obras dramáticas en escena con una orquesta que proporciona acompañamiento.

Las obras instrumentales más largas a menudo se dividen en piezas independientes, llamadas movimientos , a menudo con personajes o estados de ánimo contrastantes. Por ejemplo, las sinfonías escritas durante el período clásico generalmente se dividen en cuatro movimientos:

  1. un Allegro de apertura en forma de sonata ,
  2. un movimiento lento,
  3. un minueto o scherzo (en un metro triple , como3
    4
    ), y
  4. un Allegro final.

Estos movimientos pueden luego dividirse en una jerarquía de unidades más pequeñas: primeras secciones , luego puntos y finalmente frases .

Instrumentación y prácticas vocales

Los instrumentos que se utilizan actualmente en la mayoría de la música clásica se inventaron en gran medida antes de mediados del siglo XIX (a menudo mucho antes) y se sistematizaron en los siglos XVIII y XIX. Consisten en los instrumentos que se encuentran en una orquesta o en una banda de concierto , junto con varios otros instrumentos solistas (como el piano , el clavicémbalo y el órgano ). La orquesta sinfónica incluye miembros de cuerdas , instrumentos de viento , metales y percusión.familias de instrumentos. La banda de concierto está formada por miembros de las familias de instrumentos de viento, metales y percusión. Por lo general, tiene una mayor variedad y cantidad de instrumentos de viento de madera y metal que la orquesta, pero no tiene una sección de cuerdas. Sin embargo, muchas bandas de conciertos utilizan un contrabajo . Las prácticas vocales cambiaron durante el período clásico, desde el canto gregoriano monofónico de una sola línea realizado por los monjes en el período medieval hasta las complejas obras corales polifónicas del Renacimiento y períodos posteriores, que utilizaban múltiples melodías vocales independientes al mismo tiempo.

Historia

Notación musical de un misal inglés de principios del siglo XIV , con la cabeza de Cristo. Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial. [11]

Las principales divisiones temporales de la música clásica hasta 1900 son el período de la música antigua , que incluye las épocas medieval (500-1400) y renacentista (1400-1600), y el período de práctica común , que incluye el barroco (1600-1750), clásico (1750-1820) y la época romántica (1810-1910). El período actual abarca los siglos XX y XXI hasta la fecha e incluye la era musical modernista y la era musical contemporánea o posmoderna , cuyas fechas a menudo se disputan.

Las fechas son generalizaciones , ya que los períodos y épocas se superponen y las categorías son algo arbitrarias, hasta el punto de que algunas autoridades invierten terminologías y se refieren a una "era" de práctica común que comprende "períodos" barrocos, clásicos y románticos. [12] Por ejemplo, el uso del contrapunto y la fuga , que se considera característico de la era (o período) barroco, fue continuado por Haydn , que se clasifica como típico de la era clásica. Beethoven , que a menudo se describe como el fundador de la era romántica, y Brahms, quien es clasificado como romántico, también utilizó el contrapunto y la fuga, pero las cualidades románticas y, a veces, anhelantes de su música definen su época.

El prefijo neo- se usa para describir una composición de los siglos XIX, XX o XXI escrita al estilo de una época anterior, como Clásica o Romántica. Pulcinella de Stravinsky , por ejemplo, es una composición neoclásica porque es estilísticamente similar a las obras de la época barroca. [ aclaración necesaria ]

Raíces

La tradición clásica occidental comienza formalmente con la música creada por y para la Iglesia cristiana. [13] Es probable que la Iglesia medieval temprana deseara disociarse de la música predominante de la antigua Grecia y Roma , ya que era un recordatorio de la religión pagana que había perseguido y por la que había sido perseguida . [13] Como tal, no está claro hasta qué punto la música de la Iglesia cristiana, y por lo tanto la música clásica occidental en su conjunto, fue influenciada por la música antigua anterior . [14] La actitud general hacia la música se adoptó del griego antiguo yTeóricos y comentaristas de la música romana ; [15] [n 3] al igual que en la sociedad grecorromana, la música se consideraba un elemento central de la educación y se incluía en el quadrivium que, en combinación con el trivium , constituía la educación estándar en artes liberales de la Edad Media . [17] Este alto respeto por la música fue promovido por primera vez por los eruditos Casiodoro , Isidoro de Sevilla , [18] y particularmente Boecio , [19] cuya transmisión y expansión de las perspectivas de la música de Pitágoras , Aristóteles yPlatón fue crucial en el desarrollo del pensamiento musical medieval. [20] Sin embargo, los eruditos, teóricos de la música medieval y compositores malinterpretaron o entendieron mal los escritos de sus predecesores griegos y romanos. [21] Esto se debió a la ausencia total de obras musicales grecorromanas supervivientes disponibles para los músicos medievales, [21] [n 4] en la medida en que Isidoro de Sevilla ( c.  559 - 636 ) afirmó "a menos que los sonidos sean recordados por hombre, perecen, porque no se pueden escribir ", sin darse cuenta de las prácticas sistemáticas de notación de la antigua Grecia siglos antes. [22] MusicólogoGustave Reese señala, sin embargo, que muchos textos grecorromanos todavía pueden considerarse influyentes en la música clásica occidental, ya que los músicos medievales leen regularmente sus obras, independientemente de si lo hacían correctamente. [21]

Sin embargo, hay algunas continuaciones musicales indiscutibles del mundo antiguo . [23] Aspectos básicos como la monofonía , la improvisación y el predominio del texto en los escenarios musicales son prominentes tanto en la música medieval temprana en casi todas las civilizaciones antiguas. [24] Las influencias exclusivamente griegas incluyen los modos de iglesia (que eran descendientes de los desarrollos de Aristoxenus y Pitágoras), [25] teoría acústica básica de la afinación pitagórica , [14] así como la función central de los tetracordes . [26]Los instrumentos griegos antiguos como el aulos (un instrumento de lengüeta ) y la lira (un instrumento de cuerda similar a un arpa pequeña ) finalmente dieron lugar a varios instrumentos modernos de una orquesta sinfónica. [27] Sin embargo, Donald Jay Grout señala que intentar crear una conexión evolutiva directa desde la música antigua hasta principios de la Edad Media es infundado, ya que fue influenciado casi exclusivamente por la teoría musical grecorromana, no por la interpretación o la práctica. [28]

Música antigua

Medieval

Músico tocando la vielle ( manuscrito medieval del siglo XIV )

La música medieval incluye música de Europa occidental desde después de la caída del Imperio Romano Occidental en 476 hasta aproximadamente 1400. El canto monofónico , también llamado canto llano o canto gregoriano , fue la forma dominante hasta aproximadamente 1100. [29] Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de la música moderna. Notación musical europea para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial. [11] [30] [31] La música polifónica (de múltiples voces) se desarrolló a partir del canto monofónico a lo largo de la Baja Edad Media y en el Renacimiento , incluidas las voces más complejas de los motetes . Durante el período medieval anterior, la música vocal del género litúrgico , predominantemente canto gregoriano , era monofónica , utilizando una sola línea de melodía vocal sin acompañamiento. [32] Los géneros vocales polifónicos , que utilizaban múltiples melodías vocales independientes, comenzaron a desarrollarse durante la alta era medieval , y se hicieron frecuentes a finales del siglo XIII y principios del XIV. Compositores medievales notables incluyen Hildegard de Bingen , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Francesco Landini y Johannes Ciconia .

Todavía existen muchos instrumentos musicales medievales , pero en diferentes formas. Los instrumentos medievales incluían la flauta , la flauta dulce e instrumentos de cuerda pulsada como el laúd . Además, existieron versiones tempranas del órgano y el violín (o vielle ). Los instrumentos medievales en Europa se habían utilizado más comúnmente de forma individual, a menudo acompañados de una nota de zumbido , o ocasionalmente en partes. Desde al menos tan temprano como el siglo XIII hasta el siglo XV hubo una división de instrumentos en haut ( instrumentos al aire libre ruidosos, estridentes) y bas(instrumentos más tranquilos, más íntimos). [33] Varios instrumentos tienen sus raíces en predecesores orientales que fueron adoptados del mundo islámico medieval . [34] Por ejemplo, el rebab árabe es el antepasado de todos los instrumentos de cuerda con arco europeos , incluidos la lira , el rebec y el violín . [35] [36]

Renacimiento

La época del Renacimiento fue de 1400 a 1600. Se caracterizó por un mayor uso de la instrumentación , múltiples líneas melódicas entrelazadas y el uso de los primeros instrumentos bajos . El baile social se generalizó, por lo que las formas musicales apropiadas para acompañar la danza comenzaron a estandarizarse. Es en esta época que comienza a tomar forma la notación de la música en un pentagrama y otros elementos de la notación musical . [37] Esta invención hizo posible la separación de la composición de una pieza musical de su transmisión ; sin música escrita, la transmisión era oral y estaba sujeta a cambios cada vez que se transmitía. Con una partitura musical, una obra musical podría ejecutarse sin la presencia del compositor. [38] La invención de la imprenta de tipos móviles en el siglo XV tuvo consecuencias de gran alcance en la conservación y transmisión de la música. [39]

Una abertura iluminada del Codex Chigi con el Kyrie de Ockeghem 's Missa Ecce Ancilla Domini

Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, solo para ser recreados con el fin de interpretar música con instrumentos de época. Al igual que en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse en metales, cuerdas, percusión y viento de madera. Los instrumentos de metal en el Renacimiento eran tradicionalmente tocados por profesionales que eran miembros de los Gremios e incluían la trompeta deslizante , la corneta de madera , la trompeta sin válvulas y el saco . Los instrumentos de cuerda incluían la viola , el rabel , la lira con forma de arpa, la zanfona , el laúd , la guitarra , la cítara , la bandora y el orpharion . Los instrumentos de teclado con cuerdas incluían el clavicémbalo y el clavicordio . Los instrumentos de percusión incluyen el triángulo , el arpa judía , la pandereta , las campanas, la olla retumbante y varios tipos de tambores. Los instrumentos de viento de madera incluían la chirimía de doble lengüeta (uno de los primeros miembros de la familia del oboe ), la flauta de lengüeta , la gaita , laflauta transversal , flauta dulce , dulciano y crumhorn . Existían órganos de tubos simples , pero en gran parte se limitaban a las iglesias, aunque había variedades portátiles. [40] La impresión permitió estandarizar las descripciones y especificaciones de los instrumentos, así como la instrucción en su uso. [41]

La música vocal en el Renacimiento se destaca por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado . Las principales formas litúrgicas que perduraron durante todo el período del Renacimiento fueron las misas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal ) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia del madrigal y el intermedio . Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Dafne , la primera obra que hoy se llama ópera . También compuso Euridice, la primera ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días.

Compositores renacentistas notables incluyen a Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert , Jacques Arcadelt y Cipriano de Rore .

Periodo de práctica común

El período de práctica común se define típicamente como la era entre la formación y la disolución de la tonalidad de la práctica común . [ cita requerida ] El término generalmente abarca aproximadamente dos siglos y medio, abarcando los períodos barroco, clásico y romántico.

Barroco

Instrumentos barrocos que incluyen zanfona , clavecín , violín bajo , laúd , violín y guitarra barroca.

La música barroca se caracteriza por el uso de contrapuntos tonales complejos y el uso de un bajo continuo , una línea de bajo continuo. La música se volvió más compleja en comparación con las canciones simples de todos los períodos anteriores. [42] Los inicios de la forma sonata tomaron forma en la canzona , al igual que una noción más formalizada de tema y variaciones . Las tonalidades de mayor y menor como medio para gestionar la disonancia y el cromatismo en la música cobraron forma. [43]

Durante la época barroca, la música de teclado tocada en el clavicémbalo y el órgano de tubos se hizo cada vez más popular, y la familia de violines de instrumentos de cuerda tomó la forma que generalmente se ve hoy en día. La ópera como drama musical escenificado comenzó a diferenciarse de las formas musicales y dramáticas anteriores, y las formas vocales como la cantata y el oratorio se hicieron más comunes. [44] Por primera vez, los vocalistas comenzaron a agregar notas adicionales a la música. [42]

Las teorías que rodean el temperamento igual comenzaron a ponerse en práctica más ampliamente, especialmente porque permitía una gama más amplia de posibilidades cromáticas en instrumentos de teclado difíciles de afinar. Aunque JS Bach no usó el mismo temperamento, como generalmente se afina un piano moderno, los cambios en los temperamentos del sistema meanone , común en ese momento, a varios temperamentos que hicieron que la modulación entre todas las teclas fuera musicalmente aceptable, hicieron posible su Clave bien temperado. . [45]

Los instrumentos barrocos incluían algunos instrumentos de períodos anteriores (p. Ej., Zanfona y flauta dulce) y varios instrumentos nuevos (p. Ej., Oboe, fagot, violonchelo, contrabajo y fortepiano). Algunos instrumentos de épocas anteriores cayeron en desuso, como la chirimía, la cítara , la raqueta y la corneta de madera. Los instrumentos barrocos clave para cuerdas incluían violín , viola , viola , viola d'amore , violonchelo , contrabajo , laúd , teorbo (que a menudo tocaba las partes de bajo continuo ), mandolina , guitarra barroca., arpa y zanfona. Instrumentos de viento incluyen la flauta barroca , oboe barroco , grabador y el fagot . Los instrumentos de metal incluían la corneta , el cuerno natural , la trompeta natural , la serpiente y el trombón . Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio , el piano tangente , el clavicémbalo , el órgano de tubos y, más tarde en el período, el fortepiano (una versión temprana del piano). Los instrumentos de percusión incluían los timbales ,tambor , pandereta y castañuelas .

Una diferencia importante entre la música barroca y la era clásica que la siguió es que los tipos de instrumentos utilizados en los conjuntos barrocos estaban mucho menos estandarizados. Un conjunto barroco podría incluir uno de varios tipos diferentes de instrumentos de teclado (p. Ej., Órgano de tubos o clavicémbalo), [46] instrumentos de cuerdas adicionales (p. Ej., Un laúd), cuerdas con arco, instrumentos de viento de madera e instrumentos de metal, y un número no especificado de instrumentos de bajo que ejecutan el bajo continuo (por ejemplo, un violonchelo, contrabajo, viola, fagot, serpiente, etc.).

Los desarrollos vocales en la era barroca incluyeron el desarrollo de tipos de ópera como la ópera seria y la opéra comique , y formas relacionadas como los oratorios y cantatas . [47] [48]

Compositores importantes de esta época incluyen a Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully y Heinrich Schütz .

Clásico

Joseph Haydn (1732–1809) interpretado por Thomas Hardy (1791)

Aunque el término "música clásica" incluye toda la música artística occidental desde la época medieval hasta la década de 2000, la era clásica fue el período de la música artística occidental desde la década de 1750 hasta principios de la de 1820, la era de Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn y Ludwig. van Beethoven .

La era clásica estableció muchas de las normas de composición, presentación y estilo, y fue también cuando el piano se convirtió en el instrumento de teclado predominante. Las fuerzas básicas requeridas para una orquesta se estandarizaron un poco (aunque crecerían a medida que se desarrollara el potencial de una gama más amplia de instrumentos en los siglos siguientes). La música de cámara creció para incluir conjuntos con hasta 8 a 10 intérpretes para serenatas . La ópera continuó desarrollándose, con estilos regionales en Italia, Francia y países de habla alemana. La ópera buffa , una forma de ópera cómica, ganó popularidad. La sinfoníase convirtió en una forma musical propia, y el concierto se desarrolló como un vehículo para demostraciones de habilidad para tocar virtuoso. Las orquestas ya no necesitaban un clavecín (que había sido parte del continuo tradicional en el estilo barroco), y a menudo estaban dirigidas por el violinista principal (ahora llamado concertino ). [49]

Los músicos de la época clásica continuaron utilizando muchos de los instrumentos de la época barroca, como el violonchelo, el contrabajo, la flauta dulce, el trombón, el timbal, el fortepiano (el precursor del piano moderno ) y el órgano. Mientras que algunos instrumentos barrocos cayeron en desuso (por ejemplo, el teorbo y el rackett), muchos instrumentos barrocos se cambiaron a las versiones que todavía se utilizan hoy en día, como el violín barroco (que se convirtió en violín ), el oboe barroco (que se convirtió en el oboe ) y la trompeta barroca, que pasó a la trompeta con válvula regular. Durante la era clásica, los instrumentos de cuerda utilizados en la orquesta y la música de cámara , como los cuartetos de cuerda, se estandarizaron como los cuatro instrumentos que forman elsección de cuerdas de la orquesta : violín, viola, violonchelo y contrabajo. Barroco de la época de los instrumentos de cuerda, tales como doblado con trastes violas fueron eliminados. Los instrumentos de viento de madera incluían el clarinete basset , el corno basset , el clarinete d'amour , el clarinete clásico , el chalumeau , la flauta, el oboe y el fagot. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio y el fortepiano . Si bien el clavecín todavía se usaba en el acompañamiento de bajo continuo en las décadas de 1750 y 1760, dejó de usarse a fines de siglo. Los instrumentos de metal incluían la buccin , laophicleide (un reemplazo de la serpiente baja , que fue el precursor de la tuba ) y el cuerno natural .

Los instrumentos de viento se volvieron más refinados en la era clásica. Si bien los instrumentos de doble lengüeta como el oboe y el fagot se estandarizaron un poco en el barroco, la familia de clarinete de lengüetas simples no se usó ampliamente hasta que Mozart expandió su papel en la configuración orquestal, de cámara y de concierto. [50]

Los principales compositores de este período incluyen a Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven , Joseph Haydn , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Carl Philipp Emanuel Bach , Muzio Clementi , Antonio Salieri y Johann Nepomuk Hummel .

Romántico

La música de la era romántica, desde aproximadamente la primera década del siglo XIX hasta principios del siglo XX, se caracterizó por una mayor atención a una línea melódica extendida, así como a elementos expresivos y emocionales, paralelos al romanticismo en otras formas de arte. Las formas musicales comenzaron a romper con las formas de la era clásica (incluso mientras se codificaban) , y se escribieron piezas de forma libre como nocturnos , fantasías y preludios donde las ideas aceptadas sobre la exposición y el desarrollo de los temas se ignoraban o minimizaban. [51] La música se volvió más cromática, disonante y tonalmente colorida, con tensiones (con respecto a las normas aceptadas de las formas más antiguas) sobre las firmas clave en aumento.[52] La canción artística (o Lied ) llegaron a la madurez en esta época, al igual que las escalas épicas de la gran ópera , en última instancia, trascendida por Richard Wagner 's ciclo del Anillo . [53]

En el siglo XIX, las instituciones musicales surgieron del control de mecenas adineradas, ya que los compositores y músicos podían construir vidas independientes de la nobleza. El creciente interés en la música por parte de las clases medias en crecimiento en toda Europa occidental estimuló la creación de organizaciones para la enseñanza, interpretación y preservación de la música. El piano, que logró su construcción moderna en esta época (en parte debido a los avances industriales en metalurgia ) se hizo muy popular entre la clase media, cuyas demandas del instrumento estimularon a muchos constructores de pianos. Muchas orquestas sinfónicas fechan su fundación en esta época. [52] Algunos músicos y compositores fueron las estrellas del día; algunos, como Franz Liszt y Niccolò Paganini, cumplió ambos roles. [54]

Las ideas e instituciones culturales europeas comenzaron a seguir la expansión colonial a otras partes del mundo. También hubo un aumento, especialmente hacia el final de la era, del nacionalismo en la música (haciéndose eco, en algunos casos, de sentimientos políticos de la época), ya que compositores como Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov y Antonín Dvořák se hicieron eco de la música tradicional. de sus países de origen en sus composiciones. [55]

Orquesta Filarmónica de Dublín

En la época romántica, el piano moderno , con un tono más potente y sostenido y un rango más amplio, reemplazó al fortepiano de sonido más delicado. En la orquesta, se conservaron las secciones e instrumentos clásicos existentes ( sección de cuerdas , instrumentos de viento de madera, metales y percusión), pero estas secciones generalmente se expandieron para producir un sonido más completo y más grande. Por ejemplo, mientras que una orquesta barroca puede haber tenido dos contrabajistas, una orquesta romántica podría tener hasta diez. "A medida que la música se volvió más expresiva, la paleta orquestal estándar no era lo suficientemente rica para muchos compositores románticos". [56]

Las familias de instrumentos utilizados, especialmente en las orquestas, crecieron; un proceso que culminó a principios del siglo XX con orquestas muy grandes utilizadas por compositores románticos tardíos y modernistas. Comenzó a aparecer una gama más amplia de instrumentos de percusión. Los instrumentos de metal asumieron un papel más importante, ya que la introducción de válvulas rotativas les permitió tocar una gama más amplia de notas. El tamaño de la orquesta (típicamente alrededor de 40 en la era clásica) creció a más de 100. [52] La Sinfonía No. 8 de 1906 de Gustav Mahler , por ejemplo, se ha interpretado con más de 150 instrumentistas y coros de más de 400. [ 57] Se agregaron nuevos instrumentos de viento de madera, como el contrafagot y el clarinete bajo.y se agregaron flautín y nuevos instrumentos de percusión, incluidos xilófonos , tambores , celestas (un instrumento de teclado similar a una campana), campanas y triángulos , [56] grandes arpas orquestales e incluso máquinas de viento para efectos de sonido . Los saxofones aparecen en algunas partituras desde finales del siglo XIX en adelante, generalmente presentados como un instrumento solista en lugar de como parte integral de la orquesta.

La tuba de Wagner , un miembro modificado de la familia de los cuernos, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner . También tiene un papel destacado en la Sinfonía núm. 7 en mi mayor de Anton Bruckner y también se utiliza en varias obras románticas tardías y modernistas de Richard Strauss, Béla Bartók y otros. [58] Las cornetas aparecen regularmente en las partituras del siglo XIX, junto con trompetas que se consideraban menos ágiles, al menos hasta finales de siglo.

Entre los compositores destacados de esta época se encuentran Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Felix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms , Edvard Grieg y Johann Strauss II . Gustav Mahler y Richard Strauss son comúnmente considerados compositores de transición cuya música combina elementos tanto románticos tardíos como modernistas tempranos.

Siglos XX y XXI

Modernista

Igor Stravinsky , de Pablo Picasso , colaboradores de Pulcinella (1920)

Abarcando una amplia variedad de estilos post-románticos , la música clásica modernista incluye estilos de composición románticos tardíos, impresionistas, expresionistas y neoclásicos. El modernismo marcó una era en la que muchos compositores rechazaron ciertos valores del período de práctica común, como la tonalidad, la melodía, la instrumentación y la estructura tradicionales. Algunos historiadores de la música consideran el modernismo musical como una era que se extiende desde aproximadamente 1890 hasta 1930. [59] [60] Otros consideran que el modernismo terminó con una u otra de las dos guerras mundiales. [61] Aún otras autoridades afirman que el modernismo no está asociado con ninguna época histórica, sino que es "una actitud del compositor; una construcción viva que puede evolucionar con los tiempos". [62]A pesar de su declive en el último tercio del siglo XX, quedaba a finales de siglo un núcleo activo de compositores que continuaban impulsando las ideas y formas del modernismo, como Pierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin , Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard Wilson y Ralph Shapey . [63]

Dos movimientos musicales que dominaron durante esta época fueron el impresionista que comenzó alrededor de 1890 y el expresionista que comenzó alrededor de 1908. Fue un período de reacciones diversas al desafiar y reinterpretar categorías más antiguas de música, innovaciones que conducen a nuevas formas de organizar y abordar la música armónica. aspectos melódicos, sónicos y rítmicos de la música, y cambios en las visiones estéticas del mundo en estrecha relación con el período identificable más amplio del modernismo en las artes de la época. La palabra operativa más asociada a ella es "innovación". [64] Su característica principal es una "pluralidad lingüística", lo que quiere decir que ningún género musical ha asumido jamás una posición dominante. [sesenta y cinco]

La orquesta continuó creciendo en tamaño durante los primeros años de la era modernista, alcanzando su punto máximo en las dos primeras décadas del siglo XX. Los saxofones que aparecieron solo en raras ocasiones durante el siglo XIX se utilizaron más comúnmente como instrumentos complementarios, pero nunca se convirtieron en miembros centrales de la orquesta. Mientras que aparece sólo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo Maurice Ravel 'orquestación de s Modest Mussorgsky ' s Cuadros de una exposición y Sergei Rachmaninoff 's Danzas Sinfónicas , el saxofón está incluido en otras obras como Sergei Prokofiev ' s Romeo y Juliet Suites 1 y 2y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En algunas composiciones como el Boléro de Ravel , se utilizan dos o más saxofones de diferentes tamaños para crear una sección completa como las otras secciones de la orquesta. El bombardino aparece en unos pocos finales románticos y del siglo 20 obras, por lo general juega partes marcadas "tuba tenor", entre ellos Gustav Holst @ s de los planetas , y Richard Strauss 's Ein Heldenlehen .

Entre los compositores destacados de principios del siglo XX se incluyen Igor Stravinsky , Claude Debussy , Sergei Rachmaninoff , Sergei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Heitor Villa-Lobos , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , Aram Khachaturian , George Gershwin , Amy Beach , Béla Bartók y Dmitri Shostakovich , junto con los ya mencionados Mahler y Strauss como figuras de transición que se trasladaron desde el siglo XIX.

Posmoderno / contemporáneo

La música posmoderna es un período de la música que comenzó ya en 1930 según algunas autoridades. [59] [60] Comparte características con el arte posmodernista , es decir, el arte que viene después y reacciona contra el modernismo .

Algunas otras autoridades han equiparado más o menos la música posmoderna con la "música contemporánea" compuesta mucho después de 1930, desde finales del siglo XX hasta principios del siglo XXI. [66] [67] Algunos de los diversos movimientos de la era posmoderna / contemporánea incluyen el neoromántico, neomedieval, minimalista y post minimalista.

A menudo se consideraba que la música clásica contemporánea de principios del siglo XXI incluía todas las formas musicales posteriores a 1945. [68] Una generación más tarde, este término ahora se refiere correctamente a la música de hoy escrita por compositores que todavía están vivos; música que saltó a la fama a mediados de la década de 1970. Incluye diferentes variaciones de música modernista , posmoderna , neoromántica y pluralista . [63]

Cronología de los compositores

Alonso LoboGiovanni GabrieliTomás Luis de VictoriaWilliam ByrdOrlande de LassusFrancisco GuerreroGiovanni Pierluigi da PalestrinaCipriano de RoreThomas TallisCristóbal de MoralesNicolas GombertAdrian WillaertPierre de la RueJosquin Des PrezJohannes OckeghemGuillaume Du FayJohn DunstapleJohannes CiconiaFrancesco LandiniGuillaume de MachautPhilippe de VitryAdam de la HalleWalther von der VogelweidePérotinLéoninBernart de VentadornHildegard of Bingen
Esa-Pekka SalonenLudovico EinaudiKaija SaariahoJohn Adams (composer)Brian FerneyhoughPhilip GlassSteve ReichArvo PärtKrzysztof PendereckiToru TakemitsuKarlheinz StockhausenEinojuhani RautavaaraPierre BoulezLuigi NonoGyörgy LigetiIannis XenakisMilton BabbittWitold LutosławskiBenjamin BrittenJohn CageSamuel BarberOlivier MessiaenElliott CarterDmitri ShostakovichAaron CoplandFrancis PoulencPaul HindemithSergei ProkofievAlban BergAnton WebernEdgard VarèsePercy GraingerIgor StravinskyBéla BartókMaurice RavelCharles IvesGustav HolstArnold SchoenbergSergei RachmaninoffRalph Vaughan WilliamsAlexander ScriabinJean SibeliusRichard StraussClaude DebussyFrederick DeliusCarl NielsenGustav MahlerGiacomo PucciniEdward ElgarLeoš JanáčekGabriel FauréNikolai Rimsky-KorsakovEdvard GriegAntonin DvorakPyotr Ilyich TchaikovskyModest MussorgskyGeorges BizetCamille Saint-SaënsJohannes BrahmsAnton BrucknerGiuseppe VerdiRichard WagnerFranz LisztRobert SchumannFrederic ChopinFelix MendelssohnHector BerliozGaetano DonizettiFranz SchubertGioacchino RossiniCarl Maria von WeberNiccolo PaganiniLudwig van BeethovenWolfgang Amadeus MozartAntonio SalieriJoseph HaydnJohann StamitzChristoph Willibald GluckCarl Philipp Emanuel BachGiovanni Battista PergolesiDomenico ScarlattiJohann Sebastian BachGeorge Frideric HandelJean-Philippe RameauGeorg Philipp TelemannAntonio VivaldiFrançois CouperinAlessandro ScarlattiHenry PurcellArcangelo CorelliJohann PachelbelDieterich BuxtehudeJean-Baptiste LullyGiacomo CarissimiHeinrich SchützGirolamo FrescobaldiClaudio Monteverdi

Rendimiento

Orquesta juvenil en actuación

Se dice que los artistas intérpretes o ejecutantes que han estudiado mucho la música clásica tienen una "formación clásica". Esta capacitación puede provenir de lecciones privadas de profesores de instrumentos o de voz o de la finalización de un programa formal ofrecido por un conservatorio, colegio o universidad, como una licenciatura o maestría en música (que incluye lecciones individuales de profesores). En música clásica, "... se requiere una amplia educación y formación musical formal, a menudo hasta el nivel de posgrado [maestría]". [69]

La interpretación del repertorio de música clásica requiere un dominio de la lectura a primera vista y la interpretación en conjunto , principios armónicos , un fuerte entrenamiento auditivo (para corregir y ajustar los tonos de oído), conocimiento de la práctica de la interpretación (p. Ej., Ornamentación barroca) y familiaridad con el estilo. idioma musical esperado para un compositor o una obra musical determinados (p. ej., una sinfonía de Brahms o un concierto de Mozart). [ cita requerida ]

La característica clave de la música clásica europea que la distingue de la música popular , la música folclórica y algunas otras tradiciones de música clásica, como la música clásica india , es que el repertorio tiende a escribirse en notación musical , creando una parte musical o partitura . [70] Esta partitura generalmente determina detalles de ritmo, tono y, cuando participan dos o más músicos (ya sean cantantes o instrumentistas), cómo se coordinan las distintas partes. La calidad escrita de la música ha permitido un alto nivel de complejidad dentro de ellos: las fugas , por ejemplo, logran un matrimonio notable de líneas melódicas audaces y distintivas entretejidas encontrapunto pero creando una lógica armónica coherente . [71] El uso de la notación escrita también conserva un registro de las obras y permite a los músicos clásicos interpretar música de hace muchos siglos.

Aunque la música clásica en la década de 2000 ha perdido la mayor parte de su tradición de improvisación musical , desde la época barroca hasta la época romántica, hay ejemplos de intérpretes que pudieron improvisar al estilo de su época. En la era barroca, los intérpretes de órgano improvisaban preludios , los intérpretes de teclado que tocaban el clavicémbalo improvisaban acordes a partir de los símbolos de bajo figurados debajo de las notas de bajo de la parte de bajo continuo y tanto los intérpretes vocales como los instrumentales improvisaban ornamentos musicales . [72] Johann Sebastian Bach se destacó especialmente por sus complejas improvisaciones. [73]Durante la era clásica, el compositor e intérprete Wolfgang Amadeus Mozart se destacó por su habilidad para improvisar melodías en diferentes estilos. [74] Durante la era clásica, algunos virtuosos solistas improvisaban las secciones de cadencia de un concierto. Durante la época romántica, Ludwig van Beethoven improvisaba al piano. [75]

Mujeres en la música clásica

Casi todos los compositores que se describen en los libros de texto de música sobre música clásica y cuyas obras se interpretan ampliamente como parte del repertorio estándar de conciertos son compositores masculinos, aunque ha habido un gran número de mujeres compositoras a lo largo del período de la música clásica. La musicóloga Marcia Citron ha preguntado "[¿ por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal al repertorio 'clásico' estándar?" [76] Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las mujeres compositoras del ' canon ' recibido de obras musicales interpretadas". Ella sostiene que en el siglo XIX, las compositoras solían escribir canciones artísticas.para la interpretación en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a la interpretación con una orquesta en una gran sala, considerándose estas últimas obras como el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se consideró que no eran notables como compositoras. [76] En la "... Concisa Historia de la Música de Oxford , Clara S [c] humann es una de las únicas [ sic ] compositoras mencionadas". [77] Abbey Philips afirma que "[d] urante el siglo XX, las mujeres que componían / ​​tocaban ganaron mucha menos atención que sus homólogos masculinos". [77]

Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado compuestas en su mayor parte o en su totalidad por músicos que son hombres. Uno de los primeros casos de mujeres contratadas en orquestas profesionales fue en el puesto de arpista . La Filarmónica de Viena , por ejemplo, no aceptó a mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008. [78] La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín . [79] En febrero de 1996, el principal flauta de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury , dijoWestdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionelle Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". [80] En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar los permisos esperados" de la licencia por maternidad sería un problema. [81]

En 1997, la Filarmónica de Viena "se enfrentaba a protestas durante una gira [por Estados Unidos]" de la Organización Nacional de Mujeres y la Alianza Internacional de Mujeres en la Música . Finalmente, "después de ser ridiculizados cada vez más incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria en la víspera de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. " [82] En 2013, la orquesta tiene seis integrantes femeninas; una de ellas, la violinista Albena Danailova se convirtió en 2008 en una de las concertinas de la orquesta , siendo la primera mujer en ocupar ese cargo. [83] En 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6% de los miembros de la orquesta. Presidente de VPOClemens Hellsberg dijo que la VPO ahora usa audiciones a ciegas completamente protegidas . [84]

En 2013, un artículo de Mother Jones declaró que, si bien "[m] todas las orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit , y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidas por mujeres violinistas, "las secciones de contrabajo , metales y percusión de las principales orquestas" ... siguen siendo predominantemente masculinas ". [85] Un artículo de la BBC de 2014 declaró que "... la introducción de audiciones 'ciegas', donde un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no pueda ejercer prejuicios raciales o de género, ha visto cambiar gradualmente el equilibrio de género de las orquestas sinfónicas tradicionalmente dominadas por hombres " [86].

Relación con otras tradiciones musicales

Música popular

La música clásica a menudo ha incorporado elementos o material de la música popular de la época del compositor. Los ejemplos incluyen la música de vez en cuando, como Brahms uso de canciones de taberna estudiante en su Academic Festival Overture , géneros ejemplificados por Kurt Weill 's La ópera de cuatro cuartos , y la influencia del jazz en los primeros y mediados del siglo 20 compositores incluyendo Maurice Ravel , ejemplificada por el movimiento titulado "Blues" en su sonata para violín y piano. [87] Algunos compositores clásicos posmodernos , minimalistas y posminimalistas reconocen una deuda con la música popular. [88] [ verificación fallida ]

Numerosos ejemplos muestran influencia en la dirección opuesta, incluidas las canciones populares basadas en la música clásica, el uso que se ha dado al Canon de Pachelbel desde la década de 1970 y el fenómeno del cruce musical , donde los músicos clásicos han logrado el éxito en el ámbito de la música popular. [89] En heavy metal , varios guitarristas principales (que tocan la guitarra eléctrica ), incluidos Ritchie Blackmore y Randy Rhoads , [90] modelaron sus estilos de ejecución en la música instrumental barroca o clásica. [91]

Música folclórica

Los compositores de música clásica a menudo han hecho uso de la música folclórica (música creada por músicos que generalmente no tienen una formación clásica, a menudo de una tradición puramente oral). Algunos compositores, como Dvořák y Smetana , [92] han utilizado temas folclóricos para dar un toque nacionalista a su trabajo, mientras que otros como Bartók han utilizado temas específicos extraídos de sus orígenes de la música folclórica. [93] Khachaturian incorporó ampliamente a su trabajo la música folclórica de su Armenia natal, pero también otros grupos étnicos del Medio Oriente y Europa del Este. [94] [95]

Comercialización

Con la llegada de la radiodifusión y la tienda de discos , las actuaciones de música clásica en directo se han recopilado en CD recopilatorios. ( WQXR para Tower Records , 1986)

Ciertos elementos básicos de la música clásica se utilizan a menudo con fines comerciales (ya sea en publicidad o en bandas sonoras de películas). En los anuncios de televisión, varios pasajes se han convertido en un cliché , en particular la apertura de Richard Strauss ' También sprach Zarathustra (hecho famoso en la película 2001: A Space Odyssey ) y la sección de apertura ' O Fortuna ' de Carl Orff ' s Carmina Burana ; otros ejemplos incluyen el " Dies irae " del Réquiem de Verdi , " En el salón del rey de la montaña " de Edvard Grieg de Peer Gynt , los primeros compases deBeethoven 's Sinfonía nº 5 , Wagner ' s " Cabalgata de las Valkirias " de Die Walküre , Rimsky-Korsakov 's " El vuelo del moscardón ", y extractos de Aaron Copland ' s Rodeo . [ cita requerida ] Varias obras de la Edad de Oro de la Animación emparejaron la acción con la música clásica. Ejemplos notables son Walt Disney 's Fantasía , Tom y Jerry 's Johann Mouse , y Warner Bros. ' Conejo de Sevilla y¿Qué es Opera, Doc?

Del mismo modo, las películas y la televisión a menudo vuelven a extractos estándar, clichés de la música clásica para transmitir el refinamiento o la opulencia: algunas de las piezas más a menudo escuchado en esta categoría incluyen Bach de Cello Suite No. 1 , Mozart 's Eine kleine Nachtmusik , Vivaldi 's cuatro estaciones , Mussorgsky ' s Noche en el Monte Calvo (como orquestada por Rimsky-Korsakov), y Rossini 's " Guillermo Tell Overture ". Shawn Vancour sostiene que la comercialización de la música clásica a principios del siglo XX puede haber perjudicado a la industria de la música debido a una representación inadecuada.[96]

Educación

Durante la década de 1990, varios artículos de investigación y libros populares escribieron sobre lo que llegó a llamarse el " efecto Mozart ": una pequeña elevación temporal observada de las puntuaciones en ciertas pruebas como resultado de escuchar las obras de Mozart. El enfoque ha sido popularizado en un libro de Don Campbell y se basa en un experimento publicado en Nature que sugiere que escuchar a Mozart aumentó temporalmente el coeficiente intelectual de los estudiantes de 8 a 9 puntos. [97] Esta versión popularizada de la teoría fue expresada sucintamente por el columnista musical del New York Times Alex Ross : "los investigadores ... han determinado que escuchar a Mozart en realidad te hace más inteligente". [98]Los promotores que comercializan CD afirman que inducen el efecto. Florida aprobó una ley que exige que los niños pequeños en las escuelas estatales escuchen música clásica todos los días, y en 1998 el gobernador de Georgia presupuestó $ 105,000 por año para proporcionar a cada niño nacido en Georgia una cinta o CD de música clásica. Uno de los coautores de los estudios originales del efecto Mozart comentó: "No creo que pueda doler. Estoy a favor de exponer a los niños a experiencias culturales maravillosas. Pero creo que el dinero podría invertirse mejor en educación musical". programas ". [99]

Referencias

Notas

  1. Históricamente, el término 'música clásica' puede referirse específicamente al período musical europeo desde alrededor de 1750 hasta 1820 .
  2. ^ La música clásica está por lo tanto a veces referido como la música clásica occidental , la música clásica europea , la música occidental o música culta europea
  3. De toda la evidencia disponible, parece que ningún o pocos desarrollos musicales significativos pueden atribuirse a la Antigua Roma, que adoptó en gran medida las prácticas de sus predecesores de la Antigua Grecia. [dieciséis]
  4. ^ El musicólogo Donald Jay Grout señala que incluso en el siglo XX solo hay varios fragmentos y algunos ejemplos más importantes de este tipo grecorromano que sobrevive, [13]

Citas

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Fuentes

Lectura adicional

Enlaces externos