era del álbum

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La era del álbum fue un período en la música popular en inglés desde mediados de la década de 1960 hasta mediados de la década de 2000 en el que el álbum era la forma dominante de expresión y consumo de música grabada. [1] [2] Fue impulsado principalmente por tres formatos de grabación de música sucesivos: el disco de larga duración (LP) de 33⅓ rpm , el casete de audio y el disco compacto . Los músicos de rock de los EE. UU. y el Reino Unido a menudo estuvieron a la vanguardia de la era, que a veces se llama la era del álbum rock.en referencia a su ámbito de influencia y actividad. El término "era del álbum" también se usa para referirse al período estético y de marketing que rodea el lanzamiento del álbum de un artista.

Los álbumes LP se desarrollaron a principios del siglo XX y se comercializaron originalmente para la música clásica y los consumidores adultos más ricos. Sin embargo, los sencillos aún dominaban la industria de la música, eventualmente a través del éxito de los artistas de rock and roll en la década de 1950, cuando el formato LP se utilizaba más para bandas sonoras , jazz y algunas grabaciones pop. No fue sino hasta mediados de la década de 1960, cuando los Beatles comenzaron a lanzar LP artísticamente ambiciosos y de mayor venta, que más artistas de rock y pop siguieron su ejemplo y la industria abrazó los álbumes con un éxito inmenso mientras florecía la crítica de rock.validaron su valor cultural. En la siguiente década, el LP se había convertido en una unidad artística fundamental y un artículo muy popular entre los jóvenes, a menudo comercializado con la idea de un álbum conceptual , que fue empleado especialmente por músicos progresivos tanto en el rock como en el soul .

A fines de la década de 1970, los álbumes LP experimentaron una disminución en las ventas, mientras que los desarrollos del punk rock , disco y la programación de videos musicales de MTV volvieron a enfatizar el formato de sencillos . La industria discográfica combatió esta tendencia desplazando gradualmente los LP con CD, lanzando menos sencillos que fueron éxitos para forzar las ventas de los álbumes que los acompañaban e inflando los precios de los álbumes en CD durante las siguientes dos décadas, cuando proliferó su producción. El éxito de las principales estrellas del pop condujo al desarrollo de un modelo de lanzamiento extendido entre los sellos discográficos, comercializando un álbum en torno a un sencillo principal pegadizo., un video musical que llama la atención, productos novedosos, cobertura de los medios y una gira de conciertos de apoyo . Las mujeres y los músicos negros continuaron ganando reconocimiento crítico entre el canon predominantemente de hombres blancos y orientado al rock de la era del álbum, con el floreciente género hip hop desarrollando estándares basados ​​​​en álbumes por derecho propio. En la década de 1990, la industria de la música experimentó un auge de la música country y el rock alternativo , lo que llevó a un pico de ingresos de $ 15 mil millones en 1999 basado en las ventas de CD. Sin embargo, el desarrollo de redes para compartir archivos , como Napster , comenzó a socavar la viabilidad del formato, ya que los consumidores podían extraer y compartir pistas de CD digitalmente a través de Internet.internet _

A principios del siglo XXI, los servicios de descarga y transmisión de música surgieron como medios populares de distribución, ya que las ventas de álbumes sufrieron una fuerte caída y los actos de grabación generalmente se centraron en sencillos, lo que puso fin a la era de los álbumes. El paradigma crítico también se alejó del rock y se dirigió hacia obras más innovadoras producidas en la música pop y urbana , que dominaron las ventas de discos en la década de 2000. Los actos pop de alto perfil continuaron comercializando sus álbumes seriamente, con lanzamientos sorpresa .emergiendo como una estrategia popular. Si bien las ventas de música física disminuyeron aún más en todo el mundo, el CD siguió siendo popular en algunos países como Japón, debido en parte al marketing y al fandom que rodeaba a los artistas ídolos japoneses más vendidos , cuyo éxito representó un alejamiento creciente del dominio global de los principales ingleses. actos de lenguaje. A fines de la década de 2010, los álbumes conceptuales habían resurgido con narrativas personales culturalmente relevantes y críticamente exitosas. Mientras tanto, los artistas de pop y rap obtuvieron la mayor cantidad de transmisiones de álbumes con un marketing mínimo que capitalizó la cultura de consumo a pedido de la era digital, que evolucionó aún más rápidamente durante la pandemia de COVID-19 y su impacto en la industria de la música .

Prehistoria

Un disco LP en un fonógrafo

Los avances tecnológicos de principios del siglo XX provocaron cambios radicales en la forma en que se fabricaba y vendía la música grabada. Antes del LP, el medio estándar para la música grabada había sido el disco de gramófono de 78 rpm , hecho de goma laca y con una capacidad de tres a cinco minutos por lado. [3] Las limitaciones de capacidad impusieron restricciones en los procesos de composición de los artistas discográficos, mientras que la fragilidad de la goma laca provocó el empaque de estos discos en folletos vacíos que se asemejaban a álbumes de fotos , [3] con papel de regalo típicamente de color marrón como cubiertas. [4] La introducción del cloruro de poliviniloen la producción de discos dio lugar a los discos de vinilo, que se reproducen con menos ruido y más durabilidad. [3]

En la década de 1940, el mercado de grabaciones comerciales y de uso doméstico estaba dominado por la competencia RCA Victor y Columbia Records , cuyo ingeniero jefe Peter Carl Goldmark fue pionero en el desarrollo del disco de vinilo de larga duración (LP) de 12 pulgadas . [3] Este formato podía contener grabaciones de hasta 52 minutos, o 26 minutos por lado, [5] a una velocidad de 33⅓ rpm, y se podía reproducir con un lápiz óptico de "microsurco" de punta pequeña diseñado para sistemas de reproducción domésticos . [3] Presentados oficialmente en 1948 por Columbia, los LP se conocieron como "álbumes de discos", denominados en referencia al paquete 78 similar a un álbum de fotos. [3]Otra innovación de Columbia fue la adición de diseño gráfico y tipográfico a las portadas de los álbumes, presentada por Alex Steinweiss, el director de arte del sello. Alentada por su efecto positivo en las ventas de LP, la industria de la música adoptó las portadas de álbumes ilustradas como estándar en la década de 1950. [4]

Frank Sinatra ( c.  1955 ), uno de los primeros artistas de álbumes pop

Originalmente, el álbum se comercializó principalmente para oyentes de música clásica , [6] y el primer LP lanzado fue Mendelssohn: Concerto in E Minor for Violin and Orchestra Op. 64 (1948) de Nathan Milstein y la Orquesta Filarmónica-Sinfónica de Nueva York . [7] Bandas sonoras de películas , grabaciones de elenco de espectáculos de Broadway , músicos de jazz y algunos cantantes pop como Frank Sinatra pronto utilizaron el nuevo formato más largo. Artistas de jazz especialmente, como Duke Ellington , Miles Davis y Dave Brubeck ., prefirieron el LP por cómo su capacidad les permitía grabar sus composiciones con arreglos de concierto e improvisaciones . [7] La ​​grabación original del elenco de Broadway del musical Kiss Me, Kate (1949) vendió 100.000 copias en su primer mes de lanzamiento y, junto con South Pacific (que encabezó las listas de álbumes durante 63 semanas), atrajo más atención a los LP. mientras que la grabación del elenco de Broadway de My Fair Lady se convirtió en el primer LP en vender un millón de copias. [8] [9] Sin embargo, en la década de 1950 y en la de 1960, los motores sencillos de siete pulgadas y 45 rpmlas ventas todavía se consideraban el mercado principal para la industria de la música y los álbumes seguían siendo un mercado secundario. Las carreras de notables artistas de rock and roll como Elvis Presley fueron impulsadas principalmente por las ventas de sencillos. [6]

Década de 1960: Inicios en la era del rock

Álbumes conceptuales y Rubber Soul (1964-1966)

Los historiadores de la música han reconocido a The Beatles (1964) como precursores de la era de los álbumes.

Los escritores musicales Ann Powers y Joel Whitburn atribuyen a la llegada de los Beatles a los EE. UU. en 1964 el anuncio de la "era del álbum clásico" [10] o la "era del álbum de rock". [11] En su Diccionario Conciso de Cultura Popular , Marcel Danesi comenta que “el álbum se convirtió en un aspecto clave del movimiento contracultural de la década de 1960, con sus temas musicales, estéticos y políticos. De ahí surgió el ‘ álbum conceptual ’, con la era llamada la 'era del álbum ' ". [12] Según el académico de medios Roy Shuker, con el desarrollo del álbum conceptual en la década de 1960, "el álbum pasó de ser una colección de canciones heterogéneas a un trabajo narrativo con un solo tema, en el que las canciones individuales se suceden entre sí", "unificadas por un tema, que puede ser instrumental, compositivo, narrativo o lírico". [13]

Por el contrario, el historiador de cultura popular Jim Cullen dice que el álbum conceptual "a veces [erróneamente] se supone que es un producto de la era del rock", [14] y el escritor de The AV Club Noel Murray argumenta que los LP de Sinatra de la década de 1950, como In the Wee Small Hours (1955), había sido pionero en la forma antes con sus "canciones vinculadas temáticamente". [15] De manera similar, Will Friedwald observa que Ray Charles también había lanzado álbumes unificados temáticamente a principios de la década de 1960 que lo convirtieron en un importante artista de LP en R&B , alcanzando su punto máximo en 1962 con Modern Sounds in Country and Western Music . [dieciséis]

Sin embargo, las listas de canciones de estos antecedentes generalmente consistían en material que no estaba escrito por el artista. [17] Con su lanzamiento de 1963 Little Deuce Coupe con tema de hot rod , los Beach Boys se convirtieron en el primer acto en lanzar un álbum conceptual que consistía casi en su totalidad en la composición de canciones originales. [17] En su libro de 2006 American Popular Music: From Minstrelsy to MP3 , el académico Larry Starr atribuye a los álbumes conceptuales de 1964 de los Beach Boys Shut Down Volume 2 y All Summer Long el marcar "el comienzo de... la creciente importancia de las pistas de los álbumes". , y eventualmente de los propios álbumes". [18]El periodista musical Gary Graff apunta a Highway 61 Revisited de Bob Dylan (lanzado en agosto de 1965) como otro posible punto de partida para la era de los álbumes, ya que constituía "un cuerpo de trabajo cohesivo y conceptual en lugar de solo algunos sencillos exitosos ... con pistas de relleno". [19] 

Danesi cita el lanzamiento de los Beatles de diciembre de 1965, Rubber Soul , como uno de los primeros álbumes conceptuales de la era. [12] Según el historiador musical Bill Martin , Rubber Soul fue el "punto de inflexión" para la música popular, ya que por primera vez "el álbum, en lugar de la canción, se convirtió en la unidad básica de la producción artística". [20] El autor David Howard está de acuerdo y dice que "las apuestas del pop habían subido a la estratosfera" por Rubber Soul y que "de repente, se trataba más de hacer un gran álbum sin relleno que un gran sencillo". [21] En enero de 1966, BillboardLa revista se refirió a las ventas iniciales de Rubber Soul en los EE. UU. (1,2 millones de copias durante nueve días) como prueba de que los compradores de discos adolescentes gravitan hacia el formato LP. [22] Si bien estaba en consonancia con la norma de la industria en el Reino Unido, la falta de un sencillo exitoso en Rubber Soul se sumó a la identidad del álbum en los EE. UU. como una declaración artística independiente. [23] [24]

Siguiendo el ejemplo de los Beatles, en 1966 se lanzaron varios álbumes de rock pensados ​​como declaraciones artísticas, incluidos Aftermath de los Rolling Stones , Pet Sounds de los Beach Boys , Blonde on Blonde de Dylan, Revolver de los Beatles y Who 's A Quick . uno _ [25] [nb 1] El periodista musical Mat Snow cita estos cinco lanzamientos, junto con el LP Otis Blue de Otis Redding de 1965 , como evidencia de que "la era de los álbumes estaba aquí, y aunque los singles de éxito todavía importaban, ya no eran los más populares del pop". importantes generadores de dinero y declaraciones artísticas".Según Jon Pareles , la industria de la música se benefició enormemente y redefinió su identidad económica gracias a los músicos de rock de la época, quienes "comenzaron a verse a sí mismos como algo más que proveedores de sencillos efímeros". [27] En el caso de la industria musical británica, el éxito comercial de Rubber Soul y Aftermath frustró los intentos de restablecer el mercado de los LP como dominio de los compradores de discos adultos más ricos. Desde principios de 1966, las compañías discográficas abandonaron su política de promover artistas orientados a adultos sobre actos de rock y adoptaron álbumes económicos para sus artistas de menor venta para satisfacer la mayor demanda de LP. [25]

Post- Sargento. Pimienta (1967-1969)

El álbum de 1967 de los Beatles Sgt. El editor asistente de Rolling Stone , Andy Greene, identifica a Pepper's Lonely Hearts Club Band como "el comienzo de la era del álbum", [28] una referencia repetida por Scott Plagenhoef de Pitchfork ; [29] Greene añade que "fue el big bang de los álbumes". [28] Chuck Eddy se refiere a la "era de los mejores álbumes" comenzando con Sgt. Pimienta _ [30] Su lanzamiento en mayo de 1967 coincidió con el surgimiento de una crítica de rock dedicada en los EE. UU. e intelectuales que buscaban posicionar los álbumes pop como obras culturales válidas. [31]El historiador musical Simon Philo escribe que, además del nivel de elogios de la crítica que recibió, "el éxito [comercial] del disco marcó el comienzo de la era del rock orientado a los álbumes , remodelando radicalmente la forma en que la música pop funcionaba económicamente". [32] Reforzando su ambición creativa, Sgt. Pepper se empaquetó en una funda desplegable con una hoja de letra, tipificando una tendencia en la que los músicos ahora encargaban a asociados del mundo del arte que diseñaran las carátulas de sus LP y presentaban sus álbumes a la compañía discográfica para su publicación. [24] Greg Kot dijo que el sargento. Pimientaintrodujo una plantilla tanto para producir rock orientado a álbumes como para consumirlo, "con oyentes que ya no pasan la noche girando en una variedad de sencillos de tres minutos, sino perdiéndose en una sucesión de lados de álbumes de 20 minutos, tomando un viaje liderado por el artista." [33] Debido a su estética musical cohesiva, a menudo se lo considera un álbum conceptual. [13]

La era del álbum clásico comienza en esta época y canoniza la música de una manera muy diferente a cuando escuchas un sencillo. Y esa es una poderosa razón por la que la música sigue siendo tan resonante, porque el álbum es como una novela con música. Es la forma que compartimos con nuestros hijos y la forma que enseñamos y la forma que recopilamos.

- Poderes de Ann (2017) [34]

Encabezado por el sargento. Pepper , 1967 vio una mayor producción de álbumes de rock de renombre y artísticamente innovadores de las florecientes escenas musicales tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido. Estos a menudo iban acompañados de sencillos populares e incluían Between the Buttons de los Stones (con el sencillo de dos caras " Ruby Tuesday "/" Let's Spend the Night Together "), Disraeli Gears de Cream (con la canción más conocida de la banda " Sunshine of Your Love "), y The Who's The Who Sell Out , que incluía éxitos como " I Can See for Miles " en el marco de un álbum conceptual que satirizaba el comercialismo y la radio.Mientras tanto, " Purple Haze " de Jimi Hendrix (1967) fue lanzado como el "sencillo debut del álbum Rock Era", según Dave Marsh . [35] Danesi cita el álbum blanco de 1968 de los Beatles junto con el sargento. Pepper como parte del surgimiento de la era. [12] Shuker cita We're Only in It for the Money (1967) de Mothers of Invention y Arthur, or Decline of the British Empire (1969) de The Kinks como álbumes conceptuales posteriores, al tiempo que señala un subconjunto de la forma en óperas rock como SF Sorrow de Pretty Things(1968) y Quién es Tommy (1969). [13]

Según Neil Strauss , la "era del álbum-rock" comenzó a fines de la década de 1960 y finalmente abarcó discos LP de artistas de rock y no rock. [36] Según Ron Wynn , el cantautor y multiinstrumentista Isaac Hayes ayudó a llevar la música soul a "la era de los álbumes conceptuales" con su álbum de 1969 Hot Buttered Soul , que tuvo éxito comercial e introdujo estructuras y arreglos más experimentales en el género. . [37] También entre los cantantes de soul, Robert Christgau cita a Redding como uno de los "pocos artistas confiables de larga duración" del género (siendo Otis Blue su "primer gran álbum").así como Aretha Franklin y su serie de cuatro LP "clásicos" para Atlantic Records , desde I Never Loved a Man the Way I Love You (1967) hasta Aretha Now (1968), que según él estableció un "estándar estético" de " pisotones rítmicos y canciones pegadizas". Christgau compara esta serie con carreras igualmente "prolíficas" de los Beatles, los Stones y Dylan en la misma década, así como con carreras posteriores de Al Green y Parliament-Funkadelic . [39] Los Rolling Stones(1971) y Exile on Main St. (1972), también es muy apreciado, y el historiador cultural Jack Hamilton lo calificó como "uno de los grandes picos creativos sostenidos en toda la música popular". [40]

1970: Edad de oro del LP

Pink Floyd (1973) interpretando The Dark Side of the Moon , un éxito comercial líder de la era LP

El período comprendido entre mediados de la década de 1960 y finales de la de 1970 fue la era del LP y la "era dorada" del álbum. Según When Albums Ruled the World (2013) de BBC Four , " Estos fueron los años en que la industria de la música explotó para volverse más grande que Hollywood ". [41] "La era del álbum había dado paso a la noción del cantante de rock como un artista al que vale la pena prestar atención por más que la duración de un éxito", observó Pareles más tarde. "Los artistas podían convertirse en presencias vívidas para sus fanáticos incluso cuando no estaban omnipresentes en el Top 40 , y se formaron lealtades que continúan [d] hasta la [década de 1990] para algunos artistas de las décadas de 1960 y 1970.." [42] Entre los que surgieron en la década de 1970 estaba Bruce Springsteen , a quien Powers llama "la estrella de rock de la era de los álbumes por excelencia" por cómo "usó la forma de larga duración en sí misma con más fuerza durante el arco de una carrera, no solo establecer un mundo a través del canto, sino habitar una persona perdurable". [43]

Los músicos de rock progresivo y soul utilizaron enfoques altamente conceptuales orientados a álbumes en la década de 1970. [44] Pink Floyd lanzó LP temáticamente conceptuales e intrincadamente producidos que reinventaron los estándares del rock durante la siguiente década, particularmente con su álbum de 1973 The Dark Side of the Moon . [45] El músico y productor Brian Eno surgió a través de un trabajo prolífico que utilizó a fondo el formato con enfoques progresivamente experimentales del rock, alcanzando su punto máximo a lo largo de la era del álbum con sus grabaciones en solitario, así como álbumes producidos para Roxy Music , David Bowie , Talking Heads y U2. [46] Bajo el liderazgo de Berry Gordy en el sello de soul Motown , los cantautores Marvin Gaye y Stevie Wonder recibieron control creativo para abordar sus álbumes más seriamente en lo que generalmente había sido un género centrado en un solo tema, lo que llevó a una serie de LP innovadores de los dos a medida que transcurría la década. [47] Por su trabajo innovador, Gaye y Wonder fueron las pocas excepciones en lo que Marc Hogan de Pitchfork observa que se convertiría en un "canon lleno de rock" predominantemente de hombres blancos durante la era del álbum, uno que excluyó en gran medida las obras de mujeres y afroamericanos. músicos americanos. [48]

Stevie Wonder , entre los artistas innovadores de la época

Según Eric Olsen , Pink Floyd fue "la banda multiplatino más excéntrica y experimental de la era del álbum rock", mientras que el artista de reggae Bob Marley fue "la única figura destacada de la era del rock que no era de Estados Unidos ni del Reino Unido" [49]. ] El LP de Joni Mitchell de 1970 , Ladies of the Canyon , se considera comúnmente como uno de los discos más importantes de la era del álbum. [50] Las producciones de Bob Ezrin , que trabajó en los álbumes de la década de 1970 de Alice Cooper y Kiss ' Destroyer .(1976) – también se destacan de esta época. Como escribe el periodista musical James Campion: "La era de los álbumes de la década de 1970 se adaptaba perfectamente a su enfoque cinematográfico. Su formato, con sus dos caras, como si fueran dos actos en una obra de teatro con un intermedio, permite un arco crucial en la narración". [51] Junto con el disco LP, la cinta de 8 pistas fue otro formato popular en los EE. UU. en este período. [41]

Desarrollando la estética del LP de la década de 1970, Campion identifica los factores culturales y ambientales que, en su opinión, hicieron que el formato fuera ideal para los jóvenes durante la década. Describe el "ambiente solitario" que el tocadiscos y los auriculares ofrecían a los oyentes, que "los envolvían en un intrincado panorama estéreo, sonidos atmosféricos y trucos vocales de varias capas". [51] Warren Zanes considera la astuta secuenciación de las pistas de LP como "el arte menos reconocido de la era del álbum". [52]La popularidad de las drogas recreativas y las lámparas de humor en ese momento proporcionaron escenarios adicionales para experiencias auditivas más enfocadas, como señala Campion: "Esto mantuvo al oyente absorto en cada canción: cómo fluía una hacia la otra, su contenido lírico conectado y la fusión de instrumentación." [51]

Un estudiante de Rhodes College escuchando el LP Yes de 1969 en el campus, c.  1970

En comparación con las generaciones futuras, Campion explica que las personas que crecieron en la década de 1970 encontraron más valor en escuchar álbumes, en parte debido a su acceso limitado a cualquier otro dispositivo de entretenimiento en el hogar: "Muchos de ellos no podían controlar la televisión familiar o incluso el radio de cocina. Esto llevó a priorizar el dormitorio o el estudio de arriba". Campion describe este escenario como una "cápsula de imaginación" para los oyentes de la época, que "se encerraron en el paisaje de ensueño de los auriculares, estudiando cada rincón de la obra de arte de 12 pulgadas y profundizando en el subtexto lírico, ya sea de la manera prevista por el artista o no". . Otras influencias culturales de la época también influyeron en las experiencias auditivas, según Campion,cómics , así como publicidad , propaganda y "la promesa estadounidense de grandeza ". En su análisis, Campion concluye: "Como si estuvieran sentados en su propio teatro de la mente  ... eran participantes dispuestos en el deambular lúdico de sus héroes del rock and roll". [51] Además de esta observación, Pareles dice: "Las canciones sucesivas se convierten en una especie de narración, unida por la imagen y las fantasías sobre el intérprete". A medida que "el afecto y la fascinación de los oyentes  ... se transfirieron de una canción de éxito, o una serie de éxitos, al cantante", los artistas discográficos particularmente exitosos desarrollaron un "poder de permanencia" entre el público, según Pareles. [42]

Los juicios eran más simples en los primeros días del pop , en parte porque el rock and roll estaba diseñado para ser consumido en segmentos de tres minutos de "tómalo o déjalo". El surgimiento del LP como forma, como entidad artística, como solían decir, ha complicado la forma en que percibimos y recordamos lo que alguna vez fue la más evanescente de las artes. El álbum puede resultar un tótem de los años 70: las configuraciones más breves estaban regresando al final de la década. Pero para los años 70 seguirá siendo la unidad musical básica.

- Guía de discos de Christgau: álbumes de rock de los setenta (1981) [53]

Según Hogan, con el sargento. Pepper proporcionó el ímpetu, la idea de un "álbum conceptual" se convirtió en una herramienta de marketing en la década de 1970, ya que "no faltaban las bandas que usaban la pretensión del 'arte' para vender decenas de millones de discos". Citando álbumes de gran éxito como The Dark Side of the Moon por liderar la tendencia, Hogan dice que "las ventas de discos aumentaron en espiral" a mediados de la década de 1970. [48] ​​En 1974, "las ventas en dólares de discos y cintas en los Estados Unidos alcanzaron un máximo histórico de 2.200 millones de dólares", según la World Book Encyclopedia , y las grabaciones de pop y rock representaron dos tercios de todas las ventas de música grabada. . Sin embargo, el libro atribuye esto en parte a un aumento en los precios récord durante el año,las ventas netas de LP habían disminuido de 280 millones a 276 millones de copias y notaron un aumento en las ventas de cintas de 108 millones a 114 millones. A medida que las compañías discográficas concentraron sus esfuerzos en el pop y el rock, los lanzamientos de otros géneros como la música clásica, el jazz y la música fácil quedaron marginados en el mercado. Muchos artistas de jazz durante este período grabaron LP cruzados con canciones amigables con el pop para aumentar sus ventas de discos. [54]

En 1977, las ventas de álbumes habían comenzado a "disminuir", según Hogan. [48] ​​Pareles atribuye este declive a los desarrollos del punk rock y la música disco a fines de la década de 1970: "El punk devolvió el enfoque a la canción corta y ruidosa. La música disco se concentró en el momento físico cuando una canción hace que un cuerpo se mueva". [42] Christgau señala de manera similar que "la estética de los singles comenzó a reafirmarse con la música disco y el punk", lo que sugiere que esto puso fin a la "Era de los álbumes altos". [55] En un análisis diferente, el historiador Matthew Restall observa en este período actos populares que luchan por mantener el alto nivel de éxito que obtuvieron sus álbumes anteriores.'s Blue Moves (1976) y Fleetwood Mac 's Tusk (1979), Restall dice: "[Estos] son ​​ejemplos dramáticos de cómo los artistas de la era de los grandes álbumes  ... sufrieron el final de un horizonte de expectativas. " [56]

Décadas de 1980 a 1990: formatos competitivos, tácticas de marketing

Declive de los discos LP y otros cambios culturales (1979-1987)

La caída de las ventas de discos LP a fines de la década de 1970 marcó el final de la "edad de oro" impulsada por los LP, [41] cuando la industria de la música enfrentó la competencia de un resurgimiento comercial en la industria del cine y la popularidad de los videojuegos arcade . [48] ​​El éxito de la programación de videos musicales de MTV también volvió a enfatizar el formato sencillo en la década de 1980 y principios de la de 1990. Según Pareles, pronto se hizo evidente que, "después de la era del álbum rock de la década de 1970, MTV ayudó a que el sencillo de éxito volviera a la prominencia como herramienta de marketing pop" e influyó en los hábitos de consumo de los compradores de discos hacia más "éxitos desechables". [42]

Las estrellas del pop de la década de 1980, como Michael Jackson y Madonna , pudieron despertar el interés en sus álbumes lanzando un sencillo o un video musical para MTV. Esto condujo al desarrollo del lanzamiento del álbum moderno, destinado a impulsar el impulso de marketing de un álbum durante un período prolongado de tiempo, que va desde muchas semanas y meses hasta más de un año. "Con el tiempo, se convirtió en una lista de verificación tácita (y, finalmente, incluida en el presupuesto) para lanzar un álbum pop de un sello importante", escribe el periodista de Vulture Justin Curto, quien cita elementos de este modelo para ser un sencillo principal optimista, una atención -grabación de videos musicales, cobertura de prensa, mercadería novedosa y el anuncio de una gira de conciertos de apoyo . [57]Dependientes de medios como MTV que reproducían exclusivamente canciones de éxito, las compañías discográficas ejercían más presión sobre los actos discográficos para lograr un éxito comercial y comercial instantáneos. "Las décadas de 1980 y 1990 llevaron las ventas de discos a nuevos picos, mientras que los propios artistas tendían a parpadear y agotarse", como relata Pareles. [42]

A principios de la década de 1980, los críticos inicialmente lucharon por reconciliar el auge de los sencillos punk en sus concepciones del canon jerárquico de los LP. Sin embargo, London Calling (1979) de The Clash y otros LP punk pronto ganaron reconocimiento en las clasificaciones de los mejores álbumes. A medida que avanzaba la década, Prince , Kate Bush y Public Enemy surgieron como otras excepciones en el canon predominantemente de hombres blancos y orientado al rock de la era de los álbumes. [48] ​​Los artistas de hip hop también lograron una estatura crítica correspondiente a través de una serie de álbumes exitosos más adelante en la década. Comenzando con el lanzamiento de mayo de 1986 de Raising Hell de Run - DMC , que vendió más de tres millones de copias, estas incluyeron Licensed to Ill (1986) de Beastie Boys , Criminal Minded (1987) de Boogie Down Productions , Yo! Bum Rush the Show (1987) y Paid in Full de Eric B. & Rakim (1987). Según el escritor de The Boombox , Todd "Stereo" Williams, esto inició la "edad de oro" del hip hop, así como la propia "era de los álbumes" del género desde finales de la década de 1980 hasta finales de la de 1990, durante la cual "los álbumes de hip-hop serían la vara de medir". por el que se juzgaría a la mayoría de los grandes del género". [58]En respuesta al rápido desarrollo de las tendencias en estas últimas décadas de la era de los álbumes, los géneros y formatos a menudo se renombraron o reagruparon, como la categorización de la música " pop/rock " anterior en el formato de " rock clásico ". [56]

Transición a casetes y CD (1984-1999)

El reproductor de CD portátil Discman , que fue lanzado en 1984 y precipitó el desplazamiento de los LP.

Durante la década de 1980, el formato de álbum consolidó su dominio en el mercado de la música grabada, primero con la aparición del casete. [41] Según el columnista de PC Mag John C. Dvorak , "la era de los álbumes había resultado en demasiados álbumes con solo una buena canción en cada uno de ellos, por lo que los casetes permitían a los usuarios hacer sus propias mezclas ", una tendencia acelerada por la introducción de el Sony Walkman en 1979. [59] La introducción del CD, junto con el reproductor portátil Discman en 1984, [59] inició el desplazamiento de los LP en la década de 1980 como el formato de álbum estándar para la industria de la música. [36]Según Hogan, "la difusión de casetes y CD en los años 80 rompió el álbum con grabaciones caseras y saltos de canciones más fáciles". [48] ​​En 1987, la industria de la música experimentó su año más rentable debido a la creciente popularidad del CD, destacada por éxitos de marketing como Jackson, U2, Bruce Springsteen, Prince, Paul Simon , Whitney Houston , Sting , Bon Jovi y Def . Leppard , los dos últimos de los cuales representaron un boom del pop metal en la industria. [60] Si bien las ventas unitarias netas en realidad habían disminuido, [60]Christgau informó en septiembre de 1987 que los CD estaban superando los precios de los discos LP y los casetes se vendían más que ellos, [61] aunque el casete también sería eventualmente desplazado por el CD. [59] En 1988, respondiendo a los desarrollos de la década, el sociomusicólogo Simon Frith predijo un fin inminente a "la era discográfica" y quizás "a la música pop como la conocemos". [48]

En la transición a los CD, los álbumes del pasado bien considerados fueron reeditados en el formato por sus sellos discográficos originales, o el sello al que se había transferido la propiedad del álbum en caso de cierre del original, por ejemplo. [36] En 1987, la reedición del catálogo completo de estudio de los Beatles fue especialmente popular entre los consumidores de la generación del baby boom , que también eran el público objetivo de dos películas de rock clásico: el tributo a Chuck Berry Hail! ¡Granizo! Rock 'n' Roll y la película biográfica de Ritchie Valens , La Bamba (con la banda sonora que la acompaña ), y compilaciones de Elvis Presley que conmemoran el décimo aniversario de su muerte. [60]Sin embargo, muchas obras antiguas se pasaron por alto para su reedición digital "debido a problemas legales y contractuales, así como a una simple supervisión", explica Strauss. [36] En cambio, dichos registros a menudo se redescubrían y recopilaban a través de las prácticas de excavación de cajas de los productores de hip hop norteamericanos que buscaban sonidos raros para probar sus propias grabaciones. En su relato de los excavadores de cajas de hip hop de la década de 1980, la teórica de los medios y la cultura Elodie A. Roy escribe: "Mientras rastreaban las tiendas de segunda mano y las ventas de maleteros- depositarios de excedentes capitalistas no deseados - los buscadores estaban obligados a encontrar reinos de discos LP producidos en masa, ahora pasados ​​de moda". Este desarrollo también contribuyó al fenómeno del "coleccionista popular", que el erudito en cultura material Paul Martin describe como aquellos generalmente interesados ​​en artículos "obtenibles, asequibles y atractivos", como lanzamientos musicales, y atributos para la producción en masa . [62]

A medida que los LP cayeron en desgracia frente a los CD, los productores de hip hop los reutilizaron como fuentes de muestreo , lo que contribuyó al desarrollo del coleccionismo de discos .

Según Pareles, después de que "la canción individual regresara como la unidad pop" durante la década de 1980, las compañías discográficas a fines de la década comenzaron a abstenerse de lanzar sencillos exitosos como una forma de presionar a los consumidores para que compraran el álbum en el que aparecía el sencillo. [42] A fines de la década de 1980, las ventas de sencillos de vinilo de siete pulgadas estaban cayendo y fueron desplazadas casi por completo por los sencillos en casete , ninguno de los cuales finalmente se vendió tan bien como los álbumes. [41] La producción de álbumes proliferó en la década de 1990, con Christgau aproximadamente 35.000 álbumes en todo el mundo lanzados cada año durante la década. [63] En 1991, el álbum Nevermind de Nirvanafue lanzado con gran éxito de crítica y vendió más de 30 millones de copias en todo el mundo, lo que provocó un auge del rock alternativo en la industria de la música. [48] ​​Un auge simultáneo de la música country liderado por Garth Brooks y Shania Twain [64] culminó con más de 75 millones de álbumes country vendidos en 1994 y 1995, [65] momento en el cual el mercado del rap también estaba creciendo rápidamente, particularmente a través de el éxito de controvertidos actos de gangsta rap como Dr. Dre y Snoop Dogg . [66] Mientras tanto, la entrega de música de una sola canción al consumidor era casi inexistente, al menos en los EE. UU.,[67] y en 1998, Billboard eliminó el requisito de un sencillo físico para su inclusión en su lista de sencillos Hot 100 después de que varios de los principales éxitos del año no se lanzaran como sencillos a los consumidores. [68] En 1999, la industria de la música en su conjunto alcanzó un pico comercial con $ 15 mil millones en ingresos por ventas de discos, principalmente de CD. [69]

Eddy cita Nevermind de Nirvana como aproximadamente el final de la "era de los mejores álbumes", [30] aunque Strauss escribió en 1995 que la "era del álbum-rock" todavía estaba vigente. [36] Como otro "punto final", Hogan dice que los críticos han nombrado a menudo el álbum OK Computer de 1997 con influencias electrónicas de Radiohead , que avanzó en los límites de la música rock al tiempo que logró un nivel dual de éxito general y crítico sin igual por cualquier "guitarrista". basado en un trabajo de larga duración en décadas posteriores. [48]Mientras tanto, Kot observó una disminución en la integridad entre la industria y los artistas. Sugirió que los consumidores habían sido explotados durante la década de 1990 al aumentar los precios de los álbumes en CD, que eran menos costosos de producir que los discos de vinilo y tenían tiempos de ejecución más largos con música de calidad considerablemente más baja. Si bien reconoció que algunos actos de grabación aún intentaban cumplir con los ideales de principios de la era del álbum, dijo que la mayoría había renunciado a sus responsabilidades como artistas y narradores y adoptó prácticas de grabación indulgentes para beneficiarse del auge de los CD. [33]

Década de 2000: Declive en la era digital, cambio a lo pop y lo urbano

Una pareja joven escuchando música en un iPod Mini , 2006

A principios de la década de 2000, Kot publicó un obituario falso para el LP de 33⅓ rpm en el Chicago Tribune . En él, argumentó que el LP "se había vuelto obsoleto debido a las descargas de MP3, bandas sonoras de películas y reproductores de CD, sin mencionar los videojuegos, la televisión por cable, Internet y la explosión mundial de medios que se aprovechan de la capacidad de atención de lo que solía ser". ser conocidos como compradores de álbumes". [33] En 1999, el servicio de intercambio de archivos punto a punto de Internet Napster permitió a los usuarios de Internet descargar fácilmente canciones individuales en formato MP3 , que habían sido extraídas de los archivos digitales ubicados en CD. [70]En medio del auge de Napster en 2000, David Bowie predijo en una entrevista que la era de los álbumes terminaría con la adopción inevitable de los archivos de música digital por parte de la industria de la música. [71] [nb 2] A principios de 2001, el uso de Napster alcanzó su punto máximo con 26,4 millones de usuarios en todo el mundo. [72] Aunque Napster se cerró más tarde ese año por violaciones de derechos de autor, varios otros servicios de descarga de música ocuparon su lugar. [73]

En 2001, se introdujo el servicio iTunes de Apple Inc. , y el iPod (un reproductor de MP3 fácil de usar) se lanzó ese mismo año, al que pronto se sumaron alternativas legales similares. Esto, junto con un aumento continuo en el intercambio de archivos ilícitos, condujo a una fuerte caída en las ventas de música grabada en formatos físicos [67] durante los siguientes tres años. [74] Las ventas se recuperaron brevemente a finales de 2004 cuando la industria registró aproximadamente 667 millones de álbumes vendidos, liderados con 8 millones de Confessions de Usher , [74] cuyo éxito ejemplificó el dominio comercial del pop de la música urbana en la década. [75] Eminem y 50 Cent se encontraban entre los éxitos de las principales discográficas del auge del rap que había continuado desde la década anterior. [66] Confessions y The Eminem Show (2002) de Eminem serían ambos certificados Diamante por la Recording Industry Association of America , alcanzando 10 millones de copias vendidas cada uno al final de la década. [75]

Kanye West (2007) surgió durante la década como un importante productor de hip-hop y artista de álbumes. [76]

Los discos más innovadores y culturalmente relevantes también se estaban produciendo en los géneros urbanos de R&B , hip hop y pop, incluidos álbumes de Kanye West y D'Angelo , así como las producciones de Timbaland y Neptunes . Para los críticos, estos trabajos se convirtieron en otra forma de los discos de arte pop de larga duración que habían definido la era de los álbumes con una tradición basada en la guitarra de rock, que se complicó aún más por la aclamación canónica otorgada al álbum de post-rock electrónico de Radiohead Kid A (2000). ). No lograr igualar las ventas históricas de OK Computer, los álbumes de rock más aclamados de principios de la década de 2000 a menudo revisaban sonidos más antiguos, como Is This It (2001) de Strokes , White Blood Cells (2001) de White Stripes y Turn on the Bright Lights (2002) de Interpol . , o simplemente carecía del amplio presupuesto de producción y marketing de Radiohead, como en el caso de Arcade Fire 's Funeral (2004). Estos desarrollos llevaron a la disminución del prestigio comercial y cultural del rock y al cambio del paradigma crítico del rockismo al poptimismo en los años siguientes. [48]

Mientras tanto, la capacidad de la industria de la música para vender álbumes seguía enfrentándose a la amenaza de la piratería y los medios de la competencia, como los DVD, los videojuegos y la descarga de canciones individuales. Según los datos de Nielsen SoundScan para 2004, las pistas digitales habían vendido más de 140 millones de copias a alrededor de 99 centavos cada una de proveedores en línea como iTunes, lo que indica que los consumidores preferían descargar canciones individuales sobre el álbum de mayor precio en su totalidad. [74] En 2006, las ventas de CD fueron superadas en número por primera vez por las descargas de sencillos, y los consumidores de música digital compraron sencillos en lugar de álbumes por un margen de 19 a 1. [67] Para 2009, las ventas de álbumes se habían reducido a más de la mitad desde 1999, disminuyendo de una industria de $ 14.6 a $ 6.3 mil millones. [77] También por esta época,dance-pop había sucedido a la música urbana como el género dominante en la radio top 40 , [75] con artistas pop como Rihanna emergiendo durante este período basando sus carreras en sencillos digitales en lugar de ventas de álbumes. [78] Los actos de rock veteranos como U2 prosperaron a través de la caída de las ventas de álbumes mejor que los actos más jóvenes debido a los seguidores leales que todavía tenían apego al formato. "Hijos de la era del álbum como eran, U2 nunca dejaría de considerar el álbum como la declaración central de su creatividad" a pesar de las ventas progresivamente más bajas, dice Mat Snow, señalando que los shows en vivo se convirtieron en su mayor fuente de ingresos. [69]

Una tienda de discos HMV en Wakefield , Inglaterra, cerró sus operaciones en 2013

Con el auge de los medios digitales en la década de 2000, el "coleccionista popular" de álbumes físicos pasó al coleccionista "digital" y "electrónico". De tales coleccionistas, Roy dice que se puede argumentar que "no están equipados con suficientes conocimientos o herramientas de archivo para preservar su colección a largo plazo", citando la vulnerable vida útil de los archivos digitales. [62] Al mismo tiempo, la desaparición de las tiendas físicas de música permitió que los sitios web emergieran como dominios para la recopilación de álbumes, incluida la base de datos de reseñas musicales AllMusic , el servicio de transmisión Spotify y Discogs , que comenzó como una base de datos de música antes de convertirse en un mercado en línea para Lanzamientos de música física. [79]

La frase "muerte del álbum" se usó en los medios durante el declive, generalmente atribuyéndola a compartir y descargar en Internet, [80] [81] y las expectativas cambiantes de los oyentes de música. [82] El director de operaciones de Capitol-EMI , Jeff Kempler, dijo en 2007 que menos artistas buscarán campañas orientadas a álbumes, mientras que el investigador de medios Aram Sinnreich predijo sin rodeos la muerte del álbum con los consumidores escuchando listas de reproducción en sus reproductores de MP3. [67] En una entrevista varios años después, Lee Phillips del bufete de abogados de entretenimiento de California Manatt, Phelps & Phillipscreía que la era de los álbumes había terminado y culpó a las compañías discográficas por no reconocer la inevitabilidad de la transmisión como el medio favorito de distribución de música y por no trabajar con Napster en una solución. [83]

2010s-presente: era posterior al álbum y la era del streaming

Un teléfono inteligente que muestra listas de reproducción en Spotify , 2010. El servicio de transmisión se convirtió en una plataforma dominante y redefinidora para el consumo de música a lo largo de la década.

Los conocedores de la industria musical [ 84] y los escritores de la década de 2010, como Jon Caramanica [85] y Kevin Whitehead , [86] han descrito este período en la historia del álbum como la "era posterior al álbum". En el transcurso de la década, los sellos discográficos generalmente invirtieron en plataformas de transmisión como Spotify y Pandora Radio , con estrategias centradas en listas de reproducción seleccionadas y pistas individuales en lugar de álbumes. [2] Spotify, en particular, se convirtió en una plataforma dominante y redefinidora para el consumo de música durante la década de 2010. En un informe más adelante en la década para Deseret News , Court Mann dijo que "servicios como Spotify y Apple Musichemos trasladado nuestras bibliotecas [de música] de los discos duros personales, iPods y CD, a la nube . Nuestra música es cada vez menos independiente y privada". [87] En 2011 , las ventas netas de álbumes en los EE . más de tres millones de CD vendidos en enero de 2012) [88] , pero continuó cayendo nuevamente el año siguiente. [75] Con los consumidores abandonando los álbumes, más artistas se enfocaron en lanzar sencillos, una tendencia que los críticos sintieron que socavaba su potencial artístico y produjo muchos maravillas de un solo golpe [ 89] Sin embargo, los críticos, que habían escrito principalmente reseñas de álbumes durante la era de dominio del formato, también habían comenzado a reseñar canciones individuales. [30]

Si bien el formato de álbum estaba "muerto" comercialmente, artistas de alto perfil como U2, The 1975 , Taylor Swift y Katy Perry aún presentaban su trabajo dentro de una "era de álbum" autodefinida, dice Peter Robinson de The Guardian . Dichos artistas presentaron la vida estética de su proyecto al estilo de las campañas de álbumes temáticos de actos anteriores como Bowie, Madonna y Pet Shop Boys . [90] Los álbumes se comercializaron en lanzamientos de productos extravagantes, similares al arte escénico , que alcanzaron "un nadir" en 2013, según la escritora de Vulture Lindsay Zoladz, quien cita los intentos fallidos de actos como Kanye West, Arcade Fire yLady Gaga sobre el uso de arte visual y escenarios públicos en la estrategia: "La campaña ARTPOP cómicamente excesiva de Gaga presentó una escultura de Jeff Koons y una conferencia de prensa en la que presentó 'VOLANTIS, el primer vestido volador del mundo'; Daft Punk grabó un sinfín de álbumes clásicos de VH1 : Esque anuncios promocionales que conmemoraban Random Access Memories antes de que nadie lo hubiera escuchado  ... y luego, ¿quién podría olvidar a [Perry] conduciendo por las calles de Los Ángeles en un camión dorado de 18 ruedas que gritaba KATY PERRY PRISM 10-22-13 y miraba, misteriosamente, como un bloque de diez toneladas de queso Cracker Barrel?" [91]A pesar de esto, Swift siguió siendo el principal adherente y meticuloso planificador de campañas de la era del álbum durante la década, creando un arte distintivo de la estrategia, en opinión de Curto. [57]

Beyoncé (2016) popularizó la estrategia del álbum sorpresa de la década de 2010.

A mediados de la década de 2010, los artistas discográficos populares habían adoptado el álbum sorpresa como una estrategia de lanzamiento, publicando sus álbumes con poco o ningún anuncio y promoción previos, en parte como una forma de combatir las filtraciones de Internet . Esta estrategia fue precedida por Radiohead y Bowie, pero Beyoncé la popularizó con su álbum homónimo en 2013, lo que llevó a lo que Zoladz en 2015 llamó la "era actual del álbum sorpresa". [91] Al año siguiente, la cantante repitió la estrategia con su álbum Lemonade y volvió a demostrar que "el Zeitgeist podía ser capturado y retenido en una sola noche", como explica Curto. [57]Sin embargo, Zoladz continuó informando una "fatiga colectiva" entre los críticos profesionales y los oyentes ocasionales por mantenerse conectados con los lanzamientos sorpresa y el ciclo de noticias de las redes sociales que los rodea. También destacó la capacidad de Drake para mantener su atractivo popular a lo largo del tiempo con lanzamientos de una sola pista y, por lo tanto, dominar el "deseo de gratificación instantánea y anticipación a largo plazo" de la era digital. [91] La segunda mitad de la década de 2010 tendió hacia un marketing mínimo similar para los lanzamientos de álbumes de hip hop, con anuncios en forma de publicaciones en las redes sociales que revelaban solo la portada, la lista de canciones o la fecha de lanzamiento unas semanas antes como máximo. [57]

Otros críticos todavía creían en el álbum como un concepto viable en el siglo XXI. En 2003, la revista Wired le asignó a Christgau que escribiera un artículo sobre si el álbum era "una forma de arte en extinción", a lo que concluyó: "Mientras los artistas estén de gira, venderán colecciones de canciones con el resto de la mercancía, y esas colecciones serán concebidas tan ingeniosamente como los artistas puedan". En 2019, cuando las ventas de CD y descargas digitales se desplomaron y aún persistían las teorías sobre la "muerte" del formato de álbum físico, Christgau encontró que su premisa original era aún más válida. "Porque la computadora da como la computadora quita", escribió en un ensayo que acompaña a Pazz & Jopencuesta de música de ese año, explicando que la asequibilidad actual de equipos de grabación adecuados hace que la producción de álbumes sea accesible para músicos de varios niveles de competencia. Con respecto a los actos profesionales, dijo: "Escribir canciones está en su ADN, y si dichas canciones son buenas, grabarlas para la posteridad pronto se vuelve irresistible". [92]

Incluso en la llamada era post-álbum de la década de 2010, cuando los oyentes no tenían que comprar un álbum para escucharlo, la industria aún no había dejado atrás los álbumes, en gran parte debido a esos elementos extraños del lanzamiento: el merchandising, la gira, la atención, todavía hacen dinero a los sellos discográficos y otros intermediarios.

— Justin Curto ( Buitre , 2020) [57]

En un ensayo de fin de año sobre el álbum en 2019, Ann Powers escribió para Slate que el año encontró el formato en un estado de "metamorfosis" en lugar de muerto. En su observación, muchos artistas de grabación habían revitalizado el álbum conceptual en torno a narrativas autobiográficas y temas personales, como la intimidad, la interseccionalidad , la vida afroamericana, los límites entre las mujeres y el dolor asociado con la muerte. Citó álbumes como Jaime de Brittany Howard , Jimmy Lee de Raphael Saadiq , Eve de Rapsody , On the Line de Jenny Lewis y Nick Cave .'s Ghosteen . [93] Escribiendo contemporáneamente, la periodista de arte y cultura Michelle Zipkin creía que los álbumes siguen siendo "un componente integral, relevante y célebre de la creación musical y artística". Citó la tabulación del agregador de reseñas Metacritic de los álbumes más aclamados de la década de 2010, que mostraba la maestría musical de una amplia gama de artistas y, a menudo, temas serios, como el dolor, las relaciones raciales y la política de identidad , y agregó que "Los álbumes de hoy ofrecen una nueva forma de acercarse a una industria cambiante". [2]

Para 2019, Swift seguía siendo el único artista "que todavía vende CD" y aún tenía que adoptar los servicios de transmisión porque no habían compensado a los artistas de grabación de manera justa, según Quartz . Profundizando en este punto, el crítico de Los Angeles Times , Mikael Wood, dijo: "Sin embargo, mientras mantuvo su música fuera de Spotify, condicionando a su audiencia leal a pensar en comprar sus canciones y álbumes como un acto de devoción, artistas más jóvenes como [Ariana] Grande surgieron para establecerse como favoritos de transmisión". Sin embargo, Swift usó todos los principales servicios de transmisión para lanzar su álbum Lover de 2019 , que según Quartz "podría ser el último CD que compremos" y fue "quizás una nota de muerte final para el CD". [94]

Tendencias internacionales

A mediados de la década de 2010, las ventas físicas de CD y vinilo representaban el 39 % de las ventas mundiales de música. Del total de ventas de música en los EE. UU. ( el mercado musical más grande del mundo en términos de ingresos), menos del 25% fueron copias físicas, mientras que Francia y el Reino Unido registraron alrededor del 30-40% en esta misma estadística. Sin embargo, esa cifra fue de aproximadamente el 60% para Alemania y el 75% para Japón, que tenía el segundo mercado más grande del mundo con más de ¥ 254 mil millones (o $ 2,44 mil millones) vendidos por año en grabaciones musicales, la mayoría de ellos en forma de CD. Ambos países lideraron el mundo en ventas de música física en parte debido a la afinidad mutua de sus culturas por los "objetos físicos", según el periodista de Quartz Mun Keat Looi. [95]

La industria japonesa había favorecido especialmente el formato de CD, debido en parte a su facilidad de fabricación, distribución y control de precios. En 2016, Japón tenía 6000 tiendas físicas de música, superando a EE. UU. (aproximadamente 1900) y Alemania (700) con la mayor cantidad en el mundo. A pesar de que Internet de banda ancha está disponible en Japón desde 2000, los consumidores se han resistido al cambio al consumo descargado y transmitido, que representa el 8% de los ingresos totales de música del país, en comparación con el 68% en el mercado estadounidense. Si bien los solteros en los países occidentales habían sido anticuados durante más de una década, el mercado japonés para ellos se mantuvo en gran parte debido a la inmensa popularidad de los artistas ídolos , las bandas de chicos y los grupos de chicas .. Aprovechando el fanatismo que rodea a estos artistas, las compañías discográficas y las agencias de marketing explotaron el aspecto comercial de los CD con trucos promocionales, como lanzar varias ediciones de un solo álbum, incluirlas con entradas para eventos de artistas y contar las compras de CD individuales como votos de los fans. hacia concursos de popularidad para artistas. El enfoque se alejó de la música y se centró en la experiencia de los fanáticos de la conectividad con un ídolo favorito, según el corresponsal de The Japan Times , Ronald Taylor. [95]

La boy band japonesa Arashi , que tuvo el álbum más vendido del mundo ( 5x20 All the Best!! ) en 2019 [96]

El comportamiento inusual del consumidor japonés en el mercado de la música grabada fue un ejemplo del síndrome de Galápagos , un concepto empresarial enmarcado en la teoría evolutiva de Charles Darwin . Según Looi, explica cómo el carácter innovador pero aislacionista del país se ha traducido en "un amor por una tecnología que el resto del mundo casi ha olvidado". Sobre la perdurable popularidad comercial de los CD allí, el analista de música global Mark Mulligan explicó que el poder adquisitivo de Japón y la demanda de los consumidores se habían concentrado entre su población que envejecía rápidamente y que era más probable que siguiera a ídolos veteranos como la banda de chicos Arashi.y el cantautor Masaharu Fukuyama , aunque menos concentrada entre los jóvenes sintonizados con los servicios digitales y de streaming. Sin embargo, a mediados de la década de 2010 también se registró un aumento en las ventas de suscripciones y música digital, lo que indica una tendencia a alejarse de las compras físicas en el país. [95]

En 2019, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI, por sus siglas en inglés) informó que entre los 10 principales mercados de música grabada del mundo se encuentran Japón, China, Corea del Sur y Australia, aunque señaló un surgimiento de mercados fuera de Occidente en general, incluidos los de América Latina, Asia y África. El informe también observó un alejamiento del dominio global de actos populares en inglés y hacia éxitos regionales con atractivo intercultural, como BTS y J Balvin , debido en parte a una cultura de consumo más abierta y conectividad social entre artistas. y oyentes. Mientras que los principales artistas discográficos de Occidente continuaron confiando en los roles tradicionales de las principales discográficas, otros utilizaron proveedores de servicios digitales como Spotify y Apple Music paralanzar sus propias grabaciones o lanzarlas en asociación con un distribuidor independiente. [97]

Periodo de pandemia

Taylor Swift , una adherente desde hace mucho tiempo a los lanzamientos de la era de los álbumes, lanzó sus álbumes por sorpresa en 2020.

En 2020, los lanzamientos de álbumes se vieron obstaculizados por la pandemia de COVID-19 y las medidas de distanciamiento social relacionadas . [57] Entre el 6 y el 12 de marzo, las ventas de álbumes físicos cayeron un 6% debido en parte a la pandemia. Más tarde ese mes, Amazon suspendió temporalmente los envíos entrantes de CD de música y discos de vinilo de proveedores estadounidenses en un esfuerzo por priorizar los artículos considerados más esenciales. [2] El cierre de los minoristas físicos y los sistemas de distribución a causa de la pandemia afectó especialmente a los actos discográficos veteranos, ya que sus fanáticos tendían a ser mayores y era más probable que aún compraran CD y discos de vinilo. En consecuencia, muchos de esos actos que todavía se adhirieron a un modelo de lanzamiento tradicional, como Willie Nelson yAlicia Keys , retrasó los lanzamientos de sus discos. [98] Al informar sobre el desarrollo en marzo, el periodista de Rolling Stone Elias Leight explicó:

Eso se debe a que decenas de miles de pistas nuevas aparecen diariamente en los servicios de transmisión. Para superar el diluvio, los videos deben filmarse con meses de anticipación, las apariciones en televisión deben disputarse, los curadores de servicios de transmisión deben cortejarse, las oportunidades de prensa están bloqueadas, las fechas de giras y las visitas a estaciones de radio y las apariciones en tiendas de discos se alinean. Sin estos componentes, los artistas corren el riesgo de lanzar música a un público desinteresado, desprevenido o simplemente abrumado. Y en este momento, casi todas estas opciones para elevar el perfil están fuera de alcance. [99]

Algunas de las principales estrellas del pop reinventaron sus estrategias de lanzamiento durante la pandemia. Taylor Swift lanzó por sorpresa sus álbumes Folklore y Evermore en julio y diciembre de 2020, respectivamente, abandonando una campaña de lanzamiento adecuada por primera vez en su carrera y estableciendo varios récords de ventas y transmisión. Ariana Grande, más inspirada por las estrategias de lanzamiento de rap, lanzó su álbum Positions (2020) con un anuncio y una promoción igualmente mínimos. El éxito de ambos artistas durante la pandemia se produjo cuando las estrellas del pop más establecidas habían planeado lanzamientos de álbumes tradicionales, incluidos Katy Perry, Lady Gaga y Dua Lipa . [57] Keys también lanzó por sorpresa su álbum Aliciadespués de un retraso indefinido debido a la pandemia. [100] Al mismo tiempo, los álbumes de rap se beneficiaron aún más de la cultura de transmisión y consumo más a pedido del período, con raperos como Lil Uzi Vert , Bad Bunny y DaBaby encabezando las listas de álbumes. [57]

Ventas de vinilo en EE. UU. en unidades, 1995–2020; Si bien las ventas de álbumes en general disminuyeron, las del formato de vinilo aumentaron hacia fines de la década de 2010.

2020 resultó ser el año más exitoso para álbumes de vinilo en la historia de MRC Data (desde 1991), con 27,5 millones vendidos en EE. UU. En junio de 2021, Billboard informó que las ventas netas de álbumes físicos habían aumentado por primera vez en años debido a la pandemia. Los artistas de pop y hip hop/R&B ganaron más ventas que nunca en el mercado de vinilos de EE. UU., mientras que los discos de rock experimentaron una caída a pesar de representar más de la mitad de las ventas totales del mercado. Entre los principales vendedores de vinilos del año se encontraban Harry Styles , Billie Eilish , Kendrick Lamar y Swift, cuyo Evermore lideró las ventas de CD y álbumes de vinilo lanzados en 2021. [101]

Al informar sobre las tendencias de lanzamiento de música durante la pandemia, los escritores observaron que ofrecían una mayor conectividad para los artistas con sus oyentes durante un período de cambio de paradigma al tiempo que empoderaban a ambos grupos a expensas de las grandes discográficas. [57] Sin embargo, Oliver Tryon, del webzine musical CULTR , argumenta que la industria de la música sigue siendo uno de los mercados más rentables del mundo y ha capitalizado las tendencias cambiantes en la era del streaming, incluida la brevedad cada vez mayor de las canciones, la disminución de las distinciones de género entre los artistas y innovaciones en la tecnología de la música electrónica, como la aplicación de la inteligencia artificial en la música . Sobre los desarrollos en 2021, Tryon predijo que los lanzamientos regionales de todo el mundo aumentarían en el mercado global y "la música generativa "aumentaría como resultado de las listas de reproducción contextuales", mientras que los álbumes en general "seguirían disminuyendo a medida que la era posterior al álbum se vuelve más prominente". [102]

Véase también

Notas

  1. ^ Blonde on Blonde (1966) y Pet Sounds (1966) de los Beach Boys también son nombrados por Graff como posibles puntos de partida para la era del álbum, constituyendo "un cuerpo de trabajo cohesivo y conceptual en lugar de solo algunos sencillos exitosos... con pistas de relleno". [19] 
  2. ^ Bowie le dijo a The New York Times en 2002: "Ni siquiera sé por qué querría estar en un sello dentro de unos años, porque no creo que vaya a funcionar por sellos y por sistemas de distribución. de la misma manera. La transformación absoluta de todo lo que alguna vez pensamos sobre la música tendrá lugar dentro de 10 años, y nada podrá detenerlo". [71]

Referencias

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Lectura adicional

Enlaces externos

  • Albumism : revista en línea dedicada al contenido relacionado con álbumes
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