musica barroca

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Pintura de Evaristo Baschenis de instrumentos barrocos , incluida una cítara , violonchelo de cinco o seis cuerdas con trastes, violín y dos laúdes.

La música barroca ( Reino Unido : / b ə r ɒ k / o EE. UU .: / b ə r k / ) es un período o estilo de la música clásica occidental de aproximadamente 1600 a 1750 que se originó en Europa occidental . [1] Esta era siguió a la era de la música renacentista , y fue seguida a su vez por la era clásica , con el estilo galante .marcando la transición entre las épocas barroca y clásica. El período barroco se divide en tres grandes fases: temprana, media y tardía. Superpuestos en el tiempo, se fechan convencionalmente de 1580 a 1650, de 1630 a 1700 y de 1680 a 1750. La música barroca forma una parte importante del canon de la " música clásica " y ahora se estudia, interpreta y escucha ampliamente. El término " barroco " proviene de la palabra portuguesa barroco , que significa " perla deforme ". [2] Las obras de George Frideric Handel y Johann Sebastian Bach se consideran el pináculo del período barroco. Los compositores clave de la era barroca incluyen,Claudio Monteverdi , Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Heinrich Schütz , Dieterich Buxtehude , entre otros.

El período barroco vio la creación de la tonalidad de práctica común , un enfoque para escribir música en el que una canción o pieza se escribe en una clave particular ; este tipo de armonía se ha seguido utilizando ampliamente en la música clásica y popular occidental . Durante la era barroca, se esperaba que los músicos profesionales fueran improvisadores consumados tanto de líneas melódicas solistas como de partes de acompañamiento . Los conciertos barrocos solían ir acompañados de un grupo de bajo continuo (compuesto por instrumentistas que tocaban acordes, como clavecinistas y laudistas , que improvisaban acordes a partir de un bajo figurado).parte) mientras un grupo de instrumentos bajos ( viola , violonchelo , contrabajo ) tocaban la línea de bajo . Una forma barroca característica fue la suite de danza . Si bien las piezas de una suite de baile se inspiraron en la música de baile real, las suites de baile se diseñaron únicamente para escuchar, no para acompañar a los bailarines.

Durante el período, los compositores experimentaron con la búsqueda de un sonido más completo para cada parte instrumental (creando así la orquesta), [2] realizaron cambios en la notación musical (el desarrollo del bajo cifrado como una forma rápida de anotar la progresión de acordes de una canción o pieza ), y desarrolló nuevas técnicas de interpretación instrumental. La música barroca amplió el tamaño, el rango y la complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció las formas mixtas vocales/instrumentales de la ópera , la cantata y el oratorio y las formas instrumentales del concierto solista y la sonata como géneros musicales. Polifónico denso y complejola música, en la que se interpretaban simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes (un ejemplo popular de esto es la fuga ), fue una parte importante de muchas obras corales e instrumentales barrocas. En general, la música barroca fue una herramienta de expresión y comunicación. [1]

Etimología y Definición

Es probable que la etimología de barroco provenga del francés barroco (que originalmente significaba una perla de forma irregular) y del portugués barroco ("perla irregular"); también relacionado con el barrueco español y el barocco italiano . El término es de origen último incierto, pero posiblemente del latín verrūca ("verruga") o posiblemente de Baroco , un término técnico de la lógica escolástica. [3]

Los historiadores de la música suelen utilizar el término "barroco" para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuestos durante un período de aproximadamente 150 años. [1] Aunque durante mucho tiempo se pensó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una reseña anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impresa en el Mercure de France en mayo de 1734. El crítico insinuó que la novedad en esta ópera era "du barocque", quejándose de que la música carecía de una melodía coherente, estaba llena de incesantes disonancias, cambiaba constantemente de tono y métrica, y repasaba rápidamente cada composición. dispositivo. [4]

Jean-Jacques Rousseau , que fue músico y compositor además de filósofo, escribió en 1768 en la Encyclopédie : "La música barroca es aquella en la que la armonía se confunde y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, el entonación difícil, y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos". [5] Rousseau se refería al término filosófico baroco , en uso desde el siglo XIII para describir un tipo de argumento académico elaborado y, para algunos, innecesariamente complicado. [6] [7]

La aplicación sistemática por parte de los historiadores del término "barroco" a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs se convirtió en el primero en aplicar sistemáticamente a la música las cinco características de la teoría del barroco de Heinrich Wölfflin . [8] Sin embargo, los críticos rápidamente cuestionaron el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX Manfred Bukofzer (en Alemania y, después de su inmigración, en América) y Suzanne hicieron intentos independientes. Clercx-Lejeune (en Bélgica) para utilizar análisis técnicos autónomos en lugar de abstracciones comparativas, para evitar la adaptación de teorías basadas en las artes plásticasy la literatura a la música. Todos estos esfuerzos dieron como resultado un desacuerdo apreciable sobre los límites de tiempo del período, especialmente con respecto a cuándo comenzó. En inglés, el término adquirió vigencia solo en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang . [1]

Todavía en 1960, todavía había una disputa considerable en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, si era significativo agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri , Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach bajo una sola rúbrica. Sin embargo, el término se ha vuelto ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. [1] Puede ser útil distinguir el Barroco de los períodos anterior ( Renacimiento ) y posterior ( Clásico ) de la historia musical.

Historia

A lo largo de la era barroca, los nuevos desarrollos en la música se originaron en Italia, después de lo cual pasaron hasta 20 años antes de que se adoptaran ampliamente en el resto de la práctica de la música clásica occidental . Por ejemplo, los compositores italianos cambiaron al estilo galant alrededor de 1730, mientras que los compositores alemanes como Johann Sebastian Bach continuaron escribiendo en gran medida en estilo barroco hasta 1750. [9] [10]

Fases de la música barroca [9] [10]
Subperíodo Tiempo En Italia En otra parte
barroco temprano 1580-1650
barroco medio 1630-1700
barroco tardío 1680-1750

Música barroca temprana (1580-1650)

La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi para discutir y guiar las tendencias en las artes, especialmente la música y el teatro . En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente griego antiguo ) que valoraba el discurso y la oración. [11] En consecuencia, rechazaron el uso de la polifonía (múltiples líneas melódicas independientes) y la música instrumental por parte de sus contemporáneos, y discutieron dispositivos de la música griega antigua como la monodia , que consistía en un canto en solitario acompañado de una cítara.(un antiguo instrumento de cuerda rasgueado). [12] Las primeras realizaciones de estas ideas, incluyendo Dafne y L'Euridice de Jacopo Peri , marcaron el comienzo de la ópera, [13] que fue un catalizador para la música barroca. [14]

Con respecto a la teoría musical, el uso más generalizado del bajo figurado (también conocido como bajo completo ) representa la creciente importancia de la armonía como base lineal de la polifonía. [15] La armonía es el resultado final del contrapunto , y el bajo figurado es una representación visual de las armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Con el bajo cifrado, se colocaban números, alteraciones o símbolos sobre la línea de bajo que leían los instrumentistas de teclado , como los clavicémbalos o los organistas de tubos (o laudistas ).). Los números, las alteraciones o los símbolos indicaban al teclista qué intervalos debían tocarse sobre cada nota de bajo. El teclista improvisaría una voz de acorde para cada nota de bajo. [16] Los compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas , [17] y también emplearon el tritono , percibido como un intervalo inestable, [18] para crear disonancia (se usaba en el acorde de séptima dominante y en el acorde disminuido ). También había existido un interés por la armonía entre ciertos compositores del Renacimiento, en particular Carlo Gesualdo ; [19]Sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad (un enfoque en una clave musical que se convierte en la "nota inicial" de una pieza), en lugar de la modalidad , marca el cambio del Renacimiento al Barroco. [20] Esto llevó a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podrían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza , una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad . [ cita requerida ]

Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi promovió la transición del estilo de música renacentista al del período barroco. Desarrolló dos estilos individuales de composición: la herencia de la polifonía renacentista ( prima pratica ) y la nueva técnica del bajo continuo del barroco ( segunda práctica ). Con el bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que formaban el acompañamiento de una melodía . El grupo de bajo continuo generalmente usaba uno o más teclistas y un laúd que tocaba la línea de bajo e improvisaba los acordes y varios instrumentos bajos (por ejemplo,bajo, viola , violonchelo , contrabajo ) que tocaría la línea de bajo. Con la escritura de las óperas L'Orfeo y L'incoronazione di Poppea , entre otras, Monteverdi atrajo una atención considerable a este nuevo género. [21] Este estilo veneciano fue llevado fácilmente a Alemania por Heinrich Schütz , cuyo estilo diverso también evolucionó en el período posterior.

Las texturas instrumentales idiomáticas se hicieron cada vez más prominentes. En particular, el estilo luthé , la ruptura irregular e impredecible de progresiones de acordes, en contraste con el patrón regular de acordes rotos, denominado desde principios del siglo XX como estilo brisé , fue establecido como una textura consistente en la música francesa por Robert Ballard . , [22] [23] en sus libros de laúd de 1611 y 1614, y por Ennemond Gaultier . [24] Esta figuración idiomática del laúd se transfirió más tarde al clavicémbalo, por ejemplo, en la música para teclado de Louis Couperin y Jean-Henri D'Anglebert., y continuó siendo una influencia importante en la música para teclado a lo largo del siglo XVIII y principios del XIX (en, por ejemplo, la música de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin ). [23]

Música barroca media (1630-1700)

El surgimiento de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se llama la Era del Absolutismo , personificada por Luis XIV de Francia. El estilo del palacio y el sistema judicial de modales y artes que fomentó se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente patrocinio de la iglesia y el estado crearon la demanda de música pública organizada, ya que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara , que es música para un pequeño conjunto de instrumentistas. [25]

Un ejemplo preeminente de un compositor de estilo cortesano es Jean-Baptiste Lully . Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey francés y para evitar que otros representaran óperas. Completó 15 tragedias líricas y dejó inconclusa Achille et Polyxène . [26] Lully fue uno de los primeros ejemplos de director de orquesta ; marcaba el compás con un gran personal para mantener unidos sus conjuntos.

Musicalmente, no estableció la norma dominada por las cuerdas para las orquestas, que fue heredada de la ópera italiana, y la disposición de cinco partes característicamente francesa (violines, violas, en tamaños de hautes-contre, tailles y quintes, y violines bajos ) tenía utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por flautas dulces, flautas y oboes, y el bajo por fagotes. Con frecuencia se añadían trompetas y timbales para las escenas heroicas. [26]

El período barroco medio en Italia se define por el surgimiento de los estilos vocales de cantata , oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estatus de la música a uno de igualdad con las palabras, que anteriormente había sido considerado como preeminente. La monodia florida y coloratura del barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas cortas, cadencialmente delimitadas, a menudo basadas en patrones de baile estilizados extraídos de la zarabanda o la courante.. Las armonías también podrían ser más simples que en la monodia barroca temprana, para mostrar expresión de una manera más ligera en la cuerda y crescendos y diminuendos en notas más largas. Las líneas de bajo que las acompañaban estaban más integradas con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que más tarde condujo al dispositivo de una anticipación de bajo inicial de la melodía del aria. Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo dispositivo formal de diferenciación de recitativo (una parte más hablada de la ópera) y aria (una parte de la ópera que usaba melodías cantadas). Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi , quienes fueron principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el venecianoFrancesco Cavalli , que fue principalmente un compositor de ópera. Los practicantes importantes posteriores de este estilo incluyen a Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella . [27]

Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical, como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín, y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concerto grosso . [28] Mientras que Lully estaba instalado en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y hacer que su música se interpretara en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera de Lully, el concerto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. Las secciones rápidas y las secciones lentas se yuxtaponen entre sí. Entre sus alumnos figura Antonio Vivaldi, quien más tarde compuso cientos de obras basadas en los principios de las sonatas y conciertos en trío de Corelli. [28]

A diferencia de estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte sino un músico de iglesia, ocupando los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus deberes como Werkmeister consistían en actuar como secretario, tesorero y gerente comercial de la iglesia, mientras que su puesto como organista incluía tocar en todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la iglesia. Completamente fuera de sus deberes oficiales en la iglesia, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken , que incluía representaciones de obras dramáticas sagradas consideradas por sus contemporáneos como equivalentes a óperas. [29]

Francia:

Música barroca tardía (1680-1750)

El trabajo de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach y sus contemporáneos, incluidos Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann y otros, llevaron la era barroca a su clímax. [34]

  • también conocido como Alto Barroco

inicio

Italia:

Marc Antoine Charpentier
Marc Antoine Charpentier

Francia:

Adopción más amplia

Italia:

Proliferación:

Francia:

Europa Central :

Transición a la era clásica

Música galante :

Hijos mayores y discípulos de Bach :

escuela de mannheim :


Cronología de los compositores

Giovanni Battista PergolesiBaldassare GaluppiCarlos SeixasJohann Adolf HasseRiccardo BroschiJohann Joachim QuantzPietro LocatelliGiuseppe TartiniLeonardo VinciJohann Friedrich FaschFrancesco GeminianiNicola PorporaSilvius Leopold WeissGeorge Frideric HandelDomenico ScarlattiJohann Sebastian BachJohann Gottfried WaltherJean-Philippe RameauJohann David HeinichenGeorg Philipp TelemannJan Dismas ZelenkaAntonio VivaldiTomaso AlbinoniJohann Caspar Ferdinand FischerAntonio CaldaraFrancois CouperinAlessandro ScarlattiHenry PurcellMarin MaraisArcangelo CorelliJohann PachelbelHeinrich Ignaz BiberDieterich BuxtehudeMarc Antoine CharpentierJean-Baptiste LullyJean-Henri d'AnglebertJohann Heinrich SchmelzerBarbara StrozziJohann Jakob FrobergerGiacomo CarissimiAntonio BertaliWilliam LawesFrancesco CavalliSamuel ScheidtHeinrich SchützGirolamo FrescobaldiGregorio AllegriClaudio MonteverdiJan Pieterszoon SweelinckJacopo Peri

Instrumentos

Cuerdas

Clavecín de doble manual de Vital Julian Frey, según Jean-Claude Goujon (1749)
Partitura individual para arpa del siglo XVII. [36]

Instrumentos de viento

Latón

Teclados

Percusión

Estilos y formas

Suite de baile

Actuación de un gran conjunto instrumental en el fastuoso Teatro Argentina , representada por Panini (1747)

Una característica de la forma barroca fue la suite de danza . Algunas suites de danza de Bach se denominan partitas , aunque este término también se utiliza para otras colecciones de piezas. Si bien las piezas de una suite de baile se inspiraron en la música de baile real, las suites de baile se diseñaron para escuchar, no para acompañar a los bailarines. Los compositores utilizaron una variedad de diferentes movimientos de baile en sus suites de baile. Una suite de danza a menudo consta de los siguientes movimientos :

  • Obertura  : la suite barroca a menudo comenzaba con una obertura francesa ("Ouverture" en francés), un movimiento lento seguido de una sucesión de bailes de diferentes tipos, principalmente los siguientes cuatro:
  • Allemande : a menudo el primer baile de una suite  instrumental , la allemande fue un baile muy popular que tuvo sus orígenes en la época del Renacimiento alemán . La allemande se tocaba a un ritmo moderado y podía comenzar en cualquier tiempo del compás. [37]
  • Courante  : el segundo baile es el courante, un baile francés animado en metro triple . La versión italiana se llama corrente. [ cita requerida ]
  • Sarabande  – La sarabanda, una danza española, es la tercera de las cuatro danzas básicas, y es una de las más lentas de las danzas barrocas. También está en métrica triple y puede comenzar en cualquier tiempo del compás, aunque hay un énfasis en el segundo tiempo, creando el ritmo característico de 'detención' o yámbico de la zarabanda. [37]
  • Gigue  : el gigue es una danza barroca optimista y animada en metro compuesto, típicamente el movimiento final de una suite instrumental, y el cuarto de sus tipos básicos de danza. La giga puede comenzar en cualquier tiempo del compás y se reconoce fácilmente por su sensación rítmica. El gigue se originó en las islas británicas . Su contrapartida en la música folclórica es la giga . [37]

Estos cuatro tipos de baile (allemande, courante, sarabande y gigue) constituyen la mayoría de las suites del siglo XVII; las suites posteriores interpolan uno o más bailes adicionales entre la zarabanda y la giga:

  • Gavota  : la gavota se puede identificar por una variedad de características; Está dentro4
    4
    tiempo y siempre comienza en el tercer tiempo del compás, aunque esto puede sonar como el primer tiempo en algunos casos, ya que el primer y tercer tiempo son los tiempos fuertes en el tiempo cuádruple. La gavota se toca a un ritmo moderado, aunque en algunos casos se puede tocar más rápido. [ cita requerida ]
  • Bourrée  : el bourrée es similar a la gavota, ya que está en2
    2
    tiempo, aunque comienza en la segunda mitad del último tiempo del compás, creando una sensación diferente al baile. El bourrée se suele tocar a un tempo moderado, aunque para algunos compositores, como Handel, se puede interpretar a un tempo mucho más rápido. [2]
  • Minueto  – El minueto es quizás el más conocido de los bailes barrocos en metro triple. No tiene anacrusa. En algunas suites puede haber un Minueto I y II, tocados en sucesión, con el Minueto I repetido pero sin las repeticiones internas. [ cita requerida ]
  • Passepied  – El passepied es un baile rápido en forma binaria y metro triple que se originó como un baile de la corte en Bretaña . [38] Se pueden encontrar ejemplos en suites posteriores como las de Bach y Handel. [ cita requerida ]
  • Rigaudon  : el rigaudon es un baile francés animado en metro doble, similar al bourrée, pero rítmicamente más simple. Se originó como una familia de danzas folclóricas del sur de Francia estrechamente relacionadas, tradicionalmente asociadas con las provincias de Vavarais, Languedoc , Dauphiné y Provenza . [39]

Además, existen muchas otras formas de danza, así como otras piezas que podrían incluirse en una suite, como Polonesa , Loure , Scherzo , Air , etc.

Otras funciones

  • Preludio  : una suite puede comenzar con un preludio, una pieza lenta escrita en un estilo de improvisación. Algunos preludios barrocos no se escribieron por completo; en cambio, se indicó una secuencia de acordes, con la expectativa de que el instrumentista pudiera improvisar una parte melódica utilizando el marco armónico indicado. El preludio no se basó en un tipo de danza.
  • Entrada  : a veces, una entrada se compone como parte de una suite; pero allí es música puramente instrumental y no se baila. Es una introducción, una pieza similar a una marcha que se toca durante la entrada de un grupo de baile o se toca antes de un ballet. por lo general en4
    4
    tiempo. Está relacionado con el italiano 'intrada'.
  • Bajo continuo  : una especie de acompañamiento continuo anotado con un nuevo sistema de notación musical, bajo cifrado , generalmente para uno o más instrumentos de bajo sostenido (p. ej., violonchelo ) y uno o más instrumentos que tocan acordes (p. ej., instrumentos de teclado como clavicémbalo , pipa órgano o laúd )
  • El concierto (una pieza solista con acompañamiento orquestal) y concerto grosso
  • Monody  - una consecuencia de la canción [ cita requerida ]
  • Homofonía  : música con una voz melódica y un acompañamiento de cuerdas rítmicamente similar (y subordinado) (esta y la monodia se contrastan con la textura típica del Renacimiento , la polifonía ) [40]
  • Formas musicales dramáticas como ópera, dramma per musica [41]
  • Formas instrumentales-vocales combinadas, como el oratorio y la cantata , [41] ambas con cantantes y orquesta .
  • Nuevas técnicas instrumentales, como trémolo y pizzicato [41]
  • El aria da capo "gozaba de seguridad". [ cita requerida ]
  • El aria de ritornello : breves interrupciones instrumentales repetidas de pasajes vocales. [42]
  • El estilo concertato : contraste de sonido entre grupos de instrumentos. [43]
  • Extensa ornamentación , [44] que era típicamente improvisada por cantantes e instrumentistas (por ejemplo, trinos , mordentes , etc.)

Géneros

voz

Instrumentales

Notas

  1. ^ a b c d e Palisca 2001 .
  2. ^ a b c Mackay y Romanec 2007 .
  3. ^ "barroco - Wikcionario" . es.wiktionary.org . Consultado el 13 de septiembre de 2021 .
  4. ^ Palisca 1989 , págs. 7–8.
  5. ^ Enciclopedia ; Lettre sur la Musique Francaise bajo la dirección de Denis Diderot
  6. ^ Antoine Arnauld, Pierre Nicole, La logique ou l'art de penser , Tercera parte, capítulo VI (1662) (en francés)
  7. ^ "BAROCO: Etimología de BARROCO" . www.cnrtl.fr . Consultado el 4 de enero de 2019 .
  8. ^ Sachs 1919 , págs. 7–15.
  9. ^ a b Bukofzer 1947 , págs. 17 y siguientes.
  10. ^ a b Bukofzer 2013 , "Las fases de la música barroca" págs. 26–29 .
  11. ^ Nuti 2007 , pág. 14
  12. ^ Wallechinsky 2007 , pág. 445.
  13. ^ Chua 2001 , pág. 26
  14. ^ Wainwright y Holman 2005 , pág. 4.
  15. ^ Clarke 1898 , págs. 147–48.
  16. ^ Haagmans 1916 , pág. vi.
  17. ^ York 1909 , pág. 109.
  18. ^ Donington 1974 , pág. 156.
  19. ^ Watkins 1991 , pág. 103.
  20. ^ Norton 1984 , pág. 24
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  23. ^ a b Ledbetter 2001 .
  24. ^ Rollin 2001a .
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  31. ^ Ledbetter y Harris 2014 .
  32. ^ Fuller 2001 .
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  44. ^ Roseman 1975 .

Referencias

Lectura adicional

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  • Cir, María. Ensayos sobre la interpretación de la música barroca, la ópera y la música de cámara en Francia e Inglaterra . Serie de estudios recopilados de Variorum, 899. Aldershot, Hants, Inglaterra: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6 
  • Capataz, Eduardo. Un Método Bel Canto, o Cómo Cantar Correctamente Música Barroca Italiana A Partir De Las Fuentes Primarias . Obras maestras del canto del siglo XX, v. 12. Minneapolis, Minn: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0 
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  • Schubert, Peter y Christoph Neidhofer. Contrapunto barroco . Upper Saddle River, Nueva Jersey: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2 
  • Schulenberg, David. Música del Barroco . Nueva York: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9 
  • Stauffer, George B. El mundo de la música barroca Nuevas perspectivas . Bloomington: Prensa de la Universidad de Indiana, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5 
  • Aturdido, Oliver. Lecturas de origen en la historia de la música. De la Antigüedad Clásica a la Era Romántica . Londres: Faber & Faber, 1952.

Enlaces externos