Teatro musical

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The Black Crook fue un musical de éxito en 1866. [1]

El teatro musical es una forma de representación teatral que combina canciones, diálogo hablado , actuación y danza. La historia y el contenido emocional de un musical (humor, patetismo , amor, ira) se comunican a través de palabras, música, movimiento y aspectos técnicos del entretenimiento como un todo integrado. Aunque el teatro musical se superpone con otras formas teatrales como la ópera y la danza, puede distinguirse por la igual importancia que se le da a la música en comparación con el diálogo, el movimiento y otros elementos. Desde principios del siglo XX, las obras escénicas del teatro musical se denominan generalmente, simplemente, musicales .

Aunque la música ha sido parte de las representaciones dramáticas desde la antigüedad, el teatro musical occidental moderno surgió durante el siglo XIX, con muchos elementos estructurales establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y las de Harrigan y Hart en Estados Unidos. A estos les siguieron las numerosas comedias musicales eduardianas y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan a principios del siglo XX. Los musicales del Princess Theatre (1915-1918) fueron avances artísticos más allá de las revistas y otros entretenimientos espumosos de principios del siglo XX y dieron lugar a obras tan innovadoras como Show Boat(1927), Of Thee I Sing (1931) y Oklahoma! (1943). Algunos de los musicales más famosos de las décadas siguientes incluyen My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), The Phantom of the Opera (1986). ), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) y Hamilton (2015). En 2020-2021, muchas producciones de teatro musical se cerraron debido a la pandemia de Covid-19 .

Los musicales se realizan en todo el mundo. Pueden presentarse en lugares grandes, como producciones de gran presupuesto de Broadway o West End en la ciudad de Nueva York o Londres. Alternativamente, los musicales pueden presentarse en lugares más pequeños, como teatro marginal , off-Broadway , off-off-Broadway , teatro regional o producciones de teatro comunitario , o en gira . Los musicales a menudo son presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. Además de los Estados Unidos y Gran Bretaña, hay vibrantes escenas de teatro musical en Europa continental, Asia, Australasia, Canadá y América Latina.

Definiciones y alcance

Libro musicales

A Gaiety Girl (1893) fue uno de los primeros musicales de éxito

Desde el siglo XX, el "libro musical" se ha definido como una obra de teatro musical donde las canciones y los bailes se integran completamente en una historia bien hecha con objetivos dramáticos serios que es capaz de evocar emociones genuinas además de la risa. [2] [3] Los tres componentes principales de un libro musical son la música , la letra y el libro . El libro o guión de un musical se refiere a la historia, el desarrollo de los personajes y la estructura dramática, incluidos los diálogos hablados y las direcciones escénicas, pero también puede referirse al diálogo y la letra juntos, que a veces se denominan libreto (en italiano, " Libro pequeño"). La música y la letra juntas forman la partitura.de un musical e incluyen canciones, música incidental y escenas musicales, que son "secuencias teatrales con música, que a menudo combinan canciones con diálogos hablados". [4] La interpretación de un musical es responsabilidad de su equipo creativo, que incluye un director , un director musical , generalmente un coreógrafo y, a veces, un orquestador . La producción de un musical también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos, como el diseño del escenario , el vestuario , las propiedades del escenario (accesorios) , la iluminación y el sonido .. El equipo creativo, los diseños y las interpretaciones generalmente cambian de la producción original a las producciones posteriores. Sin embargo, algunos elementos de producción pueden conservarse de la producción original, por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago .

No hay una duración fija para un musical. Si bien puede abarcar desde un entretenimiento breve de un acto hasta varios actos y varias horas de duración (o incluso una presentación de varias noches), la mayoría de los musicales varían de una hora y media a tres horas. Los musicales generalmente se presentan en dos actos, con un breve intermedio ., y el primer acto es frecuentemente más largo que el segundo. El primer acto generalmente presenta a casi todos los personajes y la mayor parte de la música y, a menudo, termina con la introducción de un conflicto dramático o una complicación de la trama, mientras que el segundo acto puede presentar algunas canciones nuevas, pero generalmente contiene repeticiones de temas musicales importantes y resuelve el conflicto. o complicación. Un libro musical generalmente se construye alrededor de cuatro a seis melodías temáticas principales que se repiten más adelante en el espectáculo, aunque a veces consiste en una serie de canciones que no están directamente relacionadas musicalmente. El diálogo hablado generalmente se intercala entre números musicales, aunque se pueden usar "diálogos cantados" o recitativos , especialmente en los llamados musicales " cantados " como Jesucristo Superstar .Falsettos , Los Miserables , Evita y Hamilton . Varios musicales más cortos en Broadway y en el West End se han presentado en un acto en las últimas décadas.

Los momentos de mayor intensidad dramática en un libro musical a menudo se interpretan en forma de canción. Proverbialmente, "cuando la emoción se vuelve demasiado fuerte para hablar, cantas; cuando se vuelve demasiado fuerte para cantar, bailas". [5] En un libro musical, una canción está idealmente diseñada para adaptarse al personaje (o personajes) y su situación dentro de la historia; aunque ha habido épocas en la historia del musical (por ejemplo, desde la década de 1890 hasta la de 1920) en que esta integración entre la música y la historia ha sido tenue. Como el crítico de The New York Times , Ben Brantley , describió el ideal de la canción en el teatro al revisar la reposición de Gypsy en 2008.: "No hay separación en absoluto entre canción y personaje, que es lo que sucede en esos momentos poco comunes en los que los musicales se elevan para alcanzar su ideal razón de ser". [6] Por lo general, se cantan muchas menos palabras en una canción de cinco minutos que las que se hablan en un bloque de diálogo de cinco minutos. Por lo tanto, hay menos tiempo para desarrollar el drama en un musical que en una obra de teatro de duración equivalente, ya que un musical suele dedicar más tiempo a la música que al diálogo. Dentro de la naturaleza comprimida de un musical, los escritores deben desarrollar los personajes y la trama.

El material que se presenta en un musical puede ser original, o puede estar adaptado de novelas ( Wicked and Man of La Mancha ), obras de teatro ( Hello, Dolly! and Carousel ), leyendas clásicas ( Camelot ), hechos históricos ( Evita ) o películas ( Los Productores y Billy Elliot ). Por otro lado, muchas obras exitosas de teatro musical han sido adaptadas para películas musicales , como West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliver! y chicago _

Comparaciones con la ópera

El teatro musical está estrechamente relacionado con la forma teatral de la ópera , pero los dos generalmente se distinguen al sopesar una serie de factores. Primero, los musicales generalmente se enfocan más en el diálogo hablado. [7] Sin embargo, algunos musicales están completamente acompañados y cantados, mientras que algunas óperas, como Die Zauberflöte , y la mayoría de las operetas , tienen algunos diálogos sin acompañamiento. [7] En segundo lugar, los musicales suelen incluir más bailes como parte esencial de la narración, especialmente por parte de los artistas principales y del coro. En tercer lugar, los musicales a menudo utilizan varios géneros de música popular o, al menos, cantos populares y estilos musicales. [8]

Finalmente, los musicales suelen evitar ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical casi siempre se representa en el idioma de su audiencia. Los musicales producidos en Broadway o en el West End, por ejemplo, se cantan invariablemente en inglés, incluso si se escribieron originalmente en otro idioma. Mientras que un cantante de ópera es principalmente un cantante y solo un segundo actor (y rara vez necesita bailar), un artista de teatro musical es a menudo un actor primero, pero también debe ser cantante y bailarín. Alguien que tiene los tres logros por igual se conoce como una "triple amenaza". Los compositores de música para musicales a menudo consideran las demandas vocales de los roles pensando en los artistas de teatro musical. Hoy en día, los grandes teatros que presentan musicales generalmente usan micrófonos y amplificación .de las voces cantadas de los actores de una manera que generalmente sería desaprobada en un contexto operístico. [9]

Algunas obras (por ejemplo, de George Gershwin , Leonard Bernstein y Stephen Sondheim ) se han convertido en producciones tanto de "teatro musical" como de "ópera". [10] [11] De manera similar, algunas operetas u óperas ligeras más antiguas (como Los piratas de Penzance de Gilbert y Sullivan ) se han producido en adaptaciones modernas que las tratan como musicales. Para algunas obras, los estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramático de la obra para definir en qué forma de arte cae la pieza. [12]Sondheim dijo: "Realmente creo que cuando algo se presenta en Broadway es un musical, y cuando se presenta en un teatro de ópera es la ópera. Eso es todo. Es el terreno, el campo, las expectativas de la audiencia lo que hace que sea una cosa u otra. " [13] Sigue existiendo una superposición en la forma entre las formas operísticas más ligeras y los musicales musicalmente más complejos o ambiciosos. En la práctica, a menudo es difícil distinguir entre los diversos tipos de teatro musical, incluida la "obra musical", la "comedia musical", la "opereta" y la "ópera ligera". [14]

Al igual que la ópera, el canto en el teatro musical generalmente está acompañado por un conjunto instrumental llamado orquesta de foso , ubicado en un área rebajada frente al escenario. Mientras que la ópera generalmente usa una orquesta sinfónica convencional , los musicales generalmente se orquestan para conjuntos que van desde 27 jugadores hasta solo unos pocos jugadores . Los musicales de rock generalmente emplean un pequeño grupo de instrumentos de rock en su mayoría, [15] y algunos musicales pueden requerir solo un piano o dos instrumentos. [16] La música en los musicales utiliza una variedad de "estilos e influencias que incluyen opereta , técnicas clásicas, música folclórica, jazz [y] estilos locales o históricos [que] son ​​apropiados para el escenario". [4] Los musicales pueden comenzar con una obertura interpretada por la orquesta que "entrelaza extractos de las famosas melodías de la partitura". [17]

Tradiciones orientales y otras formas

Intérpretes de ópera china

Hay varias tradiciones orientales de teatro que incluyen música, como la ópera china , la ópera taiwanesa , el noh japonés y el teatro musical indio , incluido el drama sánscrito , la danza clásica india , el teatro parsi y el yakshagana . [18] India, desde el siglo XX, ha producido numerosas películas musicales, conocidas como musicales de " Bollywood ", y en Japón se ha desarrollado una serie de musicales 2.5D basados ​​en cómics populares de anime y manga en las últimas décadas.

Las versiones "junior" más cortas o simplificadas de muchos musicales están disponibles para escuelas y grupos juveniles, y las obras muy cortas creadas o adaptadas para la interpretación de niños a veces se denominan minimusicales . [19] [20]

Historia

Primeros antecedentes

Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia , donde la música y la danza se incluyeron en comedias y tragedias teatrales durante el siglo V a. [21] [22] Sin embargo, la música de las formas antiguas se ha perdido y tuvieron poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical. [23] En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos enseñaban la liturgia . Grupos de actores usarían vagones de desfile al aire libre (escenarios sobre ruedas) para contar cada parte de la historia. Las formas poéticas alternaban a veces con los diálogos en prosa, y los cantos litúrgicos dejaban paso a nuevas melodías. [24]

Una vista de Rodas de John Webb , que se pintará en una contraventana para la primera representación de El asedio de Rodas (1856)

El Renacimiento europeo vio cómo las formas más antiguas evolucionaban hacia dos antecedentes del teatro musical: la commedia dell'arte , donde los payasos estridentes improvisaban historias familiares y, más tarde, la ópera buffa . En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobeas incluían con frecuencia música, [25] y se empezaron a incluir breves obras musicales en los espectáculos dramáticos de las noches. [26] Las mascaradas de la corte se desarrollaron durante el período Tudor que involucraban música, baile, canto y actuación, a menudo con disfraces costosos y un diseño de escenario complejo . [27] [28]Estos se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas, la primera generalmente se considera El asedio de Rodas (1656). [29] Mientras tanto, en Francia, Molière convirtió varias de sus comedias burlescas en espectáculos musicales con canciones (música proporcionada por Jean-Baptiste Lully ) y danza a finales del siglo XVII. Estos influyeron en un breve período de la ópera inglesa [30] de compositores como John Blow [31] y Henry Purcell . [29]

Desde el siglo XVIII, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña fueron las óperas de baladas , como The Beggar 's Opera de John Gay , que incluían letras escritas con melodías de canciones populares de la época (a menudo parodia de ópera), y más tarde pantomima . que se desarrolló a partir de la commedia dell'arte y la ópera cómica con tramas en su mayoría románticas, como The Bohemian Girl de Michael Balfe (1845). Mientras tanto, en el continente surgían el singspiel , la comédie en vaudeville , la opéra comique , la zarzuela y otras formas de entretenimiento musical ligero.The Beggar's Opera fue la primera obra de teatro de larga duración registrada de cualquier tipo, con 62 representaciones sucesivas en 1728. Pasaría casi un siglo antes de que una obra superara las 100 representaciones, pero el récord pronto alcanzó las 150 a fines de la década de 1820. [32] Otras formas de teatro musical desarrolladas en Inglaterra en el siglo XIX, como el music hall , el melodrama y la burletta , que se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres tenían licencia solo como music hall y no se les permitía presentar obras sin música.

La América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de actores a las colonias dirigidas por su hermano Lewis . [33] En Nueva York, en el verano de 1753, interpretaron baladas-óperas, como The Beggar's Opera , y baladas-farsas. [33] En la década de 1840, PT Barnum operaba un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. [34] Otro teatro musical temprano en Estados Unidos consistía en formas británicas, como la burletta y la pantomima, [23] pero el nombre de una pieza no necesariamente definía lo que era. El gran espectáculo de Broadway de 1852 The Magic Deerse anunciaba a sí mismo como "Un cuento de encantamiento burletical, extravagante, histórico, trágico, cómico y serio". [35] El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro de la ciudad al centro de la ciudad alrededor de 1850, y no llegó al área de Times Square hasta las décadas de 1920 y 1930. Las funciones de Nueva York quedaron muy por detrás de las de Londres, pero la "burletta musical" Seven Sisters (1860) de Laura Keene rompió el récord anterior de teatro musical de Nueva York, con una serie de 253 funciones. [36]

1850 a 1880

Póster, c. 1879

Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que llamó opérette . [37] Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach entre 1850 y 1870 y Johann Strauss II entre 1870 y 1880. [23] Las melodías fértiles de Offenbach, combinadas con la sátira ingeniosa de sus libretistas, formaron un modelo para el teatro musical que siguió. [37] Las adaptaciones de las operetas francesas (tocadas en su mayoría con traducciones malas y subidas de tono), burlesques musicales , music hall, pantomima y burletta dominaron el escenario musical de Londres hasta la década de 1870. [38]

En Estados Unidos, los espectáculos de teatro musical de mediados del siglo XIX incluían toscas revistas de variedades , que finalmente se convirtieron en vodevil , espectáculos de trovadores , que pronto cruzaron el Atlántico hasta Gran Bretaña, y burlesque victoriano, popularizado por primera vez en Estados Unidos por compañías británicas. [23] Un musical de gran éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, The Black Crook , fue una obra de teatro musical original que se ajustaba a muchas de las definiciones modernas de un musical, incluida la danza y la música original que ayudaron a contar la historia. La espectacular producción, famosa por sus diminutos disfraces, tuvo un récord de 474 funciones. [39] El mismo año,The Black Domino/Between You, Me and the Post fue el primer programa que se autodenominó "comedia musical". Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) y 1885. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones tomadas de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York y representaron un importante paso adelante hacia una vida más forma teatral legítima . Protagonizaron cantantes de gran calidad ( Lillian Russell , Vivienne Segal y Fay Templeton ) en lugar de las damas de dudosa reputación que habían protagonizado formas musicales anteriores.

A medida que mejoraba el transporte, disminuía la pobreza en Londres y Nueva York y el alumbrado público facilitaba los viajes nocturnos, el número de clientes del creciente número de teatros aumentó enormemente. Las obras duraron más, lo que generó mayores ganancias y mejores valores de producción, y los hombres comenzaron a traer a sus familias al teatro. La primera obra de teatro musical que superó las 500 representaciones consecutivas fue la opereta francesa The Chimes of Normandy en 1878. [32] La ópera cómica inglesa adoptó muchas de las ideas exitosas de la opereta europea, ninguna con más éxito que la serie de más de una docena de obras de teatro de larga duración. ejecutando óperas cómicas de Gilbert y Sullivan , incluido HMS Pinafore (1878) y The Mikado(1885). [37] Estas fueron sensaciones a ambos lados del Atlántico y en Australia y ayudaron a elevar el estándar de lo que se consideró un espectáculo exitoso. [40] Estos espectáculos fueron diseñados para audiencias familiares, un marcado contraste con los burlescos subidos de tono, los espectáculos de music hall obscenos y las operetas francesas que a veces atraían a una multitud que buscaba un entretenimiento menos saludable. [38] Solo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la duración de The Mikado , como Dorothy , que se inauguró en 1886 y estableció un nuevo récord con una ejecución de 931 representaciones. La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo "integrar" musicales para que la letra y el diálogo avanzaran en una historia coherente.[41] [42] Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales en Gran Bretaña [43] [44] y Estados Unidos. [40] [45]

1890 al nuevo siglo

Portada de la partitura vocal de Sidney Jones ' The Geisha

A Trip to Chinatown (1891) fue el campeón a largo plazo de Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 funciones, pero las funciones en Nueva York continuaron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las funciones en Londres, hasta la década de 1920. [32] Gilbert y Sullivan fueron ampliamente pirateados y también imitados en Nueva York por producciones como Robin Hood (1891) de Reginald De Koven y El Capitán (1896)de John Philip Sousa . A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada íntegramente por afroamericanos en Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de juglares ).), seguida de espectáculos teñidos de ragtime . Cientos de comedias musicales se representaron en Broadway en la década de 1890 y principios del siglo XX, compuestas de canciones escritas en el Tin Pan Alley de Nueva York , incluidas las de George M. Cohan , quien trabajó para crear un estilo estadounidense distinto de las obras de Gilbert y Sullivan. Los espectáculos más exitosos de Nueva York a menudo fueron seguidos por extensas giras nacionales. [46]

Mientras tanto, los musicales se apoderaron del escenario londinense en los Gay Nineties , encabezados por el productor George Edwardes , quien percibió que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas al estilo de Saboya y su sátira intelectual, política y absurda. Experimentó con un estilo de teatro musical familiar y de vestimenta moderna, con canciones populares y alegres, bromas románticas y ágiles, y un espectáculo elegante en el Gaiety y sus otros teatros. Estos se basaron en las tradiciones de la ópera cómica y utilizaron elementos burlescos y de las piezas de Harrigan y Hart. Reemplazó a las obscenas mujeres del burlesque con su cuerpo "respetable" de Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito del primero de ellos,In Town (1892) y A Gaiety Girl (1893) marcaron el estilo de las siguientes tres décadas. Las tramas eran generalmente espectáculos ligeros y románticos de "la pobre doncella ama al aristócrata y lo gana contra viento y marea", con música de Ivan Caryll , Sidney Jones y Lionel Monckton . Estos espectáculos fueron inmediatamente copiados ampliamente en Estados Unidos, y la comedia musical eduardiana barrió con las formas musicales anteriores de ópera cómica y opereta. La geisha (1896) fue una de las más exitosas de la década de 1890, estuvo en funcionamiento durante más de dos años y logró un gran éxito internacional.

The Belle of New York (1898) se convirtió en el primer musical estadounidense que se presentó durante más de un año en Londres. La comedia musical británica Florodora (1899) fue un éxito popular en ambos lados del Atlántico, al igual que A Chinese Honeymoon (1901), que tuvo un récord de 1.074 funciones en Londres y 376 en Nueva York. Después del comienzo del siglo XX, Seymour Hicks unió fuerzas con Edwardes y el productor estadounidense Charles Frohman para crear otra década de programas populares. Otros éxitos duraderos de la comedia musical eduardiana incluyeron The Arcadians (1909) y The Quaker Girl (1910). [47]

Principios del siglo XX

Prácticamente eliminadas del escenario de habla inglesa por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con The Merry Widow , y las adaptaciones de operetas continentales se convirtieron en competidores directos de los musicales. Franz Lehár y Oscar Straus compusieron nuevas operetas que fueron populares en inglés hasta la Primera Guerra Mundial. [48] En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de operetas duraderas que incluyen The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), El molino rojo (1906) y La traviesa Marietta (1910).

En la década de 1910, el equipo de PG Wodehouse , Guy Bolton y Jerome Kern , siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan , crearon los " espectáculos de Princess Theatre " y allanaron el camino para el trabajo posterior de Kern al demostrar que un musical podía combinar música ligera, popular entretenimiento con continuidad entre su historia y sus canciones. [41] El historiador Gerald Bordman escribió:

Estos espectáculos construyeron y pulieron el molde a partir del cual evolucionaron casi todas las grandes comedias musicales posteriores. ... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de la comedia musical, creíbles y el humor procedía de las situaciones o de la naturaleza de los personajes. Las melodías exquisitamente fluidas de Kern se emplearon para promover la acción o desarrollar la caracterización. ... La comedia musical [eduardiana] a menudo era culpable de insertar canciones de manera aleatoria. Los musicales del Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. PG Wodehouse, el letrista más observador, culto e ingenioso de su época, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se siente hasta el día de hoy. [49]

El público que iba al teatro necesitaba entretenimiento escapista durante los tiempos oscuros de la Primera Guerra Mundial , y acudió en masa al teatro. El exitoso musical de 1919 Irene tuvo 670 funciones, un récord de Broadway que se mantuvo hasta 1938. [50] El público del teatro británico apoyó carreras mucho más largas como la de La doncella de las montañas (1352 funciones) y especialmente Chu Chin Chow . Su serie de 2.238 actuaciones fue más del doble que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años. [51] Revistas como The Bing Boys Are Here in Britain y las de Florenz Ziegfeldy sus imitadores en América, también fueron extraordinariamente populares. [35]

Partitura de Sally , 1920

Los musicales de los locos años veinte , tomados del vodevil, el music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar las grandes rutinas de baile y las canciones populares a expensas de la trama. Típico de la década fueron producciones alegres como Sally ; Señora, sé buena ; No, no, Nanette ; ¡Ay, Kay! ; y cara graciosa . A pesar de las historias olvidables, estos musicales contaron con estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares perdurables de Kern, George e Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Portery Rodgers y Hart . La música popular estuvo dominada por los estándares del teatro musical, como " Ritmo fascinante ", " Té para dos " y " Alguien que me cuide ". Muchos espectáculos eran revistas , series de sketches y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Las más conocidas fueron las Ziegfeld Follies anuales , espectaculares revistas de canto y baile en Broadway con escenarios extravagantes, disfraces elaborados y hermosas coristas. [23] Estos espectáculos también aumentaron los valores de producción, y montar un musical generalmente se volvió más costoso. [35] Shuffle Along (1921), una obra totalmente afroamericanaespectáculo fue un éxito en Broadway. [52] Una nueva generación de compositores de operetas también surgió en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg , para crear una serie de éxitos populares de Broadway. [53]

En Londres, escritores-estrellas como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares, pero la primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta 1920 fue reemplazada gradualmente por la innovación estadounidense, especialmente después de la Primera Guerra Mundial, como Kern y otros compositores de Tin Pan Alley . comenzó a traer nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz a los teatros, y los hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway. El escritor de teatro musical Andrew Lambseñala: "Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más apropiado para la sociedad del siglo XX y su idioma vernáculo. Fue en Estados Unidos de donde surgió el estilo más directo, y en Estados Unidos fue capaz de florecer en una sociedad en desarrollo menos reprimida por la tradición del siglo XIX". [54] En Francia, la comédie musicale se escribió entre las primeras décadas del siglo para estrellas como Yvonne Printemps . [55]

Show Boat y la Gran Depresión

Progresando mucho más allá de los musicales comparativamente frívolos y las operetas sentimentales de la década, Show Boat de Broadway (1927) representó una integración aún más completa de libro y partitura que los musicales de Princess Theatre, con temas dramáticos narrados a través de la música, el diálogo, el escenario y el movimiento. . Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el hábil libreto de Oscar Hammerstein II . Un historiador escribió: "Aquí llegamos a un género completamente nuevo: la obra musical a diferencia de la comedia musical. Ahora... todo lo demás estaba subordinado a esa obra. Ahora... llegó la integración completa de la canción, el humor y los números de producción en una entidad artística única e inextricable". [56]

Cuando comenzó la Gran Depresión durante la gira nacional posterior a Broadway de Show Boat , el público volvió al entretenimiento de canto y baile, en su mayoría ligero y escapista. [49] Las audiencias en ambos lados del Atlántico tenían poco dinero para gastar en entretenimiento, y solo unos pocos espectáculos en cualquier lugar superaron las 500 representaciones durante la década. La revista The Band Wagon (1931) protagonizó a los compañeros de baile Fred Astaire y su hermana Adele , mientras que Porter's Anything Goes (1934) confirmó el puesto de Ethel Merman como Primera Dama del teatro musical, título que mantuvo durante muchos años. Coward y Novello continuaron presentando musicales sentimentales a la antigua, comoThe Dancing Years , mientras que Rodgers y Hart regresaron de Hollywood para crear una serie de exitosos espectáculos de Broadway, incluidos On Your Toes (1936, con Ray Bolger , el primer musical de Broadway que hizo un uso dramático de la danza clásica), Babes in Arms (1937) y Los chicos de Siracusa (1938). Porter agregó Du Barry Was a Lady (1939). La obra de teatro musical de mayor duración de la década de 1930 fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público, que se presentó en 1.404 funciones, estableciendo un nuevo récord de Broadway. [50]

Aún así, algunos equipos creativos comenzaron a desarrollar las innovaciones de Show Boat . Of Thee I Sing (1931), una sátira política de los Gershwin, fue el primer musical ganador del Premio Pulitzer . [23] [57] As Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o boceto se basaba en un titular de periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway protagonizado por una afroamericana, Ethel Waters . junto a actores blancos. Los números de Waters incluían " Supper Time ", el lamento de una mujer por su marido que ha sido linchado. [58] Porgy and Bess de los Gershwin (1935) contó con un elenco totalmente afroamericano y modismos combinados de ópera, folk y jazz. The Cradle Will Rock (1937), dirigida por Orson Welles , fue una pieza muy política a favor de los sindicatos que, a pesar de la controversia que la rodeó, tuvo 108 representaciones. [35] Rodgers y Hart's I'd Rather Be Right (1937) fue una sátira política con George M. Cohan como el presidente Franklin D. Roosevelt , y Knickerbocker Holiday de Kurt Weill describió la historia temprana de la ciudad de Nueva York mientras satirizaba con buen humor la política de Roosevelt. buenas intenciones.

La película supuso un desafío para el escenario. Las películas mudas habían presentado solo una competencia limitada, pero a fines de la década de 1920, películas como The Jazz Singer podían presentarse con sonido sincronizado. Las películas "talkie" a precios bajos acabaron con el vodevil a principios de la década de 1930. [59] A pesar de los problemas económicos de la década de 1930 y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, continuó evolucionando temáticamente más allá de los gags y los musicales de coristas de los años noventa gay y los locos años veinte y el romance sentimental de la opereta, agregando experiencia técnica y la puesta en escena de ritmo rápido y el estilo de diálogo naturalista dirigido por el director George Abbott .. [23]

La edad de oro (décadas de 1940 a 1960)

Rodgers y Hammerstein (izquierda y derecha) e Irving Berlin (centro) en el Teatro St. James en 1948

1940

La década de 1940 comenzaría con más éxitos de Porter, Irving Berlin , Rodgers and Hart, Weill y Gershwin, algunos con más de 500 actuaciones a medida que la economía se recuperaba, pero el cambio artístico estaba en el aire.

¡El Oklahoma de Rodgers y Hammerstein ! (1943) completó la revolución iniciada por Show Boat , al integrar estrechamente todos los aspectos del teatro musical, con una trama cohesiva, canciones que fomentaban la acción de la historia y presentaban ballets de ensueño y otras danzas que hacían avanzar la trama y desarrollaban a los personajes. , en lugar de utilizar la danza como excusa para hacer desfilar a mujeres con poca ropa por el escenario. [3] Rodgers y Hammerstein contrataron a la coreógrafa de ballet Agnes de Mille , quien usó movimientos cotidianos para ayudar a los personajes a expresar sus ideas. Desafió las convenciones musicales levantando el telón del primer acto no sobre un grupo de coristas, sino sobre una mujer batiendo mantequilla, con una voz fuera del escenario cantando las primeras líneas deOh, qué hermosa mañana sin compañía. Atrajo críticas muy favorables, desató un frenesí de taquilla y recibió un premio Pulitzer . [60] Brooks Atkinson escribió en The New York Times que el número de apertura del espectáculo cambió la historia del teatro musical: "Después de un verso como ese, cantado con una melodía alegre, las banalidades del viejo escenario musical se volvieron intolerables". [61] Fue el primer espectáculo de Broadway "éxito de taquilla", con un total de 2.212 funciones, y se convirtió en una película de éxito. Sigue siendo uno de los proyectos del equipo producidos con mayor frecuencia. William A. Everett y Paul R. Laird escribieron que se trataba de un "espectáculo que, como Show Boat, se convirtió en un hito, de modo que los historiadores posteriores que escribieron sobre momentos importantes en el teatro del siglo XX comenzarían a identificar eras según su relación con Oklahoma. ". [62]

Retrato de una mujer de treinta y tantos años, con el pelo largo y rizado y vistiendo una blusa pasada de moda con corbata de hilo
Mary Martin protagonizó varios éxitos de Broadway de esta época.

"¡Después de Oklahoma!, Rodgers y Hammerstein fueron los contribuyentes más importantes a la forma de obra musical... Los ejemplos que establecieron en la creación de obras vitales, a menudo ricas en pensamiento social, proporcionaron el estímulo necesario para que otros escritores dotados crearan obras musicales de los suyos". [56] Los dos colaboradores crearon una colección extraordinaria de algunos de los clásicos más amados y duraderos del teatro musical, incluidos Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) y The Sound of Music (1959). Algunos de estos musicales tratan temas más serios que la mayoría de los espectáculos anteriores: ¡el villano de Oklahoma!es un presunto asesino y psicópata aficionado a las postales lascivas; Carousel trata sobre el abuso conyugal, el robo, el suicidio y el más allá; South Pacific explora el mestizaje incluso más a fondo que Show Boat ; y el héroe de El rey y yo muere en el escenario.

La creatividad del espectáculo estimuló a los contemporáneos de Rodgers y Hammerstein y marcó el comienzo de la "Edad de Oro" del teatro musical estadounidense. [61] Americana se exhibió en Broadway durante la "Edad de Oro", cuando comenzó a llegar el ciclo de espectáculos en tiempos de guerra. Un ejemplo de esto es On the Town (1944), escrita por Betty Comden y Adolph Green , compuesta por Leonard Bernstein y coreografiada por Jerome Robbins . La historia se desarrolla durante la guerra y trata de tres marineros que se encuentran en un permiso de 24 horas en tierra en la ciudad de Nueva York, durante el cual cada uno se enamora. El espectáculo también da la impresión de un país con un futuro incierto, como también lo tienen los marineros y sus mujeres. irving berlínutilizó la carrera de la francotiradora Annie Oakley como base para su Annie Get Your Gun (1946, 1147 funciones); Burton Lane , EY Harburg y Fred Saidy combinaron la sátira política con la extravagancia irlandesa en su fantasía Finian's Rainbow (1947, 725 representaciones); y Cole Porter se inspiraron en La fierecilla domada de William Shakespeare para Bésame, Kate (1948, 1.077 representaciones). Los musicales estadounidenses abrumaron a los espectáculos británicos anticuados al estilo Coward / Novello, uno de los últimos grandes éxitos de los cuales fue Perchance to Dream de Novello.(1945, 1.021 representaciones). La fórmula de los musicales de la Edad de Oro reflejaba una o más de las cuatro percepciones más difundidas del "sueño americano": que la estabilidad y el valor se derivan de una relación amorosa sancionada y restringida por los ideales protestantes del matrimonio; que una pareja casada debe formar un hogar moral con hijos fuera de la ciudad en un suburbio o pueblo pequeño; que la función de la mujer era la de ama de casa y madre; y que los americanos incorporen un espíritu independiente y pionero o que su éxito sea obra de sí mismos. [63]

1950

Julie Andrews con Richard Burton en Camelot (1960)

La década de 1950 fue crucial para el desarrollo del musical estadounidense. [64] Los personajes eclécticos de Damon Runyon estaban en el centro de Guys and Dolls de Frank Loesser y Abe Burrows (1950, 1.200 representaciones); y la fiebre del oro fue el escenario de Paint Your Wagon (1951), de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe . La duración relativamente breve de siete meses de ese programa no desanimó a Lerner y Loewe a colaborar de nuevo, esta vez en My Fair Lady (1956), una adaptación de Pigmalión de George Bernard Shaw protagonizada porRex Harrison y Julie Andrews , que con 2.717 representaciones ostentó el récord a largo plazo durante muchos años. De todos estos musicales se hicieron películas populares de Hollywood. Dos éxitos de creadores británicos en esta década fueron The Boy Friend (1954), que tuvo 2078 representaciones en Londres y marcó el debut estadounidense de Andrews, y Salad Days (1954), con 2283 representaciones. [51]

Otro récord lo estableció The Threepenny Opera , que tuvo 2.707 funciones, convirtiéndose en el musical fuera de Broadway de más larga duración hasta The Fantasticks . La producción también abrió camino al mostrar que los musicales podrían ser rentables fuera de Broadway en un formato de pequeña orquesta a pequeña escala. Esto se confirmó en 1959 cuando una reposición de Leave It to Jane de Jerome Kern y PG Wodehouse duró más de dos años. La temporada fuera de Broadway de 1959-1960 incluyó una docena de musicales y revistas, incluidos Little Mary Sunshine , The Fantasticks y Ernest in Love , una adaptación musical de Oscar Wilde .El éxito de 1895 La importancia de llamarse Ernesto . [sesenta y cinco]

West Side Story (1957) transportó a Romeo y Julieta a la ciudad de Nueva York moderna y convirtió a las enemistadas familias Montague y Capuleto en pandillas étnicas opuestas, los Jets y los Sharks. El libro fue adaptado por Arthur Laurents , con música de Leonard Bernstein y letra del recién llegado Stephen Sondheim . Fue acogido por los críticos, pero no logró ser una opción popular para las "damas matinales de cabello azul", que preferían la pequeña ciudad de River City, Iowa, de The Music Man (1957) de Meredith Willson ,a los callejones de Manhattan . s Upper West Side. Aparentemente premio Tonylos votantes tenían una opinión similar, ya que favorecían a los primeros sobre los segundos. West Side Story tuvo una racha respetable de 732 funciones (1040 en el West End), mientras que The Music Man duró casi el doble, con 1375 funciones. Sin embargo, la película de 1961 de West Side Story tuvo un gran éxito. [66] Laurents y Sondheim se unieron nuevamente para Gypsy (1959, 702 funciones), con Jule Styne proporcionando la música para una historia detrás del escenario sobre la madre de escenario más motivada de todos los tiempos, Rose, la madre de la stripper Gypsy Rose Lee . La producción original tuvo 702 funciones y recibió cuatro reposiciones posteriores, conAngela Lansbury , Tyne Daly , Bernadette Peters y Patti LuPone luego abordaron el papel que Ethel Merman hizo famoso.

Aunque los directores y coreógrafos han tenido una gran influencia en el estilo del teatro musical desde al menos el siglo XIX, [67] George Abbott y sus colaboradores y sucesores desempeñaron un papel central en la integración total del movimiento y la danza en las producciones de teatro musical en la Edad de Oro. [68] Abbott introdujo el ballet como recurso para contar historias en On Your Toes en 1936, al que siguió el ballet y la coreografía de Agnes de Mille en Oklahoma. . [69] Después de que Abbott colaborara con Jerome Robbins en On the Town y otros espectáculos, Robbins combinó los roles de director y coreógrafo, enfatizando el poder narrativo de la danza en West Side Story ., Sucedió algo gracioso de camino al foro (1962) y El violinista en el tejado (1964). Bob Fosse coreografió para Abbott en The Pajama Game (1956) y Damn Yankees (1957), inyectando una sexualidad juguetona en esos éxitos. Posteriormente fue director-coreógrafo de Sweet Charity (1968), Pippin (1972) y Chicago (1975). Otros directores y coreógrafos notables incluyen a Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne y Susan Stroman . Los directores prominentes han incluido a Hal Prince, quien también comenzó con Abbott, [68] y Trevor Nunn . [70]

Durante la Edad de Oro, las empresas automotrices y otras grandes corporaciones comenzaron a contratar talento de Broadway para escribir musicales corporativos , espectáculos privados que solo veían sus empleados o clientes. [71] [72] La década de 1950 terminó con el último éxito de Rodgers y Hammerstein , The Sound of Music , que también se convirtió en otro éxito de Mary Martin. Tuvo 1.443 funciones y compartió el premio Tony al mejor musical. Junto con su extremadamente exitosa versión cinematográfica de 1965 , se ha convertido en uno de los musicales más populares de la historia.

1960

En 1960, The Fantasticks se produjo por primera vez fuera de Broadway. Este espectáculo alegórico íntimo se presentaría en silencio durante más de 40 años en el Sullivan Street Theatre en Greenwich Village , convirtiéndose, con mucho, en el musical de mayor duración en la historia. Sus autores produjeron otras obras innovadoras en la década de 1960, como Celebration y I Do! ¡Hago! , el primer musical de Broadway de dos personajes. La década de 1960 vería una serie de éxitos de taquilla, como Fiddler on the Roof (1964; 3242 representaciones), ¡Hola, Dolly! (1964; 2.844 representaciones), Funny Girl (1964; 1.348 representaciones) y Man of La Mancha (1965; 2.328 representaciones), y algunas piezas más subidas de tono comoCabaret , antes de acabar con el surgimiento del rock musical . Dos hombres tuvieron un impacto considerable en la historia del teatro musical a partir de esta década: Stephen Sondheim y Jerry Herman .

Bernadette Peters (que se muestra en 2008) ha protagonizado cinco musicales de Sondheim.

El primer proyecto para el que Sondheim escribió tanto la música como la letra fue A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 representaciones), con un libro basado en las obras de Plautus de Burt Shevelove y Larry Gelbart , protagonizado por Zero Mostel . Sondheim llevó el musical más allá de su concentración en las tramas románticas típicas de épocas anteriores; su trabajo tendía a ser más oscuro, explorando los lados más arenosos de la vida tanto presente como pasada. Otros trabajos tempranos de Sondheim incluyen Cualquiera puede silbar (1964, que tuvo solo nueve funciones, a pesar de tener a las estrellas Lee Remick y Angela Lansbury ), y la exitosa Compañía(1970), Locuras (1971) y Un poco de música nocturna (1973). Más tarde, Sondheim encontró inspiración en fuentes poco probables: la apertura de Japón al comercio occidental para Pacific Overtures (1976), un legendario barbero asesino que busca venganza en la era industrial de Londres para Sweeney Todd (1979), las pinturas de Georges Seurat para Sunday in the Park with George (1984), cuentos de hadas para Into the Woods (1987) y una colección de asesinos presidenciales en Assassins (1990).

Si bien algunos críticos han argumentado que algunos de los musicales de Sondheim carecen de atractivo comercial, otros han elogiado su sofisticación lírica y complejidad musical, así como la interacción de letras y música en sus espectáculos. Algunas de las innovaciones notables de Sondheim incluyen un espectáculo presentado al revés ( Merrily We Roll Along ) y el mencionado Cualquiera puede silbar , en el que el primer acto termina con el elenco informando a la audiencia que están locos.

Jerry Herman desempeñó un papel importante en el teatro musical estadounidense, comenzando con su primera producción de Broadway, Milk and Honey (1961, 563 representaciones), sobre la fundación del estado de Israel , y continuando con los éxitos de taquilla Hello, Dolly! (1964, 2.844 funciones), Mame (1966, 1.508 funciones) y La Cage aux Folles (1983, 1.761 funciones). Incluso sus programas menos exitosos como Dear World (1969) y Mack and Mabel (1974) han tenido partituras memorables ( Mack and Mabel fue reelaborado más tarde en un éxito londinense). Escribiendo tanto palabras como música, muchas de las melodías de programas de Hermanse han convertido en estándares populares, como " ¡Hola, Dolly! ", "Necesitamos un poco de Navidad", "Soy lo que soy", "Mame", "El mejor de los tiempos", "Antes de que pase el desfile", "Pon On Your Sunday Clothes", "It Only Takes a Moment", "Bosom Buddies" y "I Won't Send Roses", grabadas por artistas como Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clark y Bernadette Peters. El cancionero de Herman ha sido objeto de dos revistas musicales populares, Jerry's Girls (Broadway, 1985) y Showtune (off-Broadway, 2003).

El musical comenzó a desviarse de los límites relativamente estrechos de la década de 1950. La música rock se usaría en varios musicales de Broadway, comenzando con Hair , que presentaba no solo música rock, sino también desnudez y opiniones controvertidas sobre la guerra de Vietnam , las relaciones raciales y otros temas sociales. [73]

Temas sociales

Después de Show Boat y Porgy and Bess , y a medida que avanzaba la lucha en Estados Unidos y en otros lugares por los derechos civiles de las minorías , Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg y otros se animaron a escribir más musicales y óperas que buscaban normalizar la tolerancia social de las minorías e instaban a armonía racial. Los primeros trabajos de la Edad de Oro que se centraron en la tolerancia racial incluyeron Finian's Rainbow y South Pacific . Hacia el final de la Edad de Oro, varios programas abordaron temas y problemas judíos, como Fiddler on the Roof , Milk and Honey , Blitz! y luego trapos. El concepto original que se convirtió en West Side Story estaba ambientado en el Lower East Side durante las celebraciones de Pascua y Pascua; las bandas rivales serían judías y católicas italianas . El equipo creativo luego decidió que el conflicto polaco (blanco) vs. puertorriqueño era más fresco. [74]

La tolerancia como tema importante en los musicales ha continuado en las últimas décadas. La expresión final de West Side Story dejó un mensaje de tolerancia racial. A fines de la década de 1960, los musicales se integraron racialmente, con miembros del elenco en blanco y negro que incluso cubrieron los roles de los demás, como lo hicieron en Hair . [75] La homosexualidad también se ha explorado en musicales, comenzando con Hair , e incluso más abiertamente en La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch y otros espectáculos en las últimas décadas. Parade es una exploración sensible tanto del antisemitismo como de la historia estadounidense .racismo , y Ragtime explora de manera similar la experiencia de los inmigrantes y las minorías en Estados Unidos.

1970 al presente

1970

Después del éxito de Hair , los musicales de rock florecieron en la década de 1970, con Jesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita y Two Gentlemen of Verona . Algunos de ellos comenzaron como " álbumes conceptuales " que luego se adaptaron al escenario, sobre todo Jesus Christ Superstar y Evita . Otros no tenían diálogo o recordaban la ópera, con temas dramáticos y emotivos; estos a veces comenzaron como álbumes conceptuales y se denominaron óperas rock . Programas como Raisin , Dreamgirls ,Purlie y The Wiz trajeron una importante influencia afroamericana a Broadway. Se incorporaron géneros y estilos musicales más variados en musicales tanto dentro como fuera de Broadway. Al mismo tiempo, Stephen Sondheim encontró el éxito con algunos de sus musicales, como se mencionó anteriormente.

A Chorus Line fue una de las 55 producciones queel Teatro Público de Joseph Papp trajo a Broadway

En 1975, el musical de danza A Chorus Line surgió de sesiones grabadas al estilo de terapia grupal que Michael Bennett dirigió con "gitanos", aquellos que cantan y bailan en apoyo de los principales actores, de la comunidad de Broadway. A partir de cientos de horas de cintas, James Kirkwood Jr. y Nick Dante crearon un libro sobre una audición para un musical, incorporando muchas historias de la vida real de las sesiones; algunos de los que asistieron a las sesiones finalmente tocaron variaciones de ellos mismos o de otros en el espectáculo. Con música de Marvin Hamlisch y letra de Edward Kleban , A Chorus Line se inauguró por primera vez en el Teatro Público de Joseph Papp .en el bajo Manhattan. Lo que inicialmente se había planeado como un compromiso limitado finalmente se trasladó al Teatro Shubert en Broadway [76] para una serie de 6137 funciones, convirtiéndose en la producción de mayor duración en la historia de Broadway hasta ese momento. El programa arrasó con los Premios Tony y ganó el Premio Pulitzer , y su exitosa canción, What I Did for Love , se convirtió en un estándar. [77]

El público de Broadway dio la bienvenida a los musicales que variaban del estilo y la sustancia de la edad de oro. John Kander y Fred Ebb exploraron el surgimiento del nazismo en Alemania en Cabaret , y el asesinato y los medios de comunicación en la era de la Prohibición de Chicago , que se basó en viejas técnicas de vodevil . Pippin , de Stephen Schwartz , está ambientada en la época de Carlomagno . La película autobiográfica de Federico Fellini se convirtió en Nine de Maury Yeston . A finales de la década, Evita ySweeney Todd fueron precursores de los musicales más oscuros y de gran presupuesto de la década de 1980 que dependían de historias dramáticas, partituras arrolladoras y efectos espectaculares. Al mismo tiempo, los valores pasados ​​de moda aún se abrazaban en éxitos como Annie , 42nd Street , My One and Only , y las reposiciones populares de No, No, Nanette e Irene . Aunque se hicieron muchas versiones cinematográficas de musicales en la década de 1970, pocas fueron éxitos de crítica o de taquilla, con las notables excepciones de Fiddler on the Roof , Cabaret y Grease . [78]

1980

La década de 1980 vio la influencia de los " megamusicales " europeos en Broadway, en el West End y en otros lugares. Por lo general, presentan una partitura influenciada por el pop, grandes elencos y escenarios y efectos especiales espectaculares: una lámpara de araña que cae (en El fantasma de la ópera ); un helicóptero aterrizando en el escenario (en Miss Saigon ) – y grandes presupuestos. Algunos estaban basados ​​en novelas u otras obras literarias. El equipo británico del compositor Andrew Lloyd Webber y el productor Cameron Mackintosh iniciaron el fenómeno megamusical con su musical de 1981 Cats , basado en los poemas de TS Eliot , que superó a A Chorus Line .para convertirse en el espectáculo de Broadway de mayor duración. Lloyd Webber siguió con Starlight Express (1984), interpretada en patines; El fantasma de la ópera (1986; también con Mackintosh), derivada de la novela del mismo nombre ; y Sunset Boulevard (1993), de la película de 1950 del mismo nombre . Phantom superaría a Cats para convertirse en el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway, un récord que aún mantiene. [79] [80] El equipo francés de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil escribió Les Misérables , basado en la novela del mismo nombre ., cuya producción londinense de 1985 fue producida por Mackintosh y se convirtió, y sigue siendo, en el musical de mayor duración en la historia del West End y Broadway . El equipo produjo otro éxito con Miss Saigon (1989), que se inspiró en la ópera Madama Butterfly de Puccini . [79] [80]

Los enormes presupuestos de los megamusicales redefinieron las expectativas de éxito financiero en Broadway y en el West End. En años anteriores, era posible que un espectáculo se considerara un éxito después de varios cientos de funciones, pero con costos de producción multimillonarios, un espectáculo debe funcionar durante años simplemente para obtener ganancias. Los megamusicales también se reprodujeron en producciones de todo el mundo, multiplicando su potencial de ganancias y ampliando la audiencia global para el teatro musical. [80]

1990

En la década de 1990, surgió una nueva generación de compositores teatrales, incluidos Jason Robert Brown y Michael John LaChiusa , quienes comenzaron con producciones fuera de Broadway. El éxito más conspicuo de estos artistas fue el espectáculo Rent (1996) de Jonathan Larson , un musical de rock (basado en la ópera La bohème ) sobre una comunidad de artistas en apuros en Manhattan. Si bien el costo de las entradas para los musicales de Broadway y West End estaba aumentando más allá del presupuesto de muchos espectadores, Rentse comercializó para aumentar la popularidad de los musicales entre una audiencia más joven. Contó con un elenco joven y una partitura fuertemente influenciada por el rock; el musical se convirtió en un éxito. Sus jóvenes fanáticos, muchos de ellos estudiantes, que se hacían llamar RENTheads], acamparon en el Teatro Nederlander con la esperanza de ganar la lotería por boletos de primera fila de $ 20, y algunos vieron el espectáculo docenas de veces. Otros espectáculos en Broadway siguieron el ejemplo de Rent al ofrecer boletos para el día de la presentación o para la sala de pie con grandes descuentos, aunque a menudo los descuentos se ofrecen solo a los estudiantes. [81]

La década de 1990 también vio la influencia de las grandes corporaciones en la producción de musicales. La más importante ha sido Disney Theatrical Productions , que comenzó adaptando para el teatro algunos de los musicales del cine de animación de Disney , empezando por La bella y la bestia (1994), El rey león (1997) y Aida (2000), estos dos últimos con música de Elton John . El Rey León es el musical más taquillero en la historia de Broadway. [82] The Who's Tommy (1993), una adaptación teatral de la ópera rock Tommy, logró una racha saludable de 899 actuaciones, pero fue criticado por desinfectar la historia y "teatro musicalizar" la música rock. [83]

A pesar del creciente número de musicales a gran escala en las décadas de 1980 y 1990, varios musicales de menor escala y bajo presupuesto lograron encontrar el éxito financiero y de crítica, como Falsettoland y Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical y Blood . hermanos _ Los temas de estas piezas varían ampliamente y la música va desde el rock hasta el pop, pero a menudo se producen fuera de Broadway o para teatros más pequeños de Londres, y algunas de estas puestas en escena se han considerado imaginativas e innovadoras. [84]

2000s-presente

Tendencias

En el nuevo siglo, la familiaridad ha sido adoptada por productores e inversores ansiosos por garantizar que recuperarán sus considerables inversiones. Algunos se arriesgaron (por lo general con un presupuesto modesto) con material nuevo y creativo, como Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Junto a Normal (2009), American Idiot (2010) y El Libro de Mormón (2011). Hamilton (2015), transformó la "historia estadounidense poco dramatizada" en un éxito inusual con inflexiones de hip-hop. [85]En 2011, Sondheim argumentó que de todas las formas de "música pop contemporánea", el rap era "el más cercano al teatro musical tradicional" y era "un camino hacia el futuro". [86]

Sin embargo, la mayoría de las producciones del siglo XXI del mercado principal han tomado una ruta segura, con revivals de la tarifa familiar, como Fiddler on the Roof , A Chorus Line , South Pacific , Gypsy , Hair , West Side Story y Grease , o con adaptaciones de otro material probado, como la literatura ( The Scarlet Pimpernel , Wicked and Fun Home ), con la esperanza de que los programas tuvieran una audiencia incorporada como resultado. Esta tendencia es especialmente persistente con las adaptaciones cinematográficas, que incluyen ( The Producers , Spamalot , Hairspray ,Legally Blonde , The Color Purple , Xanadu , Billy Elliot , Shrek , Waitress y Groundhog Day ). [87] Algunos críticos han argumentado que la reutilización de tramas cinematográficas, especialmente las de Disney (como Mary Poppins y La Sirenita ), equiparan el musical de Broadway y West End a una atracción turística, en lugar de una salida creativa. [35]

El elenco de Hamilton conoce al presidente Obama en 2015

Hoy en día, es menos probable que un único productor, como David Merrick o Cameron Mackintosh , respalde una producción. Los patrocinadores corporativos dominan Broadway y, a menudo, se forman alianzas para montar musicales, que requieren una inversión de $10 millones o más. En 2002, los créditos de Thoroughly Modern Millie incluían a diez productores, y entre esos nombres había entidades compuestas por varias personas. [88] Por lo general, los teatros regionales y fuera de Broadway tienden a producir musicales más pequeños y, por lo tanto, menos costosos, y el desarrollo de nuevos musicales ha tenido lugar cada vez más fuera de Nueva York y Londres o en lugares más pequeños. Por ejemplo, Spring Awakening , Fun Home y Hamiltonse desarrollaron fuera de Broadway antes de lanzarse en Broadway.

Varios musicales volvieron al formato de espectáculo que tanto éxito tuvo en la década de 1980, recordando las extravagancias que se han presentado en ocasiones, a lo largo de la historia del teatro, desde que los antiguos romanos protagonizaron simulacros de batallas navales. Los ejemplos incluyen las adaptaciones musicales de El señor de los anillos (2007), Lo que el viento se llevó (2008) y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). Estos musicales involucraron a compositores con poca experiencia teatral y las costosas producciones generalmente perdieron dinero. Por el contrario, The Drowsy Chaperone , Avenue Q , el 25.º concurso anual de ortografía del condado de Putnam , Xanadu y Fun Home, entre otros, se han presentado en producciones de menor escala, en su mayoría sin interrupciones, con tiempos de ejecución cortos y con éxito financiero. En 2013, la revista Time informó que una tendencia fuera de Broadway ha sido el teatro "inmersivo", citando espectáculos como Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) y Here Lies Love (2013) en los que la puesta en escena tiene lugar alrededor y dentro de la audiencia. [89] Los programas establecieron un récord conjunto, cada uno de los cuales recibió 11 nominaciones para los premios Lucille Lortel , [90] y presentan partituras contemporáneas. [91] [92]

En 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora en ganar el [Tony a la] Mejor partitura sin un colaborador masculino" por escribir la música y la letra de Kinky Boots . En 2015, por primera vez, un equipo de escritores exclusivamente femenino , Lisa Kron y Jeanine Tesori , ganó el premio Tony a la mejor partitura original (y al mejor libro para Kron) por Fun Home , [93] aunque el trabajo de los compositores masculinos continúa ser producido más a menudo. [94]

Jukebox musicales

Otra tendencia ha sido la de crear una trama mínima para encajar en una colección de canciones que ya han sido éxitos. Tras el éxito anterior de Buddy – The Buddy Holly Story , estos han incluido Movin' Out (2002, basado en las melodías de Billy Joel ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, con rock clásico de la década de 1980) y muchos otros. Este estilo se conoce a menudo como el " musical jukebox ". [95] Se han construido musicales similares pero más basados ​​en la trama en torno al canon de un grupo pop en particular, incluido Mamma Mia! (1999, basada en las canciones de ABBA ),Our House (2002, basada en las canciones de Madness ) y We Will Rock You (2002, basada en las canciones de Queen ).

Musicales de cine y televisión
Zac Efron y Zendaya (en la foto), junto con Hugh Jackman , llevaron el poder estelar a The Greatest Showman

Las películas musicales de acción en vivo estaban casi muertas en la década de 1980 y principios de la de 1990, con la excepción de Victor/Victoria , Little Shop of Horrors y la película de 1996 de Evita . [96] En el nuevo siglo, Baz Luhrmann inició un renacimiento de la película musical con Moulin Rouge! (2001). Le siguieron Chicago (2002); El fantasma de la ópera (2004); Alquiler (2005); Chicas de ensueño (2006); Hairspray , Enchanted y Sweeney Todd (todas en 2007); ¡Madre mía! (2008); Nueve (2009);Les Misérables y Pitch Perfect (ambos en 2012), Into The Woods , The Last Five Years (2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), A Star Is Born y Mary Poppins Returns (ambos 2018), Rocketman (2019) e In the Heights yla versión de Steven Spielberg de West Side Story (ambas de 2021), entre otras. ¡ Cómo el Grinch robó la Navidad de Dr. Seuss ! (2000) y El gato en el sombrero(2003), convirtió libros para niños en películas musicales de acción real. Después del inmenso éxito de Disney y otras casas con películas musicales animadas que comenzaron con La Sirenita en 1989 y se desarrollaron a lo largo de la década de 1990 (incluidas algunas películas más con temas para adultos, como South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), menos películas animadas Las películas musicales se estrenaron en la primera década del siglo XXI. [96] El género hizo una reaparición a partir de 2010 con Tangled (2010), Rio (2011) y Frozen (2013). En Asia, India continúa produciendo numerosas películas musicales de "Bollywood", y Japón produce películas musicales de "Anime" y "Manga".

Las películas musicales hechas para televisión fueron populares en la década de 1990, como Gypsy (1993), Cinderella (1997) y Annie (1999). Varios realizados para musicales de televisión en la primera década del siglo XXI fueron adaptaciones de la versión teatral, como South Pacific (2001), The Music Man (2003) y Once Upon a Mattress (2005), y una versión televisada del teatro. musical Legally Blonde en 2007. Además, varios musicales fueron filmados en el escenario y transmitidos por la televisión pública, por ejemplo Contact en 2002 y Kiss Me, Kate and Oklahoma! en 2003. El musical hecho para televisiónHigh School Musical (2006), y sus varias secuelas, disfrutaron de un éxito particular y fueron adaptadas para musicales teatrales y otros medios.

Dove Cameron ha protagonizado musicales de televisión como Descendants , Hairspray Live! y Schmigadoon!

En 2013, NBC comenzó una serie de transmisiones televisivas en vivo de musicales con The Sound of Music Live! [97] Aunque la producción recibió críticas mixtas, fue un éxito de audiencia. [98] Otras transmisiones han incluido Peter Pan Live! (NBC 2014), ¡El mago en vivo! (NBC 2015), [99] una transmisión del Reino Unido, The Sound of Music Live ( ITV 2015) [100] Grease: Live ( Fox 2016), [101] [102] Hairspray Live! (NBC, 2016), ¡Una historia de Navidad en vivo! (Zorro, 2017), [103] yRenta: En Vivo (Fox 2019). [104]

Algunos programas de televisión han ambientado episodios como un musical. Los ejemplos incluyen episodios de Ally McBeal , Xena: la princesa guerrera ("The Bitter Suite" y "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych (" Psych: The Musical "), Buffy the Vampire Slayer (" Once More, with Feeling "), That's So Raven , Daria , Dexter's Laboratory , The Powerpuff Girls , The Flash , Once Upon a Time , Oz , Scrubs (un episodio fue escrito por los creadores de Avenue Q ),Batman: The Brave and the Bold ( "Mayhem of the Music Meister" ) y That '70s Show (el episodio 100, " That '70s Musical "). Otros han incluido escenas en las que los personajes de repente comienzan a cantar y bailar al estilo de un teatro musical durante un episodio, como en varios episodios de Los Simpson , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bob's Burgers y Family Guy . [105] Las series de televisión que han utilizado ampliamente el formato musical han incluido Cop Rock , Flight of the Conchords , Glee ,Smash y Crazy Ex-Girlfriend .

También se han hecho musicales para Internet, incluido el blog Sing-Along de Dr. Horrible , sobre un supervillano de bajo costo interpretado por Neil Patrick Harris . Fue escrito durante la huelga de escritores de la WGA . [106] Desde 2006, los programas de telerrealidad se han utilizado para ayudar a comercializar reposiciones musicales mediante la celebración de concursos de talentos para elegir protagonistas (generalmente mujeres). Ejemplos de estos son ¿Cómo resuelves un problema como el de María? , Grease: ¡Tú eres el que quiero! , Any Dream Will Do , Legally Blonde: The Musical - The Search for Elle Woods , Id Do Anything y Over the Rainbow .¡ En 2021, Schmigadoon! fue una parodia y un homenaje a los musicales de la Edad de Oro de las décadas de 1940 y 1950. [107]

Cierre del teatro 2020-2021
Marquesina del Teatro In the Heart of the Beast en Minneapolis, Minnesota, durante la pandemia de Covid-19

La pandemia de COVID-19 provocó el cierre de teatros y festivales de teatro en todo el mundo a principios de 2020, incluidos todos los teatros de Broadway [108] y West End. [109] Muchas instituciones de artes escénicas intentaron adaptarse, o reducir sus pérdidas, ofreciendo servicios digitales nuevos (o ampliados). En particular, esto dio como resultado la transmisión en línea de actuaciones previamente grabadas de muchas compañías, [110] [111] [112] , así como proyectos de crowdsourcing a medida. [113] [114] Por ejemplo, The Sydney Theatre Companyencargó a los actores que se filmaran en casa discutiendo y luego interpretando un monólogo de uno de los personajes que habían interpretado anteriormente en el escenario. [115] Los elencos de musicales, como Hamilton y Mamma Mia! unidos en las llamadas de Zoom para entretener a las personas y al público. [116] [117] Algunas actuaciones se transmitieron en vivo, o se presentaron al aire libre o de otras formas "socialmente distanciadas", lo que a veces permitió a los miembros de la audiencia interactuar con el elenco. [118] Se retransmitían festivales de radioteatro. [119] Se crearon musicales virtuales e incluso de colaboración colectiva, como Ratatouille the Musical . [120] [121]Las versiones filmadas de importantes musicales, como Hamilton , se lanzaron en plataformas de transmisión. [122] Andrew Lloyd Webber lanzó grabaciones de sus musicales en YouTube. [123]

Debido a los cierres y la pérdida de venta de entradas, muchas compañías de teatro se vieron en peligro financiero. Algunos gobiernos ofrecieron ayuda de emergencia a las artes. [124] [125] [126] Algunos mercados de teatro musical comenzaron a reabrir a trompicones a principios de 2021, [127] con los teatros del West End posponiendo su reapertura de junio a julio, [128] y Broadway a partir de septiembre. [129] A lo largo de 2021, sin embargo, los picos de la pandemia han provocado algunos cierres incluso después de la reapertura de los mercados. [130] [131]

Musicales internacionales

Estados Unidos y Gran Bretaña fueron las fuentes más activas de libros musicales desde el siglo XIX hasta gran parte del siglo XX (aunque Europa produjo varias formas de ópera ligera y opereta populares, por ejemplo , la zarzuela española , durante ese período e incluso antes). Sin embargo, el escenario musical ligero en otros países se ha vuelto más activo en las últimas décadas.

Los musicales de otros países de habla inglesa (especialmente Australia y Canadá) a menudo funcionan bien a nivel local y ocasionalmente incluso llegan a Broadway o al West End (por ejemplo, The Boy from Oz y The Drowsy Chaperone ). Sudáfrica tiene una activa escena de teatro musical, con revistas como African Footprint y Umoja y libros musicales, como Kat and the Kings y Sarafina. haciendo giras a nivel internacional. A nivel local, musicales como Vere , Love and Green Onions , Over the Rainbow: la nueva extravagancia totalmente gay y Bangbroek Mountain yIn Briefs: un pequeño musical queer se ha producido con éxito.

Takarazuka Revue de Japón exclusivamente femenina en una interpretación de 1930 de "Parisette"

Los musicales exitosos de Europa continental incluyen espectáculos de (entre otros países) Alemania ( Elixier y Ludwig II ), Austria ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart! y Rebecca ), República Checa ( Drácula ), Francia ( Starmania , Notre-Dame de Paris , Los Miserables , Roméo et Juliette y Mozart, l'opéra rock ) y España ( Hoy no me puedo levantar y El Musical Sancho Panza ).

Japón ha visto recientemente el crecimiento de una forma autóctona de teatro musical, tanto animado como de acción en vivo, principalmente basado en Anime y Manga , como Kiki's Delivery Service y Tenimyu . La popular metaserie de Sailor Moon ha tenido veintinueve musicales de Sailor Moon , que abarcan trece años. A partir de 1914, Takarazuka Revue , compuesta exclusivamente por mujeres, ha realizado una serie de revistas populares , que actualmente cuenta con cinco grupos de actuación. En otras partes de Asia, el musical indio de Bollywood , principalmente en forma de películas, tiene un gran éxito. [132]

Comenzando con una gira de 2002 de Les Misérables , varios musicales occidentales han sido importados a China continental y presentados en inglés. [133] Los intentos de localizar producciones occidentales en China comenzaron en 2008 cuando Fame se produjo en mandarín con un elenco chino completo en la Academia Central de Drama en Beijing. [134] Desde entonces, otras producciones occidentales se han presentado en China en mandarín con un elenco chino. La primera producción china al estilo del teatro musical occidental fue The Gold Sand en 2005. [133] Además, Li Dun, un conocido productor chino, produjo Butterflies, basada en una clásica tragedia china de amor, en 2007, así como Love U Teresa en 2011. [133]

Producciones amateur y escolares

Millie , la adolescente de los jugadores de Nápoles , completamente moderna , 2009

Los musicales a menudo son presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. [135] [136] Aunque el teatro de aficionados ha existido durante siglos, incluso en el Nuevo Mundo, [137] François Cellier y Cunningham Bridgeman escribieron, en 1914, que antes de finales del siglo XIX, los profesionales trataban con desprecio a los actores aficionados. Después de la formación de compañías de aficionados de Gilbert y Sullivan con licencia para interpretar las óperas de Savoy, los profesionales reconocieron que las sociedades de aficionados "apoyan la cultura de la música y el teatro. Ahora son aceptadas como escuelas de formación útiles para el escenario legítimo, y de las filas de voluntarios han surgido muchos favoritos actuales". [138] La Asociación Nacional de Ópera y Drama fue fundada en el Reino Unido en 1899. Informó, en 1914, que casi 200 sociedades dramáticas de aficionados estaban produciendo obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña ese año. [138] Del mismo modo, se fundaron más de 100 teatros comunitarios en los EE. UU. a principios del siglo XX. Este número ha crecido a un estimado de 18,000 en los EE. UU. [137] La ​​Asociación de Teatro Educativo de los EE. UU. tiene cerca de 5.000 escuelas miembros. [139]

relevancia

El Rey León en Broadway

La Liga de Broadway anunció que en la temporada 2007-08, se compraron 12,27 millones de boletos para espectáculos de Broadway por un monto de venta bruto de casi mil millones de dólares. [140] La Liga informó además que durante la temporada 2006-07, los turistas compraron aproximadamente el 65% de los boletos de Broadway y que los turistas extranjeros representaron el 16% de los asistentes. [141] La Sociedad de Teatro de Londres informó que 2007 estableció un récord de asistencia en Londres. El total de asistentes a los principales teatros comerciales y subvencionados del centro de Londres fue de 13,6 millones, y los ingresos totales por entradas fueron de 469,7 millones de libras esterlinas. [142] La escena musical internacional ha sido cada vez más activa en las últimas décadas. Sin embargo, Stephen Sondheim comentó en el año 2000:

Tienes dos tipos de espectáculos en Broadway: avivamientos y el mismo tipo de musicales una y otra vez, todos espectáculos. Consigues tus entradas para El Rey León con un año de antelación, y básicamente una familia... transmite a sus hijos la idea de que eso es el teatro: un musical espectacular que se ve una vez al año, una versión teatral de una película. No tiene nada que ver con el teatro en absoluto. Tiene que ver con ver lo que es familiar. ... No creo que el teatro muera per se , pero nunca va a ser lo que era. ... Es una atracción turística". [143]

Sin embargo, al señalar el éxito en las últimas décadas del material original y las reimaginaciones creativas de películas, obras de teatro y literatura, el historiador del teatro John Kenrick respondió:

¿Está muerto el Musical? ... ¡Absolutamente no! ¿Cambiando? ¡Siempre! El musical ha ido cambiando desde que Offenbach hizo su primera reescritura en la década de 1850. Y el cambio es la señal más clara de que el musical sigue siendo un género vivo y en crecimiento. ¿Volveremos alguna vez a la llamada 'edad de oro', con los musicales en el centro de la cultura popular? Probablemente no. El gusto del público ha sufrido cambios fundamentales, y las artes comerciales solo pueden fluir donde el público que paga lo permite. [35]

Véase también

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Lectura adicional

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